Австралийская художница Паулина Адайр (Pauline Adair) родилась в Новой Зеландии, но последние 43 года прожила в Австралии. У неё нет какого-либо художественного образования, так что, в основном, Паулина самоучка, но, по словам художницы, все свои знания получила, разглядывая картины величайших мастеров прошлого, а также современной художников и экспериментируя с различными средами и методам живописи, большинство её картин о красоте тела написаны акварелью, но также она работает маслом и пастелью.

В 1990 году художница оставила свою "настоящую" работу и начала писать полный рабочий день... и до сих пор не останавливается, так как, опять же по её словам, больше всего на свете любит рисовать людей, как правило обнажённые фигуры женщин, "каждый человек, которого я вижу, это потенциальная тема для моей картины. Я стараюсь захватить выражение его лица, малейшие нюансы, изгибы и красоту тела. Каждый день, каждая картина бросает мне новый захватывающий вызов. На свете так много людей, так много предметов и так мало времени! На протяжении многих лет я набросала и нарисовала множество предметов, женских фигур, портретов и пейзажей, которые писала во время своих бесчисленных путешествий. Я рисую почти каждый день, потому что не хотел бы уйти в могилу с картинами, которые еще внутри меня".

Каждый человек имеет свой индивидуальный красоту , снаружи и внутри. Они уже шедевры творения! Её картины людей (женщин) это торжество человечества и уникальность красоты тела каждого человека, дань нашему Творцу. В настоящее время она живёт и работает в городе Саншайн Кост, Австралия.

Ула Мос (Ula Mos) - молодая, профессиональная колорист и цифровая художница из Польши. Работает для комической и игровой индустрии, для таких компаний, как Zenescope и Dena Studios, а также индивидуальных клиентов. Большая часть картин Улы это работы в

стиле pin up, потому что её героини это, как правило, это шикарные женщины с шикарными формами.

Рубен Негрон (Reuben Negron) - современный американский художник, родился в 1979 году, в городе Орландо, Флорида. В 2000 году окончил Центр искусства и культуры при институте американских университетов в городе Акс ан Прованс, Франция, в 2001 году получил степень бакалавра изобразительных искусств в Мэрилендском колледже искусств, в Балтиморе, а в 2004 году

получил степень магистра в Школе визуальных искусств, Нью-Йорка.

Нагота появляется в центре, практически, всех картин Рубена Негрона, как сквозной лейтмотив, объединяющий большую часть его работ, с помощью которого художник заявляет, что он не анализирует характер интимной сексуальности, а просто "констатирует факт её наличия".

Несмотря на откровенную безнравственность некоторых ситуаций, в которых Рубен изображает героев своих картин, а иногда даже показную абсурдность (пытки, убийства, кровь и т.д.), художник одновременно предлагает зрителю анализ психологического состояния своих персонажей, предпочитая интеллектуальную, медицинскую оценку ситуации.

Истории, особенно те, в которые не вписываются просто нагота и сексуальность (множество картин художника написано на тему "нагие и одинокие") сталкиваются с недоверием или даже осуждением, однако это не влияет на отношение автора к красоте тела и поэтому, у зрителя возникает твёрдая уверенность в том, что первозданная красота стоит у Негрон на первом месте...

Хуан Мануэль Коссио (Juan Manuel Cossio) - современный испанский художник, родился в Мадриде в 1960 году. Изучал изобразительное искусство и историю в городском университете Комплутенсе, с 1980 по 1985 годы он работал копировщиком в музее Прадо. С 1986 года Коссио был студентом Мануэля Фрнкуэло, одного из ведущих художников гипер-реалистов Испании. В настоящее

время Хуан Мануэль Коссио живет и работает в Мадриде.

Для того, чтобы создавать эти красивые и подробные реалистичные картины, художник использует аэрограф. Он одевает своих героинь - практически, всегда это восхитительные женщины - в белые одежды и помещает их в минималистские, абсолютно функциональные интерьеры. Подтекст его картин избавлен от каких либо ассоциаций с временем и местом. Ничто не отвлекает зрителя от красоты женского тела, которое будто разговаривает с нами языком поз и жестов.

Лазер Фундора (Lazer Fundora) - современный кубинский художник. Родился в Гаване, Куба в 1965 году, в настоящее время живет и работает в городе Куэрнавака, Мексика. Фундора в совершенстве освоил технику гиперреализма - жанр живописи и скульптуры. Его картины, с уникальным подходом к фотореалистичной визуализации людей, пейзажей и натюрмортов, напоминают фотографии высокого разрешения.



Он работает акрилом на холсте, нанося краску специально отобранными кистями, иногда, Лазер закупал кисти оптом, если они помогали укладывать краску так, как в данный момент это требовалось художнику и отражали в каждом мазке его внутренность уверенность в правильности выбранного направления.



Картины художника уже более 20 лет удивляют и восхищают ценителей современного искусства во всём мире. Лазер показывал их в галереях, музеях, культурных центрах Мексики, некоторых странах Латинской Америки и Европы, Канаде и Соединённых Штатах, также он неоднократно участвовал в международных арт-ярмарках. Он является обладателем многочисленных наград, его работы были опубликованы в разных журналах, таких как, например, Playboy - мексиканское издание.



Как художник Лазер самоучка. Его художественный стиль - "искусство движения", который он разработал самостоятельно и, начиная с 2000 года, рисует исключительно в нём. Гиперреализм, в работе Фундоры, предваряет, путем применения различных методов, фотореализм, используемый художником для создания конечного варианта картин или скульптур.



В работу Фундора вкладывает всю свою страсть для того, чтобы максимально достоверно передать красоту человека. Художник погружает зрителей во внутренний мир своих персонажей, передавая их эмоциональное состояние, включая составляющие настроения своих героев: счастье, печаль и разочарование. Картины Фундора фиксируют красоту, которую он видит в человеке, существующую где-то между физической красотой и чувствами.

Хосе Парра (Jose Parra) - современный мексиканский художник. Родился в Гвадалахаре, Мексика, в 1975 году. Вырос в семье, члены которой уже не первое поколение занимаются реставрацией и созданием религиозного искусства и испанской и латиноамериканской живописи в стиле барокко. Основное влияние на его творчество оказали именно эти направления в искусстве, которые, правда, прошли через фильтр современного драматического

театра, определившего смысл действий (позы, выражения лиц и т.д.) его персонажей, а также некоторых формы композиции.

Он стал учеником в студии отца и до 16 лет изучал живопись под его руководством. После учёбы в Iteso (иезуитский колледж), он поступил в Школу искусств при университете Гвадалахары, затем учился на отделения гуманитарных наук в колледже Лига студентов художников в Нью-Йорке и, наконец, посещал семинары известного мексиканского художника Карлоса Варгаса Понса в Гвадалахаре.

Нынешние его картины созданы под сильным влиянием великих мастеров эпохи барокко, а также работ в стиле магического реализма Ремедиоса Варо, Каррингтон и Анны Башелье и философию работ Фредерика Харта. Картины Хосе Парра была каталогизированы и опубликовано в книг и журналах о современном искусстве в Мексике, Соединенных Штатах и ??Европе. Он участвовал в персональных и коллективных выставках в Мексике и на международном уровне: в выставке "Inernational Carrefour" в Нью-Йорке, "New Great Masters" (Новые великие мастера) в Центанарио музее в Монтеррее и в выставке "Феникс и драконы" в Шомон и Фихтах, Германия.

Нил Смит-Уиллоу (Neal Smith-Willow) современный мексиканский художник, работающий маслом, пастелью и акварелью в манере представительной живописи, в жанре так называемого "Живописного реализма" (Painterly realism). Пишет с повествовательной точки зрения. Все сюжеты художник берёт из своего опыта, фильтруя их через зрение, обоняние и осязание. Основная цель Нила

- создание образов мимолетных мгновений, так, чтобы с его помощью, они могли оставаться не только в памяти.

"Живописный реализм кажется мне лучшим средством для картин подобного рода, его примеры можно найти в картинах Эдгара Дега, Томаса Икинса и Сингер Сарджент и некоторых других. В связи с этим я восхищаюсь уникальным видением художников движения New York Ashcan начала 20-го века. Революция в американском искусстве, стала причиной появления на свет небывалого взгляда на работающих жителей Манхэттена, а также на времяпрепровождение среднего класса. Однако художники движения Ashcan не могли долго находиться на гребне волны, также, как незадолго до них абстрактное искусство, они были сметены волной американской реализма. Сегодня жанр "живописный реализм", как и в прошлом, неизбежно включает в себя всё новое из среды, которая окружает художника.

Я хочу быть "переводчиком", сохраняющим на холсте те впечатления от места и времени, которые остаются в памяти. Они помогают открыть окно, предлагая зрителю на минуту возродить то, что было когда-то давно, а теперь смыто потоком времени. Работа заставляет меня чувствовать себя ребенком, связанным со своей любимой игрушкой или человеком, преданным своей мечте".

Рамон Гутьеррес (Ramon Gutierrez) - современный испанский художник, родился в 1966 году, в Барселоне, Каталония. Пишет карандашами, углём, но в основном, маслом в стиле импрессионизм. Первое художественное образование получил в 16 лет, в мастерской Куатре Пинторса, затем изучал изобразительное искусство в университете Барселоны у Нуриа Бальсельса, Агусти Рока,

Хорхе Сальдивара, Глории Муньос, Руиса Ортего Креспо, однако лучшим учителем, который подтолкнул его к живописи и дал ему дыхание, необходимое для того, чтобы продолжать и дальше развивать талант художника, был Хуан Хосе Гутиеррес, его отец, художник-любитель и страстный шахматист.

После окончания университета Гутьеррес много раз участвовал выставках, получил признание критиков и любовь зрителей. Музыка, особенно Джаз, всегда были "звуковой дорожкой" его произведений. Темно-синий, черный и серый - любимые цвета в картинах Рамона, начиная с восьмидесятых. В настоящее время Рамон творит в своей мастерской, расшифровывая цветовые переплетения и световое разложение на составные части, соединяя в своих картинах такие новые техники как коллаж и слушая Чарлье Паркера.

Джанлука Мантовани (Gianulca Mantovani) - итальянский художник, родился в 1974 году, в Ливорно, где он до сих пор живет и работает. Известен своими реалистичными картинами обнажённой женской фигуры. Движимый врожденной страстью к рисованию и стремясь достичь уровня личностной зрелости, начинает самостоятельно изучать масляную живопись.

В своём родном Ливорно, он впервые познакомился с масляной живописью в стиле импрессионизм. Однако характеристики самых ранних работ сильно разнились, в результате художественные исследования и многочисленные эксперименты подтолкнули его попробовать другие стили. http://kinonoch.com/

Так продолжалось до встречи с его учителем Бруно Ди Майо, который считает, что реалистическая живопись это лучший и наиболее благоприятный способ художественного самовыражения. Исследования, в попытке достичь совершенства в реализации истинны, стали для него основным источником вдохновения и личного удовлетворения, и это позволило художнику наилучшим образом применить свою уникальную способность воспроизводить детали.

"Удивительное свойство искусства - оно может жить вечно. Искусство, которое стоит больше, чем то, что вы тратите на него, почему бы вам не иметь картину Мантовани Джанлука - они способны жить вечно.

Великий мастер Джанлука Мантовани, молодой художник обладающий несомненным талантом, с его тщательным вниманием к реалистичности обнаженной женской фигуры, чей натурализм переплетается с непреодолимой соблазнительностью. Его картины возвращают нас в личный, но в то же время классический мир, в котором мысль художника выраженная через краску и кисть, определяет его идеал женской красоты".

Жан-Пьер Леклерк (Jean-Pierre Leclercq) - современный французский традиционный художник, предпочитающий работать исключительно карандашом и пастель, впрочем иногда он использует кисти, добавляя немного масляной краски, чтобы добиться желаемого эффекта.

В настоящее время его подход в изображении обнаженных женщин вплотную приближаются к реализму, но также включает в себя романтические и символические элементы. Обычно Леклерк рисует женщин, чаще всего обнаженных. Его картины предназначенные для того, чтобы поделиться со своими чувствами и отдать должное красоте женщины.

"Моя цель заключается в желании подарить зрителю заряд положительных эмоций, переполняющих меня. Прежде всего, я ориентируюсь на людей, восхищающихся женственностью, часто сконцентрированной в её наготе".

Бенито Черна (Benito Cerna) - современный перуанский художник. Родился в Перу, 4 апреля 1960 года. Изобразительное искусстве специально нигде не изучал, то есть как художник он самоучка, однако уже много лет работает над множеством различных проектов, кроме живописи занимается восстановлением произведений искусства и исторических памятников.