..Все родное к сердцу ближе.

Сердце чувствует живей,

Ну пропой же, ну начни же:

Соловей мой, соловей!..

В. Домонтович. 

Любопытное было это дарование по душевной чуткости и соответствию запросам множества людских сердец, бившихся в тон алябьевским мелодиям... В нем уживались пестрота наблюдений ума, едва ли не «фельетониста от музыки», с вниканием в запросы сердца своих современников...

Б. Асафьев

Имя Александра Александровича Алябьева, известного русского композитора начала XIX века, в основном знакомо широкому кругу любителей музыки благодаря романсу "Соловей" - замечательному образцу русского городского романса эпохи романтизма. Романсы, песни, фортепианные танцевальные пьесы Алябьева издавались и были популярны еще при его жизни.

Гайдн написал ораторию "Сотворение мира" в годы, когда его уже считали живым классиком, и ему, как "бессмертному мастеру музыкального искусства", даже был воздвигнут памятник. 

В основе Оратории «Сотворение мира» - библейский сюжет. Две первые части повествуют о возникновении мира по воле Бога. Третья и последняя – о райской жизни Адама и Евы до грехопадения. По признанию самого Гайдна, никогда он не был так благочестив, как во время работы над «Сотворением мира». «Когда ощущал я упадок духа и тела, - писал композитор, - и мне становилось тяжело, какое-то удивительное чувство шептало мне: «В этом мире так мало довольных и счастливых людей, отовсюду их преследуют заботы и горе; возможно, когда-то твой труд послужит источником, из которого обремененная бедами, утомленная душа будет черпать успокоение и бодрость».

Фанни Гензель (урожд. Мендельсон Бартольди, 14 ноября 1805, Гамбург — 14 мая 1847, Берлин) — немецкая певица, пианистка и композитор. Сестра Феликса Мендельсона Бартольди, дедом их обоих был известный еврейско-немецкий философ-просветитель Моисей Мендельсон.

В 1805 году в семье гамбургского банкира Абрахама Мендельсона родилась дочь - Фанни Циппора, а в 1809 - сын Феликс. Через несколько лет вся семья  приняла лютеранскую веру, превратив Фанни Циппору в Фанни Цецилию, и подалась в Берлин. Именно тогда Мендельсоны стали Мендельсонами-Бартольди; после крещения было принято брать вторую фамилию. Финансовое благосостояние семьи позволяло брать детям наилучших учителей, и талант Фанни и Феликса не остался незамеченным. Они занимались фортепиано у самого Цельтера, лучшего берлинского преподавателя музыки. И он очевидно больше благоволил к сестре, нежели к брату. Сохранилось письмо Цельтера к Гёте, где музыкант с восторгом рекомендует поэту музыкально одарённую воспитанницу: "... а старшая дочь Мендельсона сыграет вам что-нибудь из вашего любимого Баха. Эта девочка - нечто особенное..."
Время шло, и вот уже Абрахам Мендельсон пишет пятнадцатилетней Фанни, которая уже пишет музыку и мечтает о карьере певицы: "Для Феликса музыка, возможно, станет профессией. Для тебя она может и должна остаться лишь украшением". Для Фанни предназначалась судьба богатой наследницы: свадьба, дом, дети. Однако замуж она вышла за очень незаурядного человека.

Джон Филд (26 июля 1782, Дублин — 11 января 1837, Москва) — ирландский композитор, основоположник ноктюрна. Славился как пианист-виртуоз. Большую часть жизни провёл в России.

Джон Филд, родился в семье ирландских протестантов в Дублине в 1782 году. Семья Джона была музыкальной (отец был скрипачом, дед — органистом), поэтому музыкальный талант мальчика был рано замечен. Юный Филд обучался основам музыки под руководством отца и деда, а позже стал учеником жившего в Дублине итальянского маэстро Томмазо Джордани. Он выступил с первым концертом в Дублине в возрасте десяти лет.
В следующем году семья переехала в Лондон, где Джон Филд стал обучаться музыке у Муцио Клементи. Помимо обучения Филд работал продавцом-демонстратором в фортепьянной мастерской Клементи.

В феврале 1799 года Джон Филд успешно выступил с фортепианным концертом в Королевском театре. В 1802 году Клементи организовал для Филда европейское турне. Филд выступил в Париже, затем — в Вене, а в 1803 году Клементи и Филд прибыли в Санкт-Петербург.
После концертов в Санкт-Петербурге Филд решил не возвращаться и остаться жить в России. В России Джон Филд становится популярным композитором и исполнителем: с 1804 года он регулярно выступает с концертами в санкт-петербургской филармонии, а со следующего года начинает ездить с концертами по другим городам империи. У него было много богатых учеников. Учились у Филда, в частности, Александр Дюбюк (с которым Филд, учитывая его особую одарённость, занимался бесплатно) и Михаил Глинка, А. Верстовский, А. Виллуан, А. Гурилев, Н. Девитте, Шарль Майер.
 

Вот как Глинка впоследствии вспоминал о своём учителе:

Один из лучших фортепианных преподавателей Вены начала 19 века- композитор и пианист Карл Черни. И по сей день пользуется популярностью его фортепианное творчество. Многие современные музыканты при составлении своего репертуара пользуются педагогическим принципом Черни: «от простого к сложному».

Родился Карл Черни 21 февраля 1791 года в Вене. Отец – Венцель Черни — был известным музыкальным педагогом, который первым обучил пятилетнего Карла игре на фортепиано. А в возрасте 9 лет он уже давал публичные выступления. На одном из таких выступлений, услышав игру маленького Карла, Бетховен предложил с ним заниматься.

Мальчик оказался настолько талантлив, что Бетховен доверил Карлу первое исполнение своего Третьего концерта.
В 1815 году Карла Черни признают одним из лучших фортепианных педагогов Вены. Его учениками были такие знаменитые музыканты 19 века, как Ф. Лист, С. Тальберг, Т. Лешетицкий, Т. Куплак.
Черни писал во многих музыкальных жанрах, он является автором многих месс, реквиемов, симфоний, камерных произведений и романсов. Но наибольшей популярностью пользуется его фортепианное творчество, а именно сборник этюдов, который так ценен для пианистов особой мелодичностью и художественностью.
Черни никогда не был женат, так как посвятил всю свою жизнь музыке и до конца жизни работал педагогом, и лишь за несколько недель перед смертью прекратил музыкальную деятельность.
Умер гениальный пианист и композитор 15 июля 1857 года, оставив после себя огромное творческое наследие, которое насчитывает более 1000 опусов и множество книг, посвящённых правильной игре на фортепиано.

http://propianino.ru/karl-cherni

Серия сообщений "Мои коллажи-3":

Часть 1 - Что-то вспомнилось...)))
Часть 2 - Одинокие женщины - О. Газманов
...
Часть 28 - Валерий Меладзе - все песни
Часть 29 - Очарована, околдована - Михаил Звездинский
Часть 30 - Елена Ваенга и Николай Басков - плейлисты

Судьба творческого наследия Жюля Массне необычна. В сорок с неболь­шим лет, Массне был одним из наиболее известных оперных композиторов своего времени. Стремительное восхож­дение к успеху, почестям и наградам импони­ровало современникам и вызывало зависть претенден­тов. Уникальные творческие способности Массне порождали регулярные поводы к обсуждению в прессе и аплодисменты в дни премьер.
Музыканты-профессионалы (композиторы, крити­ки, исполнители) также признавали выдающееся ма­стерство Массне — композитора.

Жюль Эмиль Фредерик Массне́ ( 12 мая 1842, — 13 августа 1912) — французский композитор, получивший известность благодаря своим операм, которых насчитывается более тридцати.Чаще других ставились две оперы – «Манон» и «Вертер.»
Будучи еще школьником, Жюль был принят в главное музыкальное учебное заведение Франции – Парижскую консерваторию. После получения Римской премии в 1863 году, Массне много писал в разных жанрах, но именно благодаря операм он быстро приобрел известность. В период с 1867 и до конца жизни он написал более 40 сценических произведений в самых разнообразных жанрах: комические оперы, инсценировки классических мифов, романтические комедии, лирические драмы, писал оратории, кантаты и балеты. Массне прекрасно чувствовал театр, что и стало причиной его успеха у парижской публики. Несмотря на некоторые просчеты, он написал ряд успешных произведений, сделавших его ведущим оперным композитором во Франции с конца XIX в. и до начала XX в.

В 1861 году музыка Массне впервые вышла в свет. Это было виртуозное произведение для фортепиано в девяти разделах «Большая фантазия на концерт Мейербера». Закончив класс композиции под руководством Амбруаза Тома, Массне был удостоен самой высокой консерваторской награды – Римской премии, среди прежних обладателей которой были Берлиоз, Тома, Гуно и Бизе. Двое первых присутствовали в качестве жюри на конкурсе в 1863 году. Всем конкурсантам было предложено написать кантату на один и тот же текст Гюстава Шоке о жизни Давида Риццио. После того как все композиции были исполнены, Массне оказался лицом к лицу перед судьями. По его словам:

«Амбруаз Тома, мой любимый учитель, вышел вперед ко мне и сказал, «Обними Берлиоза, это ему ты во многом обязан своей награде». «Награда», – воскликнул я в растерянности, мое лицо сияло от радости, – «я получил приз!!!». Я был глубоко тронут, и заключил в объятья Берлиоза, затем своего учителя и, наконец, месье Обера. Месье Обер успокаивал меня. А нужно ли было, чтобы меня успокаивали? А затем он сказал Берлиозу, указывая на меня: «Этот молодой негодник далеко пойдет, если у него будет меньше опыта!»

Балетная сюита "Сид"

Виотти Джованни Баттиста Виотти (12.5.1755,  ‒ 3.3.1824, ) итальянский скрипач, композитор и педагог. Выдающийся скрипач-виртуоз, Виотти был автором многочисленных произведений для скрипки, камерно-инструментальных ансамблей (квартеты, трио, дуэты). В своих камерных произведениях отдает главное место скрипке. Несмотря на многие привлекательные и сделанные со вкусом работы не для скрипки, только скрипичные концерты отражают в полной мере творческий талант Виотти.

Т.к. в своих камерных произведениях Виотти отдает главное место скрипке, то меня очень заинтересовало, то, что в одном ролике было написано: "Концерт для фортепиано"... Виотти.  Начала разбираться. Оказывается это переложение  "Концерта для срипки №19". Концерт звучит и в фортепианном исполнении превосходно. Решила сделать пост.  17 июля я выдавала сообщение "Скрипичный концерт №19" Виотти. Если кому - то будет интересно, вот ссылка:

 Джованни Баттиста Виотти. Концерт для скрипки с оркестром

Концерт для фортепиано с оркестром соль минор

(переложение Даниеля Готлиба Штейбельта (1765-1823), в оригинале - концерт для скрипки с оркестром №19)

В истории музыкального театра балет «Сильфида» занимает особое место. Премьера балета, состоявшаяся 12 марта 1832 года на сцене Гранд Опера в Париже, ознаменовала начало блистательной эпохи балетного искусства — эпохи романтизма. Создатели «Сильфиды» — либреттист А. Нурри, композитор Ж. Шнейцгоффер, балетмейстер Ф.Тальони, художник П. Сисери. Их детище, подводя итог исканиям хореографов и танцовщиков предшествующей эпохи, открыло перед балетным искусством новые горизонты. «Сильфида» поразила современников художественным совершенством, значительностью поэтического содержания, созвучного их умонастроению. Ведущая тема романтизма — разлад мечты и действительности — получила на балетной сцене впечатляющую наглядность.



Сюжет балета навеян шотландскими легендами. Его непосредственный источник — фантастическая повесть Ш. Нордье «Трильби», существенно переработанная сценаристом. На первый взгляд, это обычная балетная сказка — крестьянин Джеймс, оставив дом и невесту ради прелестной девы воздуха Сильфиды, невольно губит свою избранницу. Но за сюжетными перипетиями встает столь дорогая романтикам прошлого века мысль о несовместимости поэзии и прозы жизни, о непреодолимом противоречии между духовным идеалом и чувственно-земным бытием.

Не одна лишь новизна содержания сделала «Сильфиду» манифестом балетного романтизма. Новой была художественная форма спектакля, где танец, потеснив в правах пантомиму, стал основным выразительным средством, наполнился глубоким лирическим подтекстом. Танцевальные характеристики персонажей реального мира — шотландских крестьян, одетых в яркие национальные костюмы — строились на фольклорно-этнографической основе. Танец персонажей фантастического царства — Сильфиды и ее небесных подруг — был начисто лишен бытовых примет. Этот танец, получивший впоследствии наименование «классический», «передавал самые сложные движения души — души, сделавшейся зримой, принявшей материальную оболочку», — пишет историк балета В. М. Красовская. Она отмечала, что этот танец являлся как бы условно поэтическим языком, каким Сильфида и ей подобные персонажи выражали свои думы и переживания, от светлой радости до горькой печали.
Воздушность и строгую красоту «сильфидного» танца подчеркивал условный балетный костюм: лиф, открывающий плечи и руки, длинный тюник из белого газа, чуть подсвеченного голубым, прозрачные крылышки за спиной. 
 

Сильфида — вольная мечта, поэтическая фантазия, материализовавшаяся в образе крылатой девы, принесла мировую славу двадцативосьмилетней балерине Марии Тальони. Современники восприняли ее искусство как откровение. В сиянии ее славы померкло имя создателя балета — отца Марии, балетмейстера и педагога Филиппо Тальони, умело огранившего талант своей великой дочери. Среди балетов, сочиненных им для Марии, «Сильфида» осталась непревзойденным шедевром.
Именно в «Сильфиде» балерина впервые поднялась на пальцы не для эффекта, но ради образных задач. Героиня Тальони действительно казалась существом сверхъестественным, не женщиной, а духом, попирающим законы притяжения, когда танцовщица «скользила» по сцене, почти не прикасаясь к полу, и замирала на миг в летучем арабеске, будто поддерживаемая чудесной силой на острие выгнутой стопы. Изощренной техники Тальони зрители словно не замечали, так бесшумны и легки были ее полеты, так безыскусна ее чарующая грация. «Она танцует, как соловей поет, как бабочка летает: это язык ее, это ее жизнь, ее счастье», — отмечал очевидец. 

Томазо Альбинони Адажио — шедевр эпохи барокко

 Наш сегодняшний разговор пойдет о замечательном музыкальном сочинении.

Уверен, что вы, как и я, любите эту бессмертную музыку.

Томазо Альбинони Адажио - шедевр эпохи барокко.

Почти трехсотлетний период отделяет музыку адажио от нас, но она свежа и современна до сих пор. Мы, слушатели, восхищаемся ее поразительной эмоциональностью, проникновенностью чувств, любовью к миру и человечеству.

Хочу сразу отметить, что полной уверенности в авторстве этого произведения нет; споры музыковедов на эту тему идут до сих пор. Биограф Томмазо Альбинони, настоящий энтузиаст, музыковед Ремо Джадзотто, в 1958 году сумел реконструировать из небольшого фрагмента произведение, названное Адажио соль минор.

Уже несколько десятилетий многие исследователи музыки высказывают сомнения в том, что автор - живший около трехсот лет назад венецианец Альбинони. Они приписывают авторство самому Р. Джадзотто, который, однако, никаких разъяснений по этому поводу никогда не давал.

Популярность этого музыкального сочинения невероятно велика. Существует огромное количество аранжировок и переложений. Адажио исполняют ведущие оркестры мира; хоровые коллективы и знаменитые вокалисты включают его в свой репертуар. Неторопливая выразительная мелодия словно ведет с нами разговор; ее щемяще-пронзительные интонации проникают в душу и наполняют ее.

Приглушенно, чуть затаенно, звучит орган; виолончель вплетает свой густой напев... ей мягко отвечают струнные.

Посмотрим на этот портрет. Пытливым взглядом смотрит на нас человек в парике и старинном одеянии. В руках он держит ноты. Возможно, он ждет гостя? В родной Венеции, этом красивейшем городе на воде, у Томмазо было много друзей.

Среди них - Антонио Вивальди, тоже венецианец. Скорее всего, они были знакомы, встречались, ходили по одним улицам, передвигались на гондолах... Венеция эпохи барокко... Улочки со старинными домами, фасады которых смотрят прямо в воду; множество каналов, соборы, храмы.

Tomazo Albinoni Adazhio Venetsiyu Венеция Томазо Альбинони -немного биографии

О его жизни сохранилось не так много фактов. Альбинони родился в семье венецианского купца, богатого и знатного, владевшего большой бумажной мануфактурой.

Мальчика обучали вокалу, игре на скрипке, а композиторский дар проявился в результате занятий с Дж. Легренци.

Состоятельный с рождения, молодой человек не знал лишений, не имел забот о материальной сущности бытия.

Вся его жизнь сосредоточилась на музыке.

Этой страсти он отдавался полностью и сочинял, сочинял...

В создание музыки он вкладывал всю душу, не имея зависимости от прихоти вельмож.

Его положение сильно отличалось от тех условий, в которые были поставлены многие музыканты того времени.

Благодаря своему происхождению композитор был знаком со многими знатными людьми. независимое финансовое положение позволяло ему сочинять, руководствуясь собственным вкусом и посвящать опусы известным лицам.

Томазо Альбинони - сочинения

В эпоху барокко чрезвычайно популярным был оперный жанр. Именно в опере артист мог раскрыть свой талант и показать способности. Поэтому, обладая уникальным мелодическим даром, Альбинони охотно сочинял оперы.

Они пользовались успехом, ставились не только в родной Венеции. Его шедевры слышали в Болонье, Мантуе, Пьяченце, Генуе... Поразительной красотой мелодий отличались не только оперы, но и инструментальная музыка.

Удивительная оркестровка, умение использовать все возможности духовых и струнных инструментов, богатый и разнообразный мелодический язык.

Эти сочинения никак нельзя было назвать "любительскими", хотя довольно долгое время время композитор скромно подписывал свои опусы так: "венецианский любитель".

Признания он добился еще при жизни и слава Т. Альбинони давно перешагнула пределы Италии. С 1711 года композитор причислял себя к профессионалам и ставил подпись уже как muzico de violino музыкант, скрипач).

Нотные издательства крупных европейских столиц публиковали и распространяли музыку венецианца и почитали это за честь. А великий Бах даже использовал отдельные мелодии (музыкальные темы) для занятий с учениками по композиции.

 Послушаем вместе это превосходное музыкальное сочинение: Томазо Альбинони Адажио - шедевр эпохи барокко.

Томазо Альбинони в своем бессмертном произведении рассказывает нам о любви, гармонии, вечности... Музыка "Adagio in G Minor for Strings and Organ", исполнитель: Ettore Stratta & Baroque Chamber Orchestra

Немного о не совсем обычном начале  пути к славе Святослава Рихтера.

Учитель Рихтера, Генрих Густавович Нейгауз, рассказал однажды о первой встрече со своим будущим учеником: «Студенты попросили прослушать молодого человека из Одессы, который хотел бы поступить в консерваторию в мой класс.

— Он уже окончил музыкальную школу?— спросил я.
— Нет, он нигде не учился.
Признаюсь, ответ этот несколько озадачивал. Человек, не получивший музыкального образования, собирался в консерваторию!.. Интересно было посмотреть на смельчака.
И вот он пришел. Высокий, худощавый юноша, светловолосый, синеглазый, с живым, удивительно привлекательным лицом. Он сел за рояль, положил на клавиши большие, мягкие, нервные руки и заиграл.
Играл он очень сдержанно, я бы сказал, даже подчеркнуто просто и строго. Его исполнение сразу захватило меня каким-то удивительным проникновением в музыку. Я шепнул своей ученице: «По-моему, он гениальный музыкант». После Двадцать восьмой сонаты Бетховена юноша сыграл несколько своих сочинений, читал с листа. И всем присутствующим хотелось, чтобы он играл еще и еще...
С этого дня Святослав Рихтер стал моим учеником» (Нейгауз Г. Г.)
 

Так, не совсем обычно начинался путь в большом искусстве одного из крупнейших исполнителей современности Святослава Теофиловича Рихтера. В его артистической биографии вообще было много необычного и не было многого из того, что вполне обычно для большинства его коллег. Не было до встречи с Нейгаузом повседневной, участливой педагогической опеки, которая другими ощущается сызмальства. Не было твердой руки руководителя и наставника, планомерно организованных занятий на инструменте. Не было каждодневных технических экзерсисов, кропотливо и долго разучиваемых учебных программ, методичного продвижения со ступеньки на ступеньку, из класса в класс. Была страстная увлеченность музыкой, стихийные, никем не контролируемые поиски за клавиатурой феноменально одаренного самоучки; была нескончаемая читка с листа самых разнообразных произведений , настойчивые попытки сочинять; со временем — работа аккомпаниатора в Одесской филармонии, затем в театре оперы и балета. Была заветная мечта сделаться дирижером — и неожиданная ломка всех планов, поездка в Москву, в консерваторию, к Нейгаузу.

В ноябре 1940 года состоялось первое выступление 25-летнего Рихтера перед столичной аудиторией. Оно имело триумфальный успех, специалисты и публика заговорили о новом, ярком явлении в пианизме. За ноябрьским дебютом последовали еще концерты, один примечательнее и удачнее другого. Ширилась известность пианиста, крепла слава.

http://www.belcanto.ru › Персоналии › Пианисты

 

Концерт Святослава Рихтера . 

В программе концерта:

- Соната №8 ля минор Моцарта.

- Этюды Шопена.

- Вступительное слово Святослава Бэлзы.

Путь Давида Ойстраха к вершине искусства был вовсе не легким. Его творческий дебют в Москве состоялся, когда музыканту было 27 лет — возраст, излишне солидный для скрипача-дебютанта. Несмотря на позднее начало, Давид Ойстрах спустя всего несколько лет стал не только первой скрипкой мира, но и тем человеком, чье творчество сыграло исключительную роль в становлении мировой скрипичной школы. Одним из первых на планете он попробовал одновременно играть на скрипке и дирижировать оркестром, то есть исполнять музыкальные произведения так, когда игра скрипача-солиста является в то же время и указаниями дирижера. Музыкальные эксперименты Ойстраха потрясли искушенных знатоков музыки во всем мире...

Давид Федорович Ойстрах родился в Одессе 30 сентября 1908 года. Его отец, служащий, был большим любителем музыки. Мать пела в хоре оперного театра. Впервые мальчика привели в театр в 4-летнем возрасте, и впечатления от этого визита остались у него на всю жизнь. «Ощущение «звучащего чуда» никогда не изгладится из моей памяти,— писал Давид Ойстрах.— Нельзя не пожалеть, что современные дети, привыкшие с пеленок к звукам, доносящимся из репродукторов, лишены этого необычайного ощущения, этой радости — впервые услышать «живой» оркестр...»
Уже с пяти лет Давид Ойстрах начал учиться игре на скрипке у знаменитого одесского педагога П. Столярского и спустя всего год выступил в ученическом концерте. Столярский, обладавший музыкальной интуицией, верно указал путь Ойстраху: юному музыканту сперва стоило поиграть в составе оркестра, затем — камерного ансамбля, и только после этого думать о сольной карьере.
В 1924 году, будучи студентом второго курса Одесского музыкально-драматического института, Давид Ойстрах дал первый сольный концерт. Ему в ту пору было всего 16 лет. Программа концерта, состоявшая из виртуозных пьес и миниатюр, включала и два крупных сочинения, которые впоследствии вошли в «золотой фонд» скрипача: концерт ля-минор И. С. Баха и соната «Дьявольские трели» Тартини.
П. Столярский был и остался единственным учителем Ойстраха. Окончив институт в 1926 году, молодой музыкант далее совершенствовался самостоятельно. Некоторое время он играл в составе симфонического оркестра, пока в 1927 году не встретились молодой Ойстрах и известный композитор-классик, директор Ленинградской консерватории Александр Глазунов, который приехал в Одессу на гастроли. После концерта, покоренный мастерством молодого солиста, Глазунов подарил Ойстраху партитуру с собственноручной надписью: «Высокоталантливому молодому виртуозу-художнику Давиду Ойстраху в память наших совместных концертов на Украине. Искренний почитатель его дарования А. Глазунов. 17 ноября 1927 года». Тогда же Ойстраха пригласили в Ленинградскую филармонию, и он выступил в программе концерта на открытии сезона 1928—1929 годов.
После этих концертов Ойстрах решил оставить оркестр и посвятить себя сольной карьере. В 1928 году он переехал в Москву и познакомился с такими выдающимися музыкантами, как К. Игумнов, Г. Нейгауз, М. Полякин, В. Софроницкий. С 1934 года Давид Ойстрах начал преподавать в Московской консерватории. У молодого скрипача быстро завязались творческие знакомства с известными композиторами Н. Мясковским, А. Хачатуряном, С. Прокофьевым и Д. Шостаковичем.

Шуберт. Фантазия С мажор Д934.

Ф. Мендельсон. Песни без слов, тетрадь II (1833-1834), op. 30

№6 фа-диез минор "Песня венецианского гондольера"

Худ. Лиза Михайлова

Лист вошел в историю симфонической музыки как создатель нового жанра – одночастной симфонической поэмы. Его название вызывает мгновенные ассоциации с атмосферой поэзии и наглядно отражает ту связь музыки и литературы, которая лежала в основе листовской эстетики (как известно, Лист был одним из самых убежденных сторонников программного творчества и синтеза различных искусств).
 Симфоническая поэма воплощает конкретное программное содержание, порой очень сложное. 

12 из 13 симфонических поэм Листа относятся ко времени расцвета его творчества, когда композитор был руководителем и дирижером придворного Веймарского театра. 
Круг образов, воплощенный в симфонических поэмах Листа, очень широк. Здесь представлена мировая литература всех веков от античных мифов до творчества современных романтиков. Но среди пестрого разнообразия сюжетов отчетливо выделяется очень специфическая для Листа философская проблематика: проблема смысла человеческой жизни.
Наиболее широкую известность из листовских поэм получили две – «Тассо» (где композитор обратился к личности замечательного итальянского поэта эпохи Возрождения Торквато Тассо) и «Прелюды».

Ноктюрн – характерный жанр романтичной музыки, разновидность лирической миниатюры – отличается своей оригинальной тематикой. Слово «ноктюрн» в переводе с французского означает «ночная песня» лирического, мечтательного характера. Французское слово nocturne в этом значении впервые применил Джон Филд в 1810-х годах, хотя итальянский термин notturno существовал ещё в XVIII веке и обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе.

Великий немецкий композитор. Крупнейший реформатор оперы. Вагнер оказал значительное влияние на европейскую музыкальную культуру, особенно немецкую.

В гораздо большей мере, чем все европейские композиторы XIX века, Вагнер рассматривал своё искусство как способ выражения определённой философской концепции. Из этой концепции проистекают две основополагающие идеи: искусство должно твориться сообществом людей и принадлежать этому сообществу; высшая форма искусства — музыкальная драма, понимаемая как органическое единство слова и звука.  Читать далее

179 просмотров

В этом видеоролике собраны все достопримечательности Монмартра, связанные с именем этой певицы.

ЕЩЁ ПО ТЕМЕ:

Серия сообщений "DALIDA":
Часть 1 - Alain Delon & Dalida - Paroles, Paroles... (запись ОК!)
Часть 2 - DALIDA avec Alain DELON - Paroles, Paroles...
...
Часть 34 - DALIDA: ВСЁ, ЧТО ОСТАЛОСЬ ОТ НАШЕЙ ЛЮБВИ 1972
Часть 35 - МУЛЕН ДЕ ЛЯ ГАЛЕТТ: САМАЯ СТАРАЯ МЕЛЬНИЦА МОНМАРТРА - СЕГОДНЯ и НАВСЕГДА!
Часть 36 - ДАЛИДА И ЕЕ МОНМАРТР: ЦЕЛАЯ ЖИЗНЬ

Чарующий голос, полный любви и страдания, Валерия Агафонова.

Романс - это своеобразная форма общения между людьми. Известный музыкальный деятель нашей эпохи Б.В. Асафьев жанр романса сформулировал так: "Это песня от сердца к сердцу". В сущности, русский романс не столько вокальное искусство, сколько некий "тайный пламень", который мы уже столетиями передаем от сердца к сердцу. Русский романс невозможен, - без любви, дружбы, и сердечном участии.  И вместе с ним вступаем в родственный круг всех душ, когда-либо озарявших этим светом в русских пространствах и временах.

 Артист, которого вы сейчас услышите, своим исполнением русских романсов полностью подтверждает сказанное. "...В нем была и неподдельная глубокая страсть, и молодость, и сила, и какая-то увлекательно-беспечная, грустная скорбь. Русская, правдивая, горячая душа звучала и дышала в нем, и так и хватала вас за сердце..." Обладая не только музыкальным, но и драматическим талантом, тонким поэтическим вкусом, Валерий Агафонов бережно относился к слову, понимая, что музыка является фундаментом того, что заложено в слове. Своим творчеством Валерий Агафонов подтверждает истину, что бессмертным произведение сценического искусства, наравне с автором, делает и артист, исполняющий это произведение.

Элегическое трио №2 in D minor "Памяти великого художника" П.И.Чайковского.

 Жан Филипп Рамо( 25 сентября 1683, Дижон — 12 сентября 1764, Париж). Понимание эпохи Людовика XV невозможно без знания музыкального театра того времени. Постановки в Опере были не только основными культурными событиями в стране, затмив драматический театр; «Королевская Академия Музыки» была одним из основных репрезентативных атрибутов абсолютной монархии. После окончания монополии Жана Батиста Люлли и почти полвека метаний от эпигонских опусов к произведениям более талантливым в Опере наступает эпоха Жана Филиппа Рамо – одного из самых выдающихся художников своей родины. Его оперы и балеты составляют замечательное явление в истории французского музыкального театра, а его теоретические идеи и по сей день имеют основополагающее значение. Однако судьба его творческого наследия оказалась на редкость сложной: его музыка была, казалось, окончательно забыта после событий 1789 года. И только на рубеже XIX и XX веков, после тотального увлечения Вагнером, во Франции вновь приходит время Рамо. Он выдвигается такими композиторами, как Дебюсси, Дюка и д’Энри, как истинно французский композитор в противовес германской традиции. Несмотря на сложности с постановкой произведений Рамо на сцене, сама его музыка сейчас очень актуальна, в связи с возросшим интересом к вокальному искусству, предшествующему классико-романтической эпохе. Так же его творчество интересно со стороны изучения французской вокальной школы и её истоков.