Всем известно имя величайшего художника Голландии  Рембрандта ван Рейна .Кто не знает его величайших творений : "Возвращение блудного сына", "Синдики", "Ночной дозор", "Ассур, Аман и Эсфирь", "Милосердный самарянин", "Вирсавия", "Отречение апостола Петра", "Моисей разбивает скрижали"!
Мастер выполнил более 400 картин (не считая многочисленных несохранившихся произведений), а также 287 гравюр и тысячи рисунков. Серьезная, реалистическая живопись, говорящая сердцу, нашла себе
величайшего творца в лице Рембрандта. Сын мельника, Рембрандт стал известен в родном Лейдене будучи совсем молодым. Лейденский ранний период творчества ознаменован такими значительными работами, как "Изгнание торговцев из храма"(1626), "Концерт(аллегория музыки)"(1626),"Скупец"("Меняла" 1627) ,конечно, "Иуда возвращает серебряники" (1629), которая вызвала восторженный отзыв известного знатока живописи  Константина Гюйгенса: "...это дрожащее жалким трепетом тело  -  вот, что я предпочитаю хорошему вкусу всех времен". В Автобиографии (1628—1631) Гюйгенс назвал имя Рембрандта первым среди голландских художников того времени и противопоставил вызывающую смелость его работ всей предшествующей традиции живописи. Уже тогда Рембрандт выявляет роль света как средства эмоциональной выразительности сцены. Его успех в ранних работах на евангельские темы, в исторической живописи был бы невозможен без неустанного экспериментирования в области портрета и автопортрета. В качестве моделей он выбирает людей из ближайшего круга общения: родственников, соседей, друзей, людей, небогатых и неспособных заплатить за портрет. Но это не является главным для него на тот момент. Главное  -  ухватить мимику, жест, передать сиюминутное настроение модели, найти такую деталь, с помощью которой можно подметить, подчеркнуть ведущую черту характера.





Пожилой мужчина в меховой шапке, 1630



Старик в военной одежде 1631 ( отец Рембрандта)

50  -  60-е годы
Первая англо-голландская морская война 1652-1654 годов опустошила казну. В Амстердаме и других приморских городах начались банкротства; коммерческие обороты сократились. Это отразилось и на ценах за художественные произведения. В прежние годы Рембрандту каждый портрет, каждая картина приносила 600 флоринов; теперь ему не хотели платить и шестидесяти. Да и сама мода, под влиянием французских вельмож, посещавших Нидерланды (маршал Тюренн, портрет которого писал Рембрандт, прожил весь 1649 год в Голландии), изменилась; с нею извратился и эстетический вкус голландского общества. Сильные, реалистические картины Рембрандта, полные художественной правды, их оригинальный колорит уже не находили в художественных кругах Амстердама той оценки и безусловного поклонения, как прежде. Развитие его творческого гения шло вразрез с требованием рынка. Около 1645 года в его манере писать заметна коренная перемена. Золотистый тон картин переходит в темно-коричневый; на нем особенно эффектно выделяются яркие блики. Выражение лиц становится более угрюмым, суровым. Зато размах его кисти, широкий и смелый в молодости, в этот второй период его творчества отличается мягкостью, резкость контуров исчезает; не теряя рельефности, они гармонически сливаются в одно прекрасное целое
Тяжелые 1650-е и 1660-е годы — время полного разорения и обнищания художника — оказались самым плодотворным и зрелым периодом его творчества. В эти годы Рембрандт создал галерею непревзойденных по мастерству исполнения, полноте психологических характеристик портретов людей различного возраста, звания, интеллекта.


Портрет мужчины в золотом шлеме 1650


Кухарка 1651


Молодая женщина, примеряющая серьги 1657 С-П, Эрмитаж
Необыкновенно смело письмо Рембрандта, широкий свободный мазок, эскизная, «открытая» манера. Формы мягки, податливы, готовы реагировать на любой эмоциональный импульс и безупречно ясны, точны и определенны, – образ дается и в своей завершенности и в изменчивости внутренней жизни.

И тайное станет явным

Питер Брейгель Старший – Брейгель Мужицкий. Нидерландские, 1559
Всего на картине изображено 118 пословиц и поговорок, некоторые из которых, правда, уже на сегодня устарели, но, тем не менее, здесь присутствует не малое число понятых и по сей день.
Вверху слева – видите, по черепице круглые лепешки: крыша крыта пирогами – «рай дураков»! Ниже по скату – лучник «пускает вторую стрелу, чтоб найти первую» (бессмысленное упорство). Часть крыши лишена черепицы – «у крыши есть обрешетка» («у стен есть уши»).



Внизу слева мужчина в голубой рубахе – «кусающий колонны» (религиозный лицемер). Рядом дама расправляется с рогатым субтильным джентльменом: «она может даже дьявола привязать к подушке» (имеется в виду – упрямая баба победит самого дьявола).

Над этой сценой – женщина, в одной руке несущая ведро, в другой – дымящуюся головню: «у нее в одной руке огонь, в другой – вода» (что значит – она двулична и лжива).

Внизу справа – человек пытается ложкой собрать что-то выливающееся из котла: «тот, кто разлил кашу, уже не соберет всю обратно» (вспоминаете из нашего быта – «что пользы плакать над убежавшим молоком», допущенную оплошность не исправить).

В центре композиции исповедующийся под сенью: «он исповедуется дьяволу» (что означает – выдает секреты врагу). В той же исповедальне мужчина в красном колпаке «держит свечку для дьявола» (заводит друзей без разбору, льстит всем).

Тоже в центре, еще ближе к зрителю – женщина в красном платье набрасывает на плечи мужчине голубой плащ – «она обманывает его» (эквивалент: «наставляет мужу рога»). Слева от этой яркой пары – две прядильщицы: «одна прядет пряжу, другая сучит» (то есть – распускают недобрые сплетни).

Человек в белой рубахе орудует лопатой (тоже в центре, практически у нижнего края полотна): «он зарывает колодец после того, как теленок уже утонул» (принимает меры уже после того, как случилось несчастье). Справа от этой миниатюры – мужчина в окружении свиней. Занимается таким привычным делом – нарушает евангельское предостережение «не бросайте жемчуга перед свиньями» (бесплодные усилия).

Вверху, на башне – мужчина «бросает перья по ветру» (бесцельная работа). Его приятель тут же «держит плащ по ветру» (меняет свои взгляды в соответствии с обстоятельствами). В окошке башни женщина – она «глазеет на аиста» (попусту тратит время).

Лодка в верхнем правом углу – для того, чтоб напомнить о пословице «легко плыть по ветру» (легко добиться успеха при хороших условиях). А лодка с гребцом несколько ниже – напоминает о пословице «тяжело плыть против течения» (требует ли это пояснений о том, что трудно не желающему мириться с общепринятым!).

Персонажи миниатюр, составляющих картину, висят между небом и землей; бросают деньги в воду (сорят деньгами); бьются головой об стену; кусают железо (болтуны!); загораживают сами себе свет; садятся меж двух стульев или на горячие уголья; водят друг друга за нос...

Щеголь в розовом плаще (на переднем плане) вращает на пальце земной шар – «мир вращается на его большом пальце» (все пляшут под его дудку)! А у его ног – оборванец на четвереньках пытается влезть в подобный же шар – «приходится кланяться, чтобы преуспеть» (если хочешь многого достичь, приходится быть неразборчивым в средствах).

Обратите внимание – у левого края картины мы снова видим этот самый шар, только перевернутый: «мир вверх ногами» (все шиворот-навыворот). А над этим символом земного шара нависает задница персонажа в красной рубашке: «он справляет нужду на мир» (он презирает всех)...

Вот так, кстати, выстраивается композиция всей картины: отдельные миниатюры соединены не чисто механически, а один сюжет оказывается по смыслу продолжен и развит другим. Рассматривая персонажей, разгадывая шифр, вдруг понимаешь смысл этой сложной картины.

Еще одна пословица относится к солнцу в небе: «Как бы ловко ни обтяпать, все на свет выйдет» (все тайное становится явным).

Оказывается, Брейгель в «Нидерландских пословицах» – вовсе не банальный коллекционер пословиц. И работа его – не развлечение для скучающего бездельника. А назидание. Нетрудно заметить, что большинство пословиц, даже из тех, что попали в обзор, осуждают глупое, безнравственное поведение.

Лена Арб

В живописи Питер Брейгель Старший твердо держался раз и навсегда усвоенных принципов:
-он не писал портреты (как и Босх)
-не писал алтарных образов (не считая одного случая в молодости, когда надо было погасить незавершенное обязательство)
-и у него нет картин с изображениями райских или адских видений. Исключение - картина "Безумная Грета", правда ад - не объективная реальность, а изображение того, что творится в голове Греты.



Картина эта - осуждение человеческого безумия, алчности и жестокости, которое перерастает в глубокие размышления о судьбах людей.
Затянутое кровавой дымкой небо нависло над землей, усеянной отвратительными существами. Из голов с огромными глазами рождаются уродливые чудовища. А люди, не обращающие внимания на то, что окружает их, гибнут в давке, пытаясь овладеть золотом, которое на самом деле - лишь нечистоты, извергнутые безобразным гигантом. Не жуткие чудища, не сам дьявол поражают в этой картине, а люди, безумные и погрязшие в пороках. Они и создают этот ад.

Центральное место на полотне отведено нелепой фигуре высокой женщины, одетой в жалкие обноски. В ее руке - меч, за поясом - кинжал. Она тащит узел с чужими вещами. Рядом обычные крестьянки со злобными лицами грабят дом, оставленный хозяевами. Символично название картины. Еще в XV столетии народ окрестил "Безумной Гретой" большую пушку. Возможно, что именно ужасы войны хотел показать современникам художник. В подтверждение такой гипотезы говорят и отблески пожаров у горизонта, разрушенные крепостные стены, виднеющиеся вдали несметные войска, вооруженные копьями.

Эта картина также свидетельство возросшего спроса на босхианскую тематику.



Притча о Безумной Грете была чрезвычайно популярна в Нидерландах XVIвека. О чем свидетельствует масса народных пословиц:"похитить сковороду из ада","быть в своих латах","взять судьбу в железные рукавицы" и "ринуться в преисподнюю со шпагой наголо".
Одна бедная пожилая женщина была доведена до полного отчаяния бедствиями войны и сопровождавшей ее неизбежной нищеты. Она покорно сносила пьянство мужа, который затем куда-то бесследно исчез - то ли бросил ее с кучей орущих детей на руках,то ли,упившись до чертиков,окочурился в сточной канаве. Как неизбежный удар судьбы она восприняла и гибель - одного за другим,своих детей,сражавшихся с захватчиками-испанцами.

Так проходили годы ее жизни,пока одна бытовая, казалось бы совершенно незначительная,мелочь ни вывела ее окончательно из себя. Одинокая, всеми покинутая и опустившаяся Грета как-то по утру не смогла отыскать сковороду, чтобы приготовить себе поесть. И тут все,что исподволь накапливалось в ее душе многие годы,нашло выход!Она поняла,что мир будто перевернулся вверх тормашками.Все было дико, несправедливо, неправильно. Особенно - кража сковороды. Женщина решила вернуть себе недоданное жизнью - то, чем она жертвовала для мужа и детей,не получая за это никакой благодарности.

Словом, Грета решила объявить войну своей судьбе. Как и следует поступать во время сражений,она облачилась в латы и вооружилась тем,что подвернулось ей под руку.Она слышала в церкви во время проповеди,что черти поджаривают грешников в аду на больших сковородах. Вот туда-то, за столь необходимой ей кухонной посудой, и направилась Грета - широким размашистым шагом! А поскольку мир перевернулся и верх поменялся с низом, достичь преисподней было проще простого.

Для этого необходима была лишь решимость, а ее у Греты ее было с избытком.

Старуху в латах не трогали ни картины адских мучений - в жизни она и не такова навидалась,ни страшные рожи демонов - ее подвыпивший муженек с глазом подбитым в драке,мог дать фору даже самому Левиафану!Она высматривала лишь сковороды для жарки грешников,а,когда увидела их, то, разбросав в разные стороны визжащих чертей, завладела столь желанной посудой и победоносно вернулась восвояси. Но, увы, подобные испытания не проходят даром: Грета лишилась остатков разума.

Именно эту историю и живописал Питер в своей картине, добавив в нее много дополнительных деталей. Так на втором плане изображена ведьма,во всем противоположная Грете, обезумевшей от горя и нищеты.Вот как описывает ее Гершензон-Чегодаева в монографии "Брейгель":"Фигура эта еще более причудлива, нежели Грета.Это двуполое существо с телом женщины и мужской головой. Ведьма сидит на крыше горящего, каменного дома... Сзади платье откинуто, обнажая зад с большим отверстием, сквозь которое виднеется груда монет. Правой рукой черпаком на длинной рукоятке она выгребает монеты из своего зада и сыплет их вниз,в толпу мелких женских фигурок, представленных в бурном движении. Женщины рвутся к деньгам, тузят друг друга кулаками..."




Символика вполне понятна:в аду приходится расплачиваться сторицей за неправедно нажитые земные богатства.­Хотя вряд ли это могло бы послужить успокоением для Греты осатаневшей от нищеты.
Голландцы к поступку Греты относились с иронией, называли воинственную старуху ведьмой, мегерой, злым приви­дением, но все же сочувствовали ей и даже гордились решительностью соотечественницы. В старинной литературе сохранились упоминания о стволе мощной пушки нареченной "Безумной Гретой".О ней пели в народных песенках - шванках, представляли в фарсах, рассказывали детям в сказках,а так же показывали в сериях рисунков в кунсткамерах.

На картине Питера Брейгеля бедная женщина изображена с уздечкой и золотой чашей - атрибутами Судьбы. Воз­можно, что вооруженная костлявая старуха, курсирующая между мирами живых и мертвых, взяла на себя печальную миссию избавления от тягот этой жизни. Во всяком случае, теперь вы знаете ее имя, и почему она косит нас без разбора. Безумная, безумная Грета! А все началось с кражи сковороды...



http://www.ikleiner.ru/lib/brueghel/brueghel-0012.shtml
http://blog.imhonet.ru/author/feren52/post/1608393/

Испанские реставраторы представили ранее неизвестную работу нидерландского живописца XVI века Питера Брейгеля-старшего. До сих пор было известно о существовании 40 подписанных им полотен.
На картине под названием "Вино на празднике Святого Мартина" (Le vin a la fete de Saint-Martin) изображено около ста человек, празднующих прибытие молодого вина. Это - крестьяне обоего пола, дети, нищие, воры и пьяницы.
Представители мадридского музея Прадо описали произведение как "нечто похожее на Вавилонскую башню, состоящую из пьющих вино людей".

Страна лентяев 1567г.

«Страна лентяев» — сказочная страна, широко распространена во многих сказках стран Европы. В немецких сказках - Schlaraffenland,при дословном переводе ,буквально страна ленивых обезьян, от sluraff — лентяй, affen — обезьяны и land — земля.

Описывается как страна, где всего в избытке — земля с молочными реками и кисельными берегами, в которой звери бегают и летают жареными, дома сделаны из пряников, вместо камней повсюду лежит сыр. Наслаждения являются добродетелью обитателей страны, а упорная работы и прилежание — грехом. У кого жена стара и несимпатична, может обменять её на красавицу и ещё получит в придачу денег.

Идея впервые появилась как пародия на рай в сатирической поэме Себастьяна Бранта «Корабль дураков», созданной в 1494 г., однако ещё в V в. до н. э. подобные идеи присутствовали у поэтов Телеклеида и Ферекрата.

Стихотворное изложение сказки о вымышленной стране бездельников было дано Гансом Саксом и появилось в 1536 г. в Нюрнберге. Возможно, именно оно послужило основой для прозаической интерпретации этой сказки, изданной в Антверпене в 1546 г. и имеющей много общего с сюжетной канвой картины Питера Брейгеля.

Картина Брейгеля «Страна лентяев» - является примером острой сатиры, направленной Брейгелем на нидерландское общество предреволюционных шестидесятых годов. В левом углу внизу можно прочесть(на увеличенной копии) подпись художника и дату — 1567 год.

Как и многие другие работы Брейгеля, эта картина тоже имеет в своей основе нидерландскую пословицу — (дословный перевод) "нет ничего более глупого, чем ленивый сластёна".

Чтобы попасть в страну лентяев, нужно было проесть проход в горе из каши, изображенной на картине в правом верхнем углу. Попавший в неё сразу замечает жареного поросёнка, бегающего с ножом в спине, покрытую пирогами крышу шалаша и множество других лакомств.

В центре картины лежат распластавшись вокруг дерева, словно спицы колеса, три человека, достигшие предела своих желаний. По одежде и предметам, им принадлежешим, в них можно распознать представителей разных сословий Крестьянин, солдат и ученый или школяр лежат с полными животами под деревом, вокруг ствола которого была установлена столешница.

На пороге шалаша сидит человек в шлеме рыцаря только что попавший в страну. Открыв рот, он ожидает, что ему в рот влетит что-то вкусное

Смысл произведения совершенно отчётлив и ясен — остро насмешливое осуждение человеческой праздности и лени. Но вряд ли картина создана как иллюстрация к сказке, её замысел кажется гораздо шире, имеет определённую нацеленность, острое жало, разящее бездейственность и инертность общества, предающегося пустым мечтам о благоденствии.

О сказочной сытости, которую Питер Брейгель изобразил на своей картине, в то время не могло быть и речи.
Герцог Альба вошёл во главе испанских войск в Нидерланды. На картине изображена не более чем утопия благополучной жизни. Замечательная по своей простоте композиция в центре картины, символизирующяя колесо фортуны, только усиливает это впечатление. Одновременно чувствуется и некая ирония от происходящего, ведь обжорство и леность считались пороками во все времена.

Картина «Охотники на снегу» ("Январь") написана маслом по дереву в 1565 году. Она является частью цикла из шести картин серии "Месяцы", изображавших времена года (пять из них, включая, «Охотников на снегу», сохранились). Картина находится в собрании Музея истории искусств в Вене. Цикл картин был выполнен Брейгелем, вероятно, по заказу Николаса Йонгелинка."Идея такого цикла восходит к календарям готических часословов, времена года символизируют вечный жизненный круговорот. В картинах Брейгеля человек представлен в природном окружении не одним лишь своим присутствием, но связан с ним деятельным единством своих трудов и дней, единством судьбы — жизни и смерти." (Сайт Малая Бухта)

"Композиционно картина построена так: на переднем плане, в левом или правом нижнем углу, мы видим невысокий холм, на нем - несколько крупных фигур.

Дальше расстилается долина с деревеньками, полями, перелесками, реками, а замыкают перспективу горы. Скучноватым равнинам родных Нидерландов художник предпочел гораздо более выразительные альпийские панорамы (известно, что едва ли не самым ярким впечатлением Брейгеля от путешествия в Италию было знакомство с Альпами). В картине присутствует ощущение безграничного простора как части бесконечного целого.

Нетрудно заметить, что зритель, вслед за художником, смотрит на землю с большой высоты: так видит мир парящая в поднебесье птица или человек, поднявшийся на высочайшую вершину. В то же время очевидно, что художник помещает зрителя за спиной у охотников, то есть на небольшой возвышенности, спускающейся к запруде. Увидеть отсюда всю долину, конечно, невозможно, но в мире Брейгеля властвуют свои законы.

Художник плавно совмещает ближний и дальний планы, поэтому у нас и возникает ощущение всеохватного простора. Новые сюрпризы преподнесет картина, если мы проанализируем ее композицию с точки зрения перспективы. Вы не найдете в «Охотниках» безупречно правильных перспективных построений! Посмотрите на заснеженные крыши, проглядывающие за древесными стволами: здесь нет ни одной прямой линии, крыши слегка вогнуты, как вогнуто и все пространство картины.

Тщательный анализ убедил историков искусства в том, что брейгелевский пейзаж едва заметно деформирован, как будто написан на внутренней поверхности огромной чаши, поэтому он магнетически «втягивает» взгляд зрителя, поэтому и возникает волшебный эффект нашего участия в происходящем. Вся сложнейшая композиция картины подчинена общей цели – увести нас за край земли, за горизонт. Охотники и собаки словно «вступают» в картину слева и идут по свежему снегу вперед.

Как это характерно для Брейгеля, «Охотники» - очень «густонаселенная» картина. Немало времени надо провести перед ней, чтобы рассмотреть не только охотников с собаками и группу крестьян у костра, но и все прочее, что происходит в деревне этим зимним днем.

По дороге, утопая в снегу, тащится запряженная в телегу лошадь, заполнены людьми катки, через мост идет человек с вязанкой хвороста. Нельзя не удивляться тому, с какой точностью передает художник движения и позы ближних и даже самых отдаленных фигур. Мы чувствуем, как ступают по глубокому снегу усталые охотники, можем судить о том, насколько уверенно или, напротив, неуклюже, держатся на льду конькобежцы, ощущаем, как преодолевает сопротивление воздуха взлетевшая птица.

Сдержанный фон - белый снег и зеленовато-серый лед – подчеркивает силуэты фигур, не дает упустить ни одной выразительной черточки. В сравнении с необъятной долиной и неприступными горами люди кажутся крошечными, художник намеренно подчеркивает этот контраст. И тем не менее, пространство брейгелевской картины соразмерно человеку." (Марина Аграновская. Источник: www.maranat.de).

Кроме "Охотников" цикл "Месяцы" или "Времена года" включает картины – "Пасмурный день", "Жатва", "Возвращение стада" и "Сенокос". Это выдающиеся образцы Северного Возрождения, среди которых "Охотникам на снегу" выпала честь стать самым прославленным произведением.

"Хмурый день (Февраль)"


"Жатва (Август)"


"Возвращение стад (Ноябрь)"


"Сенокос (Июль)"


Картина "Охотники на снегу", показанная в одном из эпизодов фильма Андрея Тарковского «Солярис», стала визуальной основой одного из эпизодов его же фильма «Зеркало» (60-е минуты фильма).
Картина показана также в одном из эпизодов фильма Ларса фон Триера «Меланхолия».

"Возможно, многим памятна сцена из фильма Андрея Тарковского «Солярис» (1973 г.). В кают-компании космического корабля висит репродукция картины Питера Брейгеля Старшего «Охотники на снегу».

Ее внимательно рассматривает героиня фильма, внешне - прекрасная девушка, по сути – фантом, порождение планеты Солярис. Камера подолгу задерживается на деталях картины, и кажется, что зимний пейзаж вот-вот оживет: зазвучат голоса конькобежцев, хрустнет снег под ногой охотника, залает собака…

А в странном создании, не ведающем, что такое Земля и населяющие ее люди, пробудятся в ответ человеческие чувства. Тарковский сделал символом нашей цивилизации картину с обыденным, ничем не примечательным сюжетом - зимний день, деревня, охотники возвращаются домой, - и завороженный зритель безоговорочно ощущает точность режиссерского выбора."

http://www.maranat.de/agr_02_03.html

Вермеер Дельфтский (Vermeer van Delft) Ян (1632–1675), голландский живописец, крупнейший мастер нидерландской жанровой и пейзажной живописи. Дата рождения художника неизвестна, однако по сохранившейся записи о его крещении в Новой церкви Дельфта (крещен 31 октября 1632) можно предположить, что будущий великий нидерландский художник родился в конце октября.

Работал Вермеер в Делфте, как художник, вероятно, сложился под влиянием трагически погибшего при взрыве порохового склада талантливого мастера Карела Фабрициуса. Существует версия, что молодой Вермеер мог обучаться у «итальяниста» Леонарта Бреймера, с которым его семья поддерживала достаточно близкие отношения. Достоверно известно, что 29 декабря 1653 года начинающего художника приняли свободным мастером в делфтскую гильдию Святого Луки, объединявшую живописцев всех жанров, мастеров стекольных и фаянсовых дел, ювелиров и торговцев картинами. Ранние картины Вермеера отмечены тягой к монументальности и возвышенности образов, и, кроме того, свидетельствуют о влиянии итальянского барокко (“Христос у Марфы и Марии”, Национальная галерея, Эдинбург; «Диана и нимфы», Маурицхейс, Гаага, 1653-1655).

Христос у Марфы и Марии

Диана и нимфы

Исследователи творчества Винсента Ван Гога (1853—1890) называют разные даты появления его первых автопортретов: январь — февраль 1886 года (конец антверпенского периода) или апрель — май 1886-го (начало парижского периода). Как бы там ни было, именно в 1886 году Ван Гог начинает пристально вглядываться в отраженный в зеркале собственный лик.


Первый цикл автопортретов Ван Гога включает шесть работ (показательно, что художник писал почти всегда не один автопортрет, а целую серию). Ван Гог перед мольбертом или без него. Ван Гог с трубкой в зубах. Лицо, затененное или освещенное интенсивным светом. Голова, отодвинутая в глубину или приближенная к первому плану. Как почти все работы голландского и раннего французского периодов, автопортреты выдержаны в темной гамме красновато-коричневых и зеленовато-синих тонов. От портрета к портрету роль света становится значительнее — свет акцентирует костистую худобу лица, подчеркивает напряженную складку на лбу, рыжину волос, бороды и усов, пронзительно пристальный взгляд. Даже в тех случаях, когда половина лица затенена, маленький мазок белил на глазном яблоке в затененной части привлекает внимание к глазу. Еще в 1885 году художник писал брату: «Я предпочитаю писать глаза людей, а не соборы… Человеческая душа… гораздо интереснее». Глазам, как зеркалу души, будет неизменно принадлежать важная роль во всех автопортретах художника.


Автопортрет с трубкой. Париж, весна 1886.
Холст, масло, 46х38. Музей Винсента Ван Гога, Амстердам


Автопортрет в темной фетровой шляпе. Париж, 1886.
Холст, масло, 42х33. Музей Винсента Ван Гога, Амстердам, Голландия

...Винсент был в Нюэнене совсем один; вместо общения с людьми ему оставалось только общение с природой. Он начал с того, что безуспешно старался ее копировать, и все выходило из рук вон плохо; кончил он спокойно обдуманным творчеством, уже исходя из собственной палитры, и природа тогда подчинилась ему, стала послушной.

Винсент считал, что "Анжелюс" Милле - божественная картина, не сравнимая ни с каким другим созданием человеческих рук. Простая крестьянская жизнь была в его глазах той единственной реальностью, которая не обманет и пребудет вечно. Он хотел писать эту жизнь, писать с натуры, в широких полях. Да, ему придется мириться и с мухами, и с песком, и с пылью, портить и царапать свои полотна, часами блуждая по пустошам и перелезая через изгороди. Зато, приходя домой, он будет знать, что он только что смотрел в лицо самой жизни и ему удалось уловить хотя бы отзвук ее изначальной простоты. Если его деревенские полотна будут попахивать ветчиной, дымком, паром, поднимающимся от вареной картошки, - что ж, ведь это здоровый запах.

Винсент принялся за работу. Он обнаружил, что бистр и битум, почти не употребляемые художниками, придают его палитре своеобразную мягкость и теплоту. Он нашел, что достаточно положить самую малость желтой краски, чтобы желтый цвет зазвучал на полотне во всю силу, если рядом с ним будет лиловый или сиреневый.

Винсент подружился с крестьянским семейством Де Гроот. Семья эта состояла из матери, отца, сына и двух дочерей; все они работали в поле. Подобно большинству брабантских крестьян, Де Гроотов с таким же правом можно было назвать "чернорожими", как и углекопов Боринажа. В лицах у них было что-то негритянское - широкие, открытые ноздри, сильно выдвинутые вперед носы и челюсти, большие выпуклые губы и длинные, угловатых очертаний уши. Лбы были покатые, головы маленькие, с острыми макушками. Они жили в хижине, где была всего одна комната с нишами для постелей. Посредине хижины стоял стол, пара стульев и какие-то ящики, с грубого бревенчатого потолка свисала лампа.

Де Грооты были едоками картофеля. За ужином они выпивали по чашке черного кофе и раз в неделю съедали по куску ветчины. Они сажали картофель, копали картофель и ели картофель: в картофеле заключалась вся их жизнь.





Стин Де Гроот была милая семнадцатилетняя девушка. Она носила широкий белый чепец и черную кофту с белым воротником. Винсент стал ходить к Де Гроотам каждый вечер. Они со Стин часто веселились от всей души.

Халс, Гальс (Hals) Франс (между 1581 и 1585, Антверпен, 26.8.1666, Харлем), голландский живописец. Искусство Халса характерно своим демократизмом, острым интересом к народным типам; оно отразило духовный подъём голландского народа, наступивший в результате войн за независимость страны. Используя технику свободного, темпераментного мазка, Халс значительно расширил шкалу изображения человеческих чувств, чаще всего стремясь художественно зафиксировать наиболее яркий миг внутренней жизни портретируемого.
Сын фламандского ткача, Халс с раннего детства жил в Харлеме, в 1616 посетил Антверпен. Учился у К. ван Мандера (1600-03). Мастер с 1610. Ранней манере Халса («Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия», 1616) свойственно пристрастие к тёплым тонам, чёткой моделировке форм при помощи тяжёлых плотных мазков.

Халс Франс, Банкет офицеров гарлемской стрелковой гильдии св Георга, 1616, Музей Франса Халса, Харлем

В 1620-х гг. наряду с портретами Халс писал жанровые сцены и отдельные религиозные композиции («Евангелист Лука», «Евангелист Матфей», около 1623-25, Музей западного и восточного искусства, Одесса). В портретах 1620-30-х гг. Халс создал яркую галерею голландских типов, расширив социальный круг моделей от представителей буржуазии («В. ван Хейтхейзен», около 1625-36, Государственный музей, Вадуц) до деклассированных элементов, выступающих в трактовке мастера как воплощение неистощимой жизненной энергии народа («Малле Баббе», Картинная галерея, Берлин-Далем; «Цыганка», Лувр, Париж; «Мулат», Музей изобразительных искусств, Лейпциг; все - около 1630).

В этот же период Халс радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя («Банкет офицеров стрелковой роты св. Адриана», около 1623-27; «Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия», 1627; «Групповой портрет стрелковой роты св. Адриана», 1633; «Офицеры стрелковой роты св. Георгия», 1639; все - Музей Ф. Халса, Харлем).

Психологические характеристики углубляются в портретах 1640-х гг. («Регенты госпиталя св. Елизаветы», 1641, там же; портрет молодого человека, около 1642-50, Эрмитаж, Ленинград: «Яспер Схаде ван Веструм», около 1645, Национальная галерея, Прага); в колорите этих произведений начинает преобладать серебристо-серый тон.

Поздние произведения Халса исполнены в очень свободной манере и решены в скупой цветовой гамме, построенной на контрастах чёрных и белых тонов («Мужчина в чёрной одежде», около 1650-52, Эрмитаж, Ленинград; «В. Крус», около 1660, Старая пинакотека, Мюнхен); в некоторых из них проявилось чувство глубокого пессимизма («Регенты приюта для престарелых», «Регентши приюта для престарелых», обе - 1664, Музей Ф. Халса, Харлем).

Перестав в старости получать заказы и впав в беспросветную нужду, Халс умер в харлемской богадельне.
В заключение хочу показать небольшой ролик, сделанный мной по портретным работам Франса Хальса. В качестве музыкального сопровождения было очень трудно на чем-то остановиться (не удавалось подобрать музыку, которая подходила бы под его картины). В итоге выбрал более менее нейтральную композицию Hilary Stagg, 'Thinking Of You'.