ЕЛЕНА БАЗАНОВА. СОВЕТЫ В ОСВОЕНИИ ТЕХНИКИ АКВАРЕЛИ |
Елена Базанова
Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года - член Союза Художников России.
С 2006 года - член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.
Стихия воды и краски
Что же нужно знать пытливому художнику в освоении техники акварели, чтобы избежать ложного пути? И есть ли какие-то особые секреты акварельного мастерства?
Материалы
Очень важен правильный выбор материалов для живописи акварелью. Кроме основных материалов, художнику в работе могут понадобиться еще некоторые. Вот список материалов с небольшими комментариями.
Организация рабочего места
Из-за технологических особенностей работы с акварелью необходимо организовать рабочее место по-особому. Материалы должны быть расположены доступно и удобно. Для этого используются табурет, тумбочка или столик нужной высоты. Что касается мольберта, то трудно рекомендовать какую-то универсальную конструкцию, все известные мольберты только частично соответствуют профессиональным требованиям. Главное для работы с акварелью - мобильность рабочей плоскости, потому что в процессе работы внезапно может понадобиться различный наклон планшета с живописью. При этом должен соблюдаться максимальный обзор рабочей плоскости без лишних параллаксов (перспективных искажений). Наверное, можно изобрести какую-то особую конструкцию для этих целей, но на практике оказывается удобным обходиться двумя стульями. На одном стуле (табурете) можно сидеть, на втором, с помощью съемной коробки высотой примерно 15 см (чуть выше уровня колен), достаточно удобно расположить горизонтально планшет с живописью. Важно, чтобы при работе рука с кистью была вытянута, а спина прямая. При таком положении угол обзора будет максимальным, а видимые искажения - минимальными. Чем крупнее размер листа с живописью, тем чаще нужно отходить и смотреть на нее с расстояния. В этом случае, может быть, лучше работать стоя, тогда работа будет располагаться на столе или специальном мольберте, но с обязательным условием мобильности наклона и контролируемой устойчивости планшета.
При нанесении рисунка и для живописи по-сухому рабочую поверхность лучше установить на расстоянии вытянутой руки в наклонном положении, параллельном взгляду. Работать можно стоя, установив планшет на мольберте, и сидя, в этом случае планшет устанавливается на стуле со спинкой или на мольберте подходящей конструкции.
На пленэре рабочее место может быть организовано еще проще: если нет удобного этюдника для работы стоя, то можно работать сидя на складном стульчике, планшет для этюда держать на коленях, материалы расположить прямо на земле, постелив вниз клеенку, чтобы ничего не растерять и не испачкать.
Перед началом работы художник должен позаботиться о правильном освещении. Для живописи лучше всего подходит естественное дневное освещение, так как оно не дает искажений цветового восприятия. Если ситуация заставляет работать при искусственном свете, то надо постараться приблизить его по спектру цветового излучения к дневному. Свет галогеновых ламп считается оптимальным в сочетании с отраженным от белого потолка мастерской светом ламп дневного освещения. Источник направленного света должен быть с левой стороны (если вы работаете правой рукой), тогда не будет тени, падающей от руки, мешающей видеть освещенную рабочую плоскость.
Начало работы. Композиция
Прежде чем приступить к работе, нужно ясно понимать, что вы хотите сделать и зачем. С этого начинается любой творческий процесс. Например, в кино сначала рождается идея, затем пишется сценарий, создается материальная база, собираются талантливые исполнители - только тогда режиссер начинает снимать фильм.
Что есть сценарий в акварели? Прежде всего, это композиция, оформление идеи в композиционном решении. Такое решение может быть спонтанным, как озарение, угаданным или подсказанным чем-то увиденным. Но все-таки это обычно результат творческого поиска и непрерывной интеллектуальной работы, это выражение мысли и чувства в ритме, пластике, напряжениях и ударах линий, цветовых и тональных пятнах. Создание композиции - это создание программы действий. В этой работе участвуют логика, опыт, чувство и интуиция художника.
Изображение может быть задумано в любом стиле или жанре. Работа может иметь реалистическое, декоративное или вообще лишенное всякой фигуративности решение. Но при этом надо помнить, что композиция сама по себе достаточно абстрактное понятие. Она является первоосновой в искусстве. В ее сути лежит представление о гармоничном устройстве мира. Древние художники и ученые даже пытались вычислить гармонию, и они оставили нам в наследство главный секрет всех идеальных пропорций - формулу золотого сечения .
Глаз человека с рождения воспринимает гармонические, пропорциональные отношения, существующие в природе, как естественные, а в искусстве они являются основой симметрии, ритма, соразмерности и красоты. Можно проверить композицию логикой и математикой, что доказано в многочисленных ученых трактатах. Не углубляясь в подробности этого вопроса, заметим только, что в самых талантливых произведениях изобразительного искусства, принадлежащих к различным направлениям, подготовленный зритель всегда увидит гармонию внутреннего построения. Художники обычно говорят о своих творениях, что они "сложились", когда нельзя ничего ни убавить, ни прибавить, все стоит на своих местах и нет ничего случайного. Не об этом ли мы читали у Д.Судзуки: "Вещи красивы там, где они неизбежны".
Истинный художник от природы одарен чувством гармонии и композиции, однако это качество в себе можно развивать и воспитывать.
Рисунок и рисование цветом
Итак, прежде чем начать рисунок, необходимо внимательно изучить объект рисования, проанализировать, как элементы изображения соотносятся друг с другом.
После того как вы полностью продумали и поняли, чего вы хотите достичь в будущей работе, и четко представили себе композиционное решение, можно сначала выполнить эскиз, а можно сразу приступить к рисунку. При этом постарайтесь не забыть ограничить его мысленными или легко нарисованными линиями, находящимися на расстоянии 1,5-2 см от края листа. Эти поля потребуются для натягивания бумаги и для оформления завершенной работы под паспарту, а если бумага уже натянута на планшет, то достаточно оставить поле около 1 см по периметру.
Рисунок для живописи акварелью наносится легкими линиями, напоминающим паутинку, которые являются только подсказкой, намеком на форму и фиксированием композиционных направляющих. Необходимо хорошо чувствовать нажим карандаша, потому что твердым карандашом вы рискуете поцарапать бумагу, оставить вдавленный след, а мягким карандашом можно перегрузить ее графитом, так что он будет размазываться рукой во время работы и пачкать бумагу, к тому же грубые линии трудно стираются ластиком. Поэтому надо избегать ошибок в рисунке и лишних коррекций, стараться беречь поверхность акварельного листа. Иногда лучше делать предварительный рисунок, который переводится на акварельный лист через стекло с подсветкой.
Нередко возникает пугающая проблема: во время живописи легкие линии рисунка теряются под красочным слоем. Как тогда ориентироваться в работе? Как писать сложные акварели, не сбиваясь и не нарушая рисунка? Ответ на этот вопрос один: надо хорошо чувствовать рисунок и композицию, помнить, что натура - это всего лишь подсказка, дающая эмоциональный импульс художнику. Профессионалы всегда отличают "срисовывание" с натуры от настоящего рисования, так же, как легко отличают фотографию, сделанную равнодушной техникой, от результата живого восприятия художника. "Срисовыванием" называют рисунок, сделанный без всякого отбора, фиксирующий объект изображения по принципу "похожести" путем передачи всех видимых внешних подробностей, это механический процесс копирования реальности без творческого поиска. Тогда как настоящий рисунок - это творческий процесс передачи сути изображения, содержания его внутренней формы, отбор наиболее характерного и важного для создания образа.
Рисунок - это ваш сценарий ведения акварельной живописи: как и где поставить цветовые и тональные акценты, где использовать технические эффекты, как обыграть материальность того или иного предмета.
Когда рисунок выполнен, необходимо вновь сосредоточиться и постараться зафиксировать его в памяти. Помните: процесс живописи - это не раскрашивание предварительного рисунка, а продолжение рисования кистью и цветом. Тогда во время живописи акварелью удастся преодолеть главную трудность - робость перед непокорным материалом и страх потерять рисунок. Только так появится возможность свободно, не допуская ошибок, "рисовать краской". Действительно, в акварели много случайности, но все же можно утверждать, что очень многое в удачах, "сложившихся случайно", предопределяется сформированным в сознании художника образом и его профессиональными навыками и опытом.
Подготовка бумаги к живописи
Немалую проблему во время живописи водными красками создает мокрая бумага. Впитывая влагу, она сильно увеличивается в размере, образуя при этом на рабочей поверхности "холмистый рельеф с реками и озерами", куда устремляются бесформенные потоки живописной массы. Из этого положения видится один выход: работать по сухой бумаге, натянутой на планшет, и держать рабочую поверхность в наклонном положении, приближенном к вертикальному. При этом стараться быстро делать цветовые заливки, не давать бумаге сильно намокать и контролировать течение воды с растворенной в ней краской, которое в этом случае непременно будет происходить по закону земного притяжения, т.е. краска будет медленно или быстро стекать вниз. При такой методике, напоминающей архитектурные отмывки, бумага быстро снова становится сухой, не образуя ненужных "затеков". Но работать по-мокрому при сильном наклоне очень затруднительно, надо учитывать, что пока на листе есть заметная влажность, изображение будет "съезжать" вниз.
Как правильно подготовить бумагу к живописи?
В случае, описанном выше, лучше всего натягивать бумагу на планшет следующим образом. Смоченный с обеих сторон и слегка подсушенный лист акварельной бумаги укладывается на планшет, на края (под размер акварельного листа 1-1,5 см) или боковые деревянные стороны которого нанесен хорошего качества клей ПВА. Аккуратно прижимая бумагу к проклеенному планшету и слегка растягивая ее к краям, следим за равномерной растяжкой сторон и углов. Нельзя бумагу перетягивать, прилагать чрезмерные усилия, потому что при высыхании она сильно стянется и даже может лопнуть. Чтобы клей быстрее скрепил бумагу с планшетом, можно слегка подсушить место склейки феном.
Есть другой способ подготовки бумаги к работе. В обращении к истории английской акварели XIX века уже рассказывалось о живописи по сырой бумаге с применением стиратора и мокрой ткани. Используя опыт многолетней работы в технике акварели и современные материалы, я сумела найти оптимальное решение контроля над влажностью бумаги. Благодаря этому бумага держит воду в течение длительного времени, что дает неограниченные технические возможности в живописи акварелью. Вот этот способ: на горизонтально установленный пластик (органическое стекло) надо ровно постелить мокрую тонкую хлопчатобумажную ткань. Для этой цели очень хорошо подходит марлевая ткань, благодаря редкому плетению она удерживает воду в ячейках между нитями. Затем на эту рабочую поверхность положить смоченный с двух сторон лист бумаги, проверить, чтобы не было бугорков и пузырьков воздуха под бумагой. Рабочая поверхность должна быть ровной. Края листа лучше немного прикрыть тканью для предотвращения их быстрого высыхания. После этого сразу можно приступать к живописи по-мокрому. Если требуется выполнение иных задач, то надо подождать, когда поверхность бумаги равномерно подсохнет, этот процесс можно ускорить с помощью бумажных салфеток или бытового фена. Легко поглаживая бумагу ладонью руки, проверяем степень ее готовности к работе. Такой подготовкой достигается уникальное состояние бумаги: она становится мокрая и сухая одновременно.
Что это дает для живописи? Во-первых: живописная поверхность будет ровная в течение всего времени работы, независимо от используемой акварельной техники и от размера акварельного листа.
Во-вторых: мокрая бумага будет так долго мокрой, как это потребуется, нужно только регулировать влажность ткани под бумагой (быстрота высыхания бумаги зависит от влажности воздуха, поэтому для стабильного состояния очень хорошо, если климат в мастерской не сухой и не слишком влажный). Широкой кистью или губкой всегда можно увлажнить лист с тыльной стороны и ткань под ним, если они начали высыхать. В-третьих: можно писать одновременно по-сухому и по-мокрому. Это не парадокс. Ведь мы получаем бумагу мокрой внутри и сухой снаружи. И если сделать мазок акварелью, то он не будет растекаться, так как подсушенная поверхность бумаги будет вести себя так, как если бы бумага была действительно полностью сухой. Если потребуется, можно дождаться естественного высыхания мазка или же подсушить его феном, тогда можно будет писать поверх него, как в технике по-сухому, при этом ничего не нарушив. Однако можно использовать уникальную возможность сохранять этот мазок влажным или даже очень мокрым долгое время. Внутри него можно писать по-мокрому и затем плавно списывать с другими частями живописи.
Ведение работы по-сухому и по-мокрому одновременно
Когда бумага подготовлена таким способом к живописи, становится понятным секрет сочетания "мокрых" и "сухих" техник при одновременности процесса, а также секрет работы над светлыми деталями на темных фонах без кроющих белил и резерважа из клея. Таким образом удается делать большие работы, сохраняя при этом, где нужно, мягкость акварели и акварельные эффекты и достигая "сделанности" в деталях и материальности объектов изображения. Для иллюстрации сказанного воспользуюсь фотографиями и фрагментами описания процесса создания "Натюрморта с тыквами" (53х73см, бумага, акварель, 2005).
Живопись фона
Итак, когда бумага сверху стала сухой, натянута ровно, без бугорков воздуха, и имеет хорошую степень увлажнения снизу, я перехожу к ответственному моменту. Увлажняю слегка тонированной водой поверхность темного фона. Использую кисти разного размера, стараюсь не нарушить контуры зеленого побега тыквы, потому что фон должен быть контрастно-темным, а "выбирать" глубокий темный цвет, чтобы писать светлые детали, может быть очень сложно, не всякая бумага легко "отдает" тон и цвет.
Теперь, помня обо всем, что необходимо для достижения нужного результата (о цвете, тоне, фактуре), пишу темный фон по-мокрому в пределах сделанной водной заливки.
Сначала я вливаю нужный цвет, позволяю краске красиво растечься. Важно при этом контролировать количество краски и воды, чтобы добиться необходимого тона и насыщенности. Очень важная задача: взять в полную силу и в один прием тень рядом с золотым боком тыквы, только тогда может появиться "дышащая" глубина тени.
Я "заложила" серый фон и теперь, чтобы ускорить процесс работы, подсушиваю живопись феном, но не до полного высыхания.
Еще раз проверяю самые тонкие детали тонкой кистью, выявляя характерные линии и касания.
Списывание границ
Необходимый этап: когда серый фон еще немного влажен, я "списываю" касания в тенях. Широкой кистью я увлажняю незакрытую цветом бумагу, позволяя краске из фона затечь, слиться с соседним пятном. Так достигается мягкость контуров, как в живописи по-мокрому. При этом я начинаю живопись цветом, так краска смешивается уже на листе, а не на палитре. Втекание фона в тень предмета - это хорошая основа для цветовых лессировок при дальнейшей живописи, когда достигается оптическое смешение цвета путем перекрывания одного живописного слоя другим.
Еще один эффект необходимо сделать по почти сухому фону. Мокрой тонкой кистью, практически без цвета, просто водой, наношу текстуру дерева. Вода, вытесняя краску, делает красивые мягкие эффекты. Так пишу свет и фактуры.
Первый сеанс живописи
Первый сеанс всегда очень напряженный, он может длиться восемь часов почти без перерыва и от его результата зависит дальнейшая судьба работы. Очень важно не сделать ничего лишнего, так как любые исправления могут негативно повлиять на качество работы (это зависит и от возможностей бумаги).
Также очень важно взять нужную силу тона сразу, т.к. работать по уже написанному фрагменту надо крайне осторожно, можно утратить качество живописи.
Пока не произошло высыхание "живописного теста", его можно "месить", достигая нужного результата по возможности в один прием.
Сохраняя естественность и непринужденность в касаниях, держим под контролем рисунок. Это непростая задача, даже при наличии достаточного терпения и такта: приходится работать с некоторым напряжением, чтобы движения кисти были точны.
Необходимость работать над деталями в акварели создает для художника много технических трудностей. Здесь играет свою роль все: большой формат листа бумаги, горизонтальное положение рабочей поверхности, необходимость работать "на вытянутой руке", сырая поверхность живописи, которую нельзя потревожить, чтобы не нарушить результат работы.
Чтобы решить некоторые из технических проблем, художники пользуются муштабелем, длинной ровной тростью с зацепом на конце для опоры на край работы, или постановкой руки на мизинец. Точечная опора на мизинец, по возможности, на сухую поверхность, дает устойчивость руке во время работы, а кисть с длинным черенком дает возможность работать с деталями на большом расстоянии.
Второй сеанс - продолжение работы
Следующий шаг, продолжение работы, может быть сложнее первого. И эта сложность заключается в том, что нужно сделать почти невозможное: "войти в реку во второй раз". Ничего не испортить, не загубить очень сложно, нужно иметь ясное представление о том, как вести работу далее. Боязнь испортить собственный "шедевр" не позволяет очень многим начинающим, и даже обучающимся в вузах студентам, довести удачное начало до логического завершения. Опыт, смелость или даже дерзость профессионала позволяют критически воспринимать свое творение и выстраивать стратегию работы над ним. Очень важно, не утратив прелести акварели и ее очарования, сохранить эмоциональный заряд в процессе многосеансовой работы, иначе ваша акварель получится техничной, но при этом слишком "холодной".
Итак, перед началом следующего сеанса необходимо снова подготовить бумагу к работе. Чтобы увлажнить лист с живописью, нужно смочить водой с помощью губки или широкой кисти только его обратную сторону, намочить ткань на пластике и снова положить лист на мокрую ткань. Затем надо немного подождать, пока бумага равномерно напитается водой. В это время, чтобы расширение бумаги не деформировало лист и не создавало бугристого рельефа, надо приподнимать и слегка оттягивать края бумаги, затем снова возвращая их на мокрую ткань. Легко поглаживая рукой лист с живописью, стараемся "выгнать" из-под него пузырьки воздуха, обеспечивая плотное прилегание бумаги к рабочей плоскости.
Однако может понадобиться полное увлажнение листа с живописью. Тогда для этого в буквальном смысле надо устроить душ, полив холодной водой сначала живописную сторону листа и, затем, тыльную сторону. Можно также "искупать" лист, полностью опустив его в воду на несколько секунд. Устроить купание иным образом позволяет другой способ: сначала увлажняется тыльная сторона, и бумага укладывается на планшет с мокрой тканью, а затем быстро и равномерно поливается водой из банки. Важно делать любую из этих процедур быстро и как можно более равномерно. После этого снова появляется возможность вести живопись по-мокрому, объединяя те или иные фрагменты изображения. Замечу, что при таком способе увлажнения листа с живописью некоторые детали смягчаются сами под действием воды. Не следует бояться, что во время этих процедур ваша живопись "утечет" или "расплывется". Если вы использовали рекомендованные материалы, то подобный риск минимален. Только при этом надо учитывать один фактор: могут подняться и расползтись густо положенные корпусные краски и некоторые красные, например, кармин. За их поведением надо следить и отжатой кистью корректировать нежелательные выходы цвета.
После всех проведенных операций мы снова имеем различные возможности по органичному вхождению в живопись и комбинированию разных технических приемов работы по-мокрому и по-сухому.
С помощью широких кистей можно увлажнять отдельные фрагменты живописи, но только в том случае, когда живописный слой полностью высох. Это делается легким, быстрым движением. И снова можно писать по-мокрому.
Натягивание бумаги в конце работы по-мокрому
После решения основных задач живописи по-мокрому, фиксируем бумагу на пластике с помощью бумажной клеящей ленты. Ненадежные участки закрепляем зажимами. Аккуратно фиксируем ленту теплым воздухом с помощью фена, контролируя равномерность высыхания и натяжение листа бумаги.
Важно следить за натяжением углов, чтобы лист не покоробился.
Но если натяжка бумаги не получилась хорошо сразу, то можно еще раз попробовать это сделать, для чего надо аккуратно удалить ленту, снова увлажнить тыльную сторону и натянуть лист. При таком способе удается сохранять живой край листа, который бывает очень красивым в бумагах ручного литья.
Некоторые виды бумаг срываются с клеящей ленты. Но всегда есть более надежный способ: лист с живописью можно приклеить на деревянный планшет с помощью клея ПВА (см. описание подготовки планшета к живописи по-сухому).
О некоторых секретах смешения красок
С незапамятных времен художник в своей практике был вынужден применять знания некоторых законов химии и физики, как это ни показалось бы странным на первый взгляд. В истории искусства достаточно тому свидетельств.
Краски - это, по сути, смеси химических веществ, которые раньше готовили сами художники. Каждый мастер знал секреты растирания пигментов и мог иметь свои оригинальные рецептуры получения красок определенного цвета и качества. Современный художник уже не нуждается в изучении старых или изобретении новых рецептур, но на практике, получая от производителя готовые краски, все-таки должен учитывать некоторые химические и физические особенности пигментов и приготовленных из них красок. Как уже говорилось ранее, первое, очень важное условие - это качество красок, которое зависит от производителя. Второе - понимание художником структуры красок. Необычайно тонкое измельчение пигмента, являющееся критерием качества акварельной краски, не может быть достигнуто в отдельных случаях из-за особенностей химической природы некоторых веществ. Так, общеизвестно, что кобальт синий спектральный и ультрамарин могут давать порошкообразный осадок, тогда как берлинская лазурь (прусская синяя) и кармин от природы коллоидно-растворимые, то есть, растворяясь, они ровно окрашивают воду.
Расслоение пигмента в растворе синих красок
На иллюстрации видно, что в растворе разных синих красок произошло расслоение, и часть пигмента выпала в осадок. Этот эффект может происходить и с некоторыми другими красками. Поэтому краски в зависимости от своих свойств делятся на корпусные и лессировочные.
Поведение красок изучается художниками на практике. Для этого можно делать тестовые смешения на бумаге. Желательно при этом помечать, из каких красок делалась смесь, чтобы неожиданно полученный интересный результат при необходимости можно было повторить.Цвет, воспринимаемый глазом человека, - это понятие, в основе которого лежит теория электромагнитного излучения оптического диапазона.
Физика дает объяснение оптического восприятия света и цвета. Одним из первых это явление попытался изучить и объяснить Ньютон. Согласно многовековой традиции он насчитывал семь цветов в спектре радуги, образованной преломленным лучом света (красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый), белый - это чистый свет, который содержит в себе весь цветовой спектр, а черный - это темнота, отсутствие света. В изобразительном искусстве эти знания отразились в теории цвета.
Смешением основных цветов (красного, желтого, синего) получают три дополнительных (оранжевый, зеленый, фиолетовый) - они образуют спектральный круг. Если попробовать смешать в равной пропорции краски всего цветового спектра, то их цветность нейтрализуется, превратившись в серую грязь. К спектральным цветам в живописи прибавляются белый (белила или белый цвет бумаги) и черный. Это основа цветовой гармонии. Поэтому живопись начинается с изучения правильного смешивания противоположных и соседствующих красок.
Ранее традиционно считалось, что если механически смешать противоположные по спектру краски, то получится грязь. А черную и фиолетовую краски вообще требовалось убрать из палитры. Например, мы читаем у П.П. Ревякина: "Здесь уместно сказать о черной краске как наименее интенсивной и наименее яркой, поскольку в практике существуют разные, непримиримые точки зрения на применение этой краски; одни считают ее употребление недопустимым, другие ее превозносят. Черная краска, как яд в медицине, может вылечить и может убить; поэтому необходимо хорошо знать, когда и сколько ее нужно взять" . Очень справедливое утверждение. К сожалению, большая часть темных красок отечественного производства, включая черную, так и не были востребованы в моей палитре. Их использование в живописи делает картину безрадостной. Смеси с этими красками зачастую при высыхании получаются глухими, грязными и ненасыщенными. В своей практике мне приходится компенсировать недостаток этой палитры красками других производителей. Например, краски "Lamp Black" и "Payne’s Grey" английской фирмы "Rowney Georgian" великолепно ведут себя в живописи, и в некоторых случаях они стали для меня незаменимыми. Однако каждый художник формирует свою палитру из красок разных фирм на основе личной практики. Идеального набора красок одной фирмы для всех художников не существует.
Вопреки традиционным убеждениям, надо заметить, что смешивание противоположных цветов может быть порой единственным грамотным решением при написании света и тени, не дающим при этом грязь. Так, например, при живописи красных драпировок с использованием кармина только примесь изумрудно-зеленой может дать нужную насыщенность и цветоносность в тенях. Вывод здесь напрашивается такой: теоретические правила смешения цветов могут быть хороши, но только личный опыт работы с разными красками высокого качества может дать исключительно интересные и неожиданные результаты.
В живописи акварелью важно помнить еще одну особенность: любой цвет пишется через смешение двух, трех красок. Открытыми цветами пользоваться надо крайне редко, но смешение более трех красок часто дает грязь. Данное правило работает при лессировках, зависит это, конечно, от насыщенности красок, и всегда есть риск потерять свежесть цвета при использовании более трех слоев. Кроме этого, при перекрывании слоев надо учитывать, что грязь может образоваться из-за неправильной последовательности применения корпусных и лессировочных красок, холодных и теплых цветов. Причина кроется в том, что лессировочные краски поверх корпусных зачастую не дают нужного результата, особенно если поверх холодных цветов идут теплые.
Волновая теория света дает художнику представление о том, как проявляют себя воспринимаемые глазом цветовые волны разной длины. Разные участки спектра отличаются друг от друга длиной и частотой волны. Фиолетовые волны - самые короткие и тонально слабые, а красные - самые длинные и интенсивные. Поэтому теплые цвета всегда будут перекрывать излучение холодных.
Оптическим смешением цветов увлекались импрессионисты, они достигали этого эффекта, работая мелкими разноцветными мазками, пуантелями (фр. pointiller - писать точками), которые, соседствуя на картине, суммировали действие цветовых волн и давали сложные цветовые вибрации, превращались в общий цветовой поток. На этом принципе основаны все современные виды полиграфической печати. Любое изображение при цветоделении раскладывается на четыре цвета: пурпур, желтый, синий и черный. При печати точки разных цветов складываются, образуя богатую цветопередачу в печатных изображениях.
Говоря о физических и химических особенностях смешивания акварельных красок, не лишним будет напомнить еще раз, что в живописи краски с одним и тем же наименованием, но изготовленные различными производителями, дают разные результаты при смешивании.
Это знание приходит с опытом и позволяет обогатить живопись различными эффектами и сложными, богатыми сочетаниями цветов.
Светотень и тепло-холодность
Рассказывая о цветовой гармонии, необходимо сказать о понятии тепло-холодности в живописи. Прежде всего надо уметь видеть тепло-холодность света и тени. Принцип в том, что если вы пишете свет холодным, то тени будут теплыми, и наоборот, если свет - теплый, то тени будут непременно холодными. Например: когда объект освещен солнцем, то свет будет теплым, а тени - холодными; при лунном освещении эффект тот же, но приглушенность отраженного света сильно обедняет цветовую картину и свет приобретает тускло-зеленоватый цвет. Если же мы имеем отраженный от неба свет, то он будет холодным, а тени теплыми. В пасмурную погоду освещение мягкое, рассеянное, и при этом теряется значение рельефной светотени, цвет самого предмета начинает играть большую роль. Если в начале работы грамотно проанализировать ситуацию освещенности, то это станет ключом к созданию богатой живописной гармонии в картине.
С помощью светотени мы не только пишем объем и форму объектов, но и решаем весьма трудную задачу создания свето-воздушной среды, в которой предметы рефлексируют друг с другом. В большинстве случаев тени являются обобщающим фактором для всей картины, помогая вписывать предметы в пространство.
Материальность изображаемых предметов
Немалую трудность в живописи акварелью составляет передача материальности изображаемых объектов, особенно если живописец пользуется каким-либо одним заученным техническим приемом. Механичность применения одной манеры письма навевает сравнение с фильтром компьютерной программы, наложенным на фотографию. Такой подход ограничивает творческие возможности в трактовке формы и материальности.
И наоборот, если автор исходит из сути изображаемого объекта, то сама его природа и характер подсказывают оригинальное решение в поиске и применении различных технических приемов. Невозможно одним и тем же приемом передать материальность гладкого шелка и мягкого бархата, блестящего металла и старого дерева, прозрачного стекла и мятой бумаги. Богатство фактур осязаемого мира должно вдохновлять художника на творческие эксперименты.Иллюстрируя вышесказанное, снова приведу пример из своей работы над "Натюрмортом с тыквами". Чтобы написать стакан с водой, я должна была постоянно комбинировать живопись по-мокрому (с помощью увлажнения фрагментов), лессировки и сухую кисть. Казалось бы, я использовала те же приемы, что и ранее, но все оказалось сложнее. Здесь очень много взаимосвязей, которые необходимо было учитывать:
- особенности формы стеклянного стакана, наполненного водой, создающей оптическую игру света,
- в стакане видна горизонтальная поверхность воды, которая "живет" по своим физическим законам,
- стакан стоит на темной деревянной плоскости,
- стекло стакана отражает блики от окна,
- за стаканом воды видна тыква и плотная тень на ее боку,
- побег тыквы, который стоит в стакане и виден нам через линзу воды.
И только учитывая все вышеперечисленные факторы, можно было передать материальность стекла, воды и окружающих предметов.
Детализация и обобщение
Старый академический принцип "от целого к частному, от частного к целому" означает, что недопустимо увлекаться разработкой отдельных деталей, забывая о всей работе в целом. Необходимо избегать дробности, тогда ваша акварель не рассыплется на мозаику из отдельных кусочков.
В работе над материальностью и деталями проявляются наблюдательность, терпеливость мастера и его художественный вкус. Начало в акварельной живописи почти всегда бывает легким, красивым, интригующим. Вам кажется, что краска подчиняется вашей воле, вы "держите пятно", владеете формой, и все у вас получается. Но наступает период работы над деталями. Это, пожалуй, самый увлекательный и в тоже время сложный процесс, когда необходимо постоянно контролировать себя, чтобы не забывать о целостном восприятии всей работы. Чувство меры - очень важное качество для художника. Чрезмерное увлечение деталями может стать губительным на завершающем этапе. Чтобы избежать излишней детализации, надо найти в себе достаточно смелости, жертвуя, возможно, даже очень красивыми кусками, двигаться по пути больших обобщений к завершению работы. Важно всегда помнить, что вы пишете не объект, а его образ. Этот заключительный момент в живописи должен быть не менее эмоциональным, чем начало работы. Попробую более подробно описать работу над одной деталью.
На примере живописи тыквенного листа постараюсь показать, как можно "месить цвет", лепить объем с помощью различных эффектов и приемов.
8.1. Увлажняю пятно зеленого листа и, насыщая тон и цвет, начинаю моделировать форму листа.
8.2. "Беру" зеленый цвет в "полную силу".
8.3. Подсушиваю феном. В процессе высыхания краска продолжает движение и плавно растекается по мокрой плоскости бумаги.
8.4. Формируя свет на тыквенном листе, "вливаю" слабый светлый оттенок зеленого, насыщенного водой, и вода с раствором краски начинает вытеснять темный цвет.
8.5. Оттенком желтого формирую плоть листа, где она видна на просвет.
8.6. Тут же моделирую темно-зеленые переходы, формируя тень собственную и падающую, акцентирую сломы формы и границы теней.
8.7. Не давая полностью высохнуть листу, "списываю" его с фоном, создавая мягкие касания форм.
8.8. Краска "живет" и "движется" на невысохшей плоскости. И я снова и снова усложняю форму новыми цветовыми решениями. Тонкой кистью добиваюсь изящества в контуре листа, подчеркивая желтым цветом свечение листа против света.
8.9. Когда живописная поверхность почти подсохла, тонкой кистью я выполняю прожилки на тыквенном листе.
8.10. Широкой кистью обостряю свет. Для этого я снова пользуюсь эффектом вытеснения краски, буквально, "капаю" небольшое количество воды с добавлением кобальта, чтобы свет стал холодным. Контролирую растекание краски и "подбираю" лишнюю влагу отжатой кистью.
8.11. Плоскость все более подсыхает, позволяя постепенно конкретизировать особенности фактур тыквенного листа. Тонкой кистью, моделируя свет и тень, создаю сложную форму листа.
8.12. После высыхания живописи усложняю фактуры листа, "оттачиваю" тональные и цветовые переходы.
Последовательность ведения работы
Неопытный художник часто задается вопросом: с чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго? Если в работе решается проблема пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Наиболее наглядный пример - это ландшафтная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.
В портрете работа обычно начинается с главного - с живописи головы. Затем постепенно переходит к разработке фона.
В натюрморте можно начать с темного фона, то есть третьего плана, затем вписывать в него предметы. Однако вопрос первоочередности становится решающим для качества работы, если изображаются объекты живой природы, жизнь которых быстротечна и изменчива. Это может быть бутон лилии, раскрывающийся на ваших глазах, цветы и листья, которые быстро увядают, или свежая плоть разломленного персика, теряющая свою сочность. Если вы не успеете написать что-то важное с натуры, то потом даже фотография, сделанная в качестве шпаргалки, не сможет вернуть очарования и свежести первого эмоционального восприятия. Только хорошая зрительная память, знание объекта изображения и накопленный опыт смогут помочь художнику в такой ситуации.
Для примера приведу свою работу "Натюрморт с красной смородиной" (54х73,5см, 2007).
Игра света, увиденная в листьях красной смородины, могла быть передана легко и свежо только с натуры. Поэтому листья пришлось писать в первую очередь, они завяли очень быстро, в течение трех часов. Затем я писала красные ягоды смородины, которые уже на второй день начали терять свечение живой плоти. Также для меня было очень важно сразу же взять в полную силу глубину красного тона в тени. И уже в последнюю очередь я писала фон. Но невозможно дать универсальный «рецепт» живописи для любой работы. Каждая новая работа преподносит художнику новые, часто неожиданные задачи.
Так в чем же кроется «тайна» акварели?
Есть ли на самом деле «секреты», о которых часто спрашивают любители и поклонники этой дивной техники?
Предприняв попытку короткого экскурса в историю акварельной живописи, я хотела показать, что теоретические знания техники сами по себе очень важны, но не являются какими-то особыми секретами, известными только избранным профессионалам, совсем другое дело - умение комбинировать эти знания на основе личного опыта.
Как удается виртуозно написать сложнейшую работу в короткое время?
Можно часами сидеть перед завершенной работой, пытаясь понять, как родилась та или иная удача. Ясно, что успех кроется не в простом наборе технических достижений. Иногда бывает невозможно повторить собственные удачи.
Я не случайно одухотворяю технику акварели, нахожусь в диалоге с ней и сравниваю ее со стихией, которую приходится покорять. Для меня высшим наслаждением в работе является достижение «единения» с техникой. Когда начинаешь жить в ее пространстве, чувствовать ее, только тогда удаются самые немыслимые затеи и все приходит, кажется, само собой - и неожиданные решения, и необычные приемы. Начиная сеанс живописи, я стремлюсь сознанием проникнуть в «живописное тесто», потому что в начале работы происходит самое сложное: закладываются тональные, цветовые отношения. Именно в этот момент необходимо особенно тонко чувствовать и контролировать влажность на всем пространстве рабочего листа, независимо от его размера. Все события во время работы переживаются эмоционально: и удачно положенный мазок, и затек краски, и необычный акварельный эффект, полученный в результате непостижимого для логики стечения обстоятельств.
Можно сказать, что все «случайности» возникают, когда мастер, двигаясь по намеченному сценарию, уверенно «лепит» пространство и творит живопись, не думая об эффектах как таковых. При этом необходима большая концентрация внимания. Увлекаясь восторженными переживаниями акварельных эффектов, нельзя терять задуманный образ. Потерю образа или его отсутствие можно обозначить как «безобразность», что по сути есть «безобразность». Создание образа - это смысл работы художника. Картина должна увлекать зрителя так, чтобы ему хотелось долго рассматривать ее, думать, погружаясь в ее внутреннее пространство, поддаваясь ее магии. Важно не только то, что вы видите, но гораздо важнее то, что вы чувствуете. Это некая реальность в ощущениях. И если это «послевкусие» от увиденной картины остается у зрителя , значит, художник достиг результата, и работа состоялась.
Самый главный «секрет» акварели - это страстное желание достичь результата. Художник, так же как и спортсмен, начавший забег на марафонскую дистанцию, должен думать о достижении цели, не страшась долгого пути.
Испуг, полученный от неудачного результата, надо превращать в полезный опыт ошибок, который в будущем будет компенсироваться радостью владения техникой. Надо только много трудиться и экспериментировать - дорогу осилит идущий.
Работы Елены :
Рубрики: | РИСОВАТЬ/-уроки рисования |
Комментировать | « Пред. запись — К дневнику — След. запись » | Страницы: [1] [Новые] |