LiveInternet <a class="gl_Topv2-logo-lnk" href="//www.liveinternet.ru/" title="LiveInternet.ru">LiveInternet

Драгоценности и украшения

Между драгоценных камней властелин.

Понедельник, 14 Января 2019 г. 21:52 + в цитатник

Между драгоценных камней властелин. РУБИН.

Великолепный, непревзойдённый, прекрасный камень рубин — царь среди драгоценных минералов, вождь самоцветов. Камень планеты Солнце является одним из редчайших и дорогих в мире, наряду с бриллиантом, сапфиром и изумрудом. Камень власти и процветания, относящийся к стихии Огня, не имеет равных ни в чём.
Радость высших духов, огненный рубин,
Цвета красной крови, цвета страстной жизни,-
Между драгоценных камней властелин.

Рубрики:

Метки: РУБИН

Понравилось: 2 пользователям

Комментарии (2)

«НЕ МОЖЕТ БЫТЬ ТАКОГО ВРЕМЕНИ, ЧТОБЫ НЕ О ЧЕМ БЫЛО ПИСАТЬ...». ПАМЯТИ ПИСАТЕЛЯ ВЛАДИМИРА ВОЙНОВИЧА

Пятница, 23 Ноября 2018 г. 16:18 + в цитатник

ПАМЯТИ ВЛАДИМИРА ВОЙНОВИЧА

«НЕ МОЖЕТ БЫТЬ ТАКОГО ВРЕМЕНИ, ЧТОБЫ НЕ О ЧЕМ БЫЛО ПИСАТЬ...». ПАМЯТИ ПИСАТЕЛЯ ВЛАДИМИРА ВОЙНОВИЧА

Так не спешите, свой всему черед,
Вся ваша жизнь - лишь миг на перевале...
Вот минет он, и вечность развернет
Свой бесконечный свиток перед вами.

Владимир Войнович из стих. «Философическое». 1992

В ночь на 28 июля 2018 года ушел из жизни Владимир Николаевич
Войнович - писатель, драматург, поэт, а теперь ещё и живописец,
хотя как к художнику относился к себе с иронией.

Писатель Владимир Войнович за более чем полвека своей литературной карьеры привык быть в центре читательского внимания и постоянно находиться в зоне перекрёстного огня литературной критики из идеологически противоположных лагерей.

Те, кто читал книги Войновича и следил за его гражданской позицией по тем или иным событиям в стране, тот непременно скажет - великий писатель и великий гражданин - не боявшийся поднимать свой голос против любых безобразий власти, давая ей точные и беспощадные оценки.

Будущий пионер и диссидент Володя Войнович

Свободолюбивый взгляд будущего литератора на мир сформировался
в раннем детстве. Уже тогда, возможно с помощью бабушки, он понял,
как много несправедливости в жизни. Родился в семье интеллигентов
26 сентября 1932 года. Отца в 1936 посадили на 5 лет по доносу
сослуживца за выдуманное преступление, к счастью - не расстреляли,
что вполне могло случиться.

Трудное довоенное детство, затем война. После войны в поисках
лучшей жизни, или просто куска хлеба, семья Войновича жили в
Ставропольском крае, в Куйбышевской, затем Вологодской областях,
в Запорожье, в Крыму и в Москве.

Владимир Войнович в редакции журнала Юность. 1990

Чтобы прокормиться, Владимир кем только не работал: пастухом, столяром, плотником, слесарем, механиком. В вечерней школе учился от случая к случаю. Из десяти лет, в школу ходил всего пять, хотя для того времени это было нормой. Полтора года учился в институте.

Моя история на ОТР. Владимир Войнович (23.09.2017).
Не пожалейте своего времени, послушайте писателя!

Вот ирония судьбы - всю сознательную жизнь Войнович был ярым
антисоветчиком, а последнее время жил в дачном посёлке «Советский писатель». И таких коллизий в жизни Владимира Войновича масса. Не судьба, а лихо закрученный детектив. В котором нашлось место всему: погонам и погоням, травле и отравлениям, угрозам и угрызениям. Не было места только смеху. А он всё равно смеялся. И смешил нас.

Одним из самых известных произведений писателя является
сатирический роман-антиутопия «Москва 2042», написанный в 1986 году, о гипотетическом будущем России. Многие считают его вершиной в творчестве Войновича. Главный герой, от лица которого ведётся повествование, попадает в совершенно абсурдный, но легко узнаваемый мир советской действительности, возведённый в степень высшего маразма.

Сквозь феерическое нагромождение разнообразных несуразностей повсеместно просматриваются всем знакомые реалии. Но в романе Войновича они доведены до своего логического предела. В книге этой оказалось нечто такое, что не позволяет просто посмеяться над её содержанием и забыть о ней. Многие читатели считают роман пророческим и с каждым днём находят всё большее сходство изображённого в нём абсурдного мира с реальным. Особенно по мере того, как постепенно сокращается расстояние до года, обозначенного автором в заглавии книги - «Москва 2042».

«Москва 2042» получилась смешной, а для молодого поколения - вполне себе нереалистичной. Над ней можно посмеяться, а кое-где - и ужаснуться, словом, получить полное удовольствие. Как шутят в соцсетях, уж не строится ли жизнь в стране по сюжету романа (!?)

Далее, картины Войновича

Цитаты из романа «Москва 2042»:

Из всех человеческих пороков самым отвратительным
является благоразумие

- Большая политика, - возразил он, - в основном из
мелких интриг только и состоит.

- Со временем люди меняются.
- Чепуха! Они меняют предмет поклонения.
Но при этом остаются такими же, как были.

И вообще, что такое народ? И есть ли вообще разница между народом, населением, обществом, толпой, нацией или массами? И как называть миллионы людей, которые восторженно бегут за своими сумасшедшими вождями, неся их бесчисленные портреты и скандируя их безумные лозунги. Если ты хочешь сказать, что самое лучшее, что есть среди этих миллионов, - это и есть народ, то тогда ты должен признать, что народ состоит только из нескольких человек. Но если народ - это большинство, то я тебе должен сказать, что народ глупее одного человека. Увлечь одного человека идиотской идеей намного труднее, чем весь народ.

Как показывает исторический опыт, именно абсурдные или даже, сказать точнее, идиотские идеи как раз легче всего овладевают умами масс.

...с западными людьми спорить совершенно неинтересно. Западный человек, видя, что собственная точка зрения собеседника очень ему дорога, готов тут же с ней согласиться, чего совершенно не бывает у нас.

Если экспериментатор ставит свой опыт честно, любой
результат он должен принять таким, как он есть.

...есть такие люди, которым лишь бы что-то писать. А что
из этого получается, им совершенно неважно

...никто не понимал такой простой вещи, что для того,
чтобы разрушить коммунизм, надо его построить.

Если люди не равны в жизни, они должны быть равны хотя бы в смерти.

… когда я его спросил, за что его сюда привели, ответил:
«Практически ни за что». Но сидевший рядом с ним заплаканный
полицейский перебил его и сказал мне: - Не верьте, он все врет.
И рассказал, что во время беспорядков на Трясинной площади
молодой человек выкрикивал возмутительные слова «Крым не наш»,
а его, полицейского, объяснявшего ему с помощью дубинки, что
Крым наш, ударил ладонью по каске. Чем причинил стражу порядка
невыразимые физические и нравственные страдания, отчего тот
потерял сон, аппетит, интерес к супруге и постоянно плачет.

- Принцип неравенства создает почву для самодовольства во всех слоях. Верхние довольны тем, что они получают больше средних, средние - тем, что получают больше нижних... - А чем же довольны нижние? - спросил я. - Ты разве не встречал людей, которые упиваются тем, что они находятся в самом низу? Они всегда могут оправдывать свое неудачничество несправедливым устройством общества, своей исключительной честностью, скромностью и вообще необыкновенностью.

Ошибка Маркса состоит в том, что он обещал полное обнищание
трудящихся при капитализме, а оно наступило… при коммунизме.

В мое время вечно живыми считались только
мертвые люди, например, - Ленин.

Симыч, прежде чем заботиться о выходе к Индийскому океану, ты бы хоть немножко выход из своего подвала привел в порядок. Доски какие-нибудь положил бы, а то ведь такая грязища, что утонуть можно.

Наш мир сам по себе есть плод Высшего Замысла. Бог замыслил этот мир, населил его нами и рассчитывал, что мы будем жить в соответствии с Замыслом. Но он не наделил нас способностью к пониманию Замысла, и мы стали вести себя не по задуманному, а как попало и даже вышли из-под контроля.

Гении всегда видят то, что нам, простым смертным, видеть
не дано. Нам остается только доверяться им или не доверяться.

О Гимне вспомнит нужно непременно. В свое время эти стихи Войновича среди прочих вариантов были даже предложены к утверждению в Думе, но в финал, как известно, вышел очередной текст Сергея Михалкова.

Гимн Российской Федерации
(Проект Владимира Войновича)

Распался навеки союз нерушимый,
Стоит на распутье великая Русь:
Но долго ли будет она неделимой,
Я этого вам предсказать не берусь.
К свободному рынку от жизни хреновой,
Спустившись с вершин коммунизма, народ
Под флагом трехцветным с орлом двухголовым
И гимном советским шагает вразброд.

Припев:

Славься, отечество наше привольное,
Славься, послушный российский народ,
Что постоянно меняет символику
И не имеет важнее забот.

Когда-то под царскою властью мы жили,
Но вот наступила заря Октября.
Мы били буржуев и церкви крушили,
А также поставили к стенке царя.
Потом его кости в болоте достали
Отправили в Питер на вечный покой.
Простите, товарищи Ленин и Сталин,
За то, что дошли мы до жизни такой.

Припев:

Сегодня усердно мы Господа славим
И Ленину вечную славу поем.
Дзержинского скоро на место поставим
Тогда уж совсем хорошо заживем.
Всем выдадим все: офицерам - квартиры
Шахтерам - зарплату, почет - старикам
А злых террористов замочим в сортире,
Ворам-олигархам дадим по мозгам.

Припев:

Коррупционеров отправим в Бутырку
Чтоб знали насколько закон наш суров.
Зато мужикам раздадим по бутылке,
А бабам на выбор дадим мужиков.
Символику примем, заплатим налоги,
И - к светлой заре по прямому пути.
Вот только б опять дураки и дороги
Нам не помешали до цели дойти.

Припев:

Славься, отечество наше привольное,
Славься, послушный российский народ,
Что постоянно меняет символику
И не имеет важнее забот.

Немного из интервью с писателем:

- Скажите, что чувствовали, когда приехали в Москву в 89-м?

- Вернулись же, можно сказать, на белом коне! У меня были чувства противоречивые. Да, «Чонкина» здесь уже напечатали в журнале, причем тиражом небывалым - 3,5 миллиона. Но всё это выглядело как-то очень странно. Сама встреча в аэропорту была смешная. Во-первых, ко мне тут же подбежали телевизионщики. «Вы рады, что приехали?» - «Да, очень рад». - «Наверное, хотите кого-то поблагодарить?» - «Не хочу, - сказал я, - потому что приехал в свою страну и не обязан никого благодарить». Наверное, это было хамство с моей стороны. Какое-то время спустя я встретил одного из тех телевизионщиков, и он мне сказал, что они должны были дать этот репортаж в программу «Время», но когда везли плёнку в Останкино, им по рации передали, что, дескать, можете не спешить, сюжет не выйдет.

- Вы видели тех ваших коллег-писателей, которые в 1974 году исключали вас из Союза?

- Практически не видел. Одного встретил в поликлинике - он как-то
заискивающе начал со мной здороваться. А другие, когда их обо мне
спрашивали, обычно говорили: это не я, я не помню,
все такие были, такое было время.

- Обида осталась?

- Обида?.. Да нет, пожалуй. У меня осталось только презрение. Я готов простить каждого. Но только для этого нужно попросить прощения. Но никто прощения не просил, поэтому и я никого не прощаю, а отношусь с презрением. И относился, и отношусь.

- За эти 20 лет ни разу не пожалели о том, что вернулись назад?

- Нет, не пожалел. Во-первых, хотел быть свидетелем того, что здесь происходит. Одно время даже думал быть участником. Кроме того, я же не в западню приехал. Хоть сегодня могу взять и уехать.

- Но вам же, наверное, писать не о чем? Сатира здесь кончилась.

- Нет, писать есть о чём, писать всегда есть о чём. Не может быть такого времени, чтобы не о чем было писать. А насчёт сатиры - есть же олигархическое общество.

- Вы о нём пишете?

- Нет, не пишу. Я уже старый, пусть молодые пишут. Хотя сейчас начал одну вещь. Не знаю, напишу или нет, но она о современной жизни.

- Значит, мемуары ещё не финальная точка?

- Вы знаете, после мемуаров, согласно логике, должен следовать некролог. Но я надеюсь, что в промежутке ещё чего-нибудь будет...

Получила по почте. Источник на нашла.

Рубрики:

ЛИТЕРАТУРА

Метки: ВЛАДИМИР ВОЙНОВИЧ

Процитировано 2 раз
Понравилось: 3 пользователям

Маршрут «Львы Петербурга»

Вторник, 20 Ноября 2018 г. 20:58 + в цитатник

Петербург по праву считается городом, плотно заселенный львами. В камне, из чугуна и металла, в полный рост, в барельефах и на памятниках. С шарами под лапами у парадных лестниц и крыльями на мостах. Улыбчивые и серьезные, взлохмаченные и аккуратные. Абсолютно точно, что сосчитать всех невозможно. Но с самыми знаменитыми предлагаем вам познакомиться.

Вы можете посвятить один день своего пребывания в Санкт-Петербурге тому, чтобы «пожаль лапу» царям зверей Северной столицы, а можете запомнить их расположение и во время прогулок в разные дни собирать знакомства с ними в свою коллекцию.

Историки спорят, откуда в Санкт-Петербурге столько львов. Конечно, самым разумным объяснением является то, что львы, как символы солнца и власти, были чрезвычайно популярны в Европе в XVII – XVIII веках, их любили многие скульпторы и архитекторы, украшая ими входы во дворцы и создавая эффектные барельефы с мордами. Но можно полагать, и что львы в городе остались от шведов, точнее как память о победе над ними, и теперь они несут свою стражу, охраняя русский город на Неве, бывший когда-то крепостью Ниеншанц.

На маршруте мы будем встречать отнюдь не только обычных львов. Они будут и с крыльями, и в самых причудливых образах. Поэтому буквально пройдя пару шагов по набережной, мы встречаем одних их самых необычных львов города – Ши-цза. Это мифологические львы, привезённые на набережную Невы из города Гирина в Маньчжурии в 1907 году. С тех пор необычные изваяния охраняют пристань на Петровской набережной.

На Петроградской стороне притаились еще несколько львов, найдем их. Первый лев по пути маршрута находится на Кронверском проспекте, 5, у входа в Санкт-Петербургский Государственный Морской Технический Университет. Лев немного грустен, возможно, потому, что он не так популярен, как его собратья.

Львы на набережной Макарова в Санкт-Петербурге

Следующие львы, даже прайд вы найдете у входа в Ленинградский зоопарк. Такое расположение скульптур и барельефов вполне логично, тем более, что в самом зоопарке есть живые представители семейства кошачьих.

Последний лев на Петроградской стороне, который вошел в наш маршрут – находится на корабле «Летучий Голландец», пришвартованный на Мытинской набережной. Сам по себе корабль-ресторан весьма симпатичен, а с точки обзора, откуда виден лев, открывается прекрасный вид на акваторию Невы и Зимний дворец.

Переходим по Биржевому мосту на Васильевский остров и практически сразу, на набережной Макарова вас ждут еще 2 льва, охраняющих пристань. Спокойные львы величественно смотрят на происходящее вокруг и, возможно, наблюдают за успехами «Зенита», ведь именно в сторону стадиона-тренировочной базы этой команды обращены их морды.

Следующие львы очень часто мелькают на туристических снимках, правда, не в главной роли, а в дополнении основной композиции. Гранитные львы-барельефы с металлическими кольцами в зубах украшают Стрелку Васильевского острова, спуск к воде. Панорама Стрелки прекрасная, но наслаждаясь видами, не забудьте про лёвушек, которые охраняют некогда главную площадь внешней торговли уже почти 300 лет.

Львы Петербурга на Стрелке Васильевского острова

Еще одни очень известные мифические львы Васильевского острова – это, конечно же, сфинксы у Академии Художеств на Университетской набережной. Сфинксы – это львы с головой человека, в Древнем Египте лицо сфинкса – это, как правило, лицо умершего фараона, чей вечный покой они охраняют. Петербургские сфинксы были высечены из камня сиенита около 3,5 тыс. лет назад. И долгое время служили тому, в честь кого были созданы – египетскому фараону Аменхотепу III. В 1830 году, в разгар увлечения культурой Древнего Египта в Европе сфинксы, выставленные на продажу в городе Александрия, были приобретены одним из членов Императорской академии наук. В 1834 году они заняли свое место на берегу Невы. Относительно общего возраста сфинксов, в Петербурге они гостят всего ничего. Но для тысяч туристов и любителей мистики это один из центов притяжения. Обязательно познакомьтесь с самыми «взрослыми» жителями Санкт-Петербурга и вы. И не забудьте, что пристань еще украшают скульптуры очень милых крылатых львов, их натёртые до блеска на счастье носы блестят в лучах северного солнца.

Далее отправляемся к безусловно самым популярным львам Санкт-Петербурга. Два красавца с шарами, стоящие, или даже правильнее сказать, играющие на Дворцовой пристани никого не оставляют равнодушными. Желающих обнять лёву всегда хоть отбавляй. Мы не рекомендуем вам повторять туристическую невоспитанность и пытаться забраться на них.

Во-первых, это памятник и от постоянного физического воздействия он разрушается, а во-вторых, это попросту небезопасно, львы стоят достаточно высоко. Посмотрите на них, улыбнитесь их величественности и запечатайте их в своей памяти. Эти львы, украшающие спуск к Неве перед Адмиралтейством стоят на своем посту с 1832 года, отлиты они из меди методом чеканки.

Теперь идем к двум знаменитым восхитительным пешим мостам – Львиному и Банковскому. Они оба представляют собой не только исключительные памятники мостостроительной архитектуры, но и невероятно яркие, красивые и изящные объекты.

Оба моста перекинуты через канал Грибоедова. Львиный мост находится чуть в стороне от основных туристических троп, а вот Банковский – безусловная «звезда» фотографий из Петербурга. Львиный мост, что очевидно, получил свое название из-за 4 статуй львов, украшающих переправу. Банковский мост, цепи на котором держат львы с золотыми крыльями, именовался так из-за близости к входу Государственного ассигнационного банка. Дойдите сначала до Львиного моста удобным вам путем (по дороге уже, наверное настанет время обеда, где можно его организовать смотрите в нашем разделе Где поесть), а после по исторической набережной канала дойдите до Банковского моста. Оба моста наряду с Почтамтским мостом примечательны еще и тем, что всего три цепных моста сохранившихся в Санкт-Петербурге. Построены они были в первой половине XIX века.

От Банковского моста, продолжая движение по набережной канала Грибоедова, мы дойдем до входа в Русский музей. Тут нас ждут выхолощенные, статные белые львы. У львов, охраняющих вход в Михайловский дворец, также под лапами расположены шары. Откуда такой символ? – разумно зададитесь вопросом вы во время нашей прогулки. Есть несколько версий, почему львов принято изображать с шарами. Согласно одной версии, шар – это символ солнца, знания, силы, чего-то целого и значимого. Располагая его под лапу льва, скульптор еще раз подчёркивает величество и высшее происхождение зверя. По другой версии – шары-мячи помогают львам сторожить. Постоянное удерживание шара помогают льву не заснуть, если лев задремлет, лапа ослабнет, шар скатится и упадет.

Львы на входе в Русский музей в Санкт-Петербурге

Следующие львы на маршруте снова необычные. Живут они в саду Дружбы на Литейном проспекте,15. Это совсем молодые скульптуры львов, поселились они в городе в 2003 году, были подарены Шанхаем, городом-побратимом, на 300-летие Санкт-Петербурга. Сам сквер, в котором расположились львы, весьма привлекателен и необычен, а если вам повезет попасть в него в конце весны, то вы в нем застанете не только львов, но и пышно цветущую сакуру.

Львы в китайском дворике в Санкт-Петербурге

Последняя точка в пешей части нашей прогулки находится достаточно далеко, но она стоит того, чтобы до нее дойти. 29 львов - самая большая популяция этих зверей в камне расположены перед дачей Безбородко на Свердловской набережной.

Великолепная ограда бывшей дачи богатого семейства сплошь состоит из львов, которые в пастях держат единую цепь. Ансамбль ограды чарующий и благодаря тому, что львы чугунные, хорошо сохранился. К сожалению, этого нельзя сказать о доме, который когда-то был центром курорта-водолечебницы Полюстрово. Однако, в этот район обязательно стоит добраться чтобы посмотреть другой Петербург, уже не парадный и туристический, а жилой и промышленный. И львы, которые довольно несут свою службу уже более 200 лет, станут вашими проводниками.

Львы в усадьбе Безбородько в Санкт-Петербурге

Закончим наш львиный маршрут на Елагином острове. Попадем мы вечером туда не случайно – мы проводим завораживающий закат на Западной стрелке Елагина острова в обнимку со львами. Елагин остров и Центральный парк культуры и отдыха им. Кирова – любимое место отдыха петербуржцев. Елагин дворец – сердце Елагина острова, являлся летней императорской резиденцией и был построен по проекту Д.Кваренги в конце XVIII века, перестроен К.Росси в период правления Александра I. Дворец выполнен в палладианском стиле и смотрится очень изящно и трогательно. Окруженный зеленью и атмосферой отдыха и улыбок, но притягивает к себе еще больше. Центральную лестницу украшают 2 статуи львов. Они гармонично вписываются в общий ансамбль парка и вызывают желание по-дружески обнять их и угостить мороженым. Еще 2 льва ждут вас на Западной стрелке, как вы помните, для проводов этого отличного дня. Если вам повезет с солнечной погодой, то вы насладитесь совершенно волшебными видами и пейзажами.

Львы на Елагином острове в Санкт-Петербурге

Петербурге и его окрестностях «живет» огромное количество львов. Вы встретите их и в Павловске, где они почти что символ, и в Петергофе, и в парке Константиновского дворца.

Львы будут иметь разные морды, разные позы, но везде будут служить для одного – защищать вас и делать ваш отдых в Санкт-Петербурге безмятежным и счастливым.

Источник - http://www.peterburg.biz/marshrut-lvyi-peterburga.html#ixzz5XQ1yx4yk
Источник - http://www.peterburg.biz/marshrut-lvyi-peterburga.html#ixzz5XQ1C0Nvf

Рубрики:

ЛЮБИМЫЙ ГОРОД

Метки: «Львы Петербурга»

Понравилось: 2 пользователям

ЛЮБИМЫЙ ГОРОД
Камень, дерево, кость....

Новый музей янтаря в Петербурге

Суббота, 10 Ноября 2018 г. 20:25 + в цитатник

Фоторепортаж: как выглядит новый музей янтаря в Петербурге

8 ноября в галерее Перинной линии Большого Гостиного двора открылся новый музей янтаря заслуженного художника России и вице-президента Всемирного Совета по янтарю Александра Крылова. Это второй такой музей в России - до этого музей, посвященный истории добычи и изделиям из камня, существовал только в Калининграде.

На экспозиции представлены ларцы, шкатулки, кубки, вазы, мелкая скульптура, настольные украшения, сделанные из янтаря, а также зеркала в резных янтарных рамах. Здесь же можно увидеть единственную в мире играющую янтарную скрипку. Помимо этого в музее открыт раздел, целиком посвященный Янтарной комнате, в котором можно будет увидеть уникальные исторические фотографии, реплики элементов художественного убранства янтарных панно и макет Янтарной комнаты в масштабе 1:20.

Сначала Крылов делал только маленькие иконы, а потом решил "рисовать" их из янтаря на больших полотнах. Художник брал за основу графику старых икон 14-17 века, но внутреннюю набивку камнем придумал сам. Затем он начал делать скульптуры. Сам художник рассказывает, что задался целью рассказать публике о том, что из янтаря можно делать не только ювелирные изделия и картины.

Цвет стен в музее синий. Как рассказал сам Крылов "Собака.ru", такой цвет выбран для того, чтобы лучше подчеркнуть цвет янтаря.

Выставка разбита на три части: светская (где представлены экспериментальные скульптуры), иконная (пасхальные яйца и иконы, бюст Александра Невского), историческая (вещи, которые Крылов собирал на барахолках и в антикварных магазинах и макет Янтарной комнаты).

Стоимость входного билета - 400 рублей, пенсионерам - 200 рублей, студентам - 300 рублей. В первый месяц экскурсионное обслуживание входит в стоимость билета

Фото: Алина Малютина

Рубрики:

Понравилось: 3 пользователям

https://kak-eto-sdelano.livejournal.com/361098.html

Бумажные скульптуры Ли Хунбо

Пятница, 09 Ноября 2018 г. 19:25 + в цитатник

Бумажные скульптуры Ли Хунбо

Белоснежные скульптуры китайского автора Ли Хунбо (Li Hongbo) вряд ли покажутся интересными и оригинальными тому, кто видит их впервые. Такие гипсовые статуэтки используют в художественных школах, обучая новичков азам изобразительного искусства. Но они не так просты, как кажется.

Скульптор работает не с гипсом, а с белой бумагой, и его бумажные скульптуры из серии Pure White Paper могут растягиваться и гнуться, подобно мехам аккордеона.

Основной секрет своего творчества автор содержит в тайне, но если внимательно присмотреться к скульптурам, когда их растягивают, гнут и скручивают, можно заметить, что они состоят из тысяч тонких белых листочков, прочно соединенных между собой.

Интерес к бумаге у художника появился еще во время работы редактором, но, по-настоящему, Лу Хунбо вдохновила сота- популярная бумага для создания детских игрушек или праздничных украшений в Китае. Ее удивительная гибкость, устойчивость и прочность привлекли внимание художника, и он начал использовать ее в качестве материала для свои гуттаперчевых скульптур.

Ли Хунбо использует специальный "резиновый" клей, который обычно применяют для изготовления традиционных китайских игрушек из мягкой бумаги. Кстати, эти игрушки и вдохновили скульптора на создание арт-проекта Pure White Paper.

Художник сперва склеивает особым образом между собой несколько тысяч листов бумаги, после чего обрабатывает ее как скульпторы мрамор.

Дети обожают наблюдать за тем, как плоская бумажная коробочка вдруг растягивается на несколько метров, превращаясь в змею, дракона или гусеницу. Взрослых людей гусеницами уже не удивить, считает Ли Хунбо, стало быть, им необходимо что-то более серьезное. Потому его скульптуры - не плоские коробочки, а "полноразмерные" изваяния, практически не отличимые от обычных скульптур.

Но стоит потянуть такую скульптуру за выступающие части, как она начнет растягиваться, забавно деформируясь, но оставаясь при этом цельным объектом. Играть такой гармошкой можно бесконечно, скульптура не испортится, разве что бумага может не выдержать активных действий, и в какой-то момент испортиться.

В серии гибких бумажных скульптур талантливого автора - бюсты и полноразмерные фигуры людей, черепа и конечности, а также выдуманные существа, не поддающиеся классификации.

Рубрики:

искусство
Камень, дерево, кость....

Метки: Бумажные скульптуры Ли Хунбо

Понравилось: 1 пользователю

Драгоценности и украшения
Камень, дерево, кость....

КАМЕЯ-ИЗЫСКАННОСТЬ И СОВЕРШЕНСТВО

Среда, 07 Ноября 2018 г. 22:44 + в цитатник

КАМЕЯ-ИЗЫСКАННОСТЬ И СОВЕРШЕНСТВО

Камея — разновидность геммы, ювелирное изделие или украшение, выполненное в технике барельефа на драгоценных или полудрагоценных камнях или на морской раковине. Противоположность интальо, которая выполняется в технике углублённого рельефа.
Камея – это символ утончённой красоты. Это произведение искусства, в котором тонко сочетаются изящество, отточенность форм, красота и совершенство.

Камеи – античные произведения искусств, которые олицетворяют идеал гармоничного и прекрасного, созданного человеком.

Рубрики:

Метки: КАМЕЯ

История
ГОРОДА И СТРАНЫ
архитектура

Овеянный легендами Нотр-Дам де Пари: Бесценные реликвии, необычные обитатели и хранимые им тайны

Вторник, 06 Ноября 2018 г. 17:51 + в цитатник

Овеянный легендами Нотр-Дам де Пари: Бесценные реликвии, необычные обитатели и хранимые им тайны

Нотр-Дам де Пари: Тайны и легенды собора, его бесценные реликвии и необычные обитатели…
В Париже, на острове Сите, красуется величавый собор Нотр-Дам де Пари. Сложно найти человека, который бы не слышал о нем, а многие специально стремятся в Париж, чтобы взглянуть на него своими глазами. А привлекает он людей не только своей красотой и необычной архитектурой, но также и таинственностью. Немало тайн и легенд , сохранившихся с давних времен, связано с этим собором.

Нотр-Дам де Пари

Говоря о Нотр-Дам де Пари, нельзя не вспомнить эту прекрасную музыку...

Раньше на месте этого собора стоял древнеримский храм бога Юпитера, с распространением христианства его сменила базилика Св. Стефана. Впоследствии на этом же месте были построены еще две церкви, от которых к XII веку почти ничего не осталось. Тогда-то и было решено возвести здесь новый храм, такой, чтобы по красоте и величию ему не было равных.

Строился этот собор без малого два столетия - с 1163 по 1345 год. За это время многое изменилось, конечно же, менялись и архитекторы, хотя известными остались имена лишь двух из них - Жан де Шель и Пьер де Монтрей. Если в начале XII века в архитектуре Франции господствовал основательный и величественный романский стиль, то затем его сменила легкая, взлетающая ввысь готика. И это смешение стилей не только не изуродовало собор, а, наоборот, пошло ему на пользу.

Шли годы, cо временем собор начал потихоньку разрушаться, но никаких восстановительных работ не проводилось. Особенно досталось этой «твердыне мракобесия» во время Великой Французской Революции (1789-1799 гг). Витражи, шпиль на главной башне разрушили, колокола переплавили на пушки… У статуй иудейских царей, ошибочно приняв их за ненавистных королей, снесли головы. Собирались полностью уничтожить и собор, но, к счастью, не хватило взрывчатки. Тем не менее, Робеспьер объявил парижанам, что собор будет снесен. Или же для сохранения святыни горожане должны сделать солидные пожертвования на нужды революции. Жители согласились, и собор был спасен.

Но с восстановлением разрушенного собора долгое время затягивали, и он продолжал разрушаться. Лишь в 1831 году, когда вышел из печати роман Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери», читательский интерес возродил и интерес к собору.

Кадры из фильма «Собор Парижской Богоматери», Джина Лоллобриджида – Эсмеральда, Энтони Куинн - Квазимодо

Было решено начать масштабные работы по восстановлению национального достояния. Руководить работами поручили архитектору Виолле-ле-Дюку, и он справился с задачей блестяще. Реставрация собора, после которой он и приобрел знакомый всем нам облик, продлилась двадцать лет.

Нотр-Дам де Пари в конце 19 века

На западном фасаде собора, считающимся главным, имеются три входных портала: Страшного суда, Мадонны с младенцем и святой Анны.

Нотр-Дам де Пари, западный фасад

Портал «Страшный суд»

Над ними находится Галерея царей.

Галерея царей

Считается, что здесь изображены правители Древней Иудеи, хотя по этому поводу до сих пор остаются вопросы.

Галерея царей

Статуй царей в галерее - 28, а между тем иудейских царей насчитывается лишь 18. Откуда же взялось число 28 и что оно означает?

Украшением трех фасадов – главного и боковых - служат великолепные витражи - окна-розы.

Полюбоваться прекрасными витражами можно и внутри собора.

Алтарь собора

Входные ворота Нотр-Дама

Сохранилась удивительная легенда...
За работу по отделке главных входных дверей собора взялся талантливый кузнец Бискорне. Когда к нему пришли, чтобы узнать, как идет работа, кузнеца нашли лежащим без сознания. Но, тем не менее, ворота невероятной красоты с причудливым витым ажурным узором, были готовы. Но было совершенно непонятно, как он смог сотворить такое чудо. Пришедший в себя мастер был мрачным и неразговорчивым, никому ничего объяснять не стал. Когда ворота с замками установили на место, оказалось, что их невозможно открыть. И лишь окропив замки святой водой, служители смогли войти в храм. С гениальным мастером, столь искусно выполнившим свою работу, тоже случилось неладное – сначала он лишился дара речи, а затем и вовсе умер, унеся с собой секрет. До сих пор так и остается непонятным, как с весьма ограниченными возможностями, доступными в то время, можно было создать такой шедевр.

Колокола Нотр-Дама

Колокол Эммануэль, вес 13 тонн

Колокола, установленные на башнях собора, имеют не только разный вес и голос, у каждого из них есть свое имя. Самый большой колокол по имени Эммануэль весит целых тринадцать тонн, и раскачать его совсем не просто. По этой причине услышать его звон можно лишь в дни больших торжеств. Все остальные колокола звонят дважды в день – утром и вечером.
Многие считают, что горбун Квазимодо, звонарь собора Нотр-Дам, выдуман писателем. Однако, есть повод усомниться в этом.
В мемуарах одного из скульпторов, участвовавших в реставрации собора, написано, что ему доводилось встречать в соборе горбуна, который прятался от людей. Возможно, он попался на глаза и Виктору Гюго, который неоднократно бывал в соборе, собирая материал для романа.

Реставраторы проделали огромную работу, восстанавливая собор. Вместе с тем, Виолле-ле-Дюк посчитал возможным дополнить облик собора целым рядом новых элементов, которых изначально не было.

Апостолы

Работая над восстановлением скульптур апостолов у основания шпиля, архитектор заменил одну из них (апостола Фомы) на скульптуру, изображающую его самого.

Виолле-ле-Дюк в виде апостола на крыше Собора Парижской Богоматери

И расположил ее иначе. Взгляды всех апостолов, как и положено, устремлены на город, только Фома повернулся в другую сторону и любуется своим творением. Этот апостол был выбран архитектором не случайно – Фома занимался строительством и знал плотницкое дело.

Горгульи и химеры

Cтоя возле собора и подняв голову кверху, можно разглядеть множество самых разных каменных чудовищ, торчащих из стен. Называются они горгульями и имеют вполне практическое предназначение - завершают снаружи желоба для стока воды.

Потоки воды из пасти горгулий извергаются далеко от стен собора. Это предохраняет стены и фундамент от излишнего увлажнения и разрушения.

Но почему именно эти довольно странные и неприятные существа «поселились» на стенах христианского собора? Дело в том, что раньше люди верили - отпугивать нечисть надо чем-то ей подобным.

Если горгульи существовали на стенах собора изначально, то другие, не менее странные существа, «поселились» у основания соборных башен по задумке Виолле-ле-Дюка уже позже. И называются эти гротескные, уродливые существа химерами. Эскизы химер рисовал сам Виолле-ле-Дюк. В отличие от горгулий, никакого практического предназначения у химер нет, они выполняют чисто декоративную функцию. Химеры очень органично вписались в архитектуру собора, да и c горгульями они сосуществуют прекрасно. Считается, что химеры наряду с горгульями тоже являются хранителями собора. Особой любовью пользуются химеры у туристов.

Химеры Нотр-Дама. Фото 1865 года

Самая известная химера называется Стрикс ( «ночная птица»). По преданию, эта полуженщина-полуптица по ночам летает в поисках младенцев, чьей кровью она и питается.

Химера Стрикс

Собор был местом, где собирались не только праведные католики, но также алхимики и прочие маги. Не зря в галерее химер можно отыскать и статую Алхимика. Некоторые верят, что в стенах этого собора все-таки был открыт секрет философского камня, и он зашифрован в каменных узорах собора.

Алхимик

Пчелиные ульи Нотр-Дама

Еще одни необычные обитатели, помимо горгулий и химер, с недавних пор завелись в соборе – пять лет назад здесь стали разводить пчел, поддержав тем самым идею городского пчеловодства. С некоторых пор это стало очень модным в Париже, возможно, в связи с информацией о резком снижении численности пчел.

Сокровищница собора

С 1239 года здесь на постоянном хранении находится одна из величайших христианских реликвий - Терновый венец Иисуса Христа.

Этот венец проделал долгий путь из Иерусалима через Константинополь, прежде, чем оказался здесь.
Также в соборе хранится гвоздь, которым Иисуса Христа прибивали к кресту, и часть этого креста.

https://worldartdalia.blogspot.com/2018/11/blog-post_6.html

Рубрики:

Метки: Нотр-Дам де Пари

Драгоценности и украшения

Ювелирные фантазии в стиле ар-нуво от Филиппа Вольферса: Цветы, бабочки, павлины, феи

Понедельник, 29 Октября 2018 г. 13:54 + в цитатник

Ювелирные фантазии в стиле ар-нуво от Филиппа Вольферса: Цветы, бабочки, павлины, феи

Ювелирные фантазии в стиле Ар Нуво от Филиппа Вулферса: Цветы, бабочки, павлины, феи...

В конце 19 - начале 20 веков в Европе возник новый стиль – модерн, охвативший все направления искусства. В разных странах он имел разные названия: в России – «Модерн», в Германии - «Югендстиль», во Франции и Бельгии –«Ар Нуво»…. Коснулись новые веяния и ювелирного искусства. Если во Франции самым прославленным ювелиром эпохи Ар Нуво был Рене Лалик, то в Бельгии не менее прекрасные работы в новом стиле создавал Филипп Вольферс.

Родился будущий знаменитый ювелир в Брюсселе в 1858 году в богатой семье. Его отцом был знаменитый мастер серебряных дел, известный во всей Европе, Луи Вольферс. У мальчика с юных лет проявились и интерес к ювелирному делу, и творческие способности. C 16 лет он начал работать вместе с отцом в мастерской, осваивая профессию ювелира с самых азов.

Филипп Вольферс (1858-1925)

И тут в мир искусства врывается стиль модерн, буквально «взорвав» все его нормы и устои. Вольферсу повезло – город Брюссель, в котором он жил, в конце 19 века был крупным культурным центром, и бельгийская столица сыграла большую роль в становлении модерна.

С приходом эпохи модерна коренные изменения произошли и в ювелирном мире. Стала важна не только стоимость ювелирных изделий, но и их художественная ценность, дизайн и красота. Если раньше украшения делали в основном из золота и самых дорогих драгоценных камней (бриллиантов, изумрудов, рубинов и сапфиров), то теперь ювелиры стали использовать и другие природные материалы и камни – опал, лунный камень, гранат, турмалин, халцедон, речной жемчуг, оценив всю их красоту. Вспомнили и про эмаль, возродив ее использование при производстве украшений.

В конце 90-х гг. Филипп Вольферс, у которого к тому времени дела по производству посуды из серебра и предметов интерьера шли совсем неплохо, решил заняться несколько иным делом - разработкой ювелирных украшений. И у него получилось - с 1897 до 1905 гг Вольферс трудился очень плодотворно и успешно. Им было создано более 100 великолепных искусных украшений, настоящих шедевров эпохи Ар Нуво.
Одним из любимых камней, которые Вольферс часто использовал в работе, был резной опал. Этот красивейший камень, любоваться которым можно бесконечно, покорил сердце мастера своей загадочностью, полупрозрачностью и неповторимой игрой цвета.

По мотивам Древнего Египта

Кулон Медуза, вырезан из слоновой кости, глаза из опала, жемчуг, 1898

Брошь-кулон Ника, 1902, золото, гравировка, эмаль, техника транслюсид, рубины, изумруды, бриллианты, резной турмалин, жемчужина

В этой великолепной подвеске центральное место занимает женский лик, вырезанный из опала, в гармоничном окружении золота, дорогих драгоценных камней, жемчуга и разноцветных эмалей.

Золотая подвеска «Cygne et Serpents» (1899) с опалом, рубинами, бриллиантами и жемчугом

Эту золотую подвеску «Лебедь и змеи» Филипп сделал и подарил своей жене Софи Уиллштедтер.

Портрет жены ювелира, Софи Уиллштедтер с подвеской, худ. Firmin Baes

Дизайн украшений тоже поменялся кардинально за счет смены образов и мотивов. Для Ар Нуво главным источником вдохновения стала природа - растительные и цветочные узоры с плавными извилистыми линиями. Из цветов чаще всего изображали совсем не розу, так любимую ранее, а вьющиеся растения (плющи, вьюнки), а также ирисы, орхидеи…

Фрезия, 1901. Один из самых любимых цветов Вольферса

Заколка для волос «Орхидея». Золото, бриллианты, эмаль

Брошь «Крылатая орхидея»

Коренным образом изменились и мотивы, привнесенные из животного мира.

Брошь-кулон Стрекоза, 1903-1904,золото, опалы, эмаль, рубины, бриллианты, мексиканский опал

Наряду с эфемерными бабочками и стрекозами, наибольший интерес стали вызывать также птицы - ласточки, лебеди, павлины – чьи плавные силуэты идеально вписывались в новые формы.

Le chant du Cygne, 1901

Любимые павлины:

Heart shaped peacock brooch pendant. Enamel, peridot, diamond, and opal drop

На этой броши изображена величавая птица - павлин. А внутри его распростертых крыл – изумруд в обрамлении бриллиантов, опалов и хризолита (1902 год). В 2012 году была продана на аукционе за 34600 долларов.

Если в 19 веке господствующими были пуританские настроения, правила и нормы, то теперь все изменилось. Ювелиры стали изображать на украшениях чувственных томных дев с красиво изогнутыми линиями тел, зачастую даже обнаженных. А обладательницы таких украшений безо всякого смущения их носили.

Часто женский образ преподносился в виде бабочки или стрекозы.

Мода в эпоху модерна

Прически стали более объемными, взбитыми. Для них использовали различные украшения, фиксировали прически с помощью красивых гребней.

Гребень для волос «Oiseaux et Iris» («Birds and Iris») 1899. Филипп Вольферс, Gold, enamel, Brazilian opal and rock crystal

В моде утягивающие корсеты и очень узкие, «осиные», талии. Часто на талии носили пояски с красивыми ювелирными пряжками.

Пряжка, Филипп Вольферс

Пряжка Летучая мышь, Филипп Вольферс

Популярными становятся широкие колье под названием «собачий ошейник», почти полностью скрывавшие шею
Очень красивое колье изготовил и Филипп Вольферс в 1900 году. Называется оно «Колье с глициниями».

“Glycines” (“Wisteria”) dog collar by Philippe Wolfers, 1902, jour enamel, carved tourmalines and opals, rubies, garnets and Baroque pearls

Продано в 2016 году за за 220 тысяч евро в частную коллекцию.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/291018/41072/?fbclid...T7RBQwB9XmI2r46jYLqREMgR7AHM2s

Рубрики:

Метки: Филипп Вольфер Ювелир

Понравилось: 2 пользователям

ЖЕНСКИЕ ОБРАЗЫ 1940-1950-Х ГОДОВ НА СНИМКАХ ГЕНИАЛЬНОЙ НИНЫ ЛИН

Воскресенье, 19 Августа 2018 г. 10:43 + в цитатник

ЖЕНСКИЕ ОБРАЗЫ 1940-1950-Х ГОДОВ НА СНИМКАХ ГЕНИАЛЬНОЙ НИНЫ ЛИН

Создать демотиватор

Фотограф Нина Лин (Nina Leen) родилась в Российской империи. Она жила в Германии, Италии и Швейцарии, а потом переехала в США. Её жизнь была окутана тайнами. Когда в 1995 году Лин умерла, поблизости не оказалось никого, кто бы смог назвать её точный возраст. Фотографии Лин более 50 раз появлялись на обложке журнала Life. Лучшие из её работ представлены в нашей подборке.

источник

Рубрики:

фотография

Метки: Фотограф Нина Лин (Nina Leen)

Понравилось: 1 пользователю

Живопись
стекло, фарфор, керамика

ЙОЗЕФ ШТИЛЕР

Суббота, 18 Августа 2018 г. 12:28 + в цитатник

ЙОЗЕФ ШТИЛЕР

Жил был король - король Людвиг I Баварский (Ludwig I. von Bayern 1786 - 1868), который любил как и многие баварские правители все прекрасное. Любил он и красивых женщин, что стало причиной того, что в 1827 году королю Людвигу пришла в голову идея создать у себя в замке Нимфенбург (Schloss Nymphenburg) целую галерею красавиц. Идея сразу же стала воплощаться в жизнь: любимый художник короля, Йозеф Штилер (Joseph Karl Stieler 1781-1858) на протяжении почти 13 лет писал для своего покровителя портреты прекрасных дам того времени. Дамы эти не только принцессы или же их приближенные, среди них и крестьянки, и простые горожанки - баварский король лично отбирал тех, кто впоследствии стал украшением его художественной галереи. Всего художником было выполнено 36 женских портрета, а модели в награду получили костюмы, в которых позировали живописцу. В настоящее время Галерея красавиц (Schönheitengalerie) Нимфенбурга знаменита и почитаема туристами не менее, чем наша Военная галерея героев 1812 года в Эрмитаже. Но причем тут тарелочки? Фарфор века XIX - одно из сокровищ, которым гордились все богатые люди того времени и вполне естественно, что портреты прекрасных дам из галереи короля Людвига I Баварского были воспроизведены мастерами того времени и на королевском фарфоре. Фарфор этот у собирателей антиквариата носит название "Королевская Вена", хотя мог производится не только на австрийских мануфактурах, но и по всей Германии того времени.

Создать демотиватор

Йозеф Штилер Портрет баронессы Амалии Максимилиановны Крюденер, во втором браке - графини Адлерберг, урожденной графини Лерхенфельд

* * *

Я помню время золотое,
Я помню сердцу милый край.
День вечерел; мы были двое;
Внизу, в тени, шумел Дунай.
И на холму, там, где, белея,
Руина замка вдаль глядит,
Стояла ты, младая фея,
На мшистый опершись гранит.
Ногой младенческой касаясь
Обломков груды вековой;
И солнце медлило, прощаясь
С холмом, и замком, и тобой.
И ветер тихий мимолетом
Твоей одеждою играл
И с диких яблонь цвет за цветом
На плечи юные свевал.
Ты беззаботно вдаль глядела...
Край неба дымно гас в лучах;
День догорал; звучнее пела
Река в померкших берегах.
И ты с веселостью беспечной
Счастливый провожала день;
И сладко жизни быстротечной
Над нами пролетала тень.

Федор Тютчев
(посвящено Амалии Крюденер)
1832

Йозеф Штилер Портрет короля Людовика I Баварского 1826

Краткая биографическая справка. Йозеф Карл Штилер свои первые шаги в искусстве сделал под руководством своего отца, резчика печатей. В 17 лет Штилер предпринял поездку в Вюрцбург, где был учеником придворного художника Христофа Фезеля. Затем Штилер стал обучаться в венской Академию художеств у Генриха Фридриха Фюгера. В 1808 гогу Штилер стал жить в Германии, затем ы 1811 году обосновался при дворе Евгения Богарне, чтобы написать портреты его детей для тестя Богарне короля Баварии Максимилиана I Йозефа. Штилер становится известным портретистом того времени: среди его самых известных работ портрет Людвига ван Бетховена, портрет Гете, портреты королей и королев.

Художник Йозеф Штилер

Что ни красавица на портретах Штилера, то легенда. Король Баварии был ценителем красоты и не только красоты, но и ума... хотя ум одной из тех, кого он выбрал для позирования художнику стал причиной того, что Людвиг вынужден был раньше времени отречься от престола. Но это уже другая история...

Йозеф Штилер Портрет Элизабет Розанны Гильберт, графини Ландсфельд, известной более как Лола Монтес

Йозеф Штилер Портрет Анны Вилмайер

Йозеф Штилер Портрет Августы Штробль

Йозеф Штилер Портрет Софии, принцессы Баварии

Йозеф Штилер Портрет графини Керолайн фон Холштейн

Йозеф Штилер Портрет Вильгельмины Зульфер

Йозеф Штилер Портрет принцессы Баварии Августы Фердинанды

Йозеф Штилер Портрет дочери барона Чемберлена

Йозеф Штилер Портрет Анны Каулы

Йозеф Штилер Портрет Розалии Джулии фон Бонар

Йозеф Штилер Портрет дочери винодела Людовика Крестентии Бургины

Йозеф Штилер Портрет дочери сапожника Хелен Зельдмайе

Рубрики:

Метки: ЙОЗЕФ ШТИЛЕР фарфор портрет

Понравилось: 1 пользователю

https://shakko-kitsune.livejournal.com/1252457.html

МАСТЕР РОКОКО. ЧТО ЕЩЕ НАТВОРИЛ АВТОР “МЕДНОГО ВСАДНИКА”

Понедельник, 13 Августа 2018 г. 19:48 + в цитатник

МАСТЕР РОКОКО. ЧТО ЕЩЕ НАТВОРИЛ АВТОР “МЕДНОГО ВСАДНИКА”

Кстати, у себя на родине он и не скрывал, что мастер рококо — работал на Серврском фарфоровом заводе, придумывал статуэтки.

А вы знаете, что “Медный всадник” работы Фальконе – это такое вот рококо?

Реклама 02

Мастер рококо. Что еще натворил автор “Медного всадника”

Не, ну реально: не классицизм же это; а для барокко уже поздновато. Давайте посмотрим, что еще делал скульптор Фальконе.

Кстати, у себя на родине он и не скрывал, что мастер рококо — работал на Серврском фарфоровом заводе, придумывал статуэтки.

“Туалет Венеры”

“Грозящий Амур”, 1757

“Задумчивая девочка”

“Пигмалион и Галатея”, 1763

“Купальщица”, 1780-е

“Сидящая нимфа”

“Играющие дети”

“Психея с цветами”

“Девочка-коровница”

“Леда и лебедь”, 1750-е

“Аллегория музыки”, 1752

“Венера с голубями”

Так что, вот удивительно, что Фальконе такой масштабный шедевр удался.

http://www.goldrussian.ru/img/438/eten-falkone-mednyij-vsadnik.jpg

Рубрики:

искусство

Метки: Фальконе скульптуры

Понравилось: 1 пользователю

Исламская архитектура

Понедельник, 13 Августа 2018 г. 00:47 + в цитатник

Исламская архитектура

Исламская архитектура – одна из самых сложных форм зодческого искусства, основанная на геометрии и математике. Её совершенные повторяющиеся спирали, цветистость, витиеватость и масштабность внушают священный трепет. Сложные и изысканные конструкции мечетей можно отнести к самым выдающимся творениям рук человеческих. Исламская архитектура – одна из самых сложных форм зодческого искусства, основанная на геометрии и математике. Её совершенные повторяющиеся спирали, цветистость, витиеватость и масштабность внушают священный трепет. Сложные и изысканные конструкции мечетей можно отнести к самым выдающимся творениям рук человеческих. Мусульманские зодчие разработали гибкие схемы планировки и универсальные строительные методы, применимые для возведения и мощных крепостей, и легких дворцовых павильонов. Прекрасные математики, они изобрели способы преобразования элементарных геометрических фигур (квадрата, треугольника, круга) в сложнейшие архитектурные конструкции и ювелирно сплетенные орнаменты, используя при этом простые и дешевые глину, кирпич, природный камень, стук или гипс, бетон. Искусно сочетая резьбу, полировку, роспись, мозаику, они превращали дерево, мрамор, стекло, глазурованную керамику в драгоценные отделочные материалы. Руководствуясь принципами геометрического соответствия и гармонии чисел, подобия и симметрии, они создавали из комбинаций простых элементов необычайно эффектные композиции.Отличительной особенностью исламского зодчества стали многочисленные варианты стрельчатых, подковообразных, фигурных арок, рубчатых, ячеистых или ажурных сводов и куполов, наборных деревянных потолков. Ни в каком другом строительном искусстве мы не увидим столь мастерски образованных переплетением арочных дуг ажурных куполов-звезд и кружевных решетчатых оград. Никакая другая архитектура не знает таких импозантных, впечатляющих своей декоративностью конструкций сводов, куполов, карнизов и поясков, как сталактиты (по-арабски мукарнас – лепнина), напоминающие разрезанные пчелиные соты, пещерную известковую накипь или застывшие капли дождя.Сталактиты-мукарнас – возможно, самое замечательное изобретение времен Арабского халифата – стали опознавательной чертой исламского зодчества наряду с виртуозной узорной кладкой кирпичом и многоцветной керамической мозаикой.Собственно исламская архитектура своим рождением обязана развитию религиозных обрядов и мусульманского образа жизни. Первым и главным видом культового сооружения Ислама стала мечеть – отъединенное от мирской суеты пространство для вознесения молитвы Богу, место собрания единоверцев, их общения или уединения, их приобщения к религиозному знанию. Со временем сложились такие специфически мусульманские архитектурные типы, как медресе (духовная школа или теологический университет), маристан (благотворительный госпиталь), ханака, завия, такия-текке (суфийские обители, странноприимные дома), мазар-мавзолей или культовый комплекс над могилой наделенного ореолом святости мусульманского богослова, наставника или мученика-шахида. В соответствии с эзотерическими представлениями мусульман о явном (захир – доступном) и потаенном (батын – недоступном непосвященному) мире, в исламском зодчестве получил развитие принцип «скрытой архитектуры»: неприглядные глухие фасады защищают от постороннего взгляда разнообразно оформленные помещения, открытые во внутренний двор с фонтаном, водоемом, цветущей зеленью.

Мавзолей Фатимы Масуме, город Кум, Иран

Мечеть Насир аль-Мульк, Шираз, Иран

Мечеть Шейха Лютфуллы, Исфахан, Иран

Мечеть Имама, бывшая мечеть Шаха, Исфахан, Иран

Потолок мечети Тадж-Махал

Шираз, Иран

Мечеть шейха Зайда, Абу-Даби, Объединённые Арабские Эмираты

Мечеть Вазир Хана, Лахор, Пакистан

Мавзолей Бахауддина Накшбанда, Бухара, Узбекистан

Мечеть Имама Хомейни, Исфахан, Иран

Регистан, Узбекистан

Купол михраба, мечеть в Кордове, Испания

Мечеть в Марокко

Мавзолей Али ибн Хамзех (Зеркальная Мечеть), Шираз, Иран

Мавзолей Рухабад, Самарканд

Купол Скалы или Мечеть Скалы в Иерусалиме, Палестина

Мечеть Сулеймание, Стамбул, Турция

Мечеть в Тегеране, Иран

Мечеть Шах Джахана, Татта, Пакиста

Голубая мечеть, Стамбул

Рубрики:

архитектура

Метки: Исламская архитектура

Понравилось: 1 пользователю

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

Воскресенье, 29 Июля 2018 г. 23:53 + в цитатник

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

В мире есть немало невероятных поселений, где кажется инопланетным все: обычаи, сами люди и их особенности. И создается впечатление, что жителей там объединяет одна общая тайна. Всегда интересно приоткрыть завесу и узнать подробности.

1. «Королевство для гномов» (Китай)

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

Необычным людям в нашем мире приходится нелегко. Но близ Куньмина у них есть сказочное царство. Этот уникальный мир создал Чень Минцзин. Он предложил карликам со всей страны, терпящим лишения, переехать сюда. Сейчас тут проживают около 125 человек в возрасте от 19 до 48 лет.

Одеваются жители в яркие костюмы гномов, ангелов, эльфов, принцесс и стражей. У них есть дома, похожие на деревья и грибы. А рядом — общежития, где удобную сантехнику и мебель сделали для них под заказ. Здесь им комфортно и никто не смеется вслед.

А еще у всех тут есть работа. Они дают представления для туристов, проводят экскурсии. А в выходные занимаются домашними делами, играют в покер, волейбол, ходят на бесплатные курсы английского языка.

Несмотря на споры «больших людей» об их поселении, сами карлики довольны. Они живут в своем уютном мире, где у них есть дом и работа, а еще созданная для них инфраструктура со школой, клиникой, магазинами, кафе и цветочной лавкой.

2. Индейцы пираха / Самое счастливое племя

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

Племя, живущее у притока Амазонки, называют самым счастливым. А они... Не умеют считать, зато у них есть 2 числа — «несколько» и «много», а еще 2 цвета — «светлый» и «темный». Не знают часов и календарей, едят 1–2 раза в день, а спят время от времени по 20 минут, чтобы «долгий сон не забрал силы».

У них лишь 3 степени родства: ребенок, родитель и брат / сестра. Тут нет поучений и иерархии, но никто не крадет и не убивает.

У них нет собственности и предрассудков, их не убедили проповеди Дэниела Эверетта. Наоборот, он принял их мировоззрение, а их язык с 3 гласными и 7 согласными перевернул его познания как лингвиста.

Пираха счастливы, поют по ночам и верят, что сны и реальность одинаково важны. Раз в 7 лет они меняют свои имена, помнят названия и свойства тысячи растений и животных. А их дети играют не с игрушками, а с деревьями, цветами, собаками и лесными духами.

3. Икария / Остров долгожителей

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

Каждый 3-й житель Икарии доживает до 90 лет. А двое остальных живут до 100 лет. Секрет кроется в райской природе острова в Эгейском море, 8 целебных источниках, а еще в малой приспособленности для толп туристов. Но одиночество никому не грозит, ведь здесь дружно коротают годы 10 тыс. оптимистов.

Тут лишь понаслышке знают о болезни Альцгеймера и «возрастных недугах». А еще сюда из США приехал умирать Стаматис Мораитис (см. фото выше) — врачи сказали, что ему осталось жить 9 месяцев. Грек Мораитис вернулся на родину с семьей в 1976 году и счастливо прожил еще 37 лет.

На Икарии люди не спешат, работают по мере сил, ходят по горным тропам, едят фрукты со своих садов. Любят оливковое масло, хлеб на закваске, козье молоко и травяной чай. А вечером — веселые посиделки с соседями за кувшином вина.

Когда одну именинницу, отпраздновавшую 101 год, спросили, в чем же секрет, она пошутила: «Да мы просто тут забываем умирать!»

4. Кандиду-Годой / «Земля близнецов»

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

Абсолютный лидер по рождению близнецов — Кандиду-Годой в Бразилии. Тут в одном районе в 80 семьях 44 пары близнецов. Большинство жителей родом из Германии — они начали переезжать сюда во время Первой мировой войны. В начале 1990-х годов стало известно о феномене, и с разных стран приехали журналисты. Местным властям это понравилось, они нарекли город «Землей близнецов», открыли выставку в музее и установили статую «Источник плодородия».

Ученые выдвигали разные версии происхождения феномена, среди них которых особая вода, изоляция региона, а еще генетические эксперименты нацистского доктора Йозефа Менгеле. Жители говорят, что он кочевал по этим местам под видом ветеринара. И именно в это время был замечен первый всплеск рождения близнецов.

К слову, учителям тут приходится нелегко, так как ученики-близнецы часто хитрят, отвечая друг за друга на уроках.

5. Племя вадома — «люди-страусы»

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

В этом племени наблюдается генетическая аномалия ступни — эктродактилия. Из-за отсутствия 3 средних пальцев на ноге этих людей прозвали «страусоногими». Ученые уверены, что причина явления — древние законы, запрещающие браки за пределами племени.

Один из отцов семейств, у которого 2 ребенка — пятипалые, а 3 — двупалые, вспоминает: «В детстве я не казался себе необычным. Мама и многие соплеменники тоже были двупалыми. А неудобств никогда не испытывал: был активным и часто ходил пешком до Франсистауна».

6. Амиши / Жизнь вне времени

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

Амиши — протестанты-пацифисты. Основатель их общины Якоб Амман выступил за ограничение контактов с внешним миром. Но Людовик XIV начал гонения против «некатоликов», и амиши отправились за океан, в Новый Свет.

Сейчас таких поселений много в США (Огайо, Пенсильвании и других штатах), а также в Канаде (Онтарио). Они не берут в руки оружие, не платят налоги, не принимают помощь от государства. А основные занятия — фермерство и ремесленничество.

Амиши старого обряда соблюдают все правила: не водят авто, пашут землю плугом, не пользуются электричеством, телефоном и компьютером, вместо холодильника у них — камера со льдом. А вот амиши нового обряда не отказываются от комбайнов и телефонов.

В семьях обычно минимум 5 детей. Все женщины носят чепцы, им запрещено краситься, стричь волосы и носить украшения. Мужчинам после свадьбы нельзя брить бороду.

Дети учатся до 8-го класса, а 15 лет наступает период румспринга. Подростки могут нарушать правила и уезжать из поселения. Они пробуют алкоголь, сигареты, покупают модные вещи. После этого 90 % молодежи решают остаться в общине и принимают крещение.

В наши дни заметен большой интерес к общине. Появились даже реалити-шоу о молодых амишах, которые отправились в Нью-Йорк, чтобы познать жизнь. А американцы, уставшие от фастфуда, стали посещать амиш-рынки, где продают безвредные овощи и фрукты, варенье, выпечку и красивые изделия.

7. «Вольные художники» (деревня Арден, США)

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

В 1900 году 2 друга — скульптор Фрэнк Стивенс и архитектор Уилл Прайс — арендовали землю в Делавэре и основали арт-деревню. Здесь желающих ждали безмятежная жизнь на природе, независимый труд, а также один налог — на землю.

Свободолюбивая идея увлекла художников, музыкантов и писателей. И «коммуна искусств» развивалась, занимаясь продажей изделий. Жители Ардена считают себя последователями джорджизма: каждый человек лично владеет созданным продуктом, а природные блага принадлежат всем.

Деревушка стала уголком радости. Сюда едут туристы, чтобы посетить ярмарки и фестивали, купить оригинальные творения арденовцев и полюбоваться домами в стиле английского Средневековья.

8. Хогвей / «Шоу Трумана» для заботы о стариках

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

В уютной «деревне» есть дома, магазины, кафе и фонтан на площади. Только ее жители — это пациенты гуманной клиники для людей, страдающих деменцией (старческое слабоумие). По оценке ученых, к 2030 году уже 65 млн человек могут иметь этот диагноз.

А обитатели Хогвея совершенно не чувствуют своего недуга и одиночества. В каждой квартире-палате живут 5–6 человек, о которых заботится персонал, маскирующийся под продавцов, парикмахеров и прочих работников.

Все организовано так, чтобы пожилые люди не выходили за пределы деревни. Но нигде нет врачей в белых халатах. «Цель у нас одна: дать этим старикам все, чтобы они жили обычной жизнью».

Кроме прогулок и покупок жители Хогвея могут кататься на велосипедах, посещать клубы по своим хобби: музыка, живопись, садоводство, кулинария. А еще есть трудотерапия: помощь в стирке, готовке или уход за кем-то.

Палаты стилизованы под обычные комнаты с соблюдением стиля тех лет, когда краткосрочная память этих людей перестала действовать — интерьер 70-х, 90-х и др. А благодаря передвижным кухням, на которых разогревают еду, кажется, что ее готовят как дома — где-то рядом.

У замечательного проекта много критиков. Но те, кто думает в первую очередь о людях, сразу замечают, что обитатели любят свою «деревню». У них улучшается аппетит, они охотно общаются, а лекарств принимают меньше.

9. Финка Беллависта / «Рай на деревьях»

Места на Земле, где живут необычные люди по необычным законам и традициям (+Фото)

История «трихауз-поселения» в Коста-Рике весьма интересна. Однажды молодожены Эрика и Мэтт Хоган купили 600 акров джунглей, которым грозила вырубка. Они начали строить дом на лесных исполинах. И тогда к ним присоединились единомышленники, любящие жизнь на природе.

Так за 10 лет неподалеку от Тихого океана появилась экодеревня. Здесь пользуются солнечными батареями и сетью безуглеродного электричества, собирают ключевую и дождевую воду, выращивают овощи и фрукты, а отходы идут на биопереработку. Все новые поселенцы получают руководство о ресурсах и устройстве путей.

Дома тут, по словам Эрики, «разные как снежинки», а из окон открывается волшебная панорама. Вместо общественного транспорта используют натянутые канаты. Многие владельцы домов на деревьях сдают жилье в аренду. Путешественники могут найти и уютную комнатку, и комфортабельный номер. А еще имеются столовая и Wi-Fi.

Кстати, люди на деревьях вызывают немалое любопытство у представителей фауны. «Чем больше людей и шума, тем больше собирается птиц и животных».

Мэтт и Эрика говорят: «Создавая это место, мы следовали зову сердца, а не инвесторов. И наша „первобытная“ идея вдохновила других».

А какое необычное поселение удивило вас? Поделитесь вашими впечатлениями.

Источник: adme.ru

Рубрики:

нравы, обычаи, традиции

КАРИ РАССЕЛЛ-ПУЛ И Р.ДЖЕЙСОН ГОВАРД : КРАСОТА"ЖИВОГО"СТЕКЛА

Воскресенье, 29 Июля 2018 г. 21:23 + в цитатник

КАРИ РАССЕЛЛ-ПУЛ И Р.ДЖЕЙСОН ГОВАРД : КРАСОТА"ЖИВОГО"СТЕКЛА

Боросиликатное стекло было изобретено на рубеже 20-го века, благодаря своим уникальным свойствам, оно идеально подходит для сложных проектов с большим количеством частей и деталей, где необходимы несколько нагревательных циклов.

R. JASON HOWARD начал работать со стеклом в 1997 году, после двухлетней стажировки в керамической студии Гамильтон, продолжил обучение в студии Corning.

В настоящее время его работы основаны на уникальной комбинации традиционных итальянских технологий и самостоятельно изобретенных процессов для создания больших, органических, красочных форм, которые раздвигают границы по созданию стеклянных изделий.

Стиль выдувания, который использует художник, для создания своих работ называется Флэймворкинг (Flameworking) (также известный как Lampworking / Лэмпворкинг) стиль, где используется пламя факела и очень высокие температуры нагревания.

R. JASON HOWARD работал в качестве технического и художественного консультанта на стекольном заводе Northstar, разрабатывал методы переработки цветных стекол, в том числе популярного цвета «Оникс». Он показывает, на конференциях и преподает на семинарах классы по выдуванию стекла во многих странах, совсем недавно в Токио и Киото, Япония.
Работы R. JASON HOWARD выставлены на международном уровне в музеях и галереях, таких как Snyderman-Works в городе Филадельфия, Музей искусства и дизайна в Нью-Йорке, Музей стекла в Такома Вашингтоне, Kittrell-Riffkind Artglass в Далласе, и Pismo галереи в Денвере.

Его работы также находятся в постоянной коллекции Музея искусств Филадельфии.
R. JASON HOWARD живет в Skaneateles, Нью-Йорк, с женой и детьми, работает полный рабочий день в своей продакшн-студии, на стекольном заводе Cicada.
Полюбуйтесь на работы R. JASON HOWARD (Р.Джейсона Хауарда)

Кари Расселл-Пул и Р.Джейсон Говард : красота"живого"стекла

Создать демотиватор

//img0.liveinternet.ru/images/attach/c/6/92/774/92774928_large_bf89080abb62439aa532a03d792c0936.jpg

И работы женщины-стеклодува

Кари Расселл-Пул(Kari Russell-Pool)

Вазы, не требующие цветов. Красота "живого" стекла.

Кари Расселл-Пул(Kari Russell-Pool) - английская мастерица-стеклодув, закончила институт искусств в 1991г. в Кливленде.
Работает она в сотрудничестве с мужем. Он занимается металлической частью, сама Кари работает с пламенем.

Выбирать лучшую из её работ – почти то же самое, что пытаться выбрать кусочек торта в одной из лучших кондитерских.
То есть практически невозможно, ведь все они прекрасны и привлекательны по-своему.

Кари работает со стеклом в своей собственной уникальной технике, создавая предметы, полные женственности, изящества и легкости. Среди произведений искусства Кари потрясающей красоты вазы, кубки, заварные чайники, цветочные композиции…

Несмотря на то, что в наше время так модно говорить о равенстве полов, каждая работа Кари Расселл-Пул говорит о том, что ее автор – женщина.

Да и сама мастерица не отрицает тот факт, что именно будучи женщиной, матерью и женой, она находит источники вдохновения для своего творчества.

Кари Расселл-Пул утверждает, что в этом мире достаточно несовершенства и уродства, поэтому она старается сделать свои работы прекрасными.

Эту красоту мастерица создает не только при помощи витиеватых форм и множества деталей, но и при помощи цветовой гаммы, яркие и нежные тона которой довершают изысканность работ. Кари настаивает на том, чтобы ее называли мастером, а не художником, поскольку в основе всех ее работ лежит прежде всего мастерство.

Кари живет в маленькой живописной деревеньке Коннектикуте (графство Эссекс, Великобритания).

Каждый день она провожает своих двух дочерей в школу и отправляется вместе с мужем в их общую студию, где пара трудится до возвращения детей домой. Муж Кари, Марк Петровиц, также работает со стеклом, но они с женой создают разные работы, отличающиеся по стилю и технике исполнения, хотя иногда объединяют свои усилия в одном произведении.

Узнать о творчестве Кари Расселл-Пул больше можно на ее сайте, где мастерица не только демонстрирует свои работы, но и сопровождает каждую из них комментариями, в которых объясняет, что именно она хотела сказать этим произведением искусства и каковы были ее источники вдохновения.

Создать демотиватор

Источник

Рубрики:

Метки: Боросиликатное стекло КАРИ РАССЕЛЛ-ПУЛ И Р.ДЖЕЙСОН ГОВАРД

Это интересно
Камень, дерево, кость....

Такие разные шахматы: Какими шахматами играли в царской семье и в ГУЛАГе, в блокадном Ленинграде и в космосе...

Понедельник, 23 Июля 2018 г. 21:41 + в цитатник

Такие разные шахматы: Какими шахматами играли в царской семье и в ГУЛАГе, в блокадном Ленинграде и в космосе...

Источник: [url]ht Такие разные шахматы...

Такие разные шахматы...

История шахмат, которые родом из Индии, насчитывает не менее полутора тысяч лет. И на протяжении столь длительного времени мастера соревновались в изготовлении самых красивых шахматных фигур, используя для этого всю свою фантазию. И им это прекрасно удавалось. Вид шахматных фигур, созданных разными народами в различные эпохи, поражает, удивляет и восхищает.

Все мы привыкли к стандартному виду и цвету шахматных фигур. Однако такими универсальными они стали лишь с середины 19 века, до этого времени и вид шахматных фигур, и их цвет могли быть самыми разными. Из чего только их не делали!

Традиционными материалами, конечно, были кость - слонов, мамонтов, моржей, и дерево, но использовали также серебро, драгоценные камни, перламутр, сандал, янтарь, бересту. Создаваемые образы также весьма многообразны - воины, исторические и сказочные персонажи, звери…

Эволюция шахматных фигур

Долгое время самым старинным сохранившимся набором шахмат считали набор статуэток начала 12 века с острова Льюис, что в Северной Шотландии. Фигурки из слоновой кости представляют собой персонажи королевского двора 12 века.

Шахматные фигуры скандинавского прикладного искусства, найденные в 19 веке на острове Льюис.

Но в 2015 году на окраине города Самарканда (Узбекистан) обнаружили древнейший в мире набор шахматных фигур – семь миниатюрных скульптур из слоновой кости, настоящие шедевры. Среди них определили шаха, визиря, слона, двух всадников и двух воинов-пехотинцев. Исследователи отнесли находку к 7 веку.

Посмотрим еще на некоторые шахматные наборы, созданные в прошлом:

Ящик для шахмат (1351-1375), Германия

Шахматы из дымчатого топаза с серебряными и позолоченными деталями, набор 16-го века. Франция. В эпоху Возрождения cложные резные фигуры уступили место упрощенным абстрактным.

Мусульманские шахматы из Южной Азии белого и зеленого цвета. Слоновая кость, доска из дерева. Приблизительно 1700 год.
Изображения людей и животных у мусульман были запрещены, поэтому фигуры имеют абстрактную форму.

Еще один мусульманский набор, 19 век, Индия

Шахматы белого и красного цвета из слоновой кости. Дьепп, Франция, 18-й век.

Шахматы, Geislingen, Германия, около 1780 года.

Швейцария, около 1870 года

Дневные и ночные бабочки. Слоновая кость и черное дерево. Конец 18 века, Италия.

Раджастан, 1800 год, британская Ост - Индия

Фигурки в этом уникальном шахматном наборе были изготовлены вручную из кости и украшены стеклярусом, жемчугом, серебром и лаком.

Раджастан, около 1850 года, британская Ост - Индия, фигуры все с золочением.

Уникальные фигуры высшего качества из слоновой кости были выполнены в Индии опытными мастерами Ост-Индийской компании (John Company) в 18-19 веках. Тщательно продуманные наборы похожи на маленькие скульптуры.

Набор птиц из слоновой кости. Япония, приблизительно 1900 год

Китай, Контон, 19 век. Король Георг III и королева Шарлотта в белом и азиатские император и императрица в красном.

Мейсенский фарфор 1930 год. Подводный мир

Европейская эволюция шахматных фигур шла не только в изобразительном направлении, но и в абстрактном. К середине 19-го века Франция, Англия и Германия стали крупными шахматными центрами, и в каждой из этих стран все чаще стали использовать абстрактные шахматные фигуры, относящиеся к разным стилям, но все они уже во многом напоминали современные шахматы.

Франция, стиль «Режанс»

Так, во Франции были популярны фигурки в стиле «Режанс», названного так в честь известного парижского кафе, в которое многие приходили поиграть в шахматы.

Англия, стиль «Калверт»

Фигуры, выточенные на токарном станке и украшенные ажурной резьбой, первым начал выпускать шахматный мастер Джон Калверт. В честь него и назван этот стиль.

Германия, стиль «Селенус»

Этот стиль, «Селенус» или «Лунные шахматы», появился в Германии в начале 17-го столетия. Тонкие изящные фигурки будто тянутся ввысь к своей покровительнице Луне - Селене.

Универсальные шахматы Стаунтона

В 1851 году в Лондоне должен был состояться первый международный шахматный турнир. В связи с этим возникла необходимость создания универсального шахматного набора. Эта задача была поручена лондонскому художнику Натаниелю Куку, который прекрасно с ней справился. Созданный им благородный и совершенный дизайн сегодня известен каждому. Комплект фигурок показали знаменитому английскому шахматисту Говарду Стаунтону, считавшемуся в то время сильнейшим шахматистом в мире. Они ему так понравились, что он разрешил на коробках с этими шахматами ставить свое факсимиле, о чем его попросил Кук. И в 1849 году Натаниэль Кук запатентовал новый дизайн шахмат, который он назвал в честь знаменитого шахматиста - шахматы Стаунтона. Так что теперь о Стаунтоне знают многие, а про Кука как-то подзабыли.

Но, несмотря на повсеместное распространение этих стандартных шахмат, самые разные наборы как создавались, так и продолжают создаваться. Фантазии дизайнеров нет предела.
Хотелось бы показать несколько интересных наборов родом из России...

Шахматный набор Екатерины Великой

Набор конца 18 века из янтаря, возможно, принадлежал Екатерине Великой. Центральными фигурами являются с одной стороны - Екатерина II и ее фаворит Григорий Потемкин, а с другой - сын императрицы Павел I с женой.

Шахматный набор из царской семьи

Фото: АиФ/ Эдуард Кудрявицкий

Набор 19 века. В детстве этими фигурками играл будущий император Николай I. На доске русской армии, возглавляемой Петром I, противостоит армия турецкого султана.

Шахматы «Красные и белые», агитационный набор

Шахматы «Красные и белые», агитационный фарфор СССР ЛФЗ, 1920-е, автор Наталья Данько

Эти знаменитые фарфоровые шахматы, символизирующие противостояние двух систем, выпустили спустя год после образования Советского.
У белых (капиталистов) - король в виде скелета с бедренной костью в качестве скипетра и королева, бесстыдно демонстрирующая свое богатство. А также царские генералы и пешки (трудовой народ), закованные в цепи.

У красных же (коммунистов) – королевская чета – труженики. Король – рабочий-кузнец с молотом, а королева – крестьянка, держащая в руках сноп и серп. В качестве массовки использованы красноармейцы и колхозницы с серпами в руках.

Рубрики:

Метки: разные шахматы

http://www.calatrava.com/

ТОП 10: Знаковые проекты Сантьяго Калатравы

Воскресенье, 22 Июля 2018 г. 22:30 + в цитатник

ТОП 10: Знаковые проекты Сантьяго Калатравы

Его стиль легко узнаваем: романтический хай-тек или био-тек – так окрестили его критики. В работах испанского архитектора и скульптора Сантьяго Калатравы угадывается вдохновленность творчеством Ле Корбюзье, но Калатрава пластичней и больше увлечен природой, хоть и так же лаконичен. Его опыт скульптора помогает видеть, чувствовать и воплощать пластику формы в архитектурных объектах. «Архитектура – суть скульптура, в которую можно зайти», говорит архитектор.

В сочетании форма-функция может показаться, что главенствующее место архитектор отводит форме, но его инженерный опыт умело подводит под эффектную форму правильно просчитанную, продуманную функциональную «начинку».

1. Жилое здание Turning Torso. Мальм, Швеция, 2005 г.

Вдохновением послужила скульптура самого автора «Закручивающееся тело», которая изображает человека, готовящегося к метанию диска. 2-е по высоте здание в Европе (190 м, 54 этажа) и самое высокое здание Скандинавии, состоящее из 9 блоков, смещенных под определенным углом, что дало возможность повернуть верхний блок относительно нижнего на 90 градусов. В 2005 г. Turning Torsoбыло признано лучшим жилым зданием в мире на архитектурной выставке в Каннах.

2. Архитектурный комплекс «Город искусств и наук» на осушенном дне реки Турия. Валенсия, Испания, 1998 г.

Один из самых значительных проектов Калатравы был запроектирован и построен в соавторстве с Феликсом Кунделой.

Комплекс «Город искусств и наук» состоит из 5 зданий, названных по их каталонским названиям, 3 из которых запроектировал Калатрава:

El Palau de les Arts Reina Sofía — оперный театр и сцена для театральных постановок. Формой напоминает рыбу с открытым ртом. Самой интересной деталью является крыша-плавник – дугообразная конструкция из ламинированной стали длиной 270 м и весом в 3 т.

L'Hemisfèric — Кинотеатр Imax, планетарий, театр лазерных постановок. За образную основу взят человеческий глаз.

L'Umbracle — Галерея/сад

Город Искусств и Наук – своеобразная дань Калатравы родной стране и природным явлениям, в которых он постоянно черпает вдохновение.

3. Концертный зал Аудиторио-де-Тенерифе. Санта-Круз-де-Тенерифе, Испания, 2003 г.

Это здание в стиле постмодернизма можно скорее отнести к арт-объектам, настолько оно необычно внешне. Форма, напоминающая не то рыбу, не то космический корабль; изогнутая крыша, высота которой изменяется на протяжении всей длины; боковые окна, словно полузакрытые веками глаза. Здание интересно еще и тем, что у него нет главного фасада – с любой стороны оно смотрится интересно и законченно.

4. Мост «Арфа Давида». Иерусалим, Израиль, 2008 г.

Первый подвесной мост в Иерусалиме. Общая длина – 360 м, ширина – 14,82 м, высота конструкции – 118 м. Мачта и полотно моста уравновешивают друг друга с помощью 66 струн диаметром 5 см, каждая из которых натянута между мачтой и своим сегментом моста. По мосту ходит иерусалимский трамвай и есть пешеходное движение.

5. Реконструкция Олимпийского комплекса. Афины, Греция, 2004 г.

«Звездой» комплекса является Олимпийский легкоатлетический стадион «Сияющая жемчужина Афин», который и стал символом игр. 200-метровые стальные арки, поднимающиеся на 60 м в высоту, выполнены по подобию параболы летящего легкоатлетического диска и поддерживают свод гигантского купола из ламинированного стекла. Также Калатрава предложил благоустроить комплекс за счет пешеходных дорожек и бульвара с живописной аркадой, обновить велодром оригинальной кровлей и сводчатыми стальными козырьками над входами.

6. Телекоммуникационная башня MontjuїkTower. Барселона, Испания, 1991 г.

Телекоммуникационная башня высотой 136 м, которая была построена для телевизионных трансляций Олимпийских игр 1992 г. в Барселоне. По образу башня напоминает «узелок», хотя вдохновлялся архитектор фигурой атлета, держащего в руках Олимпийский Огонь. Учитывая форму и высоту башни, ее также используют как солнечные часы.

7. Реконструкция художественного музея, павильон «Квадраччи». Милуоки, США, 2001 г.

Павильон «Квадраччи» стал первой работой Калатравы в США. Он напоминает птицу, а также интересен тем, что является подвижной высокотехнологичной структурой: «крылья» размахом в 66 м складываются в неблагоприятную погоду и раскрываются в солнечный день. Тем самым регулируется инсоляционный и температурный режим в здании. «Крылья», возвышающиеся над озером Мичиган, получили название – «Солнечный бриз» и стали одним из символов штата Висконсин.

8. Мост Аламильо, Севилья, Испания, 1992 г.

Одно из первых крупных творений архитектора. Идеей создания моста была демонстрация высоких стремлений при подготовке Сивильи к всемирной выставке ЭКСПО. Изначально Калатрава предложил сделать 2 симметричных моста, но из-за слишком высоких затрат на постройку проект был изменен. Мост состоит из единственной опоры (стрела 142 м выс.), уравновешивающей мостовой переход длиной 200 м при помощи 13 кабелей.

9. Вокзал «Ориенте». Лиссабон, Португалия, 1998 г.

Один из самых крупных транспортных узлов Португалии, а точнее – мультимодальный терминал (метро, автовокзал, аэропорт, ж/д). Как и в других работах Калатравы, в «Ориенте» четко прослеживается природная тема: навес над платформами ж/д станции напоминает лес, а само здание – скелет рыбы. Внутри здания не использовалась отделка – только «голые» бетонные конструкции. Здесь хорошо прослеживается то, что Калатрава мыслит, в том числе, как скульптор: «Отсечь все лишнее, чтобы получить идеальную форму».

10. Sundial Bridge at Turtle Bay, Реддинг, Калифорния, США, 2004 г.

Вантовый мост «Солнечные часы»через реку Сакраменто длиной 213 м открыт для велосипедистов и пешеходов. Поддержку полотну моста образует единая 66-метровая мачта. Благодаря своему дизайну (схожему с дизайном моста «Аламильо») он работает как солнечные часы и является самым большим устройством такого рода в мире.

Текст: Марина Теплова

Рубрики:

архитектура

Метки: Сантьяго Калатрава архитектура

ГЕНИАЛЬНАЯ СТРАСТЬ: МАЛОИЗВЕСТНЫЕ И УВЛЕКАТЕЛЬНЫЕ ФАКТЫ О ХУДОЖНИКЕ МИКЕЛАНДЖЕЛО ДА КАРАВАДЖО

Суббота, 21 Июля 2018 г. 13:21 + в цитатник

ГЕНИАЛЬНАЯ СТРАСТЬ: МАЛОИЗВЕСТНЫЕ И УВЛЕКАТЕЛЬНЫЕ ФАКТЫ О ХУДОЖНИКЕ МИКЕЛАНДЖЕЛО ДА КАРАВАДЖО

Микеланджело Меризи да Караваджо, творившего в конце XVI-начале XVII веков, называют одним из самых выдающихся итальянских художников. Он стремился изображать сюжеты на своих полотнах максимально реалистично, что совершенно не соответствовало общепринятым канонам того времени. Персонажи на его картинах выглядят не отстраненными, а полны эмоций и страсти, которыми наделил их художник. Несмотря на то что, работы Караваджо не сразу были приняты его современниками, его творчество оказало большое влияние на развитие мировой живописи. О некоторых интересных фактах биографии художника – далее в обзоре.

Воскрешение Лазаря. Караваджо, 1609 г.

В 1608 году, пребывая в Мессине на Сицилии, художник получил заказ от известного купца. Писать можно было что угодно, и Караваджо выбрал сюжет на библейскую тематику – воскрешение Лазаря. На картине мужчины держат тело, пролежавшее в гробу четверо суток. Живописец настолько стремился показать всю реалистичность происходящего, что нанял работников, которые выкопали для него тело недавно умершего юноши. Люди, которые позировали художнику, наотрез отказывались держать разлагавшееся тело. В ответ на это разозлившийся Караваджо даже пригрозил им ножом, заставляя исполнять приказ.

Успение Богоматери. Караваджо, 1601-1606 гг.

Персонажи на картинах, написанных на библейскую тематику, больше напоминают простолюдинов, нежели святых. Из-за этого некоторые церкви даже отказывались принимать работы художника. По мнению священнослужителей, они не вызывали фанатичного трепета у прихожан.

Корзина с фруктами. Караваджо, ок. 1596 г.

Благодаря Караваджо, в мировой живописи появилось такое направление, как натюрморт. Художник одним из первых сделал неживые предметы «главным персонажем». Живописец постоянно боролся с вековыми устоями: делить работы на «низменные» и «высокие». Картину «Корзина с фруктами» он написал в 23 года. Особое внимание Караваджо уделял прорисовке мельчайших деталей, за счет которых достигался реалистичный эффект.

Вакх. Караваджо, ок. 1596 г.

Исследователи творчества Караваджо в один голос заявляют, что художник писал картины сразу на холсте без предварительной подготовки. После его смерти не было обнаружено ни одного эскиза или рисунка.

Жертвоприношение Исаака.

Главной чертой, отличавшей Караваджо от других художников того времени, была нарочитая реалистичность. Художник не боялся изображать эмоциональные сцены насилия, жестокости. Главными героями его полотен нередко становились выходцы из низов общества. Картины Караваджо на выставках выставляли последними, чтобы они не перетягивали на себя все внимание публики, а до тех пор они были накрыты плотным сукном.

Портрет Караваджо работы Оттавио Леони, ок. 1621 г.

Караваджо никогда не был законопослушным гражданином. Из-за буйного нрава он постоянно попадал в переделки, будь то драки в тавернах или выкрикивание непристойностей в состоянии опьянения. За это его периодически штрафовали или отправляли за решетку на несколько дней. Но однажды художник «влип по-крупному». В пылу гнева Караваджо совершил убийство, после чего бежал в Неаполь. Спустя некоторое время он отправился Ла-Валетту и вступил в Мальтийский орден. Но и там живописец надолго не задержался, потому что повздорил со старшими по званию. И снова начались скитания.

Саломея с головой Иоанна Крестителя.

А в это время кардинал Гонзага выпрашивал у Папы Римского помилование для художника. Узнав об этом, Караваджо обрадовался и отправился в Рим. По дороге туда его схватили, т. к. приказ об аресте пока еще никто не отменял. В тюрьме художник провел чуть меньше недели, но этого хватило, чтобы он заразился малярией. 31 июля 1610 года в Риме огласили сразу два сообщения: в первом говорилось о помиловании Караваджо, а вторым оказалось известие о его смерти.

Рубрики:

Живопись

Метки: МИКЕЛАНДЖЕЛО ДА КАРАВАДЖО

Процитировано 1 раз
Понравилось: 1 пользователю

ХУДОЖНИК СОСТАВЛЯЕТ УДИВИТЕЛЬНО РЕАЛИСТИЧНЫЕ КАРТИНЫ ИЗ КАМНЕЙ, НАЙДЕННЫХ НА ПЛЯЖЕ

Пятница, 20 Июля 2018 г. 20:46 + в цитатник

ХУДОЖНИК СОСТАВЛЯЕТ УДИВИТЕЛЬНО РЕАЛИСТИЧНЫЕ КАРТИНЫ ИЗ КАМНЕЙ, НАЙДЕННЫХ НА ПЛЯЖЕ

Родиться и расти в Фано означает жить в симбиозе с морем и его песчаными пляжами, усыпанными камнями. Одна из самых увлекательных игр в этих краях — это изучение маленьких камушков необычной формы, которые напоминают что-то или кого-то. Художник Стефано Фурлани, будучи приверженцем сохранения традиций, передал это увлечение сыну Давиду, когда тому было три года. Он сразу же проникся этим даром природы. Включив воображение, он принялся старательно искать необычные камни с уникальной геометрией.

Отец и сын собирали и раскладывали эти камни вместе, сидя на пляже под зонтиком. Так они стали создавать все более сложные и детальные композиции. Проблема была лишь в том, что после создания каменных картин оставалось лишь наблюдать, как их разрушает прилив. Это навело Стефано на мысль о том, чтобы положить камни на деревянную основу и сделать их настоящими картинами.

Художник составляет удивительно реалистичные картины из камней, найденных на пляже

Камень, дерево, кость....

Рубрики:

Метки: КАРТИНЫ ИЗ КАМНЕЙ

Процитировано 1 раз

АВТОРСКИЕ СУВЕНИРНЫЕ СТАТУЭТКИ ДИЗАЙНЕРА KAREN HAHN

Среда, 18 Июля 2018 г. 10:14 + в цитатник

АВТОРСКИЕ СУВЕНИРНЫЕ СТАТУЭТКИ ДИЗАЙНЕРА KAREN HAHN

Karen Hahn создаёт удивительные статуэтки, с потрясающим стилем и дизайном, с невероятно успокаивающей палитрой.

Karen находится в постоянном поиске новых идей для своих работ, черпая вдохновение у природы и в окружающем её мире, желая дальше развивать свой талант и мастерство.

Изящные скульптурки из керамики дизайнера Karen Hahn – это изящно, мило, нежно и просто уникально.

Karen Hahn отметила свой 25-й год в Enesco, где она работает в качестве автора. Enescoявляется мировым лидером в области сувениров, обслуживая более 44000 клиентов по всему миру,

Международная штаб-квартира Enesco находится в городе Итаска, штат Иллинойс.

Авторские сувенирные статуэтки дизайнера Karen Hahn

С дочерними компаниями в Великобритании, Франции, Канаде и Гонконге, Enesco обслуживает рынки, которые функционируют в Европе, Северной и Южной Америке, Канаде,Австралии и Азии.

Источник

Рубрики:

Метки: СТАТУЭТКИ KAREN HAHN

Процитировано 1 раз

Эмиль Галле – художник, соединивший стекло и ботанику, чьи вазы восхищали семью последнего русского императора

Вторник, 17 Июля 2018 г. 23:34 + в цитатник

Эмиль Галле – художник, соединивший стекло и ботанику, чьи вазы восхищали семью последнего русского императора

Эмиль Галле - художник, дизайнер, ученый и филантроп.

Известно, что супруга императора Николая II Александра Федоровна однажды заказала для своих покоев стол, который должен был гармонировать с одной-единственной вазой, особенной вазой - из многослойного стекла, с изображением клематиса. Эту вазу создал загадочный художник и изобретатель, родившийся и работавший во французском городке Нанси – Эмиль Галле.

Рисунок Эмиля Галле.

Девятнадцатый век в европейском искусстве был безумным смешением романтизма, античности и исторических стилей. Новорожденное индустриальное производство выпускало на рынок товары, доступные по цене для представителей среднего класса, но вопиюще уродливые. Художники того времени были увлечены поисками новых образов, новых источников вдохновения, обращаясь то к образам древности, то к искусству экзотических стран. Они стремились уйти от академической живописи и скульптуры и принести красоту в дома своих сограждан, создавая эстетичные предметы быта. Так зарождался стиль модерн.

Вазы Эмиля Галле в стиле модерн.

Отец Эмиля Галле был успешным предпринимателем – держал стекольную мастерскую. С самого детства было понятно, что Эмиль продолжит семейное дело. Отец отправил его учиться стекольному делу в Веймар, а Эмиль увлекся философией, минералогией, химией и, конечно же, искусством.
Его энциклопедический ум вбирал в себя всю доступную информацию. Каждый прочитанный стих, каждый увиденный образ западал ему в душу и оставался там навсегда. Это во многом определило тот сложный творческий символизм, который был характерен для него как художника.

Галле мечтал создать новое, необычное стекло.

Но у Эмиля не было времени для долгих изысканий. Ему было двадцать восемь лет, когда отец умер, и управление мастерской полностью перешло в его руки.
Мастерская приносила стабильный доход, жизнь шла своим чередом. Налаженные технологии производства позволяли обеспечить все слои населения качественным стеклом и керамикой. Однако Галле не давала покоя одна мысль.
С юных лет он глубоко интересовался ботаникой. Ему доставляло истинное удовольствие рассматривать лепестки и прожилки, изучать тонкие побеги и ветви. Разнообразие форм растительного мира поражало его, а изменчивость – завораживала. Больше всего он любил лилии, орхидеи и клематисы – изысканные, декадентские. Он долгие годы зарисовывал листья и бутоны прежде, чем понял, как совместить цветок и стекло.

Галле нашел способ совместить растение и стекло.

Стекло - твердо, но податливо, его прозрачность позволяет создавать сложные цветовые и фактурные эффекты. Этот материал как нельзя лучше подходил для того, чтобы сохранить быстротечную красоту мира флоры.
Так мастерская Галле получила свой новый девиз: «Наши корни лежат на пороге лесов, во мху у края пруда».

Галле обратился к миру природы.

В окружающем мире нет геометрического совершенства, идеальной гладкости, симметрии и ясности цвета – так почему бы стеклу не отражать реальную, несовершенную красоту?

Галле стремился передать красоту реального мира.

Так Галле начал использовать в стеклоделии не только образы природы, но и технологические приемы, основанные на усилении тех свойств стекла, которые раньше приводили к дефектам. Он вводил в фактуру фольгу, воздух, создавал нарочитые трещинки, стремясь добиться новых художественных эффектов. Количество добавок и смесей для отдельного изделия могло достигать сотни – фольга, пигменты, кислоты…

Галле экспериментировал с материалами.

Он стремился к «случайности», живости создаваемого стекла. Из окрашенных фрагментов собиралась единая картина, а затем под воздействием высоких температур цветные кусочки перетекали друг в друга и получалось нечто живое, будто дышащее.

Стекло Галле - будто живое и дышащее.

Галле использовал многослойное стекло, обрабатывал слои различными красителями, кислотой и резьбой, пытался сымитировать фактуру и прозрачность поделочных камней. Эту технику он позаимствовал у японцев, довел до совершенства и представил ошеломленной европейской публике.

Галле позаимствовал многое у восточного искусства.

Также он изобрел технику «лунного света» - подкрашивал стекло кобальтом.
Он первым начал производить стеклянные разрисованные светильники, используя в своем творчестве еще одну новую технологию – электричество. Подсвеченные электрическим светом стеклянные плафоны создавали многоцветное и загадочное освещение.

Светильники Галле.

В 1884 году Галле решил отдать дань современным поэтам и выпустил серию «говорящих ваз» с цитатами из Ф.Вийона, Ш.Бодлера, С.Малларме, П.Верлена.
Галле быстро завоевал признание. После четырех лет экспериментов на парижской выставке в 1878-м году его работы получили Гран-при, а сам художник – орден Почётного Легиона.
Вазы Галле были доступны не только богачам, но и представителям среднего класса – производство разделялось на три линии, каждая из которых соответствовала тому или иному классу потребителей. Самые роскошные предметы Галле создавал собственноручно.

Вазы Галле быстро завоевали признание.

Его вазы были наполнены тонким символизмом, каждый цветок обозначал нечто большее, чем просто растение. Одни цветы превращаются в другие, бабочки и стрекозы кружат возле них, цвета перетекают друг в друга и растворяются… Мир стекла Галле – это мир природы, увиденный глазами художника и философа.

Чаша из мастерской Галле.

Оскар Уайльд был поклонником его творчества и отдавал дань тонкому эстетизму Галле, но говорил, что в его вазы «нельзя ставить цветы, в них они всегда выглядят увядшими».

Галле создавал не только вазы, но и мебель.

Однако Галле не был отстраненным ученым-эстетом, увлеченным лишь своим творчеством. Галле был настоящим гуманистом, отзывчивым, неравнодушным и деятельным человеком. Он участвовал в организации вечерних школ для рабочего класса, был казначеем отделения Нанси во французской Лиге прав человека. Он поставил под удар свою карьеру, выступив с защитой Альфреда Дрейфуса (военного еврейского происхождения, ложно обвиняемого в шпионаже в пользу Германской империи на почве антисемитских настроений в обществе). Галле публично защищал евреев и ирландских католиков, оказывал поддержку Уильяму О'Брайену – одному из лидеров восстания ирландцев против власти Великобритании.

Сервиз мастерской Галле.

Он умер в возрасте пятидесяти восьми лет, успев совершить еще одно большое и важное дело – основать школу искусств в родном городе Нанси. Многие его работы хранятся именно там – как память о великом ученом, художнике и человеке Эмиле Галле.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/170718/39725/

Рубрики:

Метки: Эмиль Галле Художественное стекло

Итальянский кружевной фарфор

Вторник, 17 Июля 2018 г. 17:46 + в цитатник

Итальянский кружевной фарфор

Хотя немецкие «кружевницы» и прославились на весь мир, Германия – не единственная страна, освоившая выпуск великолепных кружевных скульптур. Не отстает от нее и Италия. Здесь, в Неаполе, еще в 1743 году была основана фарфоровая мануфактура Каподимонте. Итальянский фарфор отличался от немецкого необычайно теплым молочным цветом.

Неаполитанский фарфор Каподимонте

В 1980 г. заработало предприятие Порцеллане Принчипе, унаследовавшее традиции Каподимонте. И сейчас статуэтки, выпускаемые итальянскими мастерами, ничем не уступают немецким, а некоторые ценители считают лучшими именно их.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/170718/39738/

Рубрики:

Метки: Итальянский кружевной фарфор Статуэтки

Процитировано 1 раз
Понравилось: 1 пользователю

Дрезденские «кружевницы»: В чём секрет фарфоровых статуэток, которые словно одеты в изящные наряды

Вторник, 17 Июля 2018 г. 17:37 + в цитатник

Дрезденские «кружевницы»: В чём секрет фарфоровых статуэток, которые словно одеты в изящные наряды

Дрезденские «кружевницы»: Легкость и изящество фарфорового кружева

Любоваться ими можно бесконечно. Каждый, кто впервые видит подобные статуэтки, думает, что эти пышные кружева, к которым так хочется прикоснуться, просто надеты сверху на статуэтки. Но на самом деле это не так - они тоже фарфоровые и очень хрупкие, так что дотрагиваться до них нежелательно. Но поверить в это довольно сложно. Так где и как делают такую красоту?

Немецкие «кружевницы»

Этот удивительный фарфор, кажущийся таким легким и невесомым, называют также «Дрезденским фарфором», именно в этом городе в начале XVIII века и был открыт секрет его изготовления. В конце этого же столетия приступили к массовому изготовлению статуэток. В основном это были фигурки балерин, танцовщиц, прекрасных дам в пышных нарядах из тончайшего кружева, галантных кавалеров.

Нежная цветовая гамма - бледно-розовая или голубая - еще более усиливала впечатление легкости и воздушности их нарядов.

Antique Dresden Girl Porcelain Lace Muller-Volkstedt

Сам процесс создания таких статуэток выглядел так:
Кружева погружали в специальную фарфоровую массу, обволакивающую их, затем формировали из них одежду непосредственно на статуэтках и отправляли в печь для обжига. При этом текстильное кружево сгорало и оставалось только фарфоровое.

Вначале, из-за того, что температура, при которой мастера проводили обжиг, была недостаточно высокой, кружева получались очень хрупкими и часто ломались даже от простого прикосновения. Поэтому фигурок той поры сохранилось очень-очень мало.
В дальнейшем производители старались усовершенствовать этот процесс, чтобы получать более прочные кружева. Каждый из них пытался найти свой уникальный состав фарфоровой массы и условий обжига, чтобы фарфор получался более прочным. И если кому-то это удавалось, информацию хранили в строжайшем секрете. Температура обжига превышала 1300 градусов.

«Танцующая пара». Фарфоровая статуэтка, Германия до 1900г.

Винтажный немецкий кружевной фарфор. Франц Уиттер, Дрезден. «Три играющие девочки»

Rare Twin Dresden Germany «Dancing Ladies»

Статуэтка «Дама за роялем». Ажурный фарфор, роспись, золочение, глазуровка. Dresden. Германия, 1930-е гг.

Самыми известными производителями кружевных статуэток были завод Фолькштедт (Volkstedt) в Зитцендорфе (год основания 1760 г.) и мануфактура Унтервайсбах (Unterweissbach) в Тюрингии (1882 г.).

Статуэтки Volkstedt

В 80-е годы XIX века на заводе начинает работать Антуан Мюллер. При нем завод Фолькштедт и начинает выпускать свои знаменитые фирменные кружевные статуэтки.

Antique German Volkstedt Dresden «Sitting Lady Figure w Fan Lovely»

Антикварная статуэтка «Менуэт». Volkstedt Германия 1900

Antique German Volkstedt Dresden Full Lace Sitting Lady Figure

«Две танцующие девушки», кружевные, Volkstedt, Германия, кон.19 - нач.20 вв.

«Дама с дочкой», кружевницы, Volkstedt, Германия

Antique Pair Porcelain Lace Ballet Figurines E&A Muller Volkstedt Dresden

Антикварная старинная фарфоровая статуэтка «Грезы любви, девушка с книгой на диване», кружевная производства Muller & Co, Volkstedt, Германия, нач.20 в.

«Балерина», кружевной фарфор, E & A Muller, Volkstedt, 1890-1930

«У портшеза», кружевная, E&A Muller, Германия, кон. 19 в.-нач. 20 в.

«Танцующая девушка в кружевном платье», Muller & Co, Volkstedt, Германия, нач. 20 века.

Фарфоровая статуэтка «Девушка на балу», кружевная. Muller & Co, Volkstedt, Германия, 1920-30 гг.

«Девушка с лютней», кружевная, Volkstedt, Германия, до 1935 г.

«Дама-кружевница с лютней в розовом платье», Volkstedt, Германия

Статуэтка «Музыкальная пара». Ажурный фарфор, роспись, золочение, глазуровка. Dresden (Саксония), Германия, 1930-е гг.

Фарфоровая статуэтка «Три девушки в кружевных платьях» Muller & Co, Volkstedt, Германия

«Дама в желтой шляпке». Volkstedt- Muller

«Влюбленная пара». Volkstedt- Muller

«Балерина-кружевница», Muller & Co, Германия

Фарфоровая статуэтка «Фани Эльслер», кружевная. Volkstedt), после 1940 гг.

«Три сестры» Немецкая мануфактура 1950-х гг

Фарфоровая кружевная статуэтка «Дама в капоре с золотым пером и зонтиком». ACKERMANN & FRITZE (Volkstedt), 1908-51 гг.

Фарфоровая статуэтка танцовщицы-балерины кружевница. ACKERMANN & FRITZE (Volkstedt, Thuringia, Germany)

Статуэтки Unterweissbach

Кружевница, Unterweissbach

Кружевная Фарфоровая статуэтка «Дуэт», Unterweissbach

Любовная записка, Unterweissbach

«Две сестры», Unterweissbach 1920-1940 гг

Большая Кружевная Фарфоровая Статуэтка «Прекрасная наездница», Unterweissbach

«Арлекин и дама с книгой», Unterweissbach

Две леди с птичкой, Unterweissbach

Играющие в шахматы, Unterweissbach

Irish Drezden, «Ирландский Дрезден»

После Второй мировой войны Дрезден лежал в руинах, завод Volkstedt тоже был разрушен. Но традиции знаменитого завода удалось возродить супругам Саар – Оскару и Джоанне (приходилась Антуану Мюллеру племянницей). Перебравшись в Ирландию, они основали в Дромколлихере графства Лимерик фабрику «Irish Dresden» по изготовлению эксклюзивного высококачественного кружевного фарфора, продолжив тем самым семейные традиции.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/170718/39738/

Рубрики:

Метки: фарфор статуэтки

Процитировано 1 раз
Понравилось: 1 пользователю

oadam в Да здравствует развод - 6. Не по закону, но по справедливости, или две вдовы Сергея Прокофьева

ДВЕ ВДОВЫ СЕРГЕЯ ПРОКОФЬЕВА

Понедельник, 16 Июля 2018 г. 13:11 + в цитатник

ДВЕ ВДОВЫ СЕРГЕЯ ПРОКОФЬЕВА

Dec. 6th, 2016 at 11:55 AM

И правда, жизнь прожить - не поле перейти. Много она вмещает. И многому учит, если принимаешь то, что приходит, не обвиняя, а стараясь понять, чему же она тебя учит.
Добрая память всем героям этой истории.
На этот пост натолкнулась в поисках объяснения "казуса Прокофьева". А подтолкнула к этому информация, по иному освещающая взаимоотношения С. Прокофьева с его женами. Каждый может по-своему воспринимать происходящее. Не нам судить. И стоит ли разбираться? Еще раз, светлая память...
Полученную информацию помещаю после перепоста от oadam

Оригинал взят у

Продолжаю тему об интересных разводах в истории. В советские учебники по семейному праву и международному частному праву этот случай не вошел, хотя среди юристов он получил название «казус Прокофьева» – после смерти великого советского композитора Сергея Прокофьева, у него осталось две законные вдовы-наследницы.

Лина Кодина-Немысская-Прокофьева в 1912 (?), 1924, 1948 и 1983 году.

8 октября 1923 года в ратуше германского города Этталь (Бавария) был заключен брак между советским композитором Сергеем Прокофьевым и испанской оперной певицей Каролиной Кодина-Немысской (которую знакомые называли просто Лина). Лина была дочерью испанского тенора Хуана Кодина и российской певицы с польскими и французскими корнями Ольги Немысской.
Этот брак был заключен что называется «по залёту» – несмотря на то, что будущие супруги к тому времени уже пять лет жили вместе (с 1918 го по 1936 год, Прокофьев постоянно обитал за границей и с СССР бывал лишь наездами), композитор не спешил связывать себя узами Гименея. И лишь когда Лина забеременела, то Прокофьев, как честный человек, посчитал обязанным на ней жениться.

Лина Прокофьева с сыновьями Святославом и Олегом. 1930 год. Предместье Парижа

27 февраля 1924 года у супругов родился сын Святослав, а 14 декабря 1928 года второй сын Олег. В 1936 году семья Прокофьевых вернулась в СССР, Лина и дети получили советское гражданство, но семейная жизнь Прокофьевых не заладилась.
Певицей Лина оказалась весьма посредственной, супругой довольно стервозной, и к жизни в сталинском СССР адаптироваться так и не смогла. Вся семейная жизнь Прокофьева свелась к вечным скандалам с требованием вернуться на Запад. Но легко было Лине что-то требовать от Прокофьева, и сложнее было Прокофьеву потребовать того же самого от Сталина – с момента возвращения в СССР композитор отпускался в зарубежные гастроли лишь дважды, и без семьи.

Семья Прокофьевых перед возвращением в СССР. 1936 год.

В конце концов, в 1938 году в кисловодском санатории 47-летний Сергей Прокофьев познакомился с 23-летней Мирой Мендельсон, которая мозги ему ничем не «компостировала», просто окружив великого композитора заботой и любовью. В марте 1941 года Прокофьев ушел из семьи, вскоре началась война, и вопрос о разводе не поднимался.
     Сразу после войны Прокофьев начал процедуру развода, но менее чем за год до её окончания, Указом Президиума Верховного Совета СССР от 8 июля 1944 года, этот процесс усложнился – вводилась сложная двухступенчатая процедура развода с необходимостью публикации в газетах объявлений о предстоящих судебных разбирательствах.
     К тому же решение этого вопроса натолкнулось на яростное сопротивление Лины – она была согласна на развод только при условии своего с детьми отъезда за границу. А поскольку она владела пятью языками, была завсегдатаем на приёмах в иностранных посольствах и имела множество знакомых среди иностранных дипломатов и журналистов, то этот развод Прокофьева обещал скандально прогреметь на весь мир.
     И тогда кто-то подсказал композитору сделать юридический «ход конем» – не разводиться, а признать заключенный за границей брак недействительным.

Сергей Прокофьев с Мирой Мендельсон. 1941 год

     Чтобы не углубляться в юридические дебри, постараюсь кратко. В СССР признавались браки, заключенные советскими гражданами за границей, в двух случаях:
     1) Браки между гражданами СССР, если они зарегистрированы в советских посольствах или консульствах;
     2) Браки между гражданами СССР и иностранными гражданами, если они зарегистрированы с соблюдением процедуры заключения брака по законодательству страны его совершения.
В обоих случаях эти браки считались в СССР действительными, но только до принятия 15 февраля 1947 года Указа Президиума Верховного Совета СССР «О воспрещении браков между гражданами СССР и иностранцами» (отмененного впоследствии 26.11.1953г.). Этот Указ содержал лишь один краткий пункт «Воспретить браки между гражданами СССР и иностранцами», который можно было трактовать как угодно.

И в ноябре 1947 года Сергей Прокофьев обратился в суд Свердловского района г.Москвы с иском о признании своего брака, заключенного 8 октября 1923 года в Германии, недействительным. Через пять дней иск был удовлетворен, причем суд придал Указу от 15.02.1947г. «обратную силу» – мол, все и прошлые, и будущие и настоящие браки между гражданами СССР и иностранными гражданами нынче воспрещены. При этом Лина в суд не вызывалась, и о рассмотрении судебного дела ничего не знала.
     После того как решение суда вступило в законную силу, и через месяц необходимого ожидания, 15 января 1948 года в московском ЗАГСе был зарегистрирован новый брак между Сергеем Сергеевичем Прокофьевым и Мирой Абрамовной Мендельсон (о чём Лина также ведать не ведала).
А ещё через месяц, 20 февраля 1948 года, Каролина Прокофьева была арестована и осуждена на двадцать лет лагерей за шпионаж, основанием для которого послужили те её постоянные визиты в иностранные посольства. Причем о том, что она уже давно не является законной женой Сергея Прокофьева, Лина не догадывалась вплоть до самой смерти композитора.

Лина Прокофьева. 1948 год. Фотография из уголовного дела

Умер Сергей Прокофьев 5 марта 1953 года, в один день со Сталиным, и на его похороны было невозможно достать цветов – срезали с комнатных растений. В июне 1956 года, отсидев восемь лет из своих двадцати, Лина Прокофьева была реабилитирована, вышла на свободу, и тут же приступила к судебным тяжбам.
В апреле 1957 года Московский городской суд отменил решение Свердловского района г. Москвы от ноября 1947 года о признании недействительным брака Сергея и Лины Прокофьевых, и их брак признался законным и действительным.
Одновременно суд рассмотрел вопрос о действительности второго брака Прокофьева с Мирой Мендельсон, и принял удивительное решение – этот брак также признавался законным, поскольку на момент его заключения существовало вступившее в силу решение суда, по которому Прокофьев имел полное право жениться повторно. То есть по сути дела, Сергей Прокофьев признавался законным советским двоеженцем.
И «чтобы два раза не собираться», Мосгорсуд рассмотрел заодно, и вопрос наследства Сергея Прокофьева, приняв «соломоново решение» – наследниками композитора были признаны обе вдовы Прокофьева, с разделением между ними и двумя его сыновьями, права на получение авторских отчислений за исполнение его музыки как в СССР, так и за рубежом. Всё имущество и архив Прокофьева, остались у его второй вдовы.

Сергей Прокофьев со своими будущими вдовами Линой и Мирой

Мира Прокофьева-Мендельсон скончалась на 54-м году жизни в июне 1968 года, завещав свою часть наследства, а также партитуры и архив Прокофьева Музею музыкальной культуры им.Глинки. Детей у них с Прокофьевым не было.
Каролина Прокофьева-Кодина в 1974 году получила трехмесячную визу для поездки в Великобританию, из которой не вернулась. Тогда ей было уже 77 лет, ни она не хотела терять право на наследство Прокофьева, ни СССР не хотел скандалов, и советское посольство в Лондоне 25 лет без вопросов продлевало Лине визу вплоть до самой её смерти в январе 1989 года, на 93-м году жизни. Сыновья Прокофьева, к тому времени, давно жили один в Лондоне, другой в Париже.

.
Обе вдовы композитора до конца своих дней получали как «пережившие автора супруги» свою долю авторских отчислений за исполнение музыки Прокофьева как в СССР, так и за рубежом. И хотя государство и забирало себе с валюты 60%, но эти отчисления составляли столь значительную сумму, что она позволяла Лине жить в Англии безбедно, коллекционируя предметы искусства и драгоценности, а также финансируя в Лондоне Фонд Сергея Прокофьева.
Почти все юристы, когда вспоминали эту историю, соглашались с тем, что советский суд поступил в «деле вдов Прокофьева» не по закону, но по справедливости. Ну а вы что думаете об этих загогулинах, которые иногда выписывает жизнь, и судейские крючкотворы?

*******************************************************************************************************************************************************
16/03/2016
КАЗУС ПРОКОФЬЕВА

Серей Сергеевич Прокофьев умер в один день со Сталиным, 5 марта 1953 года. Кончина «вождя народов» затмила уход музыканта. Все, кто хотел с ним проститься, шли в Дом композиторов, где проходила гражданская панихида, с комнатными цветами в горшках: других просто не было - все «достались» Сталину. Рядом с гробом стояла печальная и смиренная Мира Мендельсон - вдова.

В то же самое время другая вдова Прокофьева – зэчка Лина Любера - привычно толкала бочку с помоями в женском лагере в поселке Абезь. И знать ничего не знала о том, что умер человек, которого она любила больше всех на свете…

Забытое имя

Долгое время этого имени - Каролина Кодина-Любера - не было ни в одной биографии Прокофьева. Еще бы - не пристало одному из самых прославленных советских композиторов, шестикратному обладателю Сталинской премии иметь жену-иностранку. А между тем именно с этой хрупкой испанкой, в которой бродило много «вражеской» крови - польской, французской и каталонской, - Сергей Прокофьев прожил долгих 20 счастливых лет. Но ее безжалостно вычеркнули сначала из жизни композитора, а потом - даже из воспоминаний о нем. Оставили место лишь для «образцовой» Миры Мендельсон: выпускницы литературного института, комсомолки, дочери «старого большевика» Абрама Мендельсона и - по слухам - племянницы Лазаря Кагановича…

Гвоздь сезона

Каролина росла в музыкальной семье: отец - испанец Хуан Кодина и мать - полька Ольга Немысская - были певцами. И потому следили за музыкальными событиями Нью-Йорка, куда они перебрались из Испании. А в 1918 году гвоздем музыкальной программы «Большого Яблока» был как раз Прокофьев. Он выступал в знаменитом Карнеги-Холле. Манера его исполнения, собственные авторские вещи привели в восторг Ольгу Немысскую, и та буквально заставила свою дочь - начинающую певицу - познакомиться с Прокофьевым после концерта. Лина не слишком хотела идти за кулисы: да, ей понравилась его музыка, но сам долговязый 27-летний русский не слишком заинтересовал ее.
Лине едва минул 21 год, но она прекрасно знала себе цену: ей, как две капли воды похожей на звезду немого кино Терезу Брукс, мужчины, проходящие мимо, подолгу смотрели вслед. Она знала пять языков, прекрасно пела… Понятно, почему ей не хотелось являться к Прокофьеву в качестве одной из восторженных поклонниц. Но ей пришлось капитулировать под материнским натиском. Лина хотела остаться незамеченной в толпе других барышень, замерла на пороге. Однако Прокофьев сразу выделил темноволосую девушку и пригласил войти. С этого все и началось. Как он потом написал в своем дневнике, Лина «поразила меня живостью и блеском своих черных глаз и какой-то юной трепетностью. Одним словом, она представляла собой тот тип средиземноморской красоты, которая всегда меня привлекала».

Пташка

Очень скоро они уже дня не проводили друг без друга. Специально для своей Пташки - как Прокофьев прозвал Лину - он написал цикл из пяти песен. Потом были другие произведения. И они концертировали вместе - русский пианист и композитор Прокофьев и испанская меццо-сопрано Любера (в качестве творческого псевдонима она взяла фамилию бабушки по материнской линии): Франция, США, СССР, Германия...
Между турне Каролина играючи выучила русский язык. И также между гастролями они умудрились обвенчаться - 20 сентября 1923 года в баварском городке Этталь. В феврале 1924-го в их семье появился маленький Святослав. А спустя 4 года - второй сын - Олег.

Хрупкую Пташку по-прежнему провожали взглядами мужчины. С годами она лишь похорошела, приобрела лоск. За образец элегантности ее держали в музыкальных кругах Парижа и Лондона, Нью-Йорка и Милана. Бальмонт посвящал ей стихи, Пикассо, Дягилев и Матисс высоко ценили ее стиль, Стравинский и Рахманинов, несмотря на музыкальное соперничество с Прокофьевым, отдавали должное ее голосу и, главное, - таланту совмещать три должности разом: певицы, светской дамы и композиторской жены. В качестве последней она не только заботилась о быте Прокофьева, но и занималась организацией гастролей и связанных с ними частых переездов, вела переговоры, переводила… Она успевала все играючи, элегантно и красиво. По воспоминаниям сыновей Прокофьева, «мамино слово было решающим». Когда композитор надумал после затянувшихся на долгие 18 лет гастролей вернуться в СССР, именно Пташка поставила точку во всех этих сомнениях и метаниях. На Родине Прокофьеву обещали дать возможность писать музыку. На Западе же он, как и Рахманинов, и Стравинский, вынужден был откладывать сочинительство ради исполнительской деятельности: только так он мог зарабатывать. Лина, обожавшая мужа, прекрасно понимала: творчество для него — на первом месте. Значит, надо переезжать.

Начало конца

В 1936 году семья Прокофьева вернулась в СССР. Дети пошли в англо-американскую школу. Лина заблистала на приемах в многочисленных посольствах - она всегда была в центре внимания. А Прокофьеву действительно позволили творить. Правда, недолго: очень скоро ему объяснили, в чем состоит задача советского композитора. И вот чуть ли не параллельно с «Ромео и Джульеттой» он пишет «Ленинскую кантату», сочиняет оперу об украинском колхозе - «Семен Котко»… И видит, как редеет круг его друзей - тот арестован, этот пропал без вести, этот расстрелян, объявлен шпионом и т. д. и т. п. Видит все это и Лина. Но даже не думает меняться: почему она должна перестать общаться со своими иностранными друзьями, посещать посольства, писать матери во Францию? Что это за глупости?

Правильная жена

В 1938-м Прокофьев уехал в Кисловодск - отдыхать. И едва ли не в первом письме отчитался: «Здесь за мной увивается очаровательная иудейка, но ты не подумай ничего плохого…» Лина и не подумала. А зря. Прокофьев не устоял перед преследованиями Миры Мендельсон. Их курортный роман перерос в роман постоянный. И в 1941 году композитор ушел из семьи. Возможно, урони Пташка хоть одну слезу, он бы остановился… Но та «держала марку». Она не любила жаловаться. И терпеть не могла нытиков. Глядя на Лину, никто и подумать не мог, какие демоны разрывают ее душу. Потому что с уходом Прокофьева она не смирилась ни на секунду, и ни на секунду не перестала его любить. Любила композитора и Мира - правильная девушка из правильной семьи.
Долгое время Лина была уверена, что их разрыв - лишь временный. Не устраивала скандалов, не обременяла просьбами. Но через несколько лет Прокофьев заговорил о разводе. Тут уж она встала на дыбы. Чего здесь было больше - любви, уязвленной гордости или простого опасения за участь свою и детей? Она въезжала в СССР женой советского композитора. А кем она будет после развода с ним? Иностранной шпионкой? Врагом народа?

Две вдовы

В конце концов, умные люди объяснили Прокофьеву: брак с испанкой, зарегистрированный в Баварии, в СССР - недействителен. Так что он спокойно может жениться. Что композитор и сделал 15 января 1948 года. Через месяц после этой свадьбы Лину Кодину арестовали как иностранную шпионку и приговорили к 20 годам лагерей…

Там она узнала о смерти своего мужа - случайно: одна из таких же заключенных услышала по радио, что звучит концерт, посвященный памяти Прокофьева. Сказала Лине. И тогда эта гордая женщина заплакала так, что охранники вынуждены были отпустить ее с работы в барак. Она горько оплакивала человека, который оставил ее одну с сыновьями в самый тяжелый момент, который бросил ее на произвол судьбы, и по вине которого она оказалась в лагерях…

С Колымы Лина вернулась через три года после смерти Сталина и Прокофьева. И, по воспоминаниям современников, уже через два дня вновь являла собой образец элегантности. Заявила о своих правах на наследие композитора, тут-то и всплыло пикантное обстоятельство, получившее в юридической практике название «казус Прокофьева»: гений оставил после себя сразу двух вдов.

Теперь, когда Сталина не стало, брак Прокофьева с Линой вновь стал законным. Лине и сыновьям досталось почти все имущество.

...Лина стремилась уехать на Запад. Она безрезультатно обращалась к Брежневу с просьбами дать ей возможность повидать престарелую мать. В 1971 году ее младший сын Олег получил разрешение выехать в Лондон на похороны своей жены-англичанки, скончавшейся в России от заражения вирусным гепатитом, и повидать свою дочь от этого брака. Олег остался жить и работать в Британии. В 1974 году на одно из писем Лины, адресованное тогдашнему председателю КГБ Юрию Андропову, с просьбой разрешить ей на месяц выехать в Великобританию, чтобы повидать сына и внучку, пришел ответ: через три месяца ей позвонили из ОВИРа и сообщили, что ей предоставлена трехмесячная виза для поездки в Великобританию. К этому времени ей было уже 77 лет. Она не вернулась. Но Лину нельзя было считать беженкой. Советские власти не хотели политического скандала, который возник бы, если бы вдова великого Прокофьева попросила политического убежища на Западе.

Советское посольство в Лондоне без проблем продлевало ей визу. На Западе Лина Прокофьева делила время между Лондоном и Парижем, куда впоследствии перебрался ее старший сын с семьей. Много времени она проводила в США и Германии. В Лондоне в 1983 году она основала Фонд Сергея Прокофьева, куда передала свой обширный архив, включавший переписку с мужем. Ее без конца приглашали на прокофьевские юбилеи, фестивали, концерты. Свой последний, 91-й день рождения Лина Прокофьева отпраздновала 21 октября 1988 года в больнице в Бонне, куда прилетели ее сыновья. Она была смертельно больна, но пригубила шампанского. Ее переправили в Лондон, в клинику имени Уинстона Черчилля, где она скончалась 3 января 1989 года. Записи с пением сопрано Лины Люберы не сохранились.

Каролина Кодина-Любера прожила долгую жизнь. В 77 лет она начала жизнь сначала. Много путешествовала, растила внуков. Но главное - она занималась переизданием музыкального наследия Прокофьева, делала все, чтобы имя ее великого мужа не было забыто на Западе. И его действительно там знают, помнят и любят.

Рубрики:

ЖЗЛ

Метки: СЕРГЕЙ ПРОКОФЬЕВ Лина Кодина-Немысская-Прокофьева Мира Мендельсон

Комментарии (1)

ТРАГЕДИЯ ОДНОГО СТРИЖА

Вторник, 03 Июля 2018 г. 23:58 + в цитатник

ТРАГЕДИЯ ОДНОГО СТРИЖА...

.

2. 3. 4. 5. 6.

http://art-assorty.ru/138-tragediya-odnogo-strizha.html

Рубрики:

ПРИРОДА

Понравилось: 1 пользователю

ДРЕВНЯЯ ШАЛОСТЬ ПИФАГОРА — КУБОК ЖАДНОСТИ, ИЗ КОТОРОГО НЕВОЗМОЖНО НАПИТЬСЯ

Воскресенье, 01 Июля 2018 г. 10:44 + в цитатник

ДРЕВНЯЯ ШАЛОСТЬ ПИФАГОРА — КУБОК ЖАДНОСТИ, ИЗ КОТОРОГО НЕВОЗМОЖНО НАПИТЬСЯ

Сегодня данный замысловатый сосуд известен под названиями «Чаша справедливости», «Кружка жадности», «Кубок Пифагора».

http://uainfo.org/static/img/c/h/chashapifagora0_500x317.jpg

Пифагор был одним из величайших мыслителей своего времени и одним из величайших математиков в истории. А еще у него, по всей видимости, было все в порядке с чувством юмора, потому что только гений и весельчак мог создать такую кружку.

О чем идет собственно речь

Создать демотиватор

На первый взгляд, это вполне обычный кубок, и только непонятный выступ в центре заставляет задуматься над тем, что же на самом деле собой представляет сосуд.

Сегодня пифагорова кружка – это величайшая шалость, которую только можно было придумать. Все дело в том, что если налить в нее жидкость изрядно пожадничав (например, до краев), сосуд «заботливо» выльет все содержимое к величайшему расстройству алчущего.

В чем же секрет?

Принцип действия

На самом деле устройство Кружки жадности очень просто. Снаружи это обычный сосуд для питья, но внутри кружка устроена, как сифон.

В центре чаши есть выемка, а внутри нее спрятан изогнутый двойной канал двумя концами опущенный вниз. При этом одна из сторон канала проходит насквозь через дно.

Работает кружка по закону о сообщающихся сосудах. Пока жидкость наливается в сосуд не выше места изгиба канала, то пользоваться чашей можно по прямому назначению. Однако, стоит налить больше, чем разрешено – сосуд опустошиться полностью. Еще и ботинки испортит.

Как именно появилась кружка неизвестно. Некоторые утверждают, что ее сделал Пифагор для рабов на Самосе, где было мало воды. Это весьма сомнительная версия.

Другие утверждают, что Пифагор создал чашу для своих друзей, которые то и дело злоупотребляли спиртным.

Известно лишь то, что появилась кружка где-то в 6 веке до нашей эры, собственно, когда жил великий математик. Сегодня такие кружки продаются в Греции в качестве сувенира.

Рубрики:

Это интересно

Метки: ПИФАГОР КУБОК ЖАДНОСТИ

Понравилось: 1 пользователю

ФЕНОМЕНАЛЬНЫЙ ЧЕЛОВЕК-ИГОЛКА: ИНДИЕЦ ВЫШИВАЕТ КАРТИНЫ НА МАШИНКЕ, И ОНИ ПОТРЯСАЮЩИЕ

Пятница, 29 Июня 2018 г. 19:32 + в цитатник

ФЕНОМЕНАЛЬНЫЙ ЧЕЛОВЕК-ИГОЛКА: ИНДИЕЦ ВЫШИВАЕТ КАРТИНЫ НА МАШИНКЕ, И ОНИ ПОТРЯСАЮЩИЕ

Индиец Арун Кумар Баджадж (Arun Kumar Bajaj) может похвастаться феноменальным навыком создания невероятных вышитых картин. Просто не верится, что они сделаны с помощью обычной швейной машинки: уровень их детализации такой, что издали они похожи на гиперреалистичные живописные полотна.Арун Кумар с самого детства хорошо рисовал и мечтал стать знаменитым художником. Но когда ему стукнуло 15 лет, внезапная смерть отца перечеркнула все планы. Мальчику пришлось бросить школу, чтобы заниматься семейным делом.

Арун Кумар, как и его отец, стал работать портным, но его творческое начало взяло верх. Вместо кистей и красок он стал использовать иголку и нитки, создавая с помощью швейной машинки настоящие шедевры. Теперь, благодаря своей уникальной технике, он постепенно приобретает известность во всем мире.

Во многих странах существуют давние традиции создания гобеленов и вышитых картин, однако Арун Кумар стал первым человеком, который создает вышивки такого уровня детализации на обычной швейной машинке.

«Я строчу на машинке вот уже 23 года, с 12 лет, — рассказал индийским журналистам 35-летний художник. — Мой отец-портной рано умер, поэтому мне пришлось бросить школу, чтобы заниматься его делом. Но я смог соединить эти два искусства».

Одной из самых впечатляющих работ Человека-иголки стало внушительное вышитое полотно с изображением Кришны. На создание этой работы размером 183 на 122 см у художника ушло 3 года и приблизительно 2840 километров ниток. Также среди его произведений есть вышитая картина суда махараджи Пенджаба Ранджита Сингха, на которой изображено примерно 2000 человеческих фигур. На ее создание у художника ушло около года.

«В моей работе нет права на ошибку: если шов ложится на ткань, его уже не убрать. Я обычно не делаю вышивку в несколько слоев, так она выглядит аккуратнее».

Арун Кумар продолжает заниматься швейным бизнесом на базаре Адалат в городе Патиала на севере Индии, но также много времени посвящает искусству.