Московский художественный театр создан в 1898 году Станиславским и Немировичем Данченко.
Первоначально назывался Художественно-общедоступный театр. С 1920 года — Московский Художественный академический театр (МХАТ). С 1932 года — МХАТ СССР им. М. Горького. В 1987 году разделился на два одноимённых театра: им. Горького и им. Чехова.
Началом Художественного театра считают встречу его основателей Константина Сергеевича Станиславского и Владимира Ивановича Немировича-Данченко в ресторане «Славянский базар» 19 июня 1897 года. Во главе Художественно-общедоступного театра стали:
В. И. Немирович-Данченко — директор-распорядитель и К. С. Станиславский — директор и главный режиссёр.
Московский Художественный театр открылся 14 (26) октября 1898 года премьерой «Царь Фёдор Иоаннович» Алексея Толстого.
Легендарная премьера пьесы А. П. Чехова «Чайка» в Художественном театре состоялась 17 декабря 1898 года.
С 1902 года театр работает в здании в Камергерском переулке, 3. Театр домовладельца Лианозова перестроен на средства Саввы Морозова архитектором Фёдором Шехтелем с участием Ивана Фомина за три летних месяца 1902 года. Проект реконструкции выполнен безвозмездно, Шехтель отказался обсуждать вопрос оплаты еще на стадии переговоров. Оформление интерьеров, освещение,
орнаменты, эскиз занавеса с знаменитой эмблемой Художественного театра, летящей над волнами чайкой, также принадлежит Шехтелю. Правый подъезд театра украшает гипсовый горельеф Анны Голубкиной «Волна». Шехтель разработал проект поворотного круга сцены, спроектировал вместительные подсценические трюмы, карманы для хранения декораций, раздвижной занавес взамен
поднимающегося. В зрительном зале было 1 200 мест.
В 1970 году главным режиссером МХАТ назначен Олег Ефремов, выпускник школы-студии МХАТ, создатель и главный режиссёр Московского театра «Современник».
В 1973 году открывается новое здание МХАТ на Тверском бульваре, 22 с гигантской сценой высотой более 30 метров и зрительным залом на 1360 мест.
С 1973 года МХАТ им. М. Горького работает на трех площадках Москвы: в проезде Художественного театра (ныне Камергерский переулок), на ул. Москвина и в новом здании на Тверском бульваре.
С 1978 года историческое здание в Камергерском переулке закрывается на ремонт.
В 1987 году происходит конфликт, многочисленная труппа МХАТ делится на два театра с одним названием: Труппа под руководством Т. В. Дорониной, сохраняет название МХАТ им. М. Горького и остаётся на Тверском бульваре; труппа под руководством О. Н. Ефремова переезжает в отремонтированное здание в Камергерском переулке. В 1989 году театр под руководством Ефремова
переименован во МХАТ им. А. П. Чехова.
После смерти Олега Ефремова художественным руководителем МХАТа имени Чехова стал в июне 2000-го Олег Табаков. Согласившись на назначение, он установил себе испытательный срок в полтора года: "Я решу, что мне надо оставаться, если пойму, что от моего пребывания в этой должности есть реальная польза для МХАТа".
На вопрос, почему исчезло слово "академический" из названия МХАТ, Табаков сказал, что "МХАТ, вот этот бренд, он так и останется". "Бренд - это не сочетание букв, я в этом убежден, а сочетание талантов, а театр - это не академия, а живое, пробующее, ошибающееся существо. Поэтому в снятии слова "академический" нет ни вызова, ни эпатажа. Просто мы считаем, что так и было задумано
основателями МХАТа".
И в МХАТе (МХТ) по-прежнему аншлаги.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
Часть 3 - Блеск и нищета Большого театра
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Малый театр - драматический театр в Москве, один из старейших театров России сыгравший выдающуюся роль в развитии русской национальной культуры. Открылся 14 октября 1824 года.
Сегодня он называется Государственный академический Малый театр России. Художественный руководитель театра с 1988 года народный артист СССР Юрий Мефодьевич Соломин.
Труппа театра была создана при Московском университете в 1756 году.
В начале царствования императора Александра I, вместе с общим подъемом общественной жизни ожило и совсем было упавшее при Павле театральное искусство. В эти годы труппа пополнялась актёрами крепостных театров. В 1806, театр приобрел статус казенного, войдя в систему императорских театров. Таким образом, актёры, поступившие в труппу из крепостных театров, сразу освобождались от
крепостной зависимости, как например, С. Мочалов — отец знаменитого трагика, Мочалова П. Своего помещения у труппы ещё долго не было. Прошло несколько лет, когда архитектор Бове был приглашен на строительство в Москве театрального здания.
До 1824 года балетно-оперная и драматическая труппы Императорского Московского театра были единым целым: единая дирекция, одни и те же исполнители, но ещё и долгое время после этого театры были соединены даже подземным ходом, были общие костюмерные и т. д.
В 1824 году Бове перестроил для театра особняк купца Варгина, и драматическая часть Московской труппы Императорского театра получила собственное здание на Петровской (ныне Театральной) площади и собственное название — Малый театр.
Понятие «малый», как и находившийся рядом «большой» театр (для оперных и балетных постановок), поначалу обозначало лишь их сравнительные размеры, потребовалось время, чтобы эти определения стали названиями театров.
Один из важных периодов в истории развития Малого театра связан с именем П. С. Мочалова. Вместо декламации и торжественной позы, актёр привнес на сцену клокочущую лаву горячей страсти и жесты, поражающие страданием и болью.
В 1822 в труппу пришёл уже известный по провинциальным антрепризам бывший крепостной актёр М. С. Щепкин. «Он первым создал правду на русской сцене, он первым стал нетеатрален на театре», — сказал о Щепкине А. И. Герцен.
На сцене Малого театра 27 ноября 1831 впервые в Москве была полностью показана комедия А. С. Грибоедова «Горе от ума». Щепкин исполнял роль Фамусова и Мочалов — Чацкого.
25 мая 1836 году здесь показали «Ревизора» Гоголя.
Для Малого театра писали И. С. Тургенев, А. В. Сухово-Кобылин, многие другие авторы. Но особое значение для Малого театра имел Александр Николаевич Островский. Его пьесы принесли Малому театру неофициальное название «Дом Островского». Все его 48 пьес были поставлены на сцене Малого театра и в разные годы всегда входили в его репертуар. Он сам неоднократно участвовал в репетициях, дружил с актёрами, а некоторые его пьесы были сочинены специально на определенных исполнителей Малого театра, по их просьбам, для их бенефисов.
На рубеже XIX—XX вв. страна переживала тяжелый кризис, он затронул и театральную жизнь. Малый театр искал новые пути развития.
В 1919 Малому театру присвоено звание академического.
В 20-е годы вся страна была захвачена пролетарским театральным движением «Синяя блуза». Тем не менее Малый театр оставался верен своим традициям. В это время по стране звучат призывы отказаться от всего прежнего, старого, не пускать в обновленную революцией жизнь оплот буржуазно-дворянской культуры. Под воздействием этих призывов Малый театр мог быть закрыт, не встань на
его защиту первый нарком Просвещения А. В. Луначарский.
В 1926 году Малый театр дал премьеру — спектакль «Любовь Яровая» по пьесе К. А. Тренева.
В 1929 году перед зданием театра был установлен памятник А. Н. Островскому работы скульптора Н. А. Андреева.
В 30-е годы, когда один за другим исчезали новые реформаторские театры, а их основатели порой тоже исчезали, но уже в сталинских тюрьмах, Малый театр пополнялся приходившими из закрывавшихся студий актёрами.
Репертуар театра 1930—1940 гг. в основном состоял из возвращения к классике. Ставятся пьесы Грибоедова, Гоголя, Островского.
Всегда завораживающей была игра актёров, славу театра составляли:
И. В. Ильинский, Б. А. Бабочкин, В. И. Хохряков, М. И. Царев, М. И. Жаров, Э. А. Быстрицкая, В. В. Кенигсон, И. А. Любезнов, Е. Н. Гоголева, Е. В. Самойлов, Е. Я. Весник, Ю. М. Соломин, В. М. Соломин,
В. П. Павлов, А. С. Эйбоженко, мн. др.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
Часть 3 - Блеск и нищета Большого театра
Часть 4 - Актриса Гликерия Федотова
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Большой театр в Москве является одним из символом России. Его талантливые исполнители: вокалисты и артисты балета, композиторы и дирижеры, балетмейстеры известны во всем мире.
Историю театра принято вести с марта 1776 г., когда губернский прокурор князь Пётр Васильевич Урусов получил высочайшее соизволение императрицы Екатерины II «содержать… театральные всякого рода представления, а также концерты, вокалы и маскарады». Князь начал строительство театра, который — по месту расположения на улице Петровка (на правом берегу Неглинки) — был назван Петровским. Однако театр Урусова сгорел ещё до его открытия, и князь передал дела своему компаньону, английскому предпринимателю Майклу Медоксу. Именно Медокс построил Большой Петровский театр.
Петровский театр Медокса простоял 25 лет — 8 октября 1805 года здание сгорело. Новое здание было построено К. И. Росси на Арбатской площади. Однако и оно, будучи деревянным, сгорело в 1812 г., во время нашествия Наполеона.
По проекту А. Михайлова в 1821-1825 гг. строится новое театральное здание на прежнем месте. Руководил строительством архитектор О. Бове. По своим размерам оно было значительно увеличено. Поэтому в то время оно и получает название Большой театр.После пожара в марте 1853 года здание восстанавливали три года. Работой руководил архитектор А. Кавос. Как писали современники, вид
здания «пленял глаз соразмерностью частей, в которых легкость соединялась с величием». Таким оно и дошло до наших дней.
Здание является одним из лучших образцов русской классической архитектуры. В ходе восстановления после пожара здание было полностью перестроено в 1856 году и украшено белокаменным портиком с восемью колоннами. Архитектор заменил четырехскатное покрытие двускатным с фронтонами, повторив по главному фасаду форму фронтона портика и убрав арочную нишу. Ионический ордер портика был заменен сложным. Были изменены все детали наружной отделки. Некоторые архитекторы считают, что изменения Кавоса снизили художественные достоинства первоначально созданного здания. Венчает здание известная на весь мир бронзовая квадрига Аполлона работы Петра Клодта.
Здание прекрасно вписывается в окружающие его архитектурные строения.
Пять ярусов зрительного зала вмещают более 2100 зрителей. По своим акустическим свойствам он считается одним из лучших в мире.
Это одно из прекрасных архитектурных сооружений столицы. Его называли «чертогом из солнечных лучей, золота, пурпура и снега». В здании также проводятся важные государственные и общественные торжества.
В советское время из Большого делали главный театр страны — в него переводили лучших артистов других театров, переносили наиболее удавшиеся спектакли.
Для сохранения исторического архитектурного ансамбля театрального здания и оснащения его сцены оборудованием современного мирового уровня 1 июля 2005 года основная сцена закрылась на реконструкцию.
После реконструкции москвичи и гости столицы увидят театральное здание таким, каким оно было задумано архитектором Альбертом Кавосом в 1856 году и каким оно было в год его открытия.
Современный Большой театр включает в себя оперную и балетную труппы, сценно-духовой оркестр и оркестр Большого театра. Имена оперной и балетной школы – это достояние всей России и всего театрального мира. Более 80 артистов удостоены звания Народных артистов СССР в советский период. Звание Героя Социалистического труда получили восемь мастеров сцены - И. Архипова и
Ю. Григорович, И. Козловский и Е. Нестеренко, Е. Светланов, а также известные всему миру балерины – Г. Уланова, М. Плисецкая и М.Семёнова.

Не просто протекала жизнь Большого театра в советское время. Время от времени Большой потрясали скандалы.
Революция 1917 года повергла Большой театр в шок. Из его недр немедленно появилось возмущенное и опрометчиво смелое воззвание: "Государственный московский Большой театр как автономное художественное учреждение не признает права вмешательства в его внутреннюю и художественную жизнь каких бы то ни было властей, не избранных театром и не входящих в его состав".
Однако очень скоро пришлось признать всё - и большевиков, и Наркомпрос, и вмешательство, и бесконечные заседания в благородных стенах новой власти. Уже в 1918 году на сцене Большого - идеологически верный балет “Стенька Разин”. Далее - опера “Броненосец 'Потемкин'”, а в планах записаны балеты "Красная звезда" и "Третий Интернационал". А еще далее - к “диким вандалам”
театр обращается с просьбой: разрешить постановку очень нужного новому государству агитационно-производственного спектакля "Нефть".
Зимой, 1919 года, на специальном заседании Совнаркома театр решили и вовсе закрыть - по причине полной ненадобности рабоче-крестьянскому электорату этого, по выражению Ленина, “куска чисто помещичьей культуры”, на который уходило так много денег, так много ремонта и так много дров. И в очередной раз жизнь театру спас Луначарский - невероятными усилиями он убедил народных
комиссаров, что Большой театр послужит революционной агитации, да и заседать где-то надо. Тем не менее бюджет театру сильно урезали. Однако предложения о закрытии Большого театра продолжают поступать.
1 ноября 1922 года все-таки выходит постановление - театр закрыть. Луначарский умоляет Ленина оставить театр, убеждая вождя, что суммы, выделяемые Большому, ничтожны по сравнению с деньгами, которые тратил на этот театр прогнивший царизм и что вообще в репертуаре Большого есть детский революционный спектакль, столь необходимый правительству. Хлопочут и Михаил Калинин с
Авелем Енукидзе, большие любители балерин.
В итоге театр оставляют, но его судьба держится на волоске - денег не дают, и даже наоборот - субсидии урезают.
И тут в чьей-то гениальной голове рождается гениальная же мысль: забрать Большой театр из ведения Наркомпроса (то есть от любителя искусств Луначарского) и передать его в прямое подчинение ВЦИК, то есть под управление двух любителей балерин - председателя этого самого ЦИК СССР Михаила Калинина и секретаря того же ЦИК Авеля Енукидзе (он будет расстрелян в 1937-м).
И начался золотой век Большого театра! Высокопоставленные любители балерин освобождают его от “барщины” - бесплатного проведения торжественных мероприятий всевозможных общественных организаций. Жалованье труппе увеличивается два раза в год. Большой освобождается от многих налогов и прикрепляется к Лечебно-санитарному управлению Кремля. Декорации, костюмы и
реквизит взяты на гособеспечение.
26 января 1936 года вождь слушает оперу Дмитрия Шостаковича “Леди Макбет Мценского уезда”. Музыка ему категорически не нравится. 28 января в газете “Правда” появляется редакционная статья "Сумбур вместо музыки".
Сталин любит приходить в Большой театр. Он любит оперу. После приемов он любит петь вместе с солистами Большого театра. Вместе со Сталиным поют и все присутствующие. Сталин дирижирует.
Особенно симпатизировал Сталин певцу Ивану Козловскому. Талантливый 26-летний тенор поступает в Большой театр в 1926 году. Но карьера не складывается – молодой певец недоволен теми партиями, которые ему предлагают, да и порядки в театре ему не нравятся.
Дирекция театра, в свою очередь, недовольна характером Козловского, и в конце 1930-х его увольняют. Но тут вмешался Сталин. К немалому удивлению самого певца вождь возвращает его в Большой театр, и не просто возвращает, а на правах ведущего тенора! Мало того. Козловскому присваивают звание народного артиста СССР и награждают орденом Ленина. Отныне он ведущий тенор СССР.
Годы идут, поклонницы носятся за Козловским толпами, дирекция театра в благоразумном восторге от сталинского любимца. Как вдруг все кончилось. В 1953 году Сталин умирает. И в следующем году 54-летний Козловский - находясь в прекрасной вокальной и физической форме - уходит из театра…
Второй женой героя революции Семена Буденного (его первая жена – простая казачка - застрелилась) стала Ольга Стефановна Михайлова, в скором будущем оперная прима Большого театра. Они прожили вместе почти 14 лет. В 1937 году, зимой, Буденного вызвал Сталин и сообщил, что жена Буденного ведет себя нехорошо и что подробнее ему обо всем расскажет нарком НКВД Ежов. По сведениям Ежова выходило, что Ольга слишком часто посещает иностранные посольства, а кроме того, является любовницей артиста Большого театра Алексеева. В августе 1937-го ее арестовали. Допросы быстро сломали ее, и она пишет на имя Ежова, что «Будённый вёл тайную преступную деятельность против Сталина и Ворошилова». Однако Сталин этому «признанию» хода почему-то не дает – Буденный остается на свободе, а Ольгу Михайлову приговаривают к восьми годам лагерей. В 1945-м она получит еще три года заключения, после чего ее отправят в ссылку в Красноярский край, где она будет работать сторожихой-уборщицей. Она вернется в Москву в 1956 году…
Не только Буденный, Енукидзе и Калинин имели слабость по части танцовщиц. Любил балерин и Сталин. Молва приписывала ему особые симпатии к танцовщицам Большого театра Ольге Лепешинской и Марине Семеновой – балерине, которая «всегда остается царицей», как сказал о ней ее ученик Николай Цискаридзе.
Из воспоминаний Майи Плисецкой об Ольге Лепешинской: «Она была шумная общественница, энергичнейший неутомимый член партии, входивший во все бюро, комитеты, президиумы. Ольга Васильевна не пропустила ни одного случая, чтобы не взобраться на трибуну и громогласно не высказать в тысячный раз свою принадлежность к партии большевиков и поучить уму-разуму всех и вся «в свете последних партийных решений».
Но более всего бесконечными связями с балеринами Большого театра прославился М. Калинин. Ему даже нарочно подсовывали их, чтобы иметь на него компромат. Однажды к всесоюзному старосте привезли 16-летнюю балерину Большого театра Беллу Уварову. После чего она пропала. Калинина срочно отправили в отпуск. По поручению Сталина началось расследование. Но тут в Москве
начался очередной шпионский процесс - и родителей Уваровой очень кстати репрессировали. А вскоре в подмосковном лесу нашли изуродованное тело балерины. Похоронили Беллу Уварову на Ваганьковском кладбище. В том, что смерть балерины - на совести Калинина, не сомневался никто. Но дело замяли.
5 января 1948 года Сталин слушает в Большом театре оперу Вано Мурадели «Великая дружба». Опера вождю категорически не нравится. Аппарат ЦК мгновенно объявляет работу по «исправлению ошибок на музыкальном фронте».
Галина Вишневская вспоминает: «А началось все с оперы "Великая дружба" бездарного композитора Мурадели, поставленной в Большом театре. Вот уж кому повезло постоять на эшафоте рядом с гениями - Сергеем Прокофьевым и Дмитрием Шостаковичем! А он всеми силами публично отмежевывался от столь высокой чести, искренне убеждая всех, что он случайно попал в эту группу, что он не формалист, а честный коммунист...А попал-то он в эту группу просто потому, что сыграл не в ту дудку. Желая выслужиться перед Сталиным, написал оперу о кавказских народах и, не рискуя вывести на сцену Сталина поющим (неизвестно еще, как тот воспримет),
героем оперы сделал умершего в 1937 году лучшего друга Сталина Серго Орджоникидзе. И попал - не в бровь, а в глаз! Оказалось, что "лучший друг" по приказу лучшего друга то ли был просто подло убит у себя дома, то ли успел застрелиться сам. Вот об этой "великой дружбе" и напомнила опера Сталину, покровителю всех изящных искусств. В общем, подхалим немножко перепутал - закричал "ура!"
вместо "караул!", чем вызвал невиданный гнев любимого вождя и учителя»
В том же 1948 году случился еще один оперный скандал. По мотивам повести Бориса Полевого «Повесть о настоящем человеке», изданной двумя годами раньше, Сергей Прокофьев написал одноименную оперу – про летчика-истребителя Маресьева, который был ранен, ценой невероятных усилий добрался до своих, ему ампутировали ноги, и тем не менее он вернулся в строй. Закрытый просмотр
оперы состоялся в декабре 1948 г. в ленинградском Театре оперы и балета им. С. М. Кирова. Опера Сталину не понравилась, и она была забыта на долгие годы. Только в 1960 году она была впервые поставлена в Большом театре. По Советскому Союзу загуляли насмешливые цитаты из арии врачей «Гангрена, гангрена — ему отрежут ноги!» и самого Маресьева: «Шишечку найду и дальше
поползу». Высокое искусство в массах категорически не приживалось.
В 1949 году во время партийного концерта в Большом театре со Сталиным знакомят Екатерину Алексеевну Фурцеву. Вождю она понравилась. В 1950 году она ее назначают вторым секретарем Московского горкома партии. Карьера простой советской ткачихи выходит на орбиту.
В 1956 году Большой театр наконец-то выезжает за пределы СССР - в Англию… Окно на Запад открыто. Однако Плисецкой ехать не разрешили - председатель КГБ И.А. Серов объявил ее английской шпионкой. Она остается в Москве – и танцует так, что зрителей зашкаливает от восторга. Плисецкую буквально забрасывают цветами. Особо восхищенных поклонников тут же вызывают в КГБ. За самой Плисецкой идет практически открытая слежка…
В 1957 году в Москве в Большом театре проходит премьера оперы Тихона Хренникова «Мать» по одноименной повести Максима Горького. Это вторая опера (после «Повести о настоящем человеке»), которая вызывает в народе массу веселья. «Павел, Павел, твою мать, мать твою… арестовали!» - радуются советские граждане и вступают на манер хора: «Твою мать! Твою мать!»
Никита Богословский сочиняет пародию, которая мгновенно разлетается по Союзу, превратившись в народное творчество: В Большом премьера новая, билетов в кассе нет. Но музыка хреновая и матерный сюжет.
Хрущев жаловался: «Как вспомню, что вечером опять «Лебединое озеро» смотреть, аж ком к горлу подступает».
Генсека можно понять: «лебеди» входили в обязательную культурную программу для зарубежных гостей. 30 апреля 1958 года в ходе государственного визита в СССР президент Египта Гамаль Абдель Насер в сопровождении Н.С. Хрущева и К.Е.Ворошилова присутствует в Большом театре на балете “Лебединое озеро”. Существует история, что когда на сцене появился «нехороший» Ротбард в черном трико с перьями, Хрущев сказал Насеру: “Это Даллес! Ну ничего, товарищ Насер, ничего! В конце действия мы таки обломаем ему крылья!”
В 1960 году солистка Большого театра Софья Николаевна Головкина выходит на творческую пенсию (ей 45 лет) и возглавляет Московское хореографическое училище, (позже – и по ее инициативе! - оно будет преобразовано в Московскую Государственную Академию хореографии).
Майя Плисецкая вспоминает: «Другая любительница влиятельных генералов была Софья Николаевна Головкина. Она тоже громогласно занималась общественной работой и тоже обогатила партию большевиков своим членством. Танцевать она совсем не умела. Пируэты и шене крутила криво, но не падала. Как Пизанская башня. В ней не было ни темперамента, ни блеска. <…> От ее спектаклей веяло
скукой и серостью».
И главный административный успех ей обеспечивали бесконечные внучки советских чиновников.
Сцена главного театра страны действовала на внучколюбивых аппаратчиков магически. Даже такие поборники социальной справедливости, как Юрий Андропов и Михаил Горбачев, не избежали соблазна увидеть своих внучек в числе юных балеринок Большого. Первой такой ученицей стала внучка министра культуры Екатерины Фурцевой. Кстати, после смерти «Екатерины великой» в 1974 году ее внучку Головкина немедленно из училища отчислила. Но зато для шестилетней внучки Горбачева стараниями Головкиной был специально открыт подготовительный класс.
Внучка Андропова – в отличие от внучки Фурцевой – училище окончила, но грозный генсек умер, и она десять лет танцевала в кордебалете…
В 2001 году Головкина все-таки ушла в отставку. Конечно, не по доброй воле, а под немалым нажимом Большого театра и Министерства культуры. Головкиной вменяли в вину развал московской балетной школы, плохую подготовку танцовщиц и даже травлю лучших педагогов, вынужденных искать пристанище своему таланту в эмиграции.
В 1974 году Галина Вишневская и Мстислав Ростропович – в результате грязного доноса и безобразной травли - покинут Советский Союз, а в 1978 году они будут лишены гражданства…
В августе 1979-го не вернется из зарубежной поездки (останется в США) танцовщик Большого театра Александр Годунов... В те времена появилась шутка-анекдот: Большой театр уехал на заграничные гастроли, а вернулся Малый театр.
Свою неприглядную лепту в историю Большого театра внесет и дочь генсека Галина Брежнева. Выйдя замуж в третий раз – за нелюбимого ею подполковника милиции Юрия Чурбанова, – она через несколько лет завела себе сердечного друга. Им стал цыганский барон и по совместительству певец театра «Ромэн» Борис Буряце. Очень скоро она сделала его солистом Большого театра, так и не
исполнившим ни одной партии. Очень скоро последовало ограбление известной цирковой артистки Ирины Бугримовой. Исчезла хорошо знакомая кремлевскому бомонду коллекция бриллиантов. В ходе расследования был выявлен след той самой бриллиантовой мафии, с которой, кстати говоря,
был связан и любовник Галины Брежневой – странный неудачник-певец из Большого театра...
В 1988-м дирекция Большого театра принудительно отправила на пенсию Майю Плисецкую, Владимира Васильева, Екатерину Максимову, Михаила Лавровского, Наталию Бессмертнову, Нину Тимофееву...Время перестройки – время сведения счетов, благодатное смутное время для бездарностей и подлецов, и это время снова и снова нещадно бьет по лучшим.
Скандалы в Большом продолжились и в 2000-ные годы. Хронические смены руководства. Бурная история с увольнением талантливой балерины Анастасии Волочковой в 2003 году.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
Часть 3 - Блеск и нищета Большого театра
Часть 4 - Актриса Гликерия Федотова
Часть 5 - Актёр Волков и русский театр его времени
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Гликерия Николаевна Федотова (в девичестве Позднякова) (1846-1925) - русская актриса, Заслуженная артистка Императорских театров, народная артистка Республики (1924).
Родилась в Орле. Рано осталась сиротой на воспитании деда и дальней родственницы.
В 1862 году окончила Московское императорское театральное училище, где сначала обучалась балету, а затем перешла в В 1862 году окончила Московское императорское театральное училище, где сначала обучалась балету, а затем перешла в драматический класс.
В 1863 году вышла замуж за актёра и режиссёра А. Ф. Федотова и стала выступать под его фамилией.
К концу 1860-х годов Гликерия Федотова стала ведущей актрисой Малого театра. Ей равно удавались трагические, комедийные, мелодраматические и романтические роли.
В 1905 году из-за болезни ног ей пришлось оставить театр, однако до смерти актриса считалась почётным членом труппы. Последний раз Федотова поднялась на сцену в 1912 году, в 50-летний юбилей своей сценической деятельности в Малом театре.
В советский период актрисе, уже прикованной к постели неизлечимой болезнью, было присвоено звание народной артистки Республики и почетное звание Героя труда.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
Часть 3 - Блеск и нищета Большого театра
Часть 4 - Актриса Гликерия Федотова
Часть 5 - Актёр Волков и русский театр его времени
Часть 6 - Ермолова - эпоха для русского театра
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Федор Григорьевич Волков (1729-1763) - русский актёр и театральный деятель. Создал первый постоянный русский театр, и поэтому считается основателем русского театра.
Родился в Костроме. Отец его, купец, умер во время его малолетства. Мать в вторично вышла замуж и переехала с детьми в Ярославль. В возрасте двенадцати лет Фёдор был отправлен в Москву обучаться делу к немецким промышленникам.
В 1746 году молодой купец прибыл по делам в Петербург, и здесь посещение придворного театра произвело на него потрясающее впечатление. Он весь отдался новой страсти и в течение двух лет пребывания в Петербурге занимался искусствами и изучением сценического дела.
В 1751 году в Ярославле специально для спектаклей Волкова был построен деревянный театр на берегу Волги. Это был первый общедоступный театр в России.
Вскоре про «ярославские комедии» стало известно при дворе императрицы Елизаветы Петровны. Она вызвала Волкова в Петербург.
30 августа 1756 года был официально учреждён «Русский театр», положивший начало созданию Императорских театров России, Фёдор Волков был назначен «первым русским актёром», а директором театра стал Александр Сумароков, в 1761 году этот пост занял Волков.
Фёдор Волков написал около 15 пьес, он занимался также художественным оформлением спектаклей; известна его картина, изображающая его и братьев во время спектакля, бюст Петра I, играл на многих инструментах и создавал музыку к спектаклям.
Ему приписывается видная роль в том перевороте, который возвел на престол Екатерину II . Легенда рассказывает, что он в критическую минуту прочитал, держа перед собой чистый лист, не бывший написанным манифест. Екатерина, воцарившись, предложила Волкову быть кабинет-министром, возлагала на него орден Андрея Первозванного, но Волков будто бы от всех этих почестей отказался, сохранив за собой доступ в кабинет государыни без доклада.
На масляную неделю 1763 года в честь коронации императрицы Екатерины II в Москве был устроен многодневный «большой маскарад, который стал последним творением Волкова. Во время маскарада он простудился и умер в возрасте 34 лет. Он был похоронен в Москве, на кладбище Андроньева монастыря. Никаких следов от его могилы не осталось.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
Часть 3 - Блеск и нищета Большого театра
Часть 4 - Актриса Гликерия Федотова
Часть 5 - Актёр Волков и русский театр его времени
Часть 6 - Ермолова - эпоха для русского театра
Часть 7 - Итальянская актриса Элеонора Дузе
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Мария Николаевна Ермолова (1853-1928) — русская актриса. Заслуженная артистка Императорских театров. Народная артистка Республики. Герой труда.
Родилась в Москве в семье суфлёра Малого театра. Её дед был в свое время крепостным скрипачом князей Волконских, получив вольную, стал работать в том же театре гардеробщиком.
Отец - увлекающийся, даровитый, не мог утвердиться как личность, поэтому с годами развивавшийся комплекс сделал его невыносимым для близких. Постоянные истерики, припадки необоснованного гнева, желчность и раздражение сопровождали детство великой актрисы. Плюс к этому строгие патриархальные нравы семьи — сестры, а их было трое, вплоть до замужества должны были
испрашивать позволения отца по всякой мелочи. Поэтому суровый, малообщительный характер Мария Николаевна приобрела ещё в раннем возрасте.
В 1862 году Мария поступила в балетный класс Московского театрального училища. Однако способностей к балету она не обнаружила.
В 1871 году Ермолова закончила театральное училище и была принята в труппу Малого театра. В первые годы Ермоловой не поручали серьёзных ролей, ей приходилось играть роли легкомысленных барышень в комедиях и водевилях. Дарование Ермоловой, главным образом трагическое и героическое, не получало своего раскрытия.
Счастливый случай буквально в один вечер сделал Ермолову примой русской сцены. Н.М. Медведева, в те времена первая артистка Малого театра, решила поставить в свой бенефис пьесу Лессинга «Эмилия Галотти», но исполнительница главной роли заболела и бенефициантка в спешке искала ей замену. Случайно выбор пал на Ермолову. Дебют превзошёл все ожидания.
Оглушительный успех дебюта сыграл с молодой Ермоловой злую шутку. Перед ней — неопытной, не умевшей ещё владеть ни своим великолепным голосом, ни своими жестами, — вдруг побледнели остальные актрисы. И это не могло не устрашить их. С первых дней в театре Ермолову окружили сплетни, злоба, зависть.
Мария Николаевна страдала невыносимо. Она, совсем ещё ребёнок, с трудом находила в себе силы сопротивляться интригам. Но более всего её убивали незначительные, второстепенные роли, противные её амплуа, её таланту, когда ей приходилось подыгрывать ненавидевшей молодую артистку Федотовой.
В дальнейшем она начинает играть настоящие роли, которые ей интересны, которые её увлекают.
Знакомится с актёром Шубинским, своим будущим мужем. Он заканчивает юридический факультет, собираясь посвятить праву свою будущую деятельность.
Ермолова рано вышла замуж и вышла по любви, однако молодые очень рано поняли, насколько они далёкие люди. Однако консервативное воспитание и глубокая порядочность не позволили Ермоловой лишить дочку отца. Глубокое и постоянное чувство, упрятанное в самый сокровенный уголок души, связывало Марию Николаевну до конца дней с одним большим, известным в Европе учёным. Но их отношения Ермолова скрывала от всех, и никто, кроме самых близких людей, не знал, каких душевных сил стоила актрисе эта любовь.
В 1873 году Ермолова исполнила роль Катерины в пьесе «Гроза». Работа над этой ролью продолжалась несколько лет. Катерина Ермоловой была русская женщина, исполненная внутренней силы и готовности к героическому самопожертвованию.
В 1890-е играет пьесы Ибсена, Горького. Играет Вассу Железнову в одноименной пьесе М. Горького. Много занималась в училище с актёрами.
Октябрь 1917 не прервал артистической деятельности Ермоловой. Не пришлось ей страдать и от бытовых лишений. В 1920 советская общественность торжественно отметила 50-летие ее сценической деятельности. На юбилейном спектакле присутствовал Ленин. Она первая в стране получила звание народной артистки Республики. Моссовет предоставил ей в пожизненное владение особняк на
Тверском бульваре.
В 1923 Ермолова уходит со сцены. Муж у неё рано умер. Она была одинока, мало кого принимала.
В 1928 году уснула и больше не проснулась.
Станиславский писал: "Мария Николаевна Ермолова - это целая эпоха для русского театра, а для нашего поколения это - символ женственности, красоты, силы пафоса, искренней простоты и скромности".
Её именем назван один из московских театров. А знаменитый портрет актрисы, выполненный Валентином Серовым, увековечил её образ для потомков.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 4 - Актриса Гликерия Федотова
Часть 5 - Актёр Волков и русский театр его времени
Часть 6 - Ермолова - эпоха для русского театра
Часть 7 - Итальянская актриса Элеонора Дузе
Часть 8 - Русская актриса Комиссаржевская
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Элеонора Дузе (ударение по итальянски на первом слоге) (1858-1924) - итальянская актриса.
В четырехлетнем возрасте начала играть в труппе своих родителей, ездила с ними по городам Италии. Ее первым серьезным успехом было исполнение заглавной роли в драме Золя Тереза Ракен (1879).
В 1886 создала собственную театральную компанию. Успешно гастролировала в США, Южной Америке, России.
Её многолетней соперницей была Сара Бернар.
В 1905 сыграла в Париже Василису в драме Горького На дне. В 1908 Дузе оставила театр. После этого в течение двух лет она была в любовной связи с итальянской феминисткой Линой Полетти, они жили во Флоренции. Чтобы публика не судачила об их отношениях, Дузе надолго оставила сцену.
Она вернулась только в 1913 году, но новый подъем ее творчества был прерван Первой мировой войной. Зарубежные гастроли стали невозможны, да и в самой Италии театры опустели. По призыву правительства Дузе с другими актерами отправилась на фронт, чтобы скрасить солдатский отдых, но затея потерпела провал. На фоне окопной крови и грязи театр показался ей как никогда искусственным,
бумажным. Солдат, которым ежедневно грозила смерть, не увлекали выдуманные страсти. Дузе назвала случившееся «величайшей бестактностью» и осталась на фронте — не актрисой, а медсестрой в госпитале. Теперь она играла, утешая раненых, один из которых сказал: «Когда она говорит, мне кажется, что у меня снова есть руки».
С окончанием войны Дузе переехала к дочери в Англию, не собираясь вновь выходить на сцену. Но поклонники забросали ее письмами, умоляя вернуться. И не только поклонники — молодые актеры просили помочь им советом, жалуясь на равнодушие публики, на отсутствие новых пьес.
Дузе вернулась на сцену в 1921. Покинула Италию после прихода к власти фашистов. После прощального турне, где ее встречали как королеву, актриса села на пароход и отправилась в Англию.
Из Лондона она отплыла за океан. Она не была в Америке 10 лет, но за это время мир изменился, и ее воспринимали как гостью из другой эпохи. Когда она поднялась на сцену — легкая, хрупкая, в ореоле седины, — зал замер от неожиданности, а потом взорвался овацией.
Города неслись сплошной чередой — Чикаго, Сан-Франциско, Гавана, снова Сан-Франциско. В Питсбурге шофер по ошибке привез ее в театр задолго до начала представления, и она вымокла под дождем, стоя у запертой двери. Простуженная, она отыграла пьесу Марко Прага «Закрытая дверь» от первого до последнего акта. «Одна, одна!» — такими были последние слова пьесы и последние слова,
сказанные Дузе на сцене. На следующий день она слегла с пневмонией и умерла, пробормотав в бреду: «Пора ехать». По завещанию ее перевезли на родину и похоронили в Азоло между тосканских холмов, которые она так любила.
Слава Дузе была всемирной. Ее портреты, кроме Репина, оставили Сарджент и Ленбах. Ее искусство высоко ценили Чехов, Станиславский, Шоу, Чарли Чаплин. В июле 1923 Дузе стала первой женщиной, чей портрет украсил обложку журнала Тайм. Театры в нескольких городах Италии носят имя Элеоноры Дузе.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 5 - Актёр Волков и русский театр его времени
Часть 6 - Ермолова - эпоха для русского театра
Часть 7 - Итальянская актриса Элеонора Дузе
Часть 8 - Русская актриса Комиссаржевская
Часть 9 - Советский балет
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Вера Фёдоровна Комиссаржевская (1864-1910) - русская актриса, её называли «чайкой русской сцены».
Родилась в семье знаменитого оперного певца Мариинского театра.
Не получила систематического образования.
Развод родителей и собственный неудачный брак заставили пережить тяжелую жизненную драму, испытать неудовлетворенность собой.
Её мужем был художник, светский красавец Владимир Муравьёв. Страстная натура Веры с особой полнотой проявилась в любви — вся жизнь сосредоточилась на муже и доме. Но ликование продолжалось недолго. С первых же дней совместной жизни начались размолвки. Ловеласу Владимиру вскоре надоела нервная опека жены домоседки, и он стал её обманывать, что вызывало бурные
сцены, а потом сладость примирения. Виновницей полного разрыва их отношений стала её старшая сестра Надя. Разрушилась не только семья, Вера потеряла сразу двух близких людей. Вспоминая об этом непереносимом душевном горе, даже спустя многие годы актриса не могла сдержать дрожи в голосе. В первый же момент она потеряла самообладание и попала в сумасшедший дом. Когда
наступило просветление, больная впала в полную апатию и депрессию. Только любовь младшей сестры Оли, её постоянная забота, разумное спокойное внушение — не отчаиваться, спасли Веру от деградации и смерти.
Пройдёт ещё много времени, пока после пережитой травмы Комиссаржевская сможет вернуться к полнокровной жизни, но полностью это душевное потрясение никогда не забудется и во многом станет лейтмотивом её пронзительного актёрского творчества. Этот скрытый трагизм, который так притягивал зрителя, берет своё начало из неудавшейся семейной жизни Веры Федоровны.
Желая найти себе хоть какое то занятие, Комиссаржевская обращается к известному актёру Давыдову с просьбой заняться с нею актёрским мастерством. Вскоре Комиссаржевская отправляется к отцу в Москву, где 13 декабря 1890 года состоялось её первое публичное выступление в Охотничьем клубе. Она заменила заболевшую актрису в спектакле, поставленном Станиславским. Кстати, Станиславский, любимый ученик Федора Петровича Комиссаржевского, не забыл Веру и после того, как девушка выручила труппу в сложный момент, предложил ей сыграть в новой пьесе Л. Толстого «Плоды просвещения».
В 1896 Комиссаржевская была приглашена в Александрийский театр Петербурга, где приобрела известность искренностью, эмоциональностью, глубиной чувств. Славу ей принесла роль Нины Заречной в пьесе Чехова "Чайка".
С «Александринкой» у Веры Федоровны связана встреча с Чеховым. К сожалению, роман этот, как творческий, так и личный, не сложился. Чехов даже однажды пошутил, что их отношения преследуют сплошные недоразумения. Как известно, первое представление «Чайки» в Петербурге провалилось, и Антон Павлович в ужасе бежал, не дождавшись конца спектакля. И потом Чехов всю жизнь был связан обязательствами с Художественным театром, поэтому Вере Федоровне не удалось стать первой
исполнительницей ролей, которые, казалось, написаны были специально для неё. Да и личные отношения складывались сложно. Чехов не решился пойти на прямые объяснения, а Вера Федоровна не могла изжить прежнюю душевную травму и не хотела проявлять инициативу, слишком ценя своё спокойствие, нужное ей для творчества.
В 1902 году Комиссаржевская покидает «Александринку», недовольная репертуаром театра, тяжело переживая ненависть Савиной.
Комиссаржевская становится любимой актрисой демократической интеллигенции. Она организует концерты (выступала с чтением "Песни о Соколе" и "Песни о Буревестнике" Горького, и др.), сборы с которых отдаёт на нужды революционных кружков, на помощь студенческому движению. Поиски в области условного символистского театра, осуществлявшиеся Комиссаржевской вместе с
В. Э. Мейерхольдом в 1906-1907 годах, привели к острому противоречию между режиссёром и актрисой.
После разрыва с Мейерхольдом Комиссаржевская гастролировала в Северной Америке (1908), затем по городам России (1908-1910).
Несмотря на успех этих гастролей, для неё наступает период сомнений, метаний, отчаяния. Состояние современного театра её не удовлетворяет. В 1909 году Комиссаржевская принимает решение оставить сцену и отдать себя делу воспитания нового актёра, созданию нового театра через школу-студию. Не успев приступить к осуществлению своих замыслов, Вера Фёдоровна Комиссаржевская умерла во время гастрольной поездки в Ташкенте от чёрной оспы. Она умерла, умоляя своих знакомых сразу же
после кончины уничтожить письма и не открывать в гробу её лица, обезображенного оспой.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 6 - Ермолова - эпоха для русского театра
Часть 7 - Итальянская актриса Элеонора Дузе
Часть 8 - Русская актриса Комиссаржевская
Часть 9 - Советский балет
Часть 10 - Станиславский
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

"Зато мы делаем ракеты И перекрыли Енисей, А также в области балета Мы впереди планеты всей!" Юрий Визбор.
В советском народе укоренилось мнение , что советский балет непревзойдённый и самый балетистый балет в мире. Это был сложившийся и повторяемый как аксиома штамп. Но разделяли ли это мнение специалисты и знатоки балета?
После революции балет в России был сохранён только благодаря первому народному комиссару образования Луначарскому. И то балет разрешали, если он был ярким и возвышенным.
В 1935 году балетная компания был переименована в Балет имени Кирова (сейчас Балетная труппа Мариинского театра). Большего абсурда, чем назвать балет именем политического деятеля, было трудно придумать.
После стагнации в 1920-х годах, в середине 1930-х появилось новое поколение танцоров и хореографов.
В мужском танце прославились А.Н.Ермолаев, В.М.Чабукиани, А.Ф.Мессерер. В женском танце лидировали М.Т.Семенова, О.В.Лепешинская, Т.М.Вечеслова, Н.М.Дудинская. Лиризмом, умением создать психологическую сложность характеров покоряли Г.С.Уланова,К.М.Сергеев, М.М.Габович.
Будучи художественным руководителем, Ваганова выполняла государственные правила и изменила конец Лебединого озера с трагического на возвышенный.
Балет Пламя Парижа, хотя и имеет все характерные черты искусства социалистического реализма, был первым где было активное использование кордебалета в спектакле.
В области хореодрамы работали композиторы-симфонисты: Б.Асафьев, Р.Глиэр,А.Крейн,А.Хачатурян.
В 40-е и 50-е появилась новая плеяда танцовщиц В.Т.Бовт, М.М.Плисецкая, Р.С.Стручкова, Н.Б.Фадеечев, А.Я.Шелест.
Лидером новой волны стал Григорович, мастер танцевальной метафоры в сюжетном балете. С его приходом в ГАБТ в 1964 театр пережил взлет, вершиной которого стали его постановки: Щелкунчик, 1966 и Спартак Хачатуряна, 1968. Для ГАБТ он сочинил оригинальную версию Лебединого озера (1968), несколько редакций Спящей красавицы, (1963, 1973), в 1975 поставил балет Иван Грозный, в 1979 – Ромео и Джульетту, оба на музыку Прокофьева, Ангару А.Эшпая, в 1982 – Золотой век Шостаковича. В балетах Григоровича прославились дуэты Н.И.Бессмертнова –Л.М.Лавровский, Е.С.Максимова –В.В.Васильев, раскрылся талант М.Э.Лиепы, Н.И.Сорокиной, Н.В.Тимофеевой. Продолжала работать М.Плисецкая.
Факт клинической смерти "драмбалета" был зарегистрирован ещё в 1957 году, когда Юрий Григорович поставил в Кировском театре Каменный цветок. Идеологи модного направления назвали это "танцевальным симфонизмом" и громко прочили светлое будущее советскому балету. Но уже через год он испытал жестокий удар. В 1958 году в СССР состоялись первые гастроли парижской Гранд
Опера и впервые был показан "Хрустальный дворец" Джорджа Баланчина. В балете не рассказывалось ровным счетом ничего -- там всего лишь танцевали. Но это оказалось громом среди ясного неба. Художественный эффект был абсолютным. Советский балет пережил унижение, комплекс провинциальной ущербности. Шок, испытанный советским балетом в 1958 году, оказался роковым. За
Хрустальным дворцом (как и вообще за всем "другим" искусством, просочившимся тогда под приподнятый противопожарный занавес) устойчиво закрепилась репутация недоступного Эдема, куда мог бы и должен был бы попасть русский балет. Тогда в ход, как обычно, пустили идеологию: "Хрустальный дворец" был обвинен в "формализме" (то есть хореографию обвинили в наличии ее самой), абстракционизме, холодном рационализме, отсутствии "души". Но убитым наповал профессионалам было уже все равно: французы (а затем и американцы) "танцевали" и танцевали так, что великая Семенова впоследствии призналась в частной беседе: "Мы так не умели..." Оценить эту фразу может только тот, кто знает характер Марины Тимофеевны.
Затем оцепенение поздней брежневской эпохи. Затем посткоммунистические скандалы, плавно переходящие в сферы не совсем художественные.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 7 - Итальянская актриса Элеонора Дузе
Часть 8 - Русская актриса Комиссаржевская
Часть 9 - Советский балет
Часть 10 - Станиславский
Часть 11 - Русский актер Михаил Щепкин
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Константин Сергеевич Станиславский (настоящая фамилия Алексеев) (1863-1938) - русский театральный режиссёр, актёр и преподаватель. Первый народный артист СССР (1936). Основатель знаменитой актёрской системы, которая на протяжении 100 лет имеет огромную популярность в России и в мире.
Родился в семье богатого промышленника. С детских лет выступал в домашнем театре. Учился в Лазаревском институте восточных языков; был блестяще образованным человеком, в совершенстве владел европейскими языками.
В 1888 году был одним из основателей Московского общества Искусства и Литературы.
В 1898 году, совместно с Немировичем-Данченко основал Московский Художественный театр. Первой постановкой новой труппы стала трагедия «Царь Фёдор Иоаннович» А. К. Толстого.
Деятельность Станиславского в 1920-1930-е годы определялась, прежде всего, его желанием отстоять традиционные художественные ценности русского искусства сцены. В прессе тех лет все настойчивее звучат обвинения в «отсталости», в «нежелании» принять революционную действительность, в саботаже. Деятельность МХАТ протекала в атмосфере неприятия «академического и буржуазного
театра» влиятельными пролеткультовцами и лефовцами, адресовавшими Художественному театру социально-политические обвинения. Постановка «Горячего сердца» (1926) стала ответом тем критикам, которые уверяли, что «Художественный театр - мёртв». Стремительная легкость темпа, живописная праздничность отличала «Безумный день, или Женитьба Фигаро» Бомарше (1927) (декорации А. Я. Головина).
В начале 1930-х годов Станиславский, используя свой авторитет и поддержку вернувшегося в СССР Горького, обратился в правительство, чтобы добиться особого положения для Художественного театра. Ему пошли навстречу. В январе 1932 театр получил название МХАТ СССР, в сентябре 1932 театру присвоено имя Горького, в 1937 он был награжден орденом Ленина, в 1938 — орденом Трудового Красного Знамени. В 1933 МХАТ было передано здание бывшего Театра Корша, где образован филиал МХАТ. При театре организованы музей (в 1923) и экспериментальная сценическая лаборатория (в 1942). Художественный театр был объявлен главными подмостками страны. Опасность превращения МХАТа в рядовой театр, как и опасность его захвата РАППом, была предотвращена, но театр рисковал остаться беззащитным перед другой угрозой быть задушенным в объятиях власти.
Станиславский вел себя по отношению к властям крайне осторожно, за что его сегодня порою упрекают. Но без такой осторожности театр нельзя было сохранить. Она вытекала из трезвой оценки властной силы Сталина и общественно-политической ситуации в стране. К тому же коллектив театра находился под бдительным контролем НКВД. У Станиславского имелись и сугубо личные причины не
слишком полагаться на благорасположенность кремлевского мецената — он происходил из богатой купеческой семьи Алексеевых (об этом ему никогда не давали забыть). А многие из его родственников были репрессированы и погибли.
В 1935 открылась последняя - Оперно-драматическая - студия Станиславского. Практически не покидая своей квартиры в Леонтьевском переулке, Станиславский встречался с актерами у себя дома, превратив репетиции в актерскую школу по разрабатываемому им методу психофизических действий.
«Не верю!»- фраза Станиславского стала афоризмом в мире кино, театра и в бытовой сфере, после того, как он стал употреблять её в качестве режиссёрского приёма.
Итог своей жизни Станиславский подвел сам: "Долго жил. Много видел. Имел хорошую семью, детей. Жизнь раскидала всех по миру. Искал славы. Нашел. Видел почести, был молод. Состарился. Скоро надо умирать. Теперь спросите меня: в чем счастье на земле? В познавании. В искусстве и в работе, в постигновении его. Познавая искусство в себе, познаешь природу, жизнь мира, смысл жизни, познаешь душу - талант! Выше этого счастья нет".

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 8 - Русская актриса Комиссаржевская
Часть 9 - Советский балет
Часть 10 - Станиславский
Часть 11 - Русский актер Михаил Щепкин
Часть 12 - I международный конкурс артистов балета
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Михаил Семёнович Щепкин (1788–1863) - русский актёр, один из основоположников русской актёрской школы.
Родился в Курской губернии в семье крепостных графа Г. С. Волькенштейна.
С 1799 по 1801 год обучался в Судженском народном училище. В 1801—1802 годах играл в домашнем театре графа Волькенштейна.
В 1805 году впервые выходит на профессиональную сцену и с разрешения графа Волькенштейна играет в театре братьев Барсовых.
В 1812 году Михаил Щепкин женился. Это была любовь с первого взгляда и на всю жизнь. Избранница Щепкина «вольная» Елена Дмитриевна вышла за него замуж, не убоявшись не только реальной нищеты, но и той кабалы, в которую попадала сразу же из-под венца с мужем-крепостным. Она была турчанка, в двухлетнем возрасте подобранная русским солдатом при осаде Анапы.
В 1818 году становится актёром Полтавского театра, руководителем которого был писатель И. П. Котляревский, и занимает в труппе ведущее положение: специально для него Котляревский пишет роли в своих пьесах «Наталка-Полтавка» и «Москаль-Чаровник». Кроме того, Котляревский вместе с С. Г. Волконским организует сбор денег по подписке, чтобы выкупить Щепкина у барина — и в 1822 году
актёр получает вольную.
В провинциальных театрах Щепкину приходилось исполнять самые разные роли, в том числе и женские (Еремеевна в «Недоросле» Д. И. Фонвизина), в постановках разных жанров. Именно в это время начинает формироваться актёрский метод Щепкина: «искусство настолько высоко, насколько близко к природе».
В 1822 году Щепкина пригласили в труппу московского театра (с 1824 года — Малый театр), в котором он остался до конца своей жизни.
За актёром быстро закрепляется слава первого комического актёра. Освободиться от чисто комического репертуара Щепкину удаётся в 1830-е годы, когда на сцене Малого театра ставятся «Горе от ума» А. С. Грибоедова и «Ревизор» Н. В. Гоголя. В них актёр создает многогранные, выпуклые образы Фамусова и Городничего.
Щепкин был дружен с А. Н. Островским, А. С. Пушкиным, Н. В. Гоголем, А. И. Герценом, Н. А. Некрасовым, Т. Н. Грановским, В. Г. Белинским, И. С. Тургеневым.
Став знаменитым, Щепкин позволил себе бестактность по отношению к драматургу А.Н. Островскому. Он покинул генеральную репетицию пьесы «Гроза», будучи очень недоволен автором пьесы.
В 1853 году во время единственной своей поездки за границу М. С. Щепкин встречался с А. И. Герценом; затем писал ему:
Рабы ещё не хотят быть свободными. С чего напала на тебя человеческая гордость делать их свободными против их воли, быть так сказать, творцом их счастия… Оставьте мир расти по своим естественным законам и помогайте его росту развитием в человеке нравственного чувства, сейте мысль, но не поливайте кровью…
Но после его смерти А.И. Герцен написал: ."...он был великий артист, артист по призванию и по труду. Он создал правду на русской сцене, он первый стал нетеатрален на театре".

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 9 - Советский балет
Часть 10 - Станиславский
Часть 11 - Русский актер Михаил Щепкин
Часть 12 - I международный конкурс артистов балета
Часть 13 - Вахтангов и вахтанговцы
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Нина Ивановна Сорокина (1942-2011) - советская балерина, балетный педагог. Народная артистка СССР.
Окончила Московское академическое хореографическое училище в 1961 году по классу Софьи Николаевны Головкиной. Её одноклассницей была Наталья Бессмертнова. Обеих девочек приняли в балетную труппу Большого театра, где Нина Сорокина совершенствовала своё мастерство под руководством Марины Тимофеевны Семёновой. Постоянным сценическим партнером Сорокиной стал её супруг Юрий Владимиров. Нина Сорокина никогда не танцевала плохо, не щадила себя и всегда, даже в самой экспериментальной хореографии, сохраняла точность классики («Весна священная»), Девушка («Икар»), Кити («Анна Каренина»), Любимая («Озарённость»), Редисочка («Чиполлино»). Дыханием современности неуловимо отмечены и классические партии Сорокиной: Сильфида («Шопениана»), Жанна («Пламя Парижа»), Весна («Золушка»), Лауренсия; принцессы Аврора и Флорина («Спящая красавица»), Маша («Щелкунчик»), Китри («Дон Кихот») и многие другие.

Юрий Кузьмич Владимиров (1942) - советский артист балета, педагог. Народный артист СССР.
В 1962 году окончил Московское хореографическое училище по классу Алексея Ермолаева. В 1962 — 1988 году — солист Большого театра. Один из представителей "золотого века" Большого театра — сильный, мощный, темпераментный танцовщик, обладавший выдающимся прыжком, спортивным, трюковым стилем танца и ярким драматическим талантом. Постоянным сценическим партнером Владимирова стала его супруга Нина Сорокина. Сыграл главные роли в спектаклях "Спартак", "Иван Грозный" и др.

Михаил Николаевич Барышников (1948) - советский и американский артист балета, балетмейстер.
Родился в семье офицера Советской армии в Риге. Заниматься балетом начал в Рижском хореографическом училище. В 1967—1974 годах танцевал в Ленинградском театре оперы и балета им. Кирова. В 1974 году во время гастролей в составе труппы Большого театра в Канаде становится «невозвращенцем». Что ждало Барышникова в России, если бы он не уехал на Запад? Позднее его ближайший друг Иосиф Бродский так ответил на этот вопрос, заданный ему в интервью: «Он бы спился». Вероятно, Бродский был прав. Даже готовя свой вечер, Михаил был вынужден бороться не только с препятствиями, чинимыми дирекцией, но и с непониманием в среде артистов. Вряд ли он выдержал бы борьбу. По словам его ближайшего друга Александра Минца, бывшего танцовщика Театра имени Кирова, который к этому времени уже был на Западе, работал в Американском балетном театре и помогал организовать Мишин побег, «решение остаться на Западе далось Барышникову нелегко». В те времена это было и довольно опасно, и означало полный разрыв с прежней жизнью. У Миши было много друзей не только в театральной, но и в научной среде. Его гражданская жена Татьяна Кольцова была танцовщицей Театра имени Кирова. Первые годы на Западе Миша тяжело переживал потерю близких людей, послужившую высокой платой за творческую свободу. О нем говорили тогда словами Булата Окуджавы: «Моцарт отечества не выбирает, просто играет всю жизнь напролет». Полностью влияние Барышникова на развитие мирового танцевального искусства сейчас трудно оценить. Когда в начале XX века С.П. Дягилев устраивал в Париже свои «Русские сезоны», вряд ли кто-нибудь понимал, как это повлияет на развитие мирового балета. Возможно, выступление труппы Барышникова WODP назовут в будущем «Американскими сезонами», а Барышников останется в истории мирового балета не только легендарным танцовщиком, но и феноменальным явлением, подобным Дягилеву.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 10 - Станиславский
Часть 11 - Русский актер Михаил Щепкин
Часть 12 - I международный конкурс артистов балета
Часть 13 - Вахтангов и вахтанговцы
Часть 14 - Народный артист республики Леонид Собинов
...
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Евгений Багратионович Вахтангов (1883-1922) - советский актёр, театральный режиссёр, основатель и руководитель (с 1913 года) Студенческой драматической (в дальнейшем «Мансуровской») студии, которая в 1921 году стала 3-й Студией МХТ, а с 1926 года — Театром им. Евгения Вахтангова.
Родился во Владикавказе, в зажиточной патриархальной семье табачного фабриканта армянина. В 1903 году поступил в Московский университет на естественный факультет (затем перешёл на юридический). С 1901 года участвовал в любительских драматических кружках в качестве актёра и постановщика. В 1909 году поступил в Москве в театральную школу, по окончании которой в 1911 году был принят в число сотрудников МХТ. Стал активным проводником идей и системы Станиславского. После революции развернулась его режиссёрская деятельность. Стремление Вахтангова к поискам «современных способов разрешить спектакль в форме, которая звучала бы театрально», нашло блестящее воплощение в его последней постановке — пронизанный духом светлого жизнеутверждения спектакль «Принцесса Турандот» Гоцци. Умер от рака желудка. Его гроб ученики и друзья несли на руках от Студии до Новодевичьего кладбища.
13 ноября 1921 года зрители, пришедшие в старинный арбатский особняк на спектакль «Чудо Святого Антония» Мориса Метерлинка в постановке Е. Б. Вахтангова, стали свидетелями рождения нового театра — Третьей Студии Московского Художественного театра, переименованной впоследствии, в 1926 году, в театр имени своего основателя и руководителя — Евгения Вахтангова. В театре сменялись режиссеры, удачные и не очень спектакли, наметились два основных направления развития театра — легкая праздничность, завещанная Вахтанговым, и серьёзный психологизм. В двадцатые и тридцатые годы завсегдатаями театра были члены правительства, руководящие работники ОГПУ, а потом НКВД. В их числе — Авель Енукидзе, Климент Ворошилов и сам Сталин. Государственная структура требовала постановок, прославляющих советскую власть, на сценах всех театров шла Лениниана — спектакли про вождя революции. В Вахтанговской студии «главным Лениным» стал актёр Борис Щукин. Рассказывали такую байку: Актёры-вахтанговцы были приглашены принять участие в Кремлевском праздничном концерте для Сталина и его свиты. За актёрами прислали машину. В неё и сели уже загримированные Рубен Симонов в образе Сталина и Борис Щукин в образе Ленина. На подступах к Кремлю превысившую скорость машину остановил милиционер. Каков же был его ужас, когда возле водителя он увидел Сталина (Р.Симонов)! Но за ним в автомобиле находился… Ленин (Б.Щукин)!
В 1939 году художественным руководителем театра был назначен Рубен Николаевич Симонов. В хрущевские годы «оттепели» театр возвращается к своему празднично-комедийному стилю. В 1963 году, к 100-летию со дня рождения К. С. Станиславского и 80-летию Е. Б. Вахтангова, Р. Н. Симонов возобновил «Принцессу Турандот» — в той же постановке, но с новыми актёрами. И соответственно, новыми современными шутками. После смерти Рубена Николаевича Симонова в 1968 году театр возгласил его сын Евгений Рубенович Симонов. Он пытался как мог хранить традиции театра и в то же время соответствовать государственному и партийному руководству, но в годы начала "перестройки" ему пришлось покинуть свой любимый театр, где он, по сути, вырос. В 1987 году театр возглавил один из ведущих актёров театра Михаил Ульянов и возглавлял до самой смерти в 2007 году.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 11 - Русский актер Михаил Щепкин
Часть 12 - I международный конкурс артистов балета
Часть 13 - Вахтангов и вахтанговцы
Часть 14 - Народный артист республики Леонид Собинов
Часть 15 - Театр им. Маяковского
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Леонид Витальевич Собинов (1872-1934) - русский оперный певец (лирический тенор).
Родился в семье торгового служащего ярославского мещанина. В 1890 году, после окончания гимназии с серебряной медалью, Собинов поступил на юридический факультет Московского университета, который окончил в 1894 году. После окончания обучения в университете стал работать помощником присяжного поверенного у известного адвоката Фёдора Никифоровича Плевако. С осени 1892 года начал занятия вокалом в Музыкально-драматическом училище, в котором учился до 1897 года. В 1897 году стал солистом Большого театра. Дважды был директором Большого театра — в 1917—1918 гг. и в 1921 г. Выступал в миланском театре «Ла Скала» (1904—1906), в Монте-Карло, Мадриде, в Лондоне, Берлине, Париже (1909). Много занимался благотворительностью. Покинул сцену в возрасте 60 лет в 1933 году. Возвращаясь из Италии, умер от сердечного приступа ночью во сне в гостинице в Риге.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 12 - I международный конкурс артистов балета
Часть 13 - Вахтангов и вахтанговцы
Часть 14 - Народный артист республики Леонид Собинов
Часть 15 - Театр им. Маяковского
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Московский академический театр им. Вл. Маяковского — драматический театр в Москве, основанный в 1922 году как Театр Революции; с 1943 года назывался Московским театром драмы, современное название появилось в 1954 году. В 1964 года театру было присвоено звание академического.
Здание театра, в то время известное как «театр Парадиз», было построено в 1886 году. Поначалу в помещении выступали европейские звезды, приезжавшие на гастроли; на этой сцене играли такие всемирно известные артисты, как Сара Бернар, Элеонора Дузе и другие знаменитости. На рубеже XIX—XX вв. театр даже назывался «Интернациональным». После революции выступления западных звёзд в стране прекратились. В 1920—1922 годах в здании размещался Театр революционной сатиры, но в 1922 году он был расформирован и часть его труппы, пополненная актёрами других московских театров, образовала Театр Революции под руководством Всеволода Мейерхольда. Это название закрепилось до 1943 года.
В 1941 году театр был эвакуирован в Ташкент; в его здании работали объединённые труппы Московского театра Ленсовета и Московского драматического театра. После возвращения Театра Революции в Москву в 1943 году эти труппы были объединены с ним под названием «Московский театр драмы». Тогда же художественным руководителем был назначен Николай Охлопков, возглавлявший театр по 1967 год. С 1967 по 2001 год, до самой смерти руководил театром Андрей Александрович Гончаров. Гончаров вдохнул в него новую жизнь. Событиями театральной жизни стали поставленные им в первые годы спектакли «Дети Ванюшина» по пьесе А. Найдёнова и «Трамвай „Желание“» Теннесси Уильямса (спектакль шёл на сцене театра 24 года и выдержал более 700 представлений. Одним из самых популярных московских спектаклей стал и «Разгром» приглашённого Гончаровым Марка Захарова. В те годы на сцене Театра им. Маяковского выступали Евгений Леонов, Армен Джигарханян, Владимир Самойлов, Татьяна Доронина, Наталья Гундарева. С января 2002 по март 2011 художественным руководителем театра был Сергей Николаевич Арцибашев.
Сегодняшние популярные артисты "Маяковки": Светлана Немоляева, Евгения Симонова, Игорь Костолевский, Михаил Филиппов, Даниил Спиваковский.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 13 - Вахтангов и вахтанговцы
Часть 14 - Народный артист республики Леонид Собинов
Часть 15 - Театр им. Маяковского
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Театр имени Моссовета был создан в 1923 году литератором и режиссёром С. И. Прокофьевым как Театр Московского городского совета профессиональных союзов. С 1925 по 1940 годы театром руководил известный актёр и режиссёр Е. О. Любимов-Ланской. В 1940 году театр возглавил Юрий Завадский. Он руководил театром в течение 37 лет. Именно в эти годы сформировался блистательный творческий коллектив театра им. Моссовета. На его сцене играли такие замечательные артисты как Фаина Раневская, Вера Марецкая, Любовь Орлова, Николай Мордвинов, Ростислав Плятт, Леонид Марков, Людмила Шапошникова, Борис Иванов, Георгий Жжёнов, Геннадий Бортников, Александр Костомолоцкий. В 1985 году главным режиссёром, а затем и художественным руководителем театра становится Павел Осипович Хомский, до этого возглавлявший театры в Риге, Ленинграде и Москве. Сохраняя традиции, театр ищет новые способы общения со зрителями. В середине 60-х гг. был создан «Театр в фойе» для показа экспериментальных постановок и спектаклей, в 1978 году появилась и «Малая сцена», а в 1990 году спектаклем Петра Фоменко «Калигула» открылась сцена «Под крышей».
Сегодня на сцене театра им.Моссовета играют известные актёры: Сергей Юрский, Анатолий Адоскин, Георгий Тараторкин, Ольга Остроумова, Ирина Карташева, Валентина Талызина, Александр Леньков, Нина Дробышева, Александр Пашутин, Татьяна Бестаева, Нелли Пшенная, Евгений Стеблов, Александр Домогаров, Ольга Кабо, Евгения Крюкова, Екатерина Гусева и другие.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 14 - Народный артист республики Леонид Собинов
Часть 15 - Театр им. Маяковского
Часть 16 - Театр им. Моссовета
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра

Мариинский театр (с 1935 по 1992 год — Ленинградский государственный академический театр оперы и балета имени С. М. Кирова) — один из известнейших и крупнейших в России и мире театров оперы и балета.
Театр ведёт свою историю от основанного в 1783 году по приказу императрицы Екатерины Великой Большого театра. В 1859 году сгорел расположенный напротив Большого театра Театр-цирк. На его месте архитектор Альберто Кавос построил новый театр, который был назван Мариинским в честь супруги Александра II императрицы Марии Александровны. Театру принадлежит выдающаяся роль в развитии русского оперного и балетного искусства. В 1836 театр впервые поставил оперу М. И. Глинки "Иван Сусанин", ознаменовавшую собой рождение русского классического оперного искусства. В 1842 была поставлена его вторая опера — "Руслан и Людмила". Были впервые поставлены оперы — "Псковитянка" Римского-Корсакова (1873), "Борис Годунов" Мусоргского (1874), "Пиковая дама" Чайковского (1890), "Князь Игорь" Бородина (1890) и др. Выдающимся достижением в балетном искусстве стали балеты П. И. Чайковского ("Спящая красавица", 1890; "Щелкунчик", 1892; "Лебединое озеро", 1895) и А. К. Глазунова ("Раймонда", 1898) в постановке М. Петипа и Л. И. Иванова.
В советское время на сцене театра появились советские оперы "Броненосец ''Потемкин''" Чишко (1937), "В бурю" Хренникова (1939) и балеты — "Красный мак" Глиэра (1929), "Бахчисарайский фонтан" Асафьева (1934), "Лауренсия" Крейна (1939), "Ромео и Джульетта" Прокофьева (1940) и др. В 40—50-е гг. театр широко ставил произведения советских композиторов, в том числе оперы — "Емельян Пугачев" Коваля (1942, Пермь), "Дуэнья" ("Обручение в монастыре") Прокофьева (1946), "Семья Тараса" Кабалевского (1950), "Декабристы" Шапорина (1953), "Мать" Хренникова (1957) и др. и балеты — "Гаянэ" (1942, Пермь) и "Спартак" (1956) Хачатуряна, "Медный всадник" Глиэра (1949), "Тропою грома" Караева (1958), "Берег надежды" Петрова (1959) и др. Среди лучших постановок 60 - 70-х гг. оперы — "Семен Котко" Прокофьева (1960), "Судьба человека" Дзержинского (1961), "Октябрь" Мурадели (1964), "Оптимистическая трагедия" (1966) и "Анна Снегина" (1967) Холминова, "Волшебная флейта" Моцарта (1966), "Тихий Дон" Дзержинского (1967), "Лючия ди Ламмермур" Доницетти (1969), "Абесалом и Этери" Палиашвили (1971), "Интервенция" Успенского (1972) и балеты "Легенда о любви" Меликова (1961), "Ленинградская симфония" на музыку 7-й симфонии Д. Д. Шостаковича (1961), "Золушка" Прокофьева (1964), "Горянка" Кажлаева (1968), "Гамлет" Червинского (1970), "Сотворение мира" Петрова (1971), "Зачарованный принц" Бриттена (1972) и др.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра
Часть 19 - Александринский театр
Часть 20 - Мариинский театр

Александринский театр (он же Российский государственный академический театр драмы им. А. С. Пушкина) — Санкт-Петербургский театр, один из старейших драматических театров России.
Первый постоянный публичный театр в России был основан по указу императрицы Елизаветы Петровны в 1756 году. Труппу возглавил «отец русского театра» Фёдор Волков, директором театра стал драматург А. П. Сумароков. С 1759 года театр получил статус придворного.
В 1832 году театр получил здание, созданное зодчим Карлом Ивановичем Росси, обращенное главным фасадом к Невскому проспекту. Здание является одним из выдающихся архитектурных памятников Петербурга, выполнено в стиле ампир. Театр стал называться Александринским. Название было дано в честь супруги императора Николая Первого Александры Фёдоровны. На протяжении всего XIX века театр был флагманом театральной жизни столицы, в стенах этого театра рождалась история русской театральной культуры. В театре были впервые поставлены «Недоросль» Д. И. Фонвизина (1782), «Моцарт и Сальери» А. С. Пушкина (1831), «Горе от ума» Грибоедова (1831), «Ревизор» Гоголя (1836), «Маскарад» М. Ю. Лермонтова (1852), «Гроза» Островского (1859). На его сцене выступала великая трагическая актриса Е. С. Семенова, которой восхищался Пушкин.
C 1920 года стал именоваться «Государственный театр драмы», затем ему было присвоено имя А. С. Пушкина.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 17 - Фёдор Шаляпин
Часть 18 - Международный институт театра и Всемирный день театра
Часть 19 - Александринский театр
Часть 20 - Мариинский театр

Галина Сергеевна Уланова (1910-1998) — балерина, балетный педагог. Народная артистка СССР (1951). Дважды Герой Социалистического Труда (1974, 1980). Лауреат Ленинской (1957) и четырёх Сталинских (1941, 1946, 1947, 1950) премий. Является самой титулованной и более всех награждённой среди всех народных артистов СССР.
Родилась в семье артистов балета Мариинского театра. В 9 лет была принята в Петроградское хореографическое училище, где основными её педагогами стали её мать — Мария Романова (у неё дочь училась первые шесть лет), а затем Агриппина Ваганова.
В 1928 году Уланова окончила Ленинградское хореографическое училище. После выпускного спектакля 16 мая 1928 Уланова была принята в труппу ленинградского Театра оперы и балета (позднее Ленинградский государственный театр оперы и балета им С.М.Кирова, с 1992 года и ныне — Мариинский театр). Первые выступления Галины Улановой на сцене театра сразу же привлекли к ней внимание критиков. Здесь же в 1929 году в возрасте 19 лет Уланова станцевала свою первую ведущую партию — Одетту-Одиллию в «Лебедином озере».
В Кировском театре Уланова проработала до 1944 года. Самым большим успехом Улановой стало создание неповторимого образа Джульетты в балете Прокофьева «Ромео и Джульетта» (1940, балетмейстер Лавровский). По поводу перехода в Большой театр Уланова сказала: «В Москву я никогда бы не переехала, да так власти распорядились, чуть ли не решение ЦК по этому поводу приняли».
В 1944—1960 годах Уланова была ведущей балериной Большого театра, где также блистала в «Лебедином озере», «Ромео и Джульетте» (1947), «Бахчисарайском фонтане» (1944) и др. Вершиной трагедийного танца Улановой стала роль Жизели (особенно в сцене сумасшествия).
Первые гастроли Большого театра в 1956 году в Лондоне, где Уланова танцевала Жизель и Джульетту и имела триумфальный успех, равного которому, по свидетельству зарубежных авторитетов, они не видели со времён Анны Павловой.
В 1960 году, в последний раз станцевав «Шопениану», она закончила карьеру балерины. Свою сценическую деятельность балерина официально прекратила в 1962 году. С 1960 года и до конца своей жизни Уланова работала в Большом театре балетмейстером-репетитором. Среди её учеников с 1960 по 1997 годы — целая плеяда звезд.
Уланова трижды была замужем, и все трое её избранников — люди искусства: режиссёр Юрий Завадский, актёр и режиссёр Иван Берсенев, художник Вадим Рындин.
Была строга к себе. Ранним утром — целый час своя зарядка, в которую были включены и балетные па. И на склоне лет её вес оставался тем же, что в артистические годы — 49 кг. Она всегда была элегантна, отличалась легкой изящной походкой. Детей у неё не было. По свидетельству Анатолия Стреляного последние свои годы прожила в фактическом браке с журналисткой «Комсомольской правды» Татьяной Агафоновой.

Серия сообщений "Театр":

Часть 1 - МХАТ
Часть 2 - Малый театр
...
Часть 39 - Владимир Немирович-Данченко - театральный режиссёр, педагог, драматург, писатель, один из основателей Московского Художественного театра
Часть 40 - Театральный режиссёр Валентин Плучек
Часть 41 - Балерина XX века Галина Уланова

Мария Владимировна Миронова (1911-1997) — советская и российская актриса. Народная артистка СССР (1991).
Родилась в Москве в семье школьной учительницы и служащего. Окончила театральный техникум имени Луначарского в 1927 году. В период с 1927 по 1931 год — актриса Московского театра оперетты, МХАТа, затем Московского мюзик-холла. С февраля 1928 года выступала на эстраде. В 1928 году у Марии умерли родители, после чего она сама тяжело заболела и долгое время не работала, а после выздоровления поступила в Центральный театр транспорта, переименованный впоследствии в Театр имени Гоголя. В 1938—1947 годах работала в Московском театре миниатюр. В кино Мария Миронова дебютировала в 1938 году, в фильме Г. В. Александрова «Волга-Волга».
Актриса яркого дарования, Мария Миронова создала ряд комедийных и остро сатирических образов. Мария Миронова исполняла монологи, которые писали для неё Аркадий Арканов, Григорий Горин, Семён Альтов, Александр Володарский, Марьян Беленький и др.
Долгие годы работала в дуэте со своим мужем, эстрадным актёром А. С. Менакером в созданном ими Театре двух актёров в 1952 году, в 1984 году выпустила в соавторстве с ним книгу «…В своём репертуаре». Вместе на эстраде Мария Миронова и Александр Менакер проработали более 30 лет, и все это время удивительно дополняли друг друга. Как правило, Менакер появлялся в образе слабохарактерного мужа, а Миронова играла деспотичную и невежественную жену. Сценки были короткими, длились не более пяти минут, но актеры ярко раскрывали свои образы.
Была дважды замужем. Сын — народный артист РСФСР Андрей Александрович Миронов, (1941—1987). Внучка — заслуженная артистка России Мария Андреевна Миронова (род. 1973 г.) Правнук — Андрей Удалов-Миронов (род. 1992 г.) — студент Щукинского училища.

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 12 - Янина Жеймо - Золушка советского кино
Часть 13 - Актёр театра и кино Бруно Фрейндлих
Часть 14 - Актриса Мария Владимировна Миронова

Евгений Валерианович Самойлов (1912-2006) — советский и российский актёр театра и кино. Народный артист СССР (1974).
Родился в Санкт-Петербурге в семье рабочего Путиловского завода. Родители погибли в блокадном Ленинграде.
Окончил Ленинградский художественный политехникум в 1930 году. Тогда же поступил в труппу Ленинградского Театра актёрского мастерства.
Был приглашён в Москву в труппу Театра Мейерхольда его руководителем (1934—1938 годы), в 1938—1939 годах — актёр Киевской киностудии, в 1939—1940 годах — в Московском театре комедии, в 1940—1967 годах — в театре Революции (ныне — Московский театр имени Вл. Маяковского), с 1968 года в труппе Малого театра. Во время войны — актёр Тбилисской (1941—1942) и Ереванской (1942—1943) киностудий.
В кино с 1936 года. Сталинская премия (1941) — за исполнение заглавной роли в фильме «Щорс» (1939), Сталинская премия (1946) — за исполнение роли Василия Ивановича Кудряшова в фильме «В шесть часов вечера после войны» (1944), Сталинская премия (1947) — за исполнение роли Олега Васильевича Кошевого в спектакле «Молодая гвардия» А. А. Фадеевва.
В начале 1945 года на экраны вышла комедия «Сердца четырёх» режиссера К.К. Юдина, снятая ещё до войны, в 1941 году. Герой Самойлова – лейтенант Колчин, мужественный, серьёзный и ослепительно красивый, воспринимался зрителями военного времени как победитель.
Личная жизнь Е.В. Самойлова сложилось на редкость счастливо. Жена — Зинаида Ильинична Левина (1914—1994), инженер. Их дети, воспитанные в почитании искусства, унаследовали профессию отца. Татьяна Самойлова – народная артистка России, известная киноактриса. Алексей Самойлов посвятил себя театру: работал в театре «Современник», с 1977 года – артист Малого театра. После смерти жены сын был самым близким другом и помощником в житейских делах.

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 14 - Актриса Мария Владимировна Миронова
Часть 15 - Актёр Всеволод Санаев
Часть 16 - Актёр театра и кино Евгений Самойлов

Всеволод Васильевич Санаев (1912-1996) — советский актёр. Народный артист СССР (1969).
Родился в Туле. В 1926-1930 годах работал сборщиком гармоней на Тульской гармонной фабрике. В 1930-1931 годах — артист вспомогательного состава Тульского театра при Патронном заводе, в 1931-1932 годах — актёр Тульского театра драмы имени Горького.
После окончания ГИТИСа в 1937 году Санаев стал работать во МХАТе. Однако работы в театре было немного, да и корифеи театра неохотно делились ролями. С кино же дело обстояло лучше. В кино актёр дебютировал в 1938 году, в фильме «Волга-Волга», сыграв две маленькие роли: бородатого лесоруба и безбородого музыканта, а первая крупная работа состоялась в картине «Любимая девушка» (1940) — роль рабочего Добрякова.
С 1943 года — артист академического театра имени Моссовета. С 1946 года по 1994 год — актёр Театра-студии киноактёра. В 1952-1956 годах играл во МХАТе.
В 1966-1986 гг. — секретарь Союза кинематографистов СССР.
Среди заметных ролей Всеволода Санаева — директор МТС Кантауров в «Возвращении Василия Бортникова» (1952), Донцов в «Первом эшелоне» (1955), старшина Козлов в «Пять дней, пять ночей» (1960), Сиплый в «Оптимистической трагедии» (1962), полковник Лукин в киноэпопее «Освобождение» (1968).
Интересны его актёрские работы в фильмах, поставленных Василием Шукшиным, — Ермолай Воеводин в «Вашем сыне и брате» (1965), Матвей Рязанцев в «Странных людях» (1969) и Степан Фёдорович в «Печках-лавочках» (1972). Всесоюзную известность принесла Санаеву роль полковника Зорина в детективной трилогии о милиции — Возвращение «Святого Луки» (1970), «Чёрный принц» (1973) и «Версия полковника Зорина» (1978).
Из последних киноработ Всеволода Санаева стоит отметить блистательный дуэт с Б.К. Новиковым в мелодраме «Белые росы» (1983) и роль начальника в министерстве из картины Э. А. Рязанова «Забытая мелодия для флейты» (1988). Убеждённый коммунист, долго избирался секретарём парткома «Мосфильма». В последние годы актёр сетовал, что ему так и не дали попеть в кино и сыграть комедийную роль. Когда Всеволода Санаева спрашивали, кем бы он стал, если бы не был актёром, он отвечал: «Я был бы замечательным гармонных дел мастером».
Жена Лидия Антоновна Санаева (1910—1995). Дочь Елена Санаева — актриса, вдова актёра и кинорежиссёра Р. А. Быкова. Внук Павел Санаев — российский актёр, сценарист и режиссёр. Отношения в семье В.В. Санаева описаны его внуком Павлом Санаевым, по воспоминаниям о бабушке, у которой он прожил несколько лет, в то время как его мать начинала свои отношения с Роланом Быковым, в повести «Похороните меня за плинтусом», по которой в 2009 году был снят одноимённый фильм. Алексей Петренко сыгравший в фильме Семёна Михайловича, дедушку Саши (прототип — Всеволод Санаев), представил далеко несимпатичный образ.

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 13 - Актёр театра и кино Бруно Фрейндлих
Часть 14 - Актриса Мария Владимировна Миронова
Часть 15 - Актёр Всеволод Санаев
Часть 16 - Актёр театра и кино Евгений Самойлов

Сергей Николаевич Филиппов (1912-1990) — легендарный актёр и ярчайший комический артист эксцентрической направленности, работавший главным образом в амплуа злодеев. Народный артист РСФСР (1974).
Родился в Саратове в простой рабочей семье. В школе Сергей Филиппов учился неважно, а в старших классах даже прослыл хулиганом. Один из его любимых предметов (таких было всего два — литература и химия) и подвёл его: как-то в отсутствие учителя он смешал соляную кислоту с железными опилками, добавил пару реактивов. После такого эксперимента по всей школе распространился ужасно резкий запах. Занятия были сорваны, а Филиппова исключили из школы.
После исключения из школы устроился учеником пекаря в частной пекарне. Но эта работа его интересовала мало, и в течение последующих месяцев он перепробовал несколько профессий, от токаря до плотника, пока случай не привёл его в балетную студию. Занятия настолько увлекли Сергея, что через несколько недель он считался лучшим учеником и перед ним открывалось блестящее будущее в балете. В 1929 году по совету преподавателей Филиппов отправился в Москву, поступать в балетное училище при Большом театре.
Приехав в столицу, он узнал, что приёмные экзамены уже закончились, и по совету знающих людей отправился в Ленинград, в хореографическое училище. Но и на эти экзамены он опоздал и подал документы в только что открывшийся эстрадно-цирковой техникум, куда и был принят. Преподаватели прочили одарённому студенту блестящее будущее и, после окончания техникума, в 1933 году Сергей Филиппов был принят в труппу Театра оперы и балета.
Карьера балетного танцора оказалась слишком короткой — во время очередного спектакля Филиппову стало плохо. Приехавшие врачи констатировали сердечный приступ и посоветовали уйти из балета. Филиппов поступил в эстрадный театр-студию. Он много выступал на эстрадных площадках Ленинграда и во время одного из концертов его заметил Николай Павлович Акимов, предложивший молодому актёру перейти в Театр комедии.
В 1935—1965 годах — актёр Ленинградского Театра Комедии, с 1965 года — киностудии «Ленфильм».
Огромную популярность принесли ему кинороли в фильмах «Укротительница тигров», «Карнавальная ночь», «12 стульев», «Иван Васильевич меняет профессию».
Высокого роста, худой и подвижный, с длинными руками и ногами, Филиппов очень хорошо двигался и танцевал. От природы Филиппов был наделён грубым и очень выразительным лицом с угрюмым и зловещим выражением. Это сочеталось с блестящей актёрской интуицией, подвижностью, богатейшей мимикой и врождённым юмором, правда весьма грубым и во многих случаях неприличным. В театре Филиппов не любил долгих репетиций, часто пропускал их, однако руководитель театра Н. П. Акимов часто прощал ему такое поведение, зная, что Филиппов способен идеально создать требуемый образ буквально с первого раза. Будучи очень наблюдательным от природы, Филиппов подмечал в людях разнообразные недостатки и воспроизводил их в своих героях очень зло, резко и метко. Филиппов воплощал людей неотёсанных, недалёких, хамоватых, наделённых многими недостатками, хитрых, изворотливых и часто надменных, играл лодырей, пьяниц, злобных неудачников. Однако несмотря на резко карикатурный стиль игры, Филиппов был удивительно органичен как артист в любом образе.
Филиппов был мастером как больших и сложных ролей, так и эпизодов. Даже в небольших эпизодах он создавал незабываемых гротескных персонажей, без которых немыслимы, например, такие фильмы, как «Иван Васильевич меняет профессию» (Л. И. Гайдай, шведский посол), «Собачье сердце» (В. В. Бортко, богатый старик-клиент проф. Преображенского), «Карнавальная ночь», «Девушка без адреса» (Э. А. Рязанов, лектор и начальник), «Музыкальная история» (Г. М. Рапопорт, начальник клуба) и т. д.
Филиппов в 40-е — 60-е годы был очень популярен. Популярность была специфического свойства — его часто отождествляли с его глупыми и малоприятными героями, легко узнавали на улицах и в ресторанах и бурно приветствовали. Он это воспринимал как издевательство, и будучи человеком самолюбивым и нелюдимым, быстро возненавидел свою популярность и своих поклонников.
В 1965 году у него была обнаружена опухоль головного мозга. Последние годы своей жизни Филиппов провёл в бедности и одиночестве, он буквально голодал.

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 15 - Актёр Всеволод Санаев
Часть 16 - Актёр театра и кино Евгений Самойлов
Часть 17 - Актёр театра и кино Сергей Филиппов

Ефим Захарович Копелян (1912-1975) — советский актёр театра и кино, один из ведущих актёров Большого драматического театра в Ленинграде. Народный артист СССР (1973).
Родился в Речице Гомельской области в еврейской семье лесозаготовителя и бракёра по сортировке пород деревьев.
После окончания школы в 1929 году приехал в Ленинград и некоторое время работал токарем на заводе «Красный Путиловец», а затем поступил в Академию художеств на архитектурный факультет, где ранее обучались его два брата. Ради заработка участвовал в массовках в спектаклях Большого драматического театра и в конце концов поступил в студию при театре, где его наставником был Константин Тверской (в то время главный режиссёр БДТ). По окончании студии (в 1935 году) был принят в труппу театра, в котором работал до конца жизни. С приходом в 1956 году Г. А. Товстоногова на пост главного режиссёра стал одним из ведущих актёров БДТ.
В мае 1941 года он женился на актрисе БДТ Людмиле Макаровой (1921—2014), впоследствии народной артистке СССР (1977).
В годы Великой Отечественной войны Ефим Копелян был актёром фронтового Театра народного ополчения (1941—1943). В конце сентября 1941 года Театр народного ополчения был переименован в Ленинградский фронтовой агитвзвод, который находился в Доме Красной Армии на Литейном проспекте.
Одновременно много снимался в кино, исполнил множество ярких характерных ролей в фильмах. Одна из наиболее известных работ — авторский текст в телесериале «Семнадцать мгновений весны». Можно с полной уверенностью сказать, что успех Штирлица Вячеслав Тихонов в равной мере разделил с Копеляном. За работу в фильме «Семнадцать мгновений весны» Копеляна иногда называли «Ефимом Закадровичем». Также Копелян принимал участие в дубляже иностранных фильмов на киностудии «Ленфильм».
Одной из первых заметных работ в кино для Копеляна стала роль в приключенческом фильме Кеосаяна «Неуловимые мстители», вышедшем на экраны СССР в 1966 году. Первоначально режиссер предполагал отдать Копеляну роль Сидора Лютого, но после проб артист стал батькой Бурнашем, который очень понравился зрителям, несмотря на то, что был отрицательным героем. Людмила Макарова рассказывала, что после выхода «Неуловимых» дети часто дразнили Ефима Захаровича Бурнашом, и бросались в него снежками. Образ удался, и в результате Копелян снимался во всех трех фильмах трилогии.
Среди самых заметных работ Копеляна 1960-х и 1970-х годов была роль генерала Сергеева в приключенческих лентах «Ошибка резидента» и «Судьба резидента». Так же Копелян сыграл Свидригайлова в картине «Преступление и наказание», Бобруйского-Думбадзе в фильме «Опасные гастроли», доктора Дорна в чеховской «Чайке», казачьего атамана Елисея Каргин в фильме «Даурия», Кафтанова в телесериале «Вечный зов» и Бурцева в «Повести о человеческом сердце». Одной из его лучших ролей в кино того времени стала роль Саввы Морозова в картине «Николай Бауман».
В начале 1975 года Ефим Копелян лёг в больницу. Людмила Макарова вспоминала: 6 марта я навестила его в больнице. Вечером, спустя три часа после нашего расставания, возвращаюсь домой. А у подъезда - почти вся труппа и врач наш из БДТ. Говорит осторожно: с Фимой хуже стало. Тут я глянула на Стржельчика. Он стоял молча, весь какой-то... И я всё поняла... Фима умер от второго инфаркта... Ему было 62 года... Это случилось перед праздниками, врачи ушли домой, он оказался почти без присмотра. Мне потом многие советовали подать на них в суд. Какой в этом смысл? Зачем? Человека нет, что я буду разбираться, доставлять ещё кому-то неприятности?..

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 16 - Актёр театра и кино Евгений Самойлов
Часть 17 - Актёр театра и кино Сергей Филиппов
Часть 18 - Актёр театра и кино Ефим Копелян

Николай Олимпиевич Гриценко (1912-1979) — советский актёр театра и кино. Народный артист СССР (1964). Лауреат Сталинской премии (1952).
Родился на станции Ясиноватая в Донецкой области. В школьные годы не отличался способностями и прилежанием к учёбе. При этом будущий актёр так виртуозно сочинял всевозможные небылицы, так неподражаемо и уморительно их рассказывал, что смеялись даже педагоги и прощали ученику нерадивость и шалости. Ясиноватские друзья вспоминали, что когда с ними был Гриценко – они часто хохотали до слёз. Николай обладал уникальным талантом перевоплощения, и у него очень рано проявились задатки великого дарования, которому суждено было расцвести спустя годы на столичных подмостках.
В 1934 году окончил музыкально-драматический рабфак в Макеевке, где работал конструктором на металлургическом заводе. В 1934—1935 годах учился в Киевском драматическом техникуме при Музыкально-драматическом институте им. Н. В. Лысенко, в 1935—1936 — в училище при МХТ-II, в 1936—1937 — в театральной школе при ЦТКА. В 1940 году окончил училище при МАДТ имени Е. Б. Вахтангова (ныне — Театральный институт имени Бориса Щукина). Сразу после окончания училища Гриценко приняли в труппу Вахтанговского театра, в котором он прослужил до конца жизни.
23-го июня 1941 года в здание театра Вахтангова попала бомба. Среди погибших оказался один из лучших актеров театра — Василий Куза, бывший в ту ночь на дежурстве. Здание театра на Арбате оказалось сильно разрушено. Театр решено было эвакуировать в Омск, но Николай Гриценко не уехал в Омск вместе с остальной труппой, а отправился в Архангельск, где поступил на командирские курсы. Семья Гриценко осталась в Москве, а сам Николай Олимпиевич так и не попал на фронт. Несколько месяцев проучившись на курсах в Архангельске, он получил первое приглашение в кино. Свою первую роль Николай Гриценко сыграл в 1942 году в мелодраме Юлия Райзмана "Машенька". Не менее блестяще Гриценко исполнил роль Артамашева в фильме "Кавалер Золотой звезды", в котором судьба вновь свела его с режиссёром Юлием Райзманом. Пустоту сюжета компенсировал поистине звёздный ансамбль: оператор Сергей Урусевский, композитор Тихон Хренников, актёры Сергей Бондарчук, Анатолий Чемодуров, Борис Чирков, Иван Переверзев, Тамара Носова… Южный колорит, столь живо представленный в фильме, был родным для Николая Олимпиевича, и образ, созданный им, получился необычайно живым и ярким. Позже эта роль принесла ему Сталинскую премию.
Женой Гриценко была начинающая актриса Ирина Бунина, известная зрителям по роли любовницы Кафтанова Лушки в телесериале "Вечный зов". "У него была чудная супруга первая, она вела его по жизни за руку. Она следила за тем, как он одевался, как он репетировал, работал…", - рассказывал Михаил Ульянов о первой жене Николай Олипиевича. Тем не менее, жена оставила Гриценко и уехала в Ригу. Актёр очень переживал это, был растерян и подавлен.
В 1950-е годы Николай Олимпиевич создал в театре и кино целую галерею проходимцев. В фильме "Судьба Марины" актёр сыграл карьериста, который, оставив родной колхоз и семью, уезжает в город и пытается там продвинуться по служебной лестнице, соблазнив юную дочь крупного начальника. Картина снималась на Украине, идеологически выверенный сюжет, по традиции, украшали известные актёры. Свою первую роль в этом фильме сыграл Леонид Быков. Ещё более отталкивающего персонажа - заведующего клубом, по-хлестаковски рассказывающего о своих знакомствах с великими писателями и бросающего соблазнённую им молодую девушку, узнав о её беременности - сыграл Гриценко в фильме Иосифа Хейфица "Большая семья".
В 1954-м году на экраны вышла экранизация рассказа Чехова "Шведская спичка", снятая К.Юдиным по сценарию Н.Эрдмана. В этом фильме Гриценко играл рядом с великими мхатовцами М.Яншиным, А.Грибовым, А.Тарасовой.
Сложнейшая роль в театре совпала с ключевой ролью, сыгранной Гриценко в кино. Ровно за год до постановки "Идиота" режиссёр Григорий Рошаль приступил к съёмкам экранизации романа Алексея Толстого "Хождение по мукам". Работа над лентой продолжалась три года. Николай Олимпиевич играл в картине главную роль – белого офицера Рощина. Как и во всякой своей работе, Гриценко в этой роли выкладывался полностью, не экономя ни сил, ни нервной энергии. В театре он играл блаженного князя Мышкина и ещё несколько совершенно противоположных ролей, а на съёмочной площадке создавал образ аристократа, офицера до мозга костей, человека чести, глубоко переживающего крушение своей страны, как собственной жизни, которому не квартиры в Петербурге, не карьеры жалко, а большого человека, которого он потерял в себе вместе с родиной, позор которой для него всего невыносимее.
В 1959-м году Гриценко познакомился с Галиной Кмит. В то время Гриценко расстался со своей женой Ириной Малиновской, от брака с которой родилась дочь Екатерина. Девочка была ещё очень мала, и отец продолжал видеться с ней, несмотря на развод с женой. Галина в то время состояла в браке с актёром Леонидом Кмитом, известным по роли Петьки в "Чапаеве". У неё рос сын, отцом которого являлся известный детский писатель Лагин, автор "Старика Хоттабыча". Кмит не хотел давать жене развод. Между тем Галина забеременела. Признать ребёнка Николай Олимпиевич отчего-то отказался. Галина Кмит приписывает это нежеланию платить алименты. Возможно, актёр просто сомневался в своём отцовстве. В итоге, расставание вышло скандальным. Сына Галины Кмит, Дениса, втайне от неё усыновил Леонид Кмит, который затем и вырастил его, как родного. Гриценко судьбой мальчика не интересовался и даже не был знаком с ним.
Рубеж 1950-х и 1960-х годов стал периодом наибольшей славы Николая Гриценко. Активно снимался в кино. Одна за другой выходили на экран ленты "Барьер неизвестности", "Вольный ветер", "Понедельник – день тяжёлый", "Мать и мачеха", "Человек без паспорта", "Два года над пропастью", "Журавушка", "Адъютант его превосходительства"…
В 1967 году режиссёр Александр Зархи завершил съёмки экранизации романа Льва Толстого "Анна Каренина". Выбор актёров на главные роли длился долго. Первоначально любовный треугольник выглядел так: Николай Черкасов – Элина Быстрицкая – Олег Стриженов. Быстрицкая отказалась от роли Анны, так как она, по мнению актрисы, слишком перекликалась с Катериной из "Грозы", которую она только-только сыграла в Малом театре. Николай Черкасов умер незадолго до начала съёмок. Вместо него на роль Каренина был приглашён Иннокентий Смоктуновский, но и он буквально в последнюю минуту вынужден был отказаться от роли из-за болезни. Спасать положение пригласили Николая Гриценко. Коллеги вспоминали, что на съёмках "Анны Карениной" актёр, погружённый в образ, ходил по площадке угрюмый и замкнутый. Настолько, что Лидия Сухаревская спросила его: "Николай Олимпиевич, вы и в жизни вот такой нудный?" - "А вы думаете я прыгать должен, играя такого зануду? – последовал ответ".
Каренин – вторая после Рощина великая работа Гриценко в кино. А по глубине и значимости она стоит на первом месте. Именно по этой роли, в первую очередь, актёра знают и помнят зрители.
Свою последнюю роль в кино Николай Гриценко сыграл в 1978 году в фильме «Ссыльный 011».
В последние годы Гриценко катастрофически терял память. Ко всем бедам добавилось положение, в котором актёр оказался в собственном доме. Последняя жена, бывшая на много лет моложе Гриценко, обворовывала его и не желала слышать о разводе, на котором он настаивал. У Николая Олимпиевича учащались нервные припадки. От жены он запирался в своей комнате на ключ. Однажды она взломала дверь. Актёр был так потрясён этим, что с ним случился очередной припадок, и, воспользовавшись моментом, жена отправила его в психиатрическую лечебницу… Навестившая его там Юлия Борисова рассказывала, будто он не сразу узнал её, но быстро спохватился: "Юлечка, прости, пожалуйста!" Никто, по крупному счёту, не озаботился тем, чтобы помочь Гриценко, вызволить его из клиники. Гениальный актёр умирал всеми покинутый и забытый. После вспыхнувшей ссоры с соседями по палате сердце Николая Олимпиевича не выдержало. Он умер 9-го декабря 1979-го года. Его последними словами было: "Я только теперь понял, как надо играть Мышкина..."

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 17 - Актёр театра и кино Сергей Филиппов
Часть 18 - Актёр театра и кино Ефим Копелян
Часть 19 - Актёр театра и кино Николай Гриценко

Георгий Павлович Менглет (1912-2001) — советский и российский актёр театра и кино. Народный артист СССР (1974).
Родился в Воронеже, где прошли его детство и ранняя юность. Театральное образование получил в ЦЕТЕТИСе (1930—1933, ныне — ГИТИС) и в театре-студии под руководством Алексея Дикого (1933—1935). В 1932 году параллельно с учёбой он начал работать в Государственном историко-революционном театре.
В начале 1936 года студия Алексея Дикого была закрыта; летом того же года он был назначен художественным руководителем Ленинградского Большого драматического театра. Большинство бывших студийцев режиссёр взял с собой, в их числе оказался и Менглет. После ареста А. Д. Дикого в августе 1937 года Менглет решил создать новый театр — из студийцев-диковцев. Театр, по его замыслу, негласно должен был стать «театром Дикого», а гласно — русским драматическим театром в какой-нибудь отдалённой от Москвы республике, где постоянно действующего русского театра ещё не было. В Комитете по делам искусств им предложили Таджикскую ССР. В 1937 году Менглет покинул БДТ и с группой единомышленников отправился в столицу Таджикистана Сталинабад (с 1961 — Душанбе), где они основали Русский драматический театр, в 1940 году получивший имя В. Маяковского. На сцене этого театра Менглет сыграл более 20 ролей. В 1939 году ему было присвоено звание Заслуженного артиста Таджикской ССР.
В 1943 году Менглет создал и стал художественным руководителем Первого фронтового театра Таджикской ССР, который, исколесив множество фронтовых дорог с концертной программой «Салом, друзья!», закончил свой путь в 1944 году в Румынии.
Несколько месяцев работал в МАДТ имени Е. Б. Вахтангова, но уже с ноября 1945 года служил в МАТС.
Период работы в Театре сатиры стал самым плодотворным в творческой биографии Г. П. Менглета. Именно здесь по-настоящему раскрылся его артистический талант. Особенности его работы над образом – это тонкий психологический анализ характера персонажа. Без грубых мазков, нажима и гипербол артист-сатирик мягким, тихим посмеиванием, изящными штрихами язвительно-колкого «пера» очерчивал «объект», чтобы потом, как шпагой, пронзить порок, – так писала критика.
Георгий Павлович не любил сниматься в кино. Он считал, что актер рожден театром и для театра. Тем не менее он был популярен в народе за свои роли в кино: 1942 — Швейк готовится к бою, 1943 — Лермонтов — князь А. И. Васильчиков, 1959 — Обнажённая со скрипкой — Себастьян, 1963 — Короткие истории, 1973 — Безумный день, или Женитьба Фигаро, 1974 — Проснись и пой — Пишта Орбок, 1975 — Следствие ведут ЗнаТоКи. Ответный удар — начальник свалки Евгений Евгеньевич Воронцов, 1982 — Ревизор — Артемий Филиппович Земляника, 1985 — Победа — Черчилль.
Жена (первая) - Валентина Королёва, актриса МАТС. Жена (вторая) — Нина Николаевна Архипова (род. 1921), народная артистка России, актриса МАТС. Дочь (от первой жены) — Майя Георгиевна Менглет (род. 1935), актриса театра и кино, звезда фильма «Дело было в Пенькове», ныне живёт в Австралии.

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 18 - Актёр театра и кино Ефим Копелян
Часть 19 - Актёр театра и кино Николай Гриценко
Часть 20 - Актёр театра и кино Георгий Менглет

Иван Петрович Рыжов (1913-2004) — советский и российский актёр театра и кино. Народный артист РСФСР (1980).
Родился в деревне Зелёная Слобода Московской губернии. Трудное детство, тяжёлая работа — начал паренёк свою трудовую жизнь колхозным бригадиром. В тайне же крестьянский сын всегда думал о сцене, мечтал о ролях, мысленно представлял себя тем или иным героем. Как только появилась возможность, Иван поехал поступать в Москву на «артиста». В 1935 году окончил училище при Московском театре Революции и стал актёром этого театра. В 1940 году стал актёром киностудии «Союздетфильм», с 1945 года — актёр Театра-студии киноактёра.
Снимался в кино с 1939 года. Прославился ролями простых русских мужиков, часто эпизодических, но колоритных.
В молодости образ у него был какой-то невнятный. Может быть, потому его немногочисленные ранние работы впоследствии были забыты зрителями. Так продолжалось достаточно долго, пока Иван Рыжов не перешагнул сорокалетний рубеж и не начал приближаться к «образу деда». Вот тут то режиссёры вдруг «увидели» актёра.
Возрастные роли в кино Иван Рыжов начал играть во второй половине 1950-х годов. Колхозник в мелодраме «Дело было в Пенькове», казак в «Тихом Доне», чуть позже: строгий Волков в мелодраме «Алёшкина любовь» и незадачливый вахтёр в комедии «Девичья весна». Дальше — больше. С годами интерес к актёру только возрастал.
Очень скоро окончательно определилось и его амплуа. Иван Петрович в основном появлялся на экране в эпизодах, играя простых людей, мудрых и добрых. От его героев исходило какое-то излучение доброжелательности, простоты и искренности, плюс всё это «приправлялось» долей живого народного юмора. Собственно говоря, Иван Петрович даже и не играл, он проживал своих героев, — ведь он и в жизни был таким же. На съёмках актёр практически не пользовался гримом, — его абсолютно «неактёрское» лицо не требовало каких-то корректировок. Герои Рыжова и без этого были очень близки народу.
Особенно органично Иван Петрович «вписывался» в картины Василия Шукшина: будь то заведующий базой в фильме «Живёт такой парень» или проводник в лирической комедии «Печки-лавочки». А как сочно им был сыгран Фёдор Байкалов, отец главной героини в «Калине красной»! Он вообще был «актёром Шукшина».
Каждый раз он создавал новый живой образ: справедливый отец Ипат в драме «Угрюм-река» (1969) и угрюмый Андрон Овчинников в телефильме «Тени исчезают в полдень» (1971-1974), царь Евстигней XIII в сказке «Иван да Марья» (1974) и старший мастер Сергей Степанович в комедии «Неисправимый лгун» (1973), домоуправ Пал Титыч в драме «Белый Бим Чёрное Ухо» (1977) и председатель колхоза в мелодраме «Вас ожидает гражданка Никанорова» (1978).
Одни из последних своих ролей (Шапкин в комедии «Жизнь и необычайные приключения солдата Ивана Чонкина» и Тимофеич в лирическом фильме «Орёл и решка») Рыжов сыграл, когда ему уже перевалило за 80... Его последней киноработой стала картина "Пионерка Мэри Пикфорд", снятая в 1995 году.
Иван Рыжов ушёл из жизни в московской больнице. По рассказам дочери это произошло по халатности медперсонала, отец упал и порезал руку. Ему вовремя не оказали помощь и он потерял много крови. Панихида проходила не в Доме кино, как бывало с другими известными актёрами, а в больнице имени Боткина, в которой его не стало. Там же, в маленьком храме при больнице прошло отпевание. Проститься с актёром пришли только родственники и несколько деятелей искусства. Но он ведь и сам был на редкость скромный человек.

Серия сообщений "Кино и театр-2":

Часть 1 - Московский международный кинофестиваль
Часть 2 - Великий кукольник Сергей Образцов
...
Часть 19 - Актёр театра и кино Николай Гриценко
Часть 20 - Актёр театра и кино Георгий Менглет
Часть 21 - Актёр театра и кино Иван Рыжов