Иран является одним из древнейших государств в мире (III тысячелетии до н. э.). Персидская империя при Дарии I простиралась от Греции до реки Инд.
Несмотря на то, что иранцы называют свою страну Ираном с древних времён, в остальном мире устаревшее именование «Персия» оставалось общепринятым до 1935 года.
В средние века Персия была сильным и влиятельным государством в XVII и XVIII веках, но под конец XIX века Персия превратилась в полуколониальное государство. В 1979 году после Исламской революции Иран провозглашён исламской республикой.
Население по данным 2006 года составляет 70.5 млн человек.
Первый советско-иранский договор о дружбе и взаимопомощи был подписан в Москве в 1921 году. Но в 30-е годы начинается сближение Ирана с фашистской Германией.
Тем не менее в 1935 году в Ленинграде организовывается III Международный конгресс по иранскому искусств и археологии, которому была посвящена серия из 4-х марок. На марках показана серебряная чаша с изображением охоты Сасанидского царя Шапура II на львов (IV в.).
В конгрессе приняли участие ученые 25 стран. Основной задачей III конгресса являлось основательное изучение отношения искусства Ирана к искусству сопредельных культур. Этой же задаче служила грандиозная, развернувшаяся в 80 залах Эрмитажа выставка, на которой представлено искусство Ирана и стран, бывших с ним в культурном общении на протяжении шести тысячелетий: от керамики и
бронзы доисторического периода до современной живописи и прикладного искусства Ирана.

Эрмитаж. Залы стран Ближнего и Среднего Востока III—XVIII веков. Серебро, миниатюры, керамика
и ковры Ирана; украшенные позолотой и эмалями стеклянные сосуды Сирии; оружие, ковры, бархат
и парча Турции, ткани и хрусталь Египта — все это предстает перед нами в праздничном богатстве
красок, орнаментов, форм, в бесконечном разнообразии художественных приемов, материалов
и предметов. Среди всех этих богатств выделяется коллекция сасанидского серебра (по имени
правившей Ираном в III—VII веках династии Сасанидов). Это — бытовавшие в среде феодалов
кувшины и чаши для вина, вазы для фруктов, подносы, украшенные чеканкой, гравировкой и
позолотой. Большинство сасанидских серебряных изделий найдено случайно в Приуралье и
Прикамье, куда они были завезены купцами в обмен на меха. В 1927 году в Кировской области
была найдена жемчужина эрмитажной коллекции — чаша с изображением царя Шапура II на охоте.
Уникальная коллекция сасанидского серебра в Эрмитаже насчитывает несколько десятков
предметов. В самом Иране их не более десяти, и только единичными экземплярами располагают
музеи других зарубежных стран.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
Часть 3 - Архитектор Баженов
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Стасов Василий Петрович (1769—1848) - русский архитектор, один из основоположников русского ампира. Академик Петербургской академии художеств. Отец известного искусствоведа В.В. Стасова.
Родился в Москве в семье небогатого дворянина-чиновника.
После смерти отца (1783), вынужден был идти работать для поддержки семьи и поступил на службу (в звании «архитектуры капрала») в Экспедицию архитектурных дел местной управы благочиния.
В 1794 году приехал в Петербург для прохождения воинской службы.
Представленный Александру I в качестве оформителя Сокольнического поля для коронационных торжеств (1801), по личному указу императора был направлен во Францию и Италию «для усовершенствования знаний».
С весны 1804 г. Стасов в Италии. В связи с началом военных действий между Францией и Россией командировка Стасова в Италию затянулась на четыре года.
Возвратившись на родину в 1808 году, получил ответственный пост при петербургском генерал-губернаторе и окончательно перебрался в новую столицу в 1812 году.
С максимальной полнотой его творческая манера раскрылась в зданиях, возведённых в Петербурге и его окрестностях: казармы Павловского полка, (1817–1820), главенствующие в ансамбле Марсова поля; комплекс Конюшенного ведомства (1817–1823); Ямской рынок (1819–1820); провиантские склады – в самой северной столице (1819–1821) и в Царском селе (ныне Пушкин; 1819–1822); царскосельские мемориальные ворота «Любезным моим сослуживцам» (чугун, 1817–1821), Манеж (1819–1821), Большая оранжерея (1820–1823) и Конюшенный корпус (1823); петербургские соборы Преображенский, 1827–1829, и Троицкий, 1828–1835) и триумфальные ворота – Нарвские (1833) и чугунные Московские (1834–1838).
В 1832–1835 годах под его началом был завершён ансамбль Смольного монастыря, который строил в 1748–1764 годах В.В. Растрелли.
Вместе с А.П. Брюлловым Стасов возглавил работы по восстановлению Зимнего дворца после пожара 1837 года, воссоздав важнейшие интерьеры, включая обе дворцовые церкви и Иорданскую лестницу, и надстроив Малый Эрмитаж.
Участие в конкурсе на проектирование храма Христа Спасителя — памятника героизму и мужеству русского народа, победившего в Отечественной войне 1812—1814 гг., не принесло Стасову успеха, несмотря на то что этой работой зодчий занимался с перерывами почти двадцать лет. Этот проект не был принят, и постройка памятника была отложена на некоторое время, пока на новом месте у
Кропоткинских ворот по проекту К. А. Тона не был наконец воздвигнут пятиглавый храм Христа Спасителя в псевдорусском стиле.
Стасов — последний представитель русской классической архитектуры, расцветшей во второй половине 18 и начале 19 вв.
Похоронен в Некрополе мастеров искусства в Александро-Невской лавре.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
Часть 3 - Архитектор Баженов
Часть 4 - Советское кино
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Василий Иванович Баженов (1737/38 – 1799), русский архитектор, теоретик архитектуры, художник, педагог, масон; представитель классицизма, член Российской академии.
Сын дьячка одной из придворных кремлевских церквей.
Обнаружил природный талант к искусству ещё в детстве. Страсть к рисованию обратила на Баженова внимание архитектора Ухтомского, принявшего его в свою школу. Из школы Ухтомского Баженов перешёл в Академию художеств.
В сентябре 1759 года Баженов был направлен для развития своего таланта в Париж, став первым пенсионером Академии художеств, отправленным за границу.
Баженов был одним из лучших практиков-строителей своего времени, отличаясь столько же искусством планировки, сколько и изяществом формы проектируемых зданий, что показал при самом возвращении своем в отечество. Являлся одним из проводников французского стиля в русской архитектуре, ярким памятником которого является Пашков дом (ныне старое здание Библиотеки СССР имени В.И.Ленина).
Получил звание академика, но без оплачиваемой должности и стал главным архитектором с чином капитана в Артиллерийском ведомстве. В этой должности Баженов построил в Москве дом Пашкова, а в окрестностях столицы — дворцовый комплекс в Царицыне и Петровский дворец совместно с Казаковым, - его помощником.
Неудачи его в служебной карьере и немилость Екатерины объясняется его сложным самолюбивым нравом, а так же сношениями с кружком Новикова, который поручил ему доложить наследнику цесаревичу о выборе его московскими масонами в верховные мастера.
В этих сношениях с цесаревичем Екатерина подозревала политические цели, и гнев её на Баженова обрушился раньше, чем на других.
Тем не менее в 1792 г. он был принят на службу по адмиралтейств-коллегии и перенёс свою деятельность в Петербург.
Документально только подтверждается его участие в разработке одного из проектов Михайловского замка.
По вступлении на престол Павел I назначил его вице-президентом Академии художеств.
Архитектору фатально не везло. Большинство его проектов были признаны гениальными, но оставались не осуществлёнными или недостроенными.
В конце жизни архитектор хотел издать единственную в своем роде историю национальной архитектуры. Работа эта началась под его “смотрением”. Пошли в Петер­бург пакеты и рулоны с кальками, рисунками, чертежами — бесценное богатство. Но времени не хватило. Жизни — не хватило. Не успел Василий Баженов завершить и это начинание, увеличив тем самым горький список своих фатальных неудач. На сей раз причина была и в самом деле неотвратимо-фатальная: в конце июля его сразил паралич. Он проболел всего пять дней.
Похоронили зодчего в Петербурге, у Смоленской, а потом перевезли в Глазово, в согласии с его завещанием "в простом виде". Все так и было сделано — “в простом виде”, без мрамора, без бронзы, лишь один деревянный крест. Со временем могила потерялась, и теперь никто уже не знает, где ле­жит великий сын России.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
Часть 3 - Архитектор Баженов
Часть 4 - Советское кино
Часть 5 - Музеи Москвы
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

"Кино-величайшее средство массовой агитации." Сталин
Так написано на первой советской марке выпуска 1950 года, посвящённой советскому кинематографу.
Эта фраза прозвучала в отчете на ХIII съезде РКП (б) в 1924 г., где Сталин указал на необходимость овладения и использования кино — величайшего средства массовой агитации. Благодаря этому лозунгу на экраны выходила сплошным потоком пропаганда.
"Из всех искусств для нас важнейшим является кино" - эта ещё более известная фраза принадлежит Ленину.
В последнее время в интеpнете получила pаспpостpанение веpсия, что эта фpаза Ленина в полном виде звучит так "Пока наpод негpамотен, из всех искусств для нас важнейшими являются кино и циpк". Исследователи говорят, что это фальсификация.
Ленин произнес близкую по смыслу фразу в беседе с Луначарским в феврале 1922 года. Об этой фразе известно только со слов Луначарского, который так пересказывал содержание беседы: "К этому Владимиp Ильич пpибавил: "По меpе того как вы станете на ноги благодаpя пpавильному хозяйству, а может быть, и получите пpи общем улучшении положения стpаны известную ссуду на это дело, вы должны будете pазвеpнуть пpоизводство шиpе, а в особенности пpодвинуть здоpовое кино в массы в гоpоде, а еще более - в деpевне ... Вы должны твеpдо помнить, что из всех искусств для нас важнейшим является кино".
Анекдоты продолжают эту фразу так: «Из всех искусств для нас важнейшим является кино, вино и домино».
С самого рождения кинематографа во многих странах зародилась идея об использовании его в качестве орудия пропаганды той или иной идеалогии и политики правящей партии.
История советского кино началась с 1919 года. В том году, 27 августа был подписан декрет о национализации кинематографа, с тех пор он отмечается как День отечественного кинематографа.
Правящий режим был полным хозяином советского кинематографа и держал его под полным контролем.
Кинематографическая пропаганда была поставлена на широкую ногу. Цензура просто не пропускала антисоветских фильмов, государство не выделяло на них средств.
Если киноискусство 20-х гг. видело свою главную цель в утверждении исторической необходимости победы над царизмом и контрреволюцией (историко-революционные фильмы), то в дальнейшем киноискусство поставило перед собой как главную задачу в формировании нового социалистического сознания. Решению этой задачи помогла техническая революция в кинематографии: "великий немой" обрёл голос и слово стало важнейшим средством характеристики его героев.
Советское кино всегда было очень самобытно. Отчасти это объясняется тем, что оно десятилетиями развивалось в изоляции от остального кинематографа. Лишь единичные советские фильмы «для массовой аудитории» имели успех за рубежом. Это прежде всего объясняется тем, что специфика советской жизни была непонятна и неинтересна западному зрителю, советские фильмы казались за
рубежом довольно примитивными. С другой стороны, в СССР доступ к иностранному кино был весьма ограничен по идеологическим причинам. Внутри же Советского Союза отечественное кино было невероятно популярно, кинотеатры часто бывали заполнены до отказа, киноиндустрия приносила государству значительный доход.

Фильмы на марках.

"Броненосец "Потёмкин" - немой художественный фильм, снятый режиссёром Сергеем Эйзенштейном на киностудии «Мосфильм» в 1925 году. Неоднократно в разные годы признавался лучшим или одним из лучших фильмов всех времён и народов.
Сценарий, по которому снимался фильм, основан на реальных событиях, произошедших в июне 1905 года, когда на броненосце «Потёмкин» команда подняла восстание и захватила корабль. Зачинщики бунта приговариваются к расстрелу, однако, во время исполнения казни остальные матросы бросаются им на выручку. Офицеров корабля выбрасывают за борт, но вдохновитель восстания матрос Вакуленчук гибнет в схватке. Население Одессы стекается на похороны Вакуленчука и поддерживает команду революционного корабля. Вызванные правительственные войска безжалостно расстреливают мирных жителей на знаменитой одесской лестнице.
В финале фильма на мачте броненосца гордо развевается поднятый восставшими красный флаг, В этом эпизоде каждый кадр чёрно-белой плёнки был раскрашен вручную самим режиссёром фильма. Заканчивается картина кадром, на котором броненосец будто бы «выплывает из фильма» в зал.
О событиях на броненосце "Потемкин" могли бы и забыть, если бы не одно обстоятельство. В 1925 году Правительство молодой Советской республики заказало начинающему режиссеру Сергею Эйзенштейну снять фильм о первой русской революции. Масштабный проект включал рассказ и о мятеже на броненосце, но лишь как один из эпизодов. В результате он вырос до целой картины.
Картина принесла авторам мировую известность, их придумка многие десятилетия воспринималась как хроника реальных событий 1905 года, а не как гениальное собрание метафор.
"Мясной бунт" действительно был. Было закуплено 28 пудов мяса не первой свежести. Буфетчик сказал, что другого не нашли: поставщики мяса бастуют. Командир корабля Голиков лично отправился в Одессу за рыболовной сетью, чтобы хоть как-то подкормить братцев-матросов. В то время каждому морячку полагалось: 1 фунт (около 400 г) мяса соленого или свежего, около 3 фунтов (1 200 г)
хлеба или сухарей 900 г, 250 г овощей и около 150 г разных круп. А еще каждому моряку полагалась чарка водки, в которой было 123 г.
Эти факты остались за кадром фильма "Броненосец "Потемкин". Эйзенштейн и все, кто с ним работал, не просто снимали фильм – они создавали новую реальность.
В фильме зачинщиком беспорядков был матрос Вакуленчук. В реальности этот артиллерийский унтер-офицер с солидным подпольным революционным стажем работы был против мятежа. Вакуленчук отговаривал матросов поднимать бунт, потому что знал: затевать волнение на отдельно взятом корабле несвоевременно и опасно. Угрозы расстрела не было. Началась драка, и Вакуленчук просто вынужден был направить приступ народного гнева в нужное русло. Бунтовщики прикончили на месте командира и семерых офицеров, остальных посадили под арест. В перестрелке офицер Гиляровский (в фильме его играет Григорий Александров) смертельно ранил Вакуленчука.
Известный всему миру потрясающий эпизод на лестнице в Одессе, которая теперь называется Потемкинской, от начала и до конца был придуман режиссером. Эта лестница стала своего рода символом ужасов царизма. В реальности никакой кровавой бойни не было. Арестовали троих матросов с броненосца "Потемкин" - этим репрессии и ограничились.

"Чапаев" - художественный фильм 1934 года, снятый братьями Васильевыми (псевдоним однофамильцев).
Фильм снят на основе сценария Анны Фурмановой, созданного по дневникам Дмитрия Фурманова, его роману «Чапаев» и воспоминаниям солдат-чапаевцев РККА.
Сталин считал «Чапаева» лучшим фильмом советской кинематографии и просмотрел его больше 30 раз.
По итогам опроса киноведов мира (1978) фильм включен в число ста лучших фильмов мирового кино. В Ленинградском кинотеатре «Сатурн» фильм шёл каждый день на протяжении двух лет.
Фильм завоевал в СССР огромную популярность. Однако у этой популярности появилась и оборотная сторона. В условиях советского общества фольклор развивался во многом наперекор официальной пропаганде, профанируя её основные догмы и образы. Именно так случилось с образом Чапаева и другими персонажами книги Фурманова и фильма Васильевых. Чапаев, Петька и Анка стали
популярными героями множества анекдотов.
Мифы и заблуждения, рождённые фильмом:
Впечатляющие кадры из фильма заставили поверить в то, что на самом деле была такая психическая атака каппелевцев. Части Чапаева и Каппеля никогда в боях не встречались друг с другом.
Обстоятельства гибели комдива описываются по-разному. Согласно данным проведённого по горячим следам расследования, раненый Чапаев утонул, пытаясь переплыть реку Урал. Эта версия была принята как официальная и стала широко известной благодаря фильму «Чапаев». Однако, по другим данным, смертельно раненый комдив был переправлен бойцами через реку на плоту, скончался при
переправе и был похоронен где-то на левом берегу. Могила была утеряна.
По своему воздействию на зрителя фильм гениальный. Есть миф, что когда показывали его на Кубе после революции,то в момент, когда раненный Чапаев с Петькой, отстреливаясь от белых, подбегают к реке, Чапаев бросается в воду, Петька падает, сражённый вражеской пулей, пулемёт беляков строчит и строчит, тут нервы у кубинцев не выдержали, и началась реальная стрельба по экрану с криками:"Держись, товарищ!!!"

"Молодая гвардия" - двухсерийный художественный фильм, снятый в 1948 году по одноимённому роману Александра Фадеева режиссёром Сергеем Герасимовым.
По сути этот фильм, как и два предыдущих, пропагандистский миф. Он неуязвим для критики с фактами в руках. Даже к сообщению "Фильм основан на реальных событиях" не придерешься – действительно основан. Снят "по мотивам". Но в том то и дело, что произошла подмена понятий: миф и реальность. Некоторые реальные герои "Молодой гвардии" записаны в предатели, и незаслуженно возвеличены другие. По роману Фадеева и этому фильму граждане Советского Союза составили представление о деятельности краснодонского подполья. Отделить правду от "художественной интерпретации" сегодня уже не представляется возможным.
Фильм «Молодая гвардия» дал творческий импульс целой плеяде молодых талантливых актёров: Вячеславу Тихонову, Инне Макаровой, Сергею Гурзо, Нонне Мордюковой, Кларе Лучко, Сергею Бондарчуку, Евгению Моргунову, Людмиле Шагаловой, Георгию Юматову, Виктору Авдюшко, Тамаре Носовой.

"Баллада о солдате" - чёрно-белый художественный фильм 1959 года, снятый режиссёром Григорием Чухраем.
Великая Отечественная война. Молодой солдат Алеша Скворцов, совершивший подвиг в последнем бою, едет в двухдневный отпуск к матери. По пути в родную деревню он помогает девушке спрятаться в вагоне и проехать до нужной ей станции... Домой он смог заскочить лишь "на минутку". А потом уехал на фронт, и не вернулся.
В фильме Григория Чухрая о войне нет войны! Точней, нет в ней военных действий. Рассказанная в фильме история совсем простенькая, и не блещет изгибами и поворотами сюжета. И тем не менее эта светлая, искренняя картина задела чувства зрителей и заслуженно получила много отечественных и международных наград.
Действие фильма протекает в 1942-м году, но герои носят погоны, введённые в Советской Армии в 1943-м году. Режиссёр Григорий Чухрай сделал это специально. Он рассчитывал, что фильм будет в прокате в Европе, где уже сформировался образ советского солдата в погонах, и не хотел этот образ ломать.
Этот фильм - память навсегда ушедшим на войну, и обещавшим вернуться своим матерям. Они вернулись в эти миллионы домов, но только в черно-белых кадрах фильма "Баллада о солдате".

"Живые и мёртвые" - двухсерийный художественный фильм, снятый в 1964 году по роману Константина Симонова режиссёром Александром Столпером.
Журналист Иван Синцов (артист Кирилл Лавров) как фронтовой корреспондент он становится свидетелем тяжелых событий первых месяцев войны — многочисленных отступлений 1941 года.
Другой герой фильма — комбриг Серпилин (Анатолий Папанов) прошёл через тюрьму. Герой Гражданской войны хочет доказать своим примером, что со многими другими, оставшимися в тюрьмах и лагерях, произошла «нелепость».
Пропитанный идеологией оттепели, эта военная картина пытается развенчать другую идеологию — сталинизм. В 60-е годы, когда следы войны были столь очевидны, этот фильм пытался дать ответ на вопросы, заретушированные советской идеологией.
В «Живых и мёртвых» снялась целая плеяда больших актёров: Кирилл Лавров, Анатолий Папанов, Олег Ефремов, Евгений Самойлов, Борис Чирков, Римма Маркова, Владимир Высоцкий, Михаил Ульянов, Михаил Глузский, Олег Табаков.

"Гамлет" - художественный фильм, снятый Григорием Козинцевым в 1964 году по сюжету пьесы Шекспира «Гамлет, принц Датский» (1602 год). Перевод Бориса Пастернака.
Фильм этот — попытка современного прочтения шекспировской трагедии.
Гамлет в исполнении артиста Смоктуновского — не гений сомнения, не печальный одиночка, подверженный порывам силы и слабости.
Он философ, избравший своим оружием мысль, раздумье над бытием, разрешение извечного противоречия: "Терпеть без ропота позор судьбы иль надо оказать сопротивленье?"
Высокохудожественная шекспировская экранизация с замечательной музыкой Шостаковича - выражение своего времени. Этот фильм не развлечение. Он заставляет думать, переживать.
Фильм получил много международных наград.

Советские мультфильмы.
Во времена СССР была основана киностудия «Союзмультфильм». Именно на этой студии создавалась мультипликационная работа «Ёжик в тумане», не так давно провозглашенная лучшим мультфильмом всех времен и народов. Здесь произвели на свет и наш отечественный ответ Диснею мультсериал «Ну, погоди!». Советская мультипликация мгновенно вспоминается нам по фразам и песням из мультфильмов, которые и ныне пересказывают и перепевают. Фразы «…Куда идём мы с Пятачком…», «…От улыбки станет всем светлей…», «…Мужчина в полном расцвете сил», «…Я на солнышке лежу…», «…Подходящая компания - это такая компания, где нас могут чем-нибудь угостить…» и другие просто незабываемы. Мультфильмы СССР отличает особая оригинальность, доброта и красота, а также очень близкий и родной юмор. Очень много таких мультфильмов, которые даже взрослые люди пересматривают с большим удовольствием.
Мультфильмы являются очень эффективным средством воспитания ребенка. Воспитательные свойства мультипликационных фильмов во многом схожи как с игрой, так и с живым общением. С другой стороны практически любой мультфильм имеет смысл и содержит в себе какие-то житейские мудрости.
Мультипликация, бесспорно, является великим изобретением человека.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
Часть 3 - Архитектор Баженов
Часть 4 - Советское кино
Часть 5 - Музеи Москвы
Часть 6 - Скульптор Федот Шубин
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Всего в Москве насчитывается 184 музея. Из них на марках выпуска 1950 года представлены следующие:
Государственный исторический музей (1875-81 арх.В. Шервуд)
Зоологический музей МГУ им. М. Ломоносова (1791)
Государственный музей изобразительных искусств им. А. Пушкина (1912 арх.Р. Клейн)
Государственный биологический музей им.К. Тимирязева (1922)
Политехнический музей (1872-77 арх. И. Монигетти и Н. Шохин)
Государственная Третьяковская галерея (1856, главный фасад выполнен в 1906 по рис. В. Васнецова)
Государственный музей революции (арх.А. Минелас)
Центральный музей В. И. Ленина (1890-92 арх.Д. Чичагов)
Государственный музей искусства народов Востока (1918)

Государственный исторический музей (ГМИ).

До 1917 года Императорский Российский Исторический музей имени Императора Александра III.
Музей основан указом императора Александра II 21 февраля 1872 года, по ходатайству организаторов Политехнической выставки 1872 года.
По итогам конкурса на проектирование здания музея предпочтение было отдано проекту архитектора В. О. Шервуда. Строительство здания музея продолжалось в течение 1875—1881 годов.
С 1928 года работа музея была нацелена на коммунистическую пропаганду. В течение 1930—1940х годов проводилась реорганизация работы музея в соответствии с установками большевистской идеологии.
В 1990-е годы была начата полномасштабная реставрация здания. По завершении всех работ ГИМ открыл залы для посетителей в том виде, как он проектировался в конце XIX — начале XX в.
Экспозиция музея рассказывает об истории и культуре страны от средневековья до наших дней, первобытных и античных временах. Огромное количество экспонатов делает Государственный Исторический музей одним из крупнейших в России. В музее часто сменяются разнообразные любопытные выставки.

Зоологический музей МГУ им. М. Ломоносова.

Музей основан в 1791 году как «кабинет натуральной истории» при Императорском Московском университете (будущем МГУ).
Здание музея на Большой Никитской построено в 1892—1902 годах по проекту К. М. Быковского.
Экспозиция посвящена только современным животным. Все ископаемые останки были переданы в московский Палеонтологический музей.
Посетителям здесь демонстрируют, как устроены птицы, как ест собака, почему у кошки хвост мягкий, а голова нет. Однако большинство отзывов современных посетителей критические: ветхость, неприятный запах.

Государственный музей изобразительных искусств им. А. Пушкина (ГМИИ им. А. С. Пушкина).

Бывший "Музей изящных искусств имени императора Александра III при Московском императорском университете". Один из самых крупных и значительных российских музеев европейского и мирового искусства.
В качестве инициатора создания музея в 1893 году выступил профессор МГУ историк искусства Иван Владимирович Цветаев, отец не менее знаменитой поэтессы. Он же стал первым директором Музея.
Руководство постройкой музея было доверено архитектору Р. И. Клейну. Здание было закончено вчерне в 1904 году.
Торжественное открытие музея состоялось 31 мая (13 июня) 1912 года. Имя А. С. Пушкина музею было присвоено в 1937 г. .
Во время Великой Отечественной войны значительная часть музейных фондов была эвакуирована в Новосибирск и Соликамск.
Бомбёжкой были разрушены все стеклянные крыши В. Г. Шуховa, и в течение трёх лет музей стоял под открытым небом.
В период 1949—1953 экспозиционная деятельность ГМИИ была свёрнута; помещения музея были отданы под «Выставку подарков Сталину от народов СССР и зарубежных стран». После смерти Сталина профильная деятельность ГМИИ была восстановлена.
Коллекция ГМИИ представляет собой собрание произведений западного искусства от античности до XX века.
В апреле 1923 г. Наркомпрос принимает решение о создании в здании музея старой западной живописи на основе собраний музейного фонда, Московского Публичного и Румянцевского музеев, коллекции Д. И. Щукина и других частных коллекций, национализированных после революции. В 1930 году в ГМИИ из Эрмитажа были переданы картины Боттичелли, Кранаха, Пуссена и Давида.
После окончания Второй мировой войны в ГМИИ поступила большая часть картин из Дрезденской галереи. Впоследствии собрание Дрезденской галереи было возвращено властям Восточной Германии. Однако некоторые ценности, принадлежавшие западногерманским музеям и частным коллекционерам, остались в ГМИИ.
В 1948 г. был закрыт Государственный музей нового западного искусства, и его собрание было поделено между Пушкинским музеем и Эрмитажем. В результате ГМИИ получил большую часть конфискованных советской властью собраний московских купцов Сергея Щукина и Ивана Морозова, состоящих из картин Ренуара, Ван Гога, Моне, Дега, Сезанна, Матисса, Пикассо и других западноевропейских мастеров конца XIX — начала XX веков (около 300 картин). В основном это были работы французских импрессионистов и постимпрессионистов.

Государственный биологический музей им.К. Тимирязева (1922)

Естественнонаучный музей, основанный в 1922. С 1934 музей расположен в стенах памятника архитектуры — комплексе зданий бывшего Музея русских древностей Петра Ивановича Щукина, построенных в новорусском стиле в 1892—1915. C 1918 в зданиях размещался Музей старой Москвы, с 1934 — биологический музей имени К. А. Тимирязева.
Экспозиция музея включает такие темы: «Биосфера и человек», «Мир животных», «Мир растений», «Физиология и анатомия животных», «Физиология растений», «Эволюционная теория», «Эволюция жизни на Земле», « Происхождение и эволюция человека», «Генетика».

Политехнический музей

Один из старейших научно-технических музеев мира. Музей создан на основе фондов Политехнической выставки 1872 года.
В 1907 музей переехал в здание, построенное по проекту архитектора И. А. Монигетти.
Экспозиции музея рассказывают об истории техники и её творцах, поясняют принципы действия различных технических устройств.
Политех всегда был известен не только как музей науки и техники, но и как культурный и дискуссионный центр. Здесь читали лекции Тимирязев, Жуковский, Столетов, Колмогоров, в послереволюционной России в музее выступали Есенин, Хлебников, Пастернак, Цветаева, Ахматова, на поэтических турнирах за титул Короля поэтов сражались Маяковский и Северянин, в 1960-е выступали Окуджава, Евтушенко, Ахмадулина, Рождественский, Вознесенский.

Государственная Третьяковская галерея (ГТГ, Третьяковка)

Художественный музей в Москве, основанный в 1856 году купцом Павлом Третьяковым.
Павел Третьяков начал собирать свою коллекцию живописи в середине 1850-х. Он покупал картины нередко вопреки мнению критики, запрету цензуры, давлению признанных авторитетов. Если работа оказывалась у Третьякова, то для художников это было равнозначно общественному признанию. Он пользовался особым доверием живописцев, ему первому они показывали свои новые произведения в
мастерских или на выставках, часто накануне вернисажа.
В августе 1892 года Павел Михайлович передал свою художественную галерею в дар городу Москве.
Фасады здания галереи разработаны в 1900—1903 годах архитектором В. Н. Башкировым по рисункам художника В. М. Васнецова.
3 июня 1918 года Третьяковская галерея была объявлена государственной собственностью РФСР. Директором музея был назначен Игорь Грабарь.
В середине лета 1941 года эшелоном из 17 вагонов коллекция музея была эвакуирована в Новосибирск. 17 мая 1945 ГТГ была вновь открыта в Москве.
Перед Третьяковской галереей на том месте, где сейчас стоит памятник Третьякову, был установлен памятник Сталину. Третьяковка с памятником Сталину изображена на марке.
Третьяковская галерея стала первым общедоступным музеем России. Сегодня Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке - это большой музейный комплекс.
В историческом здании Галереи размещена экспозиция русского искусства XI - начала XX века. В древнерусском разделе можно увидеть работы известных иконописцев XII-XVII столетий (в том числе Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия). В залах XVIII - первой половины XIX века демонстрируются полотна знаменитых русских мастеров: Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского,
К.П. Брюллова, А.А. Иванова… С исчерпывающей полнотой и разнообразием представлено русское реалистическое искусство второй половины XIX века: известные картины И.Н. Крамского, И.Е. Репина, В.И. Сурикова, И.И. Шишкина, В.М. Васнецова, И.И. Левитана и многих других художников. В яркой коллекции произведений рубежа XIX-ХХ столетий - творения М.А. Врубеля и В.А. Серова, мастеров
художественных объединений "Мир искусства", "Союз русских художников", "Голубая роза".

Государственный музей революции

Первый в стране историко-революционный музей. Его преемником стал Государственный музей современной истории России.
С 1831 по 1917 годы в этом здании размещался московский Английский клуб. В 1917 году здание было передано Музею.
Первые шаги к организации Музея были сделаны после свержения монархии 21 марта (8 марта по старому стилю) 1917 года. Были определены основные направления деятельности будущего музея: собирать разноплановые источники и всесторонне изучать историю русского освободительного движения.
В 1922 году открылась выставка «Красная Москва». Вскоре эту выставку преобразовали в Историко-революционный музей Москвы. С 1924 года он стал называться Музеем революции СССР.
Одна за другой начали открываться разнообразные экспозиции. Поначалу это была выставка, посвященная войнам крестьян под руководством Пугачева и Разина, затем перешли к декабристам и последующим события советской жизни. Уже к 1927 году, музею были поставлены более широкие задачи. В частности в их ведомство теперь относилось и донесение до широких масс историческое
становление нового общества.
Вещевой фонд включал личные вещи Ф. Э. Дзержинского, Я. М. Свердлова, М. И. Калинина, М. В. Фрунзе, Г. К. Орджоникидзе, В. В. Куйбышева, В. И. Чапаева, С. Лазо, М. Залки, Г. И. Котовского, И. Д. Черняховского, З. А. Космодемьянской и др. В музее была собрана коллекция картин русских и советских художников.
Сегодня его экспозиция рассказывает об истории советского и постсоветского периода и является крупнейшим музеем страны по новейшей отечественной истории.

Центральный музей В. И. Ленина

Крупнейший (после мемориального комплекса в Ульяновске) научно-исследовательский и выставочный центр, целиком посвященный изучению и отражению жизни и деятельности В. И. Ульянова (Ленина).
Структура экспозиции музея и созданная в нём атмосфера помогали ощутить уникальный образ человека-эпохи, воплощённый в совокупности особых граней личности Ленина: мыслителя, революционера-вождя, государственного деятеля — создателя Советского государства. Однако советский классический подход к пониманию роли Ленина в истории сегодня не даёт достаточно полной и объективной научной картины в связи с появлением новых, ранее неизвестных фактов биографии.
Здание музея было построено в 1890—1892 архитектором Д. Н. Чичаговым на Воскресенской площади для Московской Городской Думы. Вскоре после смерти Ленина решением XIII съезда РКП(б) был создан «Музей В. И. Ленина». Открытие его произошло 15 апреля 1936 в этом здании.
Новый «Музей В.И. Ленина» создан на базе ликвидированного в 1993 г. Центрального музея В.И. Ленина и является филиалом Государственного Исторического музея. В современном Музее Ленина находятся коллекции: личных вещей В.И.Ленина(1159 пр.), личных вещей И.В.Сталина (около 2500 пр.), художественной Ленинианы (около 4000 пр.), знамен (190 знамен из 26 стран), политического советского плаката (более 6000 пр.), изданий произведений В.И.Ленина на 120 языках мира (250000 книг), автомобиль фирмы "Роллс-Ройс", которым пользовался В.И.Ленин в 1921-1923 годах и знаменитое демисезонное пальто, простреленное, по преданию, полуслепой эсеркой Фанни Каплан. Дырочки были заботливо подчеркнуты красной проволокой.

Государственный музей искусства народов Востока

Музей Востока - обладатель крупнейших в России коллекций искусства ряда стран Востока, Кавказа и Закавказья, Казахстана и Средней Азии, а также значительных коллекций искусства народов Севера и Сибири, картин Н. К. Рериха и С. Н. Рериха.
Музей был создан 30 октября 1918 года. Со времени своего основания он не раз менял расположение: «Дом Гиршмана у Красных Ворот», исторический музей на Красной площади, здание ВХУТЕМАСА на ул. Рождественка, «Цветковская галерея» на Кропоткинской набережной, где ему предоставлялись скромные помещения для хранилищ и выставок. Только в 1929 г. Музею было передано здание церкви Ильи Пророка (ул. Воронцово Поле, д.16), реконструкция которого продолжалась два года. Летом 1932 г. Музей восточных культур окончательно вселился в собственное здание, которое и изображено на марке. В настоящее время в нём размещаются музейные склады.
С 1960-х музей находится у Никитских ворот и занимает исторический особняк - Дом Луниных.
Музей Востока миновала судьба Эрмитажа и других музеев, бесценные экспонаты которых в 1920–30-е годы по воле правительства дешево распродавались разного рода заграничным проходимцам. Ему была уготована иная роль – стать своего рода коллектором, откуда директивными указаниями «сверху» подпитывали свои восточные собрания десятки республиканских и областных музеев СССР.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
Часть 3 - Архитектор Баженов
Часть 4 - Советское кино
Часть 5 - Музеи Москвы
Часть 6 - Скульптор Федот Шубин
Часть 7 - Павел Третьяков и его галерея
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Федот Иванович Шубин (1740-1805) - скульптор.
Родился в семье крестьянина-помора в Архангельской губернии.
С детства вместе с отцом и братьями резал по кости. В 1759 отправился в Петербург, где стал "вольным ремесленником". Вероятно, Шубин пользовался покровительством своего земляка М.В. Ломоносова.
В 1761 стал придворным истопником. В этом же году был "истребован" И.И. Шуваловым в Академию художеств, которую окончил с большой золотой медалью, получив право на совершенствование мастерства во Франции и Италии.
В 1773 Шубин вернулся в Россию. Щедро одаренный природой, сохранявший традиции русского искусства, впитавший идеи Просвещения и прошедший школу лучших европейских академий, Шубин стал одним из крупнейших скульпторов второй пол. XVIII в.
Яркий представитель классицизма, мастер скульптурного портрета, Шубин не имел равных в России и создал галерею замечательных современников.
Со временем интерес к Шубину угасает. Выполненные без прикрас портреты все меньше нравятся великосветской публике, которая хочет видеть свое изображение идеальным. Меньше становится заказов, падает и оплата. Художник вынужден обратиться к Г.А. Потемкину, и тот ходатайствует перед президентом Академии художеств о зачислении Шубина на должность адъюнкт профессора в скульптурный класс. От себя скульптор тоже подает прошение в Совет Академии и просит предоставить ему платную должность. Но из-за интриг коллег Шубина по специальности оба письма остаются без ответа. Лишь через два года прославленный мастер был утвержден профессором, но без предоставления платного места. Невзгоды подорвали здоровье больного человека, обремененного
большой семьей. Но Шубин не перестает работать. Произведения второй половины 1790-х годов свидетельствуют о способностях скульптора глубоко и полно раскрывать характер человека. Шубин работает много и быстро, никогда не повторяясь и не впадая в шаблон.
Но Шубин стал слепнуть, ему не на что было содержать семью, а в 1801 году сгорели его небольшой дом на Васильевском острове и мастерская с работами, которые там находились.
В 1803 году по указу Александра I Шубина назначили, наконец, адъюнкт профессором с жалованием по штату. Но здоровье было вконец подорвано, и скульптор умер, не дожив нескольких дней до своего 65-летия. Пенсии его вдове Академия не дала "по причине кратковременного служения ее покойного мужа".
Смерть крупнейшего скульптора русского "века Просвещения" прошла почти незамеченной. Его тихо похоронили на Смоленском православном кладбище. В октябре 1931 года останки Ф.И. Шубина были перенесены в мемориальный Некрополь XVIII века (Лазаревское кладбище) Александро-Невской лавры.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 4 - Советское кино
Часть 5 - Музеи Москвы
Часть 6 - Скульптор Федот Шубин
Часть 7 - Павел Третьяков и его галерея
Часть 8 - Народные художественные промыслы- борьба за выживание
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Павел Михайлович Третьяков (1832—1898) - предприниматель, меценат, собиратель произведений русского изобразительного искусства, основатель Третьяковской галереи.
Родился в Москве в купеческой семье. Получил домашнее образование. Развивая семейное дело, Павел вместе с братом Сергеем построил бумагопрядильные фабрики, на которых было занято несколько тысяч человек.
Павел Михайлович долго не женился. Лишь в августе 1865 года состоялась его свадьба с Верой Николаевной Мамонтовой.
В 1850-х Павел Третьяков начал собирать коллекцию русского искусства. В 1874 году Третьяков построил для собранной коллекции здание — галерею, которая в 1881 году была открыта для всеобщего посещения. В 1892 году Третьяков передал свою коллекцию вместе со зданием галереи в собственность Московской городской думы. До конца жизни за свой счет продолжал пополнять галерею и завещал проценты со своего капитала на будущее ее пополнение, положив начало музею мирового значения. В 1893 был избран действительным членом Академии художеств. В письме к дочери Третьяков писал: "Моя идея была, с самых юных лет, наживать для того, чтобы нажитое от общества вернулось бы также обществу (народу) в каких-либо полезных учреждениях; мысль эта не покидала
меня никогда во всю жизнь". (А где же современные русские меценаты ???).
И он действительно создал такое полезное учреждение — первый русский общедоступный музей, в котором национальная живопись предстала не в разрозненных художественных явлениях, но как нечто единое и цельное. Убежденность Третьякова, его вера в свое дело кажутся удивительными, если вспомнить, что он закладывал основы галереи в то время, когда русская школа живописи как
самобытное и значительное явление лишь смутно вырисовывалась в тени, отбрасываемой великой художественной традицией Запада, древнерусское искусство было полузабыто, произведения русских художников рассеяны по частным коллекциям.
Десятилетиями он материально поддерживал художников, помогал Крамскому, Перову, Ф. Васильеву и многим другим, опекал училище глухонемых, был организатором приюта для вдов и сирот неимущих художников.
Чуткость к искусству, искренность, готовность оказать материальную и нравственную поддержку, а главное, высокая цель снискали ему глубокое уважение и любовь художников. Молчаливый уговор художников о предоставлении права первого выбора Третьякову ставил его вне конкуренции с другими коллекционерами. Если работа оказывалась у Третьякова, то для художников это было равнозначно общественному признанию.
Фасады нового здания галереи разработаны в 1900—1903 годах по рисункам художника В. М. Васнецова.
3 июня 1918 года Третьяковская галерея была объявлена государственной собственностью РФСР. Директором музея был назначен Игорь Грабарь.
В середине лета 1941 года эшелоном из 17 вагонов коллекция музея была эвакуирована в Новосибирск. 17 мая 1945 галерея была вновь открыта в Москве.
Перед Третьяковской галереей на том месте, где сейчас стоит памятник Третьякову, был установлен памятник Сталину. Третьяковка с памятником Сталину изображена на марке 1949 года.
Приведенная подборка марок посвящена непосредственно Третьяковской галерее и её создателю Павлу Михайловичу Третьякову. В рубрике "Художники России и СССР" представлено много марок с картинами и портретами, находящимися в Третьяковской галерее.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 5 - Музеи Москвы
Часть 6 - Скульптор Федот Шубин
Часть 7 - Павел Третьяков и его галерея
Часть 8 - Народные художественные промыслы- борьба за выживание
Часть 9 - Художественный критик Стасов
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Многие предметы народных промыслов уже ушли из жизни и стали достоянием музеев. Но зато все чаще сегодня мы говорим о вологодском кружеве, хохломской росписи, федоскинской миниатюрной живописи, дымковской игрушке, лаковой миниатюре Палеха - о художественных промыслах наших дней, наследниках декоративно-прикладного искусства прошлого.
Мы почти не знаем имен народных мастеров. Но история не предала забвению анонимных творцов декоративно-прикладного искусства - крестьян, сельских и городских ремесленников, чьим трудом и талантом созданы совершенные произведения. Свое мастерство они передавали от отца к сыну, от деда к внуку, буквально "из рук в руки". Из поколения в поколение отбирались и совершенствовались
удачи и находки одних, выдумки и новшества других. Время отбрасывало все случайное, несовершенное, шлифуя и сохраняя только ценное и высокохудожественное. Так поиски и достижения отдельных мастеров соединялись в коллективной сокровищнице народного творчества, непрерывно пополняемой многими династиями ремесленников.
В настоящее время народные художественные промыслы — особая отрасль современной художественной промышленности, выпускающая изделия бытового и сувенирного назначения. Предприятия промыслов объединяют мастеров и художников народного декоративного искусства. Существенной их особенностью является коллективность творческого процесса.
Сегодня знаменитые изделия хохломы, гжели, жостово и других промыслов оказались на обочине, на развалах, в маленьких сувенирных магазинчиках, все больше вытесняемые с рынка китчем и сувенирами китайского производства. Спасти отрасль может только системная государственная поддержка.

Хохломская роспись. В древних заволжских лесах в округе Нижнего Новгорода раскинулись старинные русские деревни. Отсюда и ведет свою историю известный во всем мире хохломской промысел. В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов. Промысел зародился в XVII веке. Характерная для хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве.

Вологодские кружева стали популярны в Европе в конце 18 века. Модницы многих стран мечтали о нарядах украшенных именно Вологодскими кружевами. В прошлом веке работа художника по кружеву оценивалась как труд ювелира. И кто бы из гостей именитых не пожаловал на Вологодчину, любому кружева придутся по вкусу. Для знаменитой певицы Надежды Кадышевой готовили вологодские
мастерицы целый кружевной костюм.

Палехская миниатюра - народный промысел, развившийся в поселке Палех Ивановской области. Истоком палехской миниатюры является иконопись. Первое упоминание о Палехе относится к началу 17 века. После Октябрьской революции палехские иконописцы остались без работы. Гонения большевиков на церковь привели к падению спроса на иконы. В 1918 бывшие палехские иконописцы основали "Художественно-декоративную артель" (с 1932 года - Палехское товарищество художников) и начали осваивать секреты миниатюрной светской живописи. Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше. Работы обычно выполняются на черном фоне и расписываются золотом.

Федоскинская миниатюра — вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи масляными красками на папье-маше, сложившийся в конце XVIII века в подмосковном селе Федоскино. Русская лаковая миниатюра возникла в 1795 году под Москвой в селе Данилкове (позднее переименовано в Федоскино) на бумажно-картонной фабрике купца П.Коробова. На фабрике выпускали
разнообразные изделия: табакерки, бочонки, коробки, шкатулки, стаканы, погребцы (сундучки) для путешествий, спичечницы, подносы, блюда для фруктов, вазы для цветов и др. Расцвет росписи пришелся на середину 19 века, когда фабрикой владели преемники Коробова - купцы Лукутины. Творчество нынешних федоскинских художников является отражением современной жизни. Оно
концентрирует в себе весь опыт и многообразие художественных традиций мирового искусства, обогащая их и доказывая жизнеспособность своего исторического наследия.

Есть в Подмосковье деревня Жостово, жители которой уже более полутора веков владеют мастерством украшения всего одной вещи - подноса. Под кистью народных живописцев этот предмет обрёл качества художественного произведения. Собранные в букеты или вольно раскинувшиеся на блестящем черном фоне садовые и полевые цветы украшают поднос и несут людям чувство радости души, поэзию вечного цветения природы. Ведь вряд ли найдется человек, не любящий природу, равнодушный к цветам, их красоте, аромату, заключенной в них великой силе жизни. Эта тема близка каждому, поэтому так много почитателей жостовского таланта не только в нашей стране, но и за рубежом.

Богородская резьба, богородская игрушка — русский народный промысел, состоящий в изготовлении резных игрушек и скульптуры из мягких пород дерева (липы, ольхи, осины). Его центром является посёлок Богородское (Сергиев-Посадский район Московской области). В 1913 году в Богородском была организована артель. После Октябрьской революции в Богородском сохранялись старые земские
образцы. В Богородском начинается откровенная политизация. Мастерам называли темы, чуждые крестьянской природе и народному пониманию красоты. В 1960 году была ликвидирована традиционная для художественных промыслов артельная организация труда и заменена фабричной. Этот процесс иногда метко называют «офабричивание» промысла. На смену ему приходят понятия
«художественная промышленность», «план», «вал» и другие абсолютно чуждые понятия. Интерес к богородской игрушке и скульптуре падает из-за низкого качества исполнения, низкого художественного уровня и достаточно высокой стоимости.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 6 - Скульптор Федот Шубин
Часть 7 - Павел Третьяков и его галерея
Часть 8 - Народные художественные промыслы- борьба за выживание
Часть 9 - Художественный критик Стасов
Часть 10 - Российская (Советская) Академия Художеств
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Владимир Васильевич Стасов (1824 1906) - русский художественный и музыкальный критик, историк искусства.
Сын архитектора Василия Петровича Стасова.
В 1836 году Стасов был отдан отцом в только что созданное Училище правоведения. В Училище Стасов проникся живым интересом к музыке, но особых композиторских задатков в себе не нашел, и решил впервые попробовать свои силы на поприще критика.
Стасов свободно владел шестью языками.
В 1847 году начал писать небольшие обозрения по вопросам живописи, скульптуры, архитектуры и музыки.
В 1848 году, за связь с петрашевцами, Стасов был отстранен от работы в журнале, арестован и заключен в Петропавловскую крепость.
В 1851 году вышел в отставку и в качестве секретаря уральского промышленника и мецената А. Н. Демидова.
В то время с его помощью и оформилось художественное объединение композиторов, ставшее известным под именем, данным Стасовым "Могучая кучка".
Стасов поддерживал «Товарищество передвижных выставок», с которым тесно связана вся его деятельность. Он был одним из главных вдохновителей и историком «передвижников», принимал активное участие в подготовке их выставок. Передвижники, порвав с канонами и эстетикой академизма, обратились к изображению жизни и истории народа, родной страны, ее природы. Однако, в
изображении жизни народа многие передвижники видели только темные стороны. Их творчество было сильно политизировано. И, протестуя против академизма, они, в конце концов, сами стали академиками.
В 1900 году одновременно со своим другом Л. Н. Толстым избран почётным членом Российской Академии Наук.
Стасов был активным критиком антисемитизма и ценителем еврейского искусства. В ответ на очерк Рихарда Вагнера «Еврейства в музыке», он ответил в эссе «Жидовство в Европе (По Рихарду Вагнеру)», (1869) где выступил с резкой критикой антисемитизма композитора.
Ценность представляют его монографии о композиторах M. П. Мусоргском, А. П. Бородине, художниках К. П. Брюллове, А А. Иванове, В. В. Верещагине, В. Г. Перове, И. E. Репине, И. H. Крамском, H. H. Ге, M. M. Антокольском, а также творческие портреты мастеров исполнительского искусства (О. А. Петров, А Г. Рубинштейн). Стасов поддержал творчество А. К. Глазунова, А. К. Лядова, A. H. Скрябина, Ф. И. Шаляпина. Одним из первых начал систематическую работу по собиранию и публикации эпистолярного наследия русских художников, композиторов (письма Крамского, Антокольского, А. А. Иванова, Глинки, А. С. Даргомыжского, A. H. Серова, M. П. Мусоргского). Как историк искусства утверждал значение великих реалистических. традиций творчества Веласкеса, Рембрандта, Халса, Гойи.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 7 - Павел Третьяков и его галерея
Часть 8 - Народные художественные промыслы- борьба за выживание
Часть 9 - Художественный критик Стасов
Часть 10 - Российская (Советская) Академия Художеств
Часть 11 - Скульптуры Вучетича на марках СССР
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Развитие искусства в Европе подвигло графа И. И. Шувалова на представление императрице Елизавете Петровне предложения о необходимости завести «особую трёх знатнейших художеств академию». Иван Иванович предполагал открыть её в Москве, при задуманном им университете, но в результате Императорская Академия художеств была учреждена в 1757 г. в Петербурге, хотя первые 6 лет числилась при Московском университете.
В 1764—1788 г. для Академии было построено специальное здание (Университетская набережная, 17). Сейчас в этом здании расположен Санкт-Петербургский государственный институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина.
Приглашённые Шуваловым знаменитые в то время художники из Франции и Германии положили первые основы надлежащего преподавания искусств.
Уставом 30 августа 1859 г.было установлено три степени звания классных художников. Получивший первую золотую медаль приобретает вместе с званием классного художника 1-й степени чин Х класса и право быть посланным за границу.
9 ноября 1863 года 14 учеников императорской Академии художеств, допущенных до соревнования за первую золотую медаль обратились в Совет Академии с просьбой заменить конкурсное задание (написание картины по заданному сюжету из скандинавской мифологии «Пир бога Одина в Валгалле») на свободное задание, написание картины на избранную самим художником тему. На отказ
Совета все 14 человек покинули Академию. Это событие вошло в историю как «Бунт четырнадцати». Именно они организовали «Санкт-Петербургскую Артель художников» позже, в 1870 году она была преобразована в «Товарищество передвижных художественных выставок».
12 апреля 1918 года указом Совнаркома Академия художеств была полностью упразднена.
В 1947 году на основе реорганизованной «Всероссийской Академии художеств» образована Академия художеств СССР с базой в Москве. Академия считалась правопреемницей классических традиций Императорской Академии художеств, и, вместе с тем, на советском этапе существования была призвана «содействовать творческому развитию принципов социалистического реализма».
Противоречие между классической и партийной традициями разрешалось фактом, что реализм, лежащий в основе социалистического реализма, был заложен мастерами Императорской Академии, которые и в советское время почитались в качестве классиков.
В Академию избирались уже ставшие знаменитыми представители советского искусства.
Президенты Академии: 1947—1957 художник А. М. Герасимов, 1958—1962 художник Б. В. Иогансон, 1962—1968 художник В. А. Серов, 1968—1982 скульптор Н. В. Томский, 1983—1991 художник
Б. С. Угаров.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 8 - Народные художественные промыслы- борьба за выживание
Часть 9 - Художественный критик Стасов
Часть 10 - Российская (Советская) Академия Художеств
Часть 11 - Скульптуры Вучетича на марках СССР
Часть 12 - Скульптуры Мухиной на марках СССР
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Вучетич Евгений Викторович (1908-1974) - советский скульптор-монументалист, народный художник СССР, действительный член и вице-президент Академии художеств СССР, Герой Социалистического Труда, пятикратный лауреат Сталинской премии, лауреат Ленинской премии.
Родился в городе Екатеринославе. Отец по национальности серб из Черногории, в Гражданскую войну был белогвардейским офицером; мать Анна Андреевна, урождённая Стюарт, имела французские корни.
В 1926 году Вучетич поступает в Ростовскую художественную школу, где проучился до 1930 года. В 1931—1933 годах обучался в Ленинградском институте пролетарских изобразительных искусств.
В 1935 переезжает в Москву, участвует в строительстве гостиницы «Москва» и Государственной библиотеки имени В. И. Ленина. В 1940 назначен руководителем художественно-экспериментальных мастерских Управления строительства Дворца Советов в Москве.
С первых дней Великой Отечественной войны Вучетич уходит добровольцем на фронт в качестве рядового солдата-пулемётчика. Дослужился до подполковника. В 1943 году был контужен и откомиссован обратно в Москву.
С 1943 года работает военным художником Московской Студии военных художников имени М. Б. Грекова (до 1960 года). В стенах студии Вучетич окончательно сформировался как скульптор.
Работая в соавторстве с архитекторами, стал одним из создателей стиля «сталинского классицизма».
Вучетич изваял целую галерею скульптурных портретов В. И. Ленина и И. В. Сталина, политических деятелей, советских военачальников, героев труда.

Скульптуры Вучетича на марках СССР:
Памятник Советскому воину-освободителю.1949. Берлин.Трептов-парк. Этот памятник сделал его имя широко известным не только в СССР, но и за рубежом.
Скульптура "К звездам" .1957.
Перекуем мечи на орала.1957. Скульптура установлена у здания ООН в Нью-Йорке (США). Копия находится недалеко от филиала Государственной Третьяковской галереи на Крымском валу в Москве.
Волгоград.Памятник-ансамбль героям Сталинградской битвы.1963-67.Аллея Героев и Пантеон Воинской славы. Монумент "Родина-мать". "Стоять насмерть!." "Скорбь матери". Вечный огонь в Пантеоне Воинской славы.
"Родина-мать". Киев. В 1972 году Вучетич вместе с группой скульпторов начинает работать над реализацией проекта «Национального музея истории Великой Отечественной войны 1941—1945 гг.» в Киеве. Центральной фигурой музея является 90-метровый монумент «Родина-мать». Скульптура возвышается на днепровских склонах и видна с отдаленных точек украинской столицы. После смерти
Вучетича в 1974 году работу возглавил украинский скульптор Василий Бородай.

Другие памятники Вучетича:
Памятник Сталину у шлюза № 1 Волго-Донского судоходного канала в Сталинграде (1952). На отливку фигуры «отца народов» пошла самородная медь. 26-метровый Сталин, одетый в привычный френч и увенчанный фуражкой, задумчиво смотрел вдаль реки, крепко сжав в руках свернутую в рулон партийную газету. В ходе процесса десталинизации, начатого XX съездом КПСС в 1956 году, памятник
был убран, но остался пустой железобетонный постамент, на котором в 1973 году им же был сооружен памятник Ленину. Высота скульптуры 27 метров, а постамента — 30 метров. Он был занесен в Книгу рекордов Гиннеса, как самый большой в мире памятник, установленный реально жившему человеку.
Памятник генералу армии Н. Ф. Ватутину в Киеве (1948).
Памятник Белинскому В.Г. в Пензе (1954).
Памятник Белинскому В.Г. в г. Белинский Пензенской обл. (1954).
Памятник Александру Матросову в Великих Луках (1954).
Памятник Ф. Э. Дзержинскому в Москве перед зданием КГБ СССР (1958). 22 августа 1991 года, после неудачной попытки ГКЧП отстранить от власти Горбачёва, памятник демонтирован.
И десятки других крупных памятников и надгробий.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 9 - Художественный критик Стасов
Часть 10 - Российская (Советская) Академия Художеств
Часть 11 - Скульптуры Вучетича на марках СССР
Часть 12 - Скульптуры Мухиной на марках СССР
Часть 13 - Ян Амос Коменский
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Мухина Вера Игнатьевна (1889-1953) - русский (советский) скульптор. Народный художник СССР. Действительный член АХ СССР.
Лауреат пяти Сталинских премий. С 1947 года по 1953 год — член Президиума АХ СССР.
Родилась в Риге в купеческой семье. Детские и юношеские годы — с 1892 по 1904 год провела в Феодосии. Девочка рано потеряла родителей, и лишь оставленное дедом огромное состояние позволило Вере и её старшей сестре Марии не узнать материальных невзгод сиротства.
В начале 1912 года во время весёлых рождественских каникул, катаясь на санях, Вера серьёзно поранила лицо. Девять пластических операций перенесла она, а когда через полгода увидела себя в зеркале, пришла в отчаяние. Хотелось бежать, спрятаться от людей. Мухина сменила квартиру, и только большое внутреннее мужество помогло девушке сказать себе: надо жить, живут и хуже.
В 1912—1914 годы жила в Париже, где обучалась у знаменитого французского скульптора-монументалиста Э. А. Бурделя.
Возвращение в Россию было омрачено начавшейся войной. Вера, овладев квалификацией медсёстры, поступила работать в эвакогоспиталь. Но несмотря на новую профессию, которой она, кстати, занималась бесплатно (благо дедушкины миллионы давали ей эту возможность), Мухина продолжала посвящать своё свободное время скульптуре.
В 1918 году вышла замуж за военного врача Алексея Замкова. Алексей Андреевич Замков был талантливым доктором. В отличие от своей жены Веры Игнатьевны он был человеком общительным, весёлым, компанейским, но при этом очень ответственным, с повышенным чувством долга. Вере Игнатьевне в этом смысле повезло. Алексей Андреевич неизменно принимал участие во всех её
проблемах.
Можно спорить о степени художественной талантливости Мухиной, но нельзя отрицать, что она стала настоящей «музой» целой эпохи. Она была признана выдающимся мастером XX века после того, как монумент «Рабочий и колхозница» был представлен в Париже на Всемирной выставке 1937 года. Мухина создала сложнейшее, невиданное доселе сооружение. Работали, как принято было при социализме, авралом, штурмовщиной, без выходных, в рекордно короткие сроки. Когда сварщики падали с ног, Мухина и её две помощницы сами принимались варить. В Париж было отправлено 28 вагонов «Рабочего и колхозницы», композицию разрезали на 65 кусков. Через одиннадцать дней в советском павильоне высилась гигантская скульптурная группа, вздымающая над Сеной серп и молот. Шума в прессе было много. Вмиг образ, созданный Мухиной, стал символом социалистического мифа XX века.
В 1939 году монумент был установлен недалеко северного входа на Выставку достижений народного хозяйства (ВДНХ). Скульптуру поставили на сравнительно невысоком, десятиметровом постаменте. И она, рассчитанная на большую высоту, стала «ползать по земле», — как писала Мухина. Вера Игнатьевна писала письма в вышестоящие инстанции, требовала, взывала к Союзу художников, но
всё оказалось тщетным. Так и стоит до сих пор этот гигант не на своём месте, не на уровне своего величия, живя своей жизнью, вопреки воле его создателя.
С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм».

Скульптуры Веры Игнатьевны Мухиной на марках СССР:
Скульптура "Рабочий и колхозница".1937. Выполнена для Всемирной выставки в Париже 1937г.Установлена в Москве у ВДНХ.
Памятник А.М.Горькому в Москве.1951.Скульпторы И.Д.Шадр и В.И.Мухина.
Памятник М.А.Горькому в Нижнем Новгороде.1952.
Памятник П.И.Чайковскому в Москве.1954.
Скульптура "Наука".1950-52.Москва.Здание МГУ.
А также портрет В. И. Мухиной.1940.Художник М.В.Нестеров (1862-1942).Москва.Государственная Третьяковская галерея.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 10 - Российская (Советская) Академия Художеств
Часть 11 - Скульптуры Вучетича на марках СССР
Часть 12 - Скульптуры Мухиной на марках СССР
Часть 13 - Ян Амос Коменский
Часть 14 - Скульптор Матвей Манизер
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Ян Амос Коменский (1592-1670) - чешский педагог-гуманист, писатель, общественный деятель, епископ Чешскобратской церкви, основоположник научной педагогики, изобретатель классно-урочной системы.
Признавая три источника познания — чувства, разум и веру, Коменский главное значение придавал органам чувств.
Он считал, что всеобщее образование, создание новой школы помогут воспитывать детей в духе гуманизма. Вместе с тем в определении цели воспитания у Коменского отчётливо чувствуется влияние религиозной идеологии: он говорит о подготовке человека к вечной жизни.
Стремясь сделать образование доступным всем детям, Коменский разработал классно-урочную систему обучения, которая заменила индивидуальную.
Коменский разработал единую школьную систему: материнская школа (воспитание в семье под руководством матери до 6 лет), школа родного языка для детей от 6 до 12 лет (изучение родного языка, арифметики, элементов геометрии, географии, природоведения, чтение священного писания, знакомство с важнейшими ремёслами), в крупных городах для наиболее способных учащихся с 12 до 18
лет - латинская школа или гимназия.
Основоположение 1: Образования человека надо начинать в весну жизни, т.е. в детстве. Утренние часы для занятий наиболее удобны. Всё, подлежащее изучению, должно быть распределено сообразно ступеням возраста – так, чтобы предлагалось для изучения только то, что доступно восприятию в данном возрасте.
Основоположение 2: Подготовка материала: книг и др. учебных пособий – заранее. Развивать ум ранее языка. Реальные учебные предметы предпосылать формальным. Примеры предпосылать правилам.
Основоположение3: Всеми возможными способами нужно утверждать в детях горячее стремление к знанию и учению. Метод обучения должен уменьшать трудности учения, чтобы оно не возбуждало в учениках неудовольствия и не отвращало их от дальнейших занятий.
Афоризмы:
Нет ничего труднее, как перевоспитать человека, плохо воспитанного.
Ничто притворное не может быть продолжительным.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 11 - Скульптуры Вучетича на марках СССР
Часть 12 - Скульптуры Мухиной на марках СССР
Часть 13 - Ян Амос Коменский
Часть 14 - Скульптор Матвей Манизер
Часть 15 - Скульптор Александр Кибальников
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

1. Памятник В.И.Ленину в Минске.1933 (повторно 1945).
2. Памятник Т.Г.Шевченко в Харькове.1935.
3. Памятник Т.Г.Шевченко в Киеве.1938.
4. Канев. Памятник на могиле Т.Г.Шевченко.1939.
5. Памятник В. И. Ленину в Ульяновске.1940.
6. Скульптуры метро "Площадь Революции". 1936-1939.
7.Памятник Василию Чапаеву в Куйбышеве (Самаре). 1932.
8. Памятник В. И. Ленину в Ташкенте. 1956 (передан в Самарканд в 1974).
9. Памятник И.Е.Репину в Москве.1958.

Матвей Генрихович Манизер (1891-1966) - Народный художник СССР (1958). Вице-президент АХ СССР(1947—1966). Лауреат трёх Сталинских премий (1941, 1943, 1950).
Родился в Петербурге в семье художника. Учился на математическом факультете Петербургского университета, окончил его в 1914.
Создал ряд памятников монументальной скульптуры, в том числе Т. Г. Шевченко в Харькове (1935) и Киеве (1938), В. Володарскому на проспекте Обуховской Обороны, «Жертвам 9 января 1905 года» на кладбище памяти жертв 9 января (бывшем Преображенском православном), Д. И. Менделееву во дворе Технологического института на Московском проспекте, памятник В. И. Ленину в Петрозаводске, Зои Космодемьянской в Тамбове (1947), Ивану Павлову в Рязани (1949), барельеф Пушкина на месте его дуэли и многие другие, в том числе несколько памятников Сталину (1937–1950), которые позднее были демонтированы.
Жил в Ленинграде, а с 1941 в Москве. Во время Великой Отечественной войны передал присуждённую ему Сталинскую премию в Фонд обороны.
Автор посмертной маски Сталина.
Манизер был вице-президентом Академии художеств СССР (1947–1966). Активно работал как преподаватель (в мастерских Академии и других училищах).
Семья: жена - Янсон-Манизер, Елена Александровна (1890—1971), советский художник и скульптор, сын - Гуго (1927), российский художник, профессор кафедры рисунка Суриковского института.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 12 - Скульптуры Мухиной на марках СССР
Часть 13 - Ян Амос Коменский
Часть 14 - Скульптор Матвей Манизер
Часть 15 - Скульптор Александр Кибальников
Часть 16 - Скульптор Михаил Аникушин
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Александр Павлович Кибальников (1912-1987) - Народный художник СССР, действительный член АХ СССР, лауреат Ленинской и двух Сталинских премий.
Кибальников автор памятников Н. Г. Чернышевскому в Саратове, В. В. Маяковскому в Москве, А. Н. Радищеву в Саратове, мемориального комплекса «Брестская крепость-Герой» в Бресте (совместно с А. О. Бембелем, В. А. Королём), П. М. Третьякову у Третьяковской галереи, бюста Маяковского на станции метро Маяковская, надгробных памятников В. В. Маяковскому, Н. Ф. Погодину и Братьям Васильевым на Новодевичьем кладбище.
Памятник Маяковскому на Триумфальной площади (бывшая площадь Маяковского) пользовался большой популярностью у молодёжи.Поэтические встречи у памятника Маяковскому стали традиционными. Позднее «у Маяковского» зазвучали уже не только поэтические выступления. Молодежь начала дискутировать на философские и исторические темы, обсуждать текущие политические события. Время от времени случались и политические выступления оппозиционного характера. На площади завязывались знакомства, формировались кружки – не только литературные, но и политические.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 13 - Ян Амос Коменский
Часть 14 - Скульптор Матвей Манизер
Часть 15 - Скульптор Александр Кибальников
Часть 16 - Скульптор Михаил Аникушин
Часть 17 - Луи Брайль
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Михаил Константинович Аникушин (1917–1997) - Народный художник СССР. Герой Социалистического Труда. Лауреат Ленинской премии.
Родился в Москве в семье рабочего-паркетчика. Учился в Академии художеств (1937–1941, 1945–1947).
С самого начала Великой Отечественной войны ушёл в ополчение, с ноября 1941 года воевал в рядах РККА.
Одна из наиболее известных работ скульптора — памятник А. С. Пушкину, установленный в 1957 году в Ленинграде у Русского музея.
Из других значительных его работ: памятник Ленину на Московской площади в Ленинграде, мемориал «Героическим защитникам Ленинграда», памятник Чехову в Москве, портрет космонавта Титова, скульптура Пушкина на станции метро «Пушкинская» в Ленинграде.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 14 - Скульптор Матвей Манизер
Часть 15 - Скульптор Александр Кибальников
Часть 16 - Скульптор Михаил Аникушин
Часть 17 - Луи Брайль
Часть 18 - Рисунки детей
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Луи Брайль (1809-1852) - французский педагог, разработавший шрифт для слепых.
В 3-летнем возрасте Брайль ослеп в результате воспаления глаз, начавшегося от того, что мальчик поранился шорным ножом (подобие шила) в мастерской отца.
В 10 лет Луи отдали в Королевский институт для слепых детей, где он научился играть на пианино и органе.
Луи Брайль был одним из способнейших воспитанников института, и в 1828 г. ему после окончания учебы было предложено остаться работать младшим учителем-репетитором, затем он преподавал географию, алгебру и музыку, работая одновременно органистом в парижской церкви Сен-Николя де Шан.
Учась в Парижском институте, Луи Брайль познакомился с методом письма выпуклыми буквами Хауи и с методом, разработанным артиллерийским офицером Шарлем Барбье для посылки сведений в ночное время. Буквы представляли собой пробитые в картоне дыры, и послание можно было «прочесть» прикосновением. Изобретение Барьбе было непрактичным. Кроме того, символы букв были слишком большими для детских пальцев. Тем не менее эта система дала Брайлю творческий импульс, он задумал создать систему рельефно-точечной письменности, которая была бы удобной для восприятия на осязание, позволяла точно отражать все особенности того или иного языка, записывать цифры, химические и физические знаки, ноты.
И в 1829 году разработал используемый до настоящего времени во всём мире рельефно-точечный шрифт незрячих (шрифт Брайля). А так как он был талантливым музыкантом, Брайль кроме букв и цифр на основе тех же принципов разработал нотопись и преподавал музыку незрячим.
В первые годы изобретение Брайля игнорировали. Оно не было официально принято во Франции вплоть до 1853 г., то-есть спустя год после смерти Брайля от туберкулеза. Но в конечном счете во всем мире было признано, что разработанная Брайлем система письменности для слепых - наилучшая. Им также был создан специальный прибор для письма; этот прибор с небольшими изменениями дошел до нашего времени. В России первая книга по системе Брайля была издана в 1885г. В 1898 году начал выходить первый в России журнал по Брайлю под названием "Досуг слепых".
Луи Брайль был похоронен в родном городке Кувре. В домике, где он родился и провел детские годы, открыт музей, а улица, которая ведет к дому, названа его именем. К 100-летию смерти, в 1952 году прах Брайля был торжественно перенесен в парижский Пантеон.
В честь памяти Брайля и его изобретения было выпущено огромное количество почтовых марок. Некоторые из них иллюстрированы в этом посте.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 15 - Скульптор Александр Кибальников
Часть 16 - Скульптор Михаил Аникушин
Часть 17 - Луи Брайль
Часть 18 - Рисунки детей
Часть 19 - Архитектор Воронихин
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Психологи утверждают, что рисунок для ребенка — не искусство, а его речь: он "говорит" о вещах, ситуациях с помощью картинок, пока его речь — и устная и письменная — еще бедна и несовершенна. И эта роль рисунка сохраняется лет до десяти, пока не появится ряд иных средств выражения, а собственные рисунки не покажутся ребенку смешными и неуклюжими. Но от пяти до десяти лет — это "золотой век" детского рисунка.
Девочки, как правило, рисуют необыкновенные наряды и букеты цветов, а мальчики, не могут устоять перед искушением приукрасить образ техническими атрибутами.
На марках изображены рисунки детей возрастов 5-10 лет, отобранные на конкурсах. Возможно многие из этих детей сегодня уже маститые художники. Глядя на рисунки детей, не всегда ясно, что это детские рисунки, а не рисунки взрослых художников для детей.
Они поражают своим видением мира и талантом. Взрослые всегда с восторгом воспринимают детское творчество возможно потому, что сами уже утратили эту непосредственность и это восприятие мира. Но среди детей бывают и такие самородки, произведения которых находятся на уровне взрослых талантов. Примером таких художников можно назвать Надю Рушеву и Сашу Путря. К несчастью слишком короткую жизнь прожили эти девочки, но оставили неизгладимый след в искусстве.

Надя Рушева начала рисовать с пяти лет, причем никто не обучал её рисованию. В семилетнем возрасте, будучи первоклассницей, она, за один вечер, нарисовала 36 иллюстраций к «Сказке о царе Салтане» Пушкина, за то время, пока отец читал эту её любимую сказку вслух. В мае 1964 года состоялась первая выставка её рисунков, организованная журналом «Юность» (Надя училась в пятом
классе). После этой выставки в том же году в журнале появились первые публикации её рисунков, когда ей было всего 12 лет. За следующие пять лет её жизни состоялось пятнадцать персональных выставок в Москве, Варшаве, Ленинграде, Польше, Чехословакии, Румынии, Индии. Среди её работ — иллюстрации к мифам Древней Эллады, произведениям Пушкина, Л. Н. Толстого, Михаила Булгакова. Всего были проиллюстрированы произведения около 50 авторов. Её рисунки рождались без эскизов, всегда рисовала враз, набело и она никогда не пользовалась стирательной резинкой. «Я их заранее вижу… Они проступают на бумаге, как водяные знаки, и мне остаётся их чем-нибудь обвести», — говорила Надя. Надя умерла в возрасте 17 лет. В истории она осталась взрослым ребенком. В
точности как ее любимый персонаж – Маленький Принц.

Саша Путря - юная художница из Полтавы. За свою короткую жизнь создала 2279 работ — 46 альбомов с рисунками, шаржами и стихами, чеканки, вышивки, поделки из пластилина, мягкие игрушки, изделия из бусинок и разноцветных камушков, выжигание по дереву. Делала даже технические чертежи, которые должны были, по её мнению, помочь взрослым достичь Луны и сделать асфальтовое покрытие дорог без трещин. Умерла в возрасте 11 лет от лейкемии. С 1989 по 2005 года состоялось 112 персональных выставок Саши Путри в 10 странах.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 16 - Скульптор Михаил Аникушин
Часть 17 - Луи Брайль
Часть 18 - Рисунки детей
Часть 19 - Архитектор Воронихин
Часть 20 - Русские сказки на марках СССР
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Андрей Никифорович Воронихин (1759–1814) - русский архитектор и живописец, один из основоположников русского ампира.
Родился в семье крепостных графа А. С. Строганова, бывшего долгое время президентом петербургской Академии художеств.
В среде современников архитектора ходили слухи о том, что он являлся внебрачным сыном графа Александра Сергеевича Строганова (1733-1811) от связи с коми-пермячкой Марфой Чероевой, но серьёзных обоснований этого нет.
Талант юноши привлёк внимание Строганова, и в 1777 году граф отправил Воронихина учиться в Москву. Предположительно учителями Воронихина были В. И. Баженов и М. Ф. Казаков. С 1779 года Воронихин работал в Петербурге. В то же время Андрей не оставлял и живописи. В часы, свободные от занятий архитектурой, он писал миниатюрные портреты на эмали, делал зарисовки архитектурных
пейзажей и в целях заработка выполнял в Троице-Сергиевой лавре мелкие заказы по росписи и реставрации фресковой живописи.
Воронихин жил во дворце Строганова и стал в Петербурге своим человеком, быть может, гласно и непризнанным родственником, но не чужим в доме графа. Он приглашался даже на балы и званые обеды, которые устраивались в залах роскошного, богато обставленного Строгановского дворца на углу Мойки и Невского проспекта. Андрей постоянно сопровождал Павла Строганова, сына графа, а в 1785
году граф А.С. Строганов отправил гувернера Ромма и обоих мальчиков в долгое путешествие по России. К этому времени (в 1785 году) граф дал Андрею "вольную" и Воронихин перестал быть крепостным.
За время путешествий Ромм, А.Воронихин и П.Строганов побывали в Москве, затем на Украине, посетили Киев, и отправились дальше на юг России, на берега Черного моря, где исполнили цикл пейзажных акварелей и рисунков. А после многолетних разъездов по России начались сборы в долгосрочную, на несколько лет, поездку за границу. В 1786 году граф снарядил всех троих в полном
достатке и морским путем отправил во Францию. Молодые люди посетили также и Германию, а продолжать и совершенствовать художественное образование уехали в Швейцарию, где поселились в пятикомнатных покоях на одной из лучших улиц Женевы. Они изучали не только архитектуру, но и механику, математику, физику, естественные науки. Два года юноши провели в Женеве, а в 1789
году переехали в Париж. Целые дни и вечера Андрей Воронихин проводил в библиотеке. Здесь Андрей Воронихин, испытав влияние французских зачинателей ампира и окончательно утвердился в решении быть архитектором.
Революционные события, происходившие в то время в Париже, захватили их. Ромм стал одним из ведущих деятелей революции и вошел в Конвент. Именно он предложил свой календарь, знаменитый календарь Франции - великой республики. Однако в скором времени по требованию старого графа был вызван из Оверни его сын Павел, а следовательно, вместе с ним и Воронихин. Ромм сердечно распрощался со своими друзьями. Позднее он был казнен на гильотине 9 термидора, но до последних минут своей жизни тепло вспоминал их обоих.
В 1797 году Совет Академии присудил Воронихину звание академика перспективной живописи за картину с изображением на ней построенной им дачи Строганова на Чёрной речке в Петербурге. Звание академика архитектуры Воронихин получил в 1800 году за проект колоннад в Петергофе. С 1802 года он был профессором Академии художеств.
Главным творением Воронихина стал собор в честь иконы Казанской Божией Матери в Санкт-Петербурге. Императору Павлу I хотелось видеть здесь храм, напоминающий римский собор Святого Петра. Павел согласился с представленным проектом, кроме постройки колокольни и дома для церковнослужителей. Вычеркнув эти расходы, он учинил надпись: "Кроме сих статей, быть по сему". Но
11 марта Павла I убили заговорщики, и 27 марта 1801 года строительство началось уже при новом императоре. Через две недели после закладки первого камня собора Александр I поехал в Москву короноваться в Кремле. Ни Воронихин, ни граф Строганов не участвовали в этом торжестве.
Воронихин предложил решение, которое отвечало задачам градостроительства. Он поставил здание, отступив от линии Невского проспекта. Площадь, которая образовалась перед зданием, была ограничена вдоль дальней стороны мощной коринфской колоннадой и благодаря этому являлась своего рода парадным подъездом к зданию. Красота и парадность главной улицы города, Невского
проспекта, таким образом, даже подчеркивались. В конструкциях купольного перекрытия Воронихин впервые в России использовал чугун и железо. Строгость общего замысла сочетается с пышностью декоративного убранства. Собор образует в плане латинский крест Постройка Казанского собора явилась крупным архитектурным событием не только в жизни Воронихина, а еще в большей мере -
самого города Петербурга.
Собор в честь Казанской иконы Божьей Матери в Санкт-Петербурге освятили в мае 1811 года. Общее мнение было единым - это сооружение, грандиозное по замыслу и великолепное по исполнению, является одним из самых замечательных и самых оригинальных в Европе. По случаю освящения храма Воронихин был пожалован орденом Св. Анны и пенсией. После победы над наполеоновской армией в соборе разместили 105 знамён французских войск, ключи от взятых городов и другие трофеи. Уже после смерти Воронихина композицию площади дополнили два скульптурных монумента - памятники знаменитым русским полководцам Кутузову и Барклаю-де-Толли (1828-1836, скульптор Б.И. Орловский).
В 1801 году Воронихин женился на 31-летней Марии Фёдоровне Лонд (1770-1822) — англичанке и чертёжнице, проработавшей с ним около десяти лет и служившей гувернанткой в доме Строгановых. Чтобы заключить семейный союз, Воронихину пришлось собрать кучу всяких бумаг, так как Мэри не захотела переходить в православие. После свадьбы молодожёны покинули дом Строгановых и
переехали в собственную квартиру. У супругов было шесть сыновей: двое умерли в детстве, остальные, за исключением Константина, тоже прожили очень немного. Потомства после себя они не оставили.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 17 - Луи Брайль
Часть 18 - Рисунки детей
Часть 19 - Архитектор Воронихин
Часть 20 - Русские сказки на марках СССР
Часть 21 - Журнал Вокруг Света
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Журнал «Вокруг света» - это один из первых журналов в России вообще и один из первых журналов в мире на познавательную тематику. Он был основан в Санкт-Петербурге в 1861 году и с того времени практически без перерывов издаётся на протяжении уже полутора веков. За это время журнал прошел несколько этапов от географического и туристического журнала к познавательному изданию, охватывающему широкий круг тем. «Вокруг света» публикует новые взгляды на известные исторические события, рассказы о знаменитых людях и их судьбах, информацию о новых научных открытиях и технических достижениях. Большую часть материалов составляют репортажи, подготовленные специально для журнала.
Дореволюционный журнал характеризовался демократическим направлением. На его страницах рассказывалось о путешествиях Пржевальского, Миклухо-Маклая, Обручева; журнал впервые познакомил русского читателя с произведениями Жюль Верна, Эдгара По и многих других.
В советское время журнал выходил массовыми тиражами: например, в 70-х годах – около 2.5 млн. Но и такого количества не хватало всем желающим.
С 1961 года начало издаваться литературное приложение к журналу – «Искатель», где публиковались приключенческие и фантастические произведения. Среди авторов были Рэй Брэдбери, Франсис Карсак, Роберт Шекли, Айзек Азимов, Станислав Лем, Артур Кларк, Роберт Хайнлайн, Клиффорд Саймак, Лазарь Лагин, Кир Булычёв и другие.
Для простых советских людей это была одна из считанных возможностей одним глазком заглянуть за «железный занавес». Хотя, конечно, информация о зарубежных странах, которую публиковали в те годы, тоже подчинялась общей идеологической линии. Скажем, художественные произведения об Америке непременно содержали разоблачение козней ФБР, описание дискриминации чернокожих и
других преступлений «коварного дяди Сэма».

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 19 - Архитектор Воронихин
Часть 20 - Русские сказки на марках СССР
Часть 21 - Журнал Вокруг Света
Часть 22 - Архитектор Захаров
Часть 23 - Государственный ансамбль народного танца СССР
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Сказки входят в жизнь человека в раннем детстве и остаются с ним на всю жизнь.
Русские народные сказки появились давно и передавались из уст в уста, дожив, таким образом, до времен, когда возникла письменность.
Мир русской народной сказки своеобразен и загадочен. В нем можно повстречать и простых людей, купцов да купчих, царей да их дочерей, и вымышленных героев, среди которых Баба Яга - пожалуй, один из самых колоритных персонажей. Встречаются в русских народных сказках и звери разные, иногда даже волшебные.
Если русская народная сказка прочитывается взрослым человеком, она может восприниматься как своеобразная притча. Если читаете сказку своим маленьким деткам, необходимо каждый раз останавливаться на том, какой смысл заключен в повествовании. Ведь жанр сказки далеко не развлекательный, несмотря на присутствие в нем вымышленных персонажей и волшебных элементов. Прежде всего, русская народная сказка должна воспитывать и поучать.
Ещё Пушкин закончил "Сказку о золотом петушке" народной пословицей: “Сказка ложь, да в ней намек, добру-молодцу урок”.
Необычная форма для поучения выбрана для того, чтобы читателю и слушателю было максимально интересно воспринимать все происходящее и делать необходимые выводы, возможно, даже самые неожиданные.
Есть мнение, что миром правят большие иллюзии, а вовсе не вульгарные экономические законы. Недаром нищие и голодные, но воодушевленные какой-то фантастической идеей нередко побеждали вполне сытых и более оснащенных в материальном плане. Так всегда было в русских народных сказках. Иллюзия, мечта, сказка – вот альфа и омега общественного и личного бытия. Пушкин, Лермонтов, Жуковский, верили в в преображающую силу сказок и видели в сказке отражение души русского народа. Вот и стал русский народ превращать сказку в быль, и петь "Мы рождены, чтоб сказку сделать былью..." Потом правда выяснилось, что мы рождены, чтоб Кафку сделать былью.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 18 - Рисунки детей
Часть 19 - Архитектор Воронихин
Часть 20 - Русские сказки на марках СССР
Часть 21 - Журнал Вокруг Света
Часть 22 - Архитектор Захаров
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Андреян Дмитриевич Захаров (1761-1811) — архитектор, академик Петербургской Академии художеств.
Родился в семье служащего Адмиралтейств-коллегии. С 1767 года учился в художественном училище при Петербургской Академии художеств, с 1782 — в Академии, в 1782–1786 годах продолжил учёбу в Париже. По возвращении в Россию стал преподавать в Академии художеств, в 1794 году получил звание академика.
В конце 1799 года указом Павла I Захаров был назначен главным архитектором Гатчины, загородной резиденции императора, где проработал почти два года. Среди первых работ — «Львиный мост», «Ферма», «Птичник» в Гатчине, а также проект застройки Васильевского острова в Петербурге.
В 1805 году Захаров получил должность главного архитектора Морского ведомства. Первым проектом архитектора в новой должности стала перестройка здания Адмиралтейства в Санкт-Петербурге. Сохранив конфигурацию плана уже существовавшего здания (архитектор И.К. Коробов), Захаров создал новое, грандиозное сооружение, придав ему величественный архитектурный облик и подчеркнув его центральное положение в городе (главные магистрали сходятся к зданию тремя лучами). В центре здания — монументальная башня со шпилем, Адмиралтейская игла, ставшая символом города. Захаров сохранил старый шпиль Адмиралтейства. Композиция двух крыльев фасада, симметрично расположенных по сторонам башни, построена на сложном ритмическом чередовании простых и чётких объёмов. Никому до него не удавалось осуществить в таких размерах и с такой силой идею здания массива, господствующего в обширном городском ансамбле и выражающего высокую идею в столь ясных и цельных образах. Адмиралтейство в этом отношении представляет собой явление исключительное во всей архитектуре нового времени, а его автор по праву занимает одно из равных мест среди великих мастеров зодчества, классиков отечественного и мирового искусства.
Сегодня без Адмиралтейства невозможно представить себе панораму невских берегов. Творение Андреяна Дмитриевича стало архитектурным символом города на Неве.
Ему не суждено было увидеть законченным ни одного своего крупного произведения. Смысл жизни Захаров видел только в работе. Видимо, поэтому он не обрел семейного счастья, оставаясь холостяком до конца своих дней.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 20 - Русские сказки на марках СССР
Часть 21 - Журнал Вокруг Света
Часть 22 - Архитектор Захаров
Часть 23 - Государственный ансамбль народного танца СССР
Часть 24 - Ленинка
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

В 1937 году молодой хореограф Большого театра Игорь Моисеев из сотни танцоров отобрал для своей первой труппы тридцать пять артистов, большая часть из которых – танцоры-любители. Так родился первый в мире ансамбль народного танца. В основе легендарных произведений великого хореографа стоит именно танцевальный фольклор разных народов мира. Впервые на большой сцене были
исполнены русская «Полянка», белорусский «Крыжачок», украинская «Метелица», осетинский «Симд», нанайский танец-игра «Борьба двух малышей», грузинский танец-дуэт «Лекури» - в общей сложности было поставлено двенадцать номеров, многие из которых исполняются ансамблем и по сей день! Но тогда, в 30-е годы ХХ века это был фурор! Ансамбль в одночасье стал уникальным явлением в хореографическом искусстве, обогатив своим творчеством не только российскую и зарубежную хореографическую культуру.

Игорь Александрович Моисеев (1906-2007) - основатель и бессменный руководитель Государственного академического ансамбля народного танца. Народный артист СССР (1953).Герой Социалистического Труда (1976). Лауреат Ленинской (1967), трёх Сталинских (1942, 1947, 1957) и Государственной премии СССР (1985).
Родился в Киеве. Отец — Моисеев Александр Михайлович, адвокат. Мать — Грэн Анна Александровна, модистка, из семьи румынских евреев. Единственный сын в семье. В детстве несколько лет жил во Франции. Свободно говорил по-французски.
Учился в Москве в частной балетной студии (1920), в Хореографическом техникуме (1921—1924). После окончания техникума в 1924 году был принят в труппу Большого театра. В 1931 стал солистом. Уже в 1930 году начал работать балетмейстером. Был постановщиком ряда физкультурных парадов на Красной площади.
В 1937 году, заручившись поддержкой председателя СНК СССР Молотова, создал первый в стране профессиональный ансамбль народного танца (Государственный ансамбль народного танца СССР).
Игорь Александрович прожил долгую и насыщенную жизнь. Он играл в бильярд с Маяковским, увел невесту у сына маршала Конева, 18 раз отказывался вступать в компартию. В 24 года ставил спектакли в Большом театре. В 31 год организовал свой ансамбль танца. Француженки после его выступления в Париже в 1955 году надели сапоги и шапки а-ля кубанский казак. У Моисеева всегда было много интересов. Он много лет собирал марки, увлекался шахматами, читал книги по философии, играл в бильярд и любил раскладывать пасьянсы.
Был женат трижды. Все жёны были ведущими солистками ансамбля. Дочь Ольга (1943) — Наследница ансамбля, Заслуженная артистка России, Ведущая солистка ансамбля, Педагог-репетитор. Внук Владимир (1963) — Наследник ансамбля, Заслуженный артист Росcии, солист Большого театра. Правнук Игорь (1987) и правнучка Ева (2007) — Наследники ансамбля.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 21 - Журнал Вокруг Света
Часть 22 - Архитектор Захаров
Часть 23 - Государственный ансамбль народного танца СССР
Часть 24 - Ленинка
Часть 25 - Скульптор Иван Шадр
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Государственная библиотека СССР им. В. И. Ленина, «Ленинка» создана на основе библиотеки Румянцевского музея.
В библиотеке представлены редчайшие рукописные книги, издания славянских первопечатников Скорины, Фёдорова, Мстиславца, архивы Гоголя, Тургенева, Чехова, Блока, Булгакова и др.
По «Закону об обязательном экземпляре документов» библиотека являлась местом хранения обязательного экземпляра всей выходящей в СССР (а теперь России) печатной продукции.
История библиотеки.
В 1839 году городская казна приобрела дом у обедневших наследников Пашкова. В нем размещался Дворянский институт, а затем городская гимназия. В дальнейшем здание было снова «перепрофилировано» и приняло на себя музейные функции на основе коллекций и библиотеки государственного канцлера графа Николая Румянцева. Политик, библиофил, ценитель древностей, он завещал все собранное им «на пользу Отечеству и благое просвещение». Крылатые слова ныне выбиты над входом в Румянцевский читальный зал в Доме Пашкова.
Дом Пашкова — одно из самых красивых и знаменитых зданий Москвы. Шедевр архитектуры классицизма, построенный по заказу Петра Пашкова, разбогатевшего сына денщика Петра I. Распространено мнение, что автор проекта — Василий Баженов. Никаких письменных свидетельств не сохранилось.
В мае 1862 года в Доме Пашкова распахнули двери Московский публичный (его базу составило собрание Московского университета) и Румянцевский музеумы. В этом же году здесь начала работу и Румянцевская публичная библиотека. Одним из ее читателей в течение сорока лет был Лев Толстой.
Императорская семья преподнесла поистине царский подарок: часть своих личных библиотек, произведения декоративно-прикладного искусства и живописи, в том числе и «Явление Христа народу» Александра Иванова. Александр II приобрел его спустя несколько часов после смерти художника. Долгое время гигантское полотно экспонировалось в мало приспособленном для этого помещении музея. В 1914 году рядом с Пашковым домом построили здание картинной галереи со стеклянной кровлей. Оно считалось «временным», но отвечало самым высоким экспозиционным требованиям. В нем размещался и специально обустроенный для показа шедевра Ивановский зал. Казалось, вся Москва вознамерилась увидеть знаменитую картину. Много дней не иссякал поток посетителей.
Оборудовали кабинет Толстого, просуществовавший до 1939 года. В нем находились рукописи писателя, которые в свое время Румянцевскому музею передала Софья Андреевна Толстая.
6 февраля 1925 года Библиотека Государственного Румянцевского музея была преобразована в Государственную библиотеку СССР им. В. И. Ленина. Огромное количество книжных поступлений и высокий статус (о чем говорит присвоенное ей имя вождя), требовали нововведений. В первую очередь — расширения площадей. В 1926 году Совнарком признал «существующее здание Ленинской
библиотеки несоответствующим ее работе и значению». В 1927—1929 годах в три этапа прошел конкурс на лучший проект. В итоге предпочтение отдали проекту знаменитых советских архитекторов Владимира Гельфрейха и Владимира Щуко, в конкурсе, кстати, не участвовавших. Их работа более всего впечатлила тогдашнего директора Ленинки Владимира Невского — по образованию историка,
профессора Московского университета, в прошлом профессионального революционера. Его расстреляли в тридцать седьмом как врага народа.
Новое здание стало эталоном «сталинского» стиля в зодчестве. Авторы сумели объединить в одно художественное целое советский монументализм и неоклассические формы, востребованные в русском зодчестве. И потому их творение гармонично вписалось в архитектурное окружение — Кремль, Московский университет, Манеж, Дом Пашкова.
Здание щедро украшено. Между пилонами фасада расположились бронзовые барельефы с изображением властителей духа — ученых, мыслителей, писателей. Архимед, Коперник, Галилей, Ньютон, Ломоносов, Дарвин, Пушкин, Гоголь. Скульптурный фриз над главным портиком выполнен в основном по рисункам академика архитектуры и театрального художника Владимира Щуко. В оформлении Всесоюзной библиотеки имени Ленина приняли участие такие мастера, как Матвей Манизер, Надежда Крандиевская, Вера Мухина, Сергей Евсеев.
Одна из первых станций Московского метро, открытая 15 мая 1935 г., получила и носит название "Библиотека имени Ленина".
Во время войны в «старом здании Государственной библиотеки имени В. И. Ленина» (так в советское время называли Дом Пашкова) работал общий читальный зал. Одна из сотрудниц — Зоя Колчина — вспоминала, что «научные работники, кандидаты наук и профессора размещались на левых хорах, военнослужащие — офицерский состав — на правых... В библиотеке было тепло, светло и очень уютно, на длинных столах отсвечивали зеленые абажуры ламп... Механизация подачи требований и книг была примитивной, но она нас выручала. Книги и газеты из основного хранения пересылались в фанерном ящике (мы его прозвали антилопой), скользящим на роликах по воздушному канату до приемника старого здания».
Библиотека сегодня. Для хранения 42 млн экземпляров используются помещения по площади равные 9-ти футбольным полям, но и этого сегодня недостаточно. Ежедневно в гардероб Государственной библиотеки выстраиваются многочасовые очереди. Залы переполнены.
Ленинка сегодня больше образовательное учреждение, чем культурное. Чем больше развивается электронное чтение, тем меньше потребность в библиотеках, чьи фонды фактически все доступны в сети. Библиотека это уже не место, где только дают книги, это должен быть дом культуры в старом понимании.
Тем не менее всё меняется, а Ленинка остаётся.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 22 - Архитектор Захаров
Часть 23 - Государственный ансамбль народного танца СССР
Часть 24 - Ленинка
Часть 25 - Скульптор Иван Шадр
Часть 26 - Московский международный кинофестиваль
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Шадр (Иванов) Иван Дмитриевич (1887-1941) - русский советский художник, скульптор-монументалист, представитель направления «академический модерн».
Биография Шадра характерна для многих талантов, выходцев из простых семей, много учившихся, много скитавшихся и в конце концов добившихся большой славы. Ему даже довелось учиться у знаменитых французских скульпторов Родена и Бурделя.
Родился в городе Шадринске (ныне Курганской области) в многодетной (14 детей) семье столяра.
В 1898 году Ваню отвезли в Екатеринбург на фабрику купцов Панфиловых, где он был сначала мальчиком на побегушках, потом сторожем и грузчиком. В 1901 году Иван сбежал с фабрики. Без всякой подготовки он успешно сдал экзамен по рисунку в Екатеринбургскую художественно-промышленную школу, где учился до 1906 года.
Летом 1907 года Иван Шадр вместе с сокурсником Петром Дробышевым отправился странствовать по России, по тем местам, где побывал в своё время Максим Горький. В столице, после неудачной попытки поступить в Академию художеств, Иван подрабатывал, в частности, уличным пением. Однажды его голос услышал режиссёр Александрийского театра М. Е. Дарский, который принял живое участие в судьбе юноши. Он помог Ивану поступить на Высшие драматические курсы Санкт-Петербургского театрального училища, учиться на певца. В училище И. Шадр продолжал рисовать и занимался скульптурой. Его рисунки попали к И. Е. Репину, который дал им высокую оценку.
В столице Иван прожил до 1908 года, затем год служил в Русской армии.
В 1910 году Иван уехал за границу.
В 1919 году Сибирский кадетский корпус заказал Ивану Шадру памятник своему воспитаннику генералу Корнилову. В том же году скульптор готовит проект коронования адмирала Колчака, а также проект памятника в честь освобождения Сибири. Кроме того, колчаковским правительством Шадру было поручена разработка эскизов денежных знаков серии "Возрождение России". Однако эти проекты так и остались нереализованными, так как в ноябре 1919 года Омское правительство бежало из Омска и город был занят частями Красной Армии.
Шадр является автором скульптур так называемых «денежных мужиков» — фигур рабочего, крестьянина, красноармейца и сеятеля (гипс, 1922, Русский музей; бронзовые отливки — в Третьяковской галерее), созданных по заказу Гознака для воспроизведения на банкнотах.
Первые три скульптуры стали основой для стандартных выпусков почтовых марок РСФСР и СССР.
Эти изображения были знакомы всем гражданам СССР того времени, ведь они были в миллионных тиражах на деньгах, облигациях, марках, плакатах и т.д. Это образы того времени. И всё-таки не покидает ощущение, что это роботы: человек-рабочий, человек-крестьянин, человек-красноармеец. Вспоминается фильм "Мёртвый сезон", в котором немецкий учёный-фашист проводил опыты по
созданию таких людей: человек-пекарь, человек-шофёр, т.е. рабочую скотину.
В 1927 году Шадр создаёт свою самую знаменитую скульптуру «Булыжник — оружие пролетариата». Гипсовая версия хранится в Третьяковской галерее. Версия из бронзы установлена в Москве на площади Краснопресненская застава.
В 1939 году создал скульптуру А. М. Горького в образе Буревестника (бронза, Третьяковская галерея). В том же году он подготовил более классическую модель памятника Горькому. Однако этот памятник был сооружён у Белорусского вокзала в Москве уже после смерти Ивана Дмитриевича скульптором В. И. Мухиной. За этот памятник Иван Дмитриевич посмертно удостоен Сталинской премии.
Иван Шадр был автором макета ордена Ленина.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 23 - Государственный ансамбль народного танца СССР
Часть 24 - Ленинка
Часть 25 - Скульптор Иван Шадр
Часть 26 - Московский международный кинофестиваль
Часть 27 - Скульптор Александр Рукавишников
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Московский международный кинофестиваль - второй старейший киносмотр мира (после Венецианского кинофестиваля). Впервые состоялся в 1935 году по протекции Сталина. Первый Московский кинофестиваль открывал фильм «Чапаев». Первый приз был присужден фильмам «Чапаев» (Г. и С. Васильевы), «Юность Максима» (Г. Козинцев и Л. Трауберг) и «Крестьяне» (Ф. Эрмлер). Второй
приз получил Рене Клеру за фильм «Последний миллиардер», а третью премию — мультфильмы Уолта Диснея. В последующие годы не проводился. Возобновлён в 1959 году, стал проводиться каждые два года. С этого года началось регулярное проведение Московских международных кинофестивалей под лозунгом «За гуманизм киноискусства, за мир и дружбу между народами».
За время проведения Московского кинофестиваля его победителями стали многие кинофильмы. В том числе советские:в 1959 году — «Судьба человека» С. Бондарчука, 1961 — «Чистое небо» Г. Чухрая, 1965 — «Война и мир» С. Бондарчука, 1967 — «Журналист» С. Герасимова, 1973 — «Это сладкое слово — свобода» В. Жалакявичуса, 1985 — «Иди и смотри» Э. Климова. Старшее поколение помнит все эти фильмы. Они стали классикой советского кино.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 24 - Ленинка
Часть 25 - Скульптор Иван Шадр
Часть 26 - Московский международный кинофестиваль
Часть 27 - Скульптор Александр Рукавишников
Часть 28 - Артист цирка Владимир Дуров
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Александр Иулианович Рукавишников (1950) - Народный художник России, член президиума, действительный член Российской академии художеств, профессор.
Александр Рукавишников - третий в династии потомственных скульпторов, единственный российский мастер, вошедший в тридцатку лучших скульпторов мира. Самые известные его работы : памятники Владимиру Высоцкому (Ваганьковское кладбище), Юрию Никулину (возле цирка на Цветном), Владимиру Набокову (в Монтрё, Швейцария), Николаю Старостину, Льву Яшину, Федору Достоевскому, Эдуарду Стрельцову, Ивану Ярыгину, Василию Татищеву (Тольятти), также "Нулевой километр" (Красная площадь), Кириллу и Мефодию, Борису и Глебу - единственный в мире двойной конный, князю Кропоткину, Рахманинову (два в разных городах), воинам-интернационалистам в Мадриде, композицию "Мама" в Сеуле.

Памятник Юрию Никулину (2000 г.) около цирка на Цветном бульваре отлит из бронзы. Знаменитый кабриолет из фильма «Кавказская пленница» в немного уменьшенном масштабе. Рядом с правой дверцей кабриолета стоит Юрий Никулин в своем коротеньком клоунском пиджачке и шляпе-канотье.
Скульптура весит более 3,5 тонн. Машину отливали в Минске, а фигуру Никулина, как более сложную — в Италии.
Идея памятника в таком виде родилась не сразу. Поначалу были другие варианты. Более цирковые — с трапециями, и грустные — уходящий Никулин и приспущенный занавес. Но остановились на этом, объединяющим кино и цирк.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 25 - Скульптор Иван Шадр
Часть 26 - Московский международный кинофестиваль
Часть 27 - Скульптор Александр Рукавишников
Часть 28 - Артист цирка Владимир Дуров
Часть 29 - Скульптор Анна Голубкина
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Владимир Леонидович Дуров (1863-1934) — российский дрессировщик и цирковой артист. Вместе с братом Анатолием Леонидовичем (1864-1916) - родоначальник известной цирковой династии.
Отец его, Леонид Дмитриевич, был полицейским приставом Тверской части. Мать умерла, когда мальчику исполнилось 6 лет: отец запил и вскоре умер. Владимира и его брата Анатолия принял на воспитание их крестный отец, адвокат Захаров. Он был богат и к мальчикам относился хорошо: устроил в Первый кадетский корпус, брал с собой в театр. Но братья увлеклись цирком.
Учился в военной гимназии, но оставил ее и ушёл в цирк.
На арене с 1879 года. Начинал артистическую карьеру как силач, звукоподражатель, иллюзионист, художник-моменталист, куплетист и клоун. С 1887 стал выступать как клоун-дрессировщик и сатирик.
Дрессировку животных построил на кормлении, то есть вырабатывании условных рефлексов путем поощрения: животное получало еду за сделанный трюк. Изучал труды Сеченова и Павлова, положил их научные открытия в основу своего метода дрессировки.
Для заработка в 1912 году открыл в своем доме, театр живого уголка, который позже стал называться «Уголок Дурова» (ныне театр им. В. Л. Дурова и «Уголок дедушки Дурова») и давал платные представления с животными. Там он придумал уникальный номер «Мышиная железная дорога».
В 1919 году «Уголок Дурова» открылся уже не как частный театр, а государственный, хотя самому Дурову было разрешено и дальше проживать в его бывшем, но потом национализированном помещении.
После смерти Владимира Леонидовича «Уголок Дурова» возглавляли его внук тоже дрессировщик Юрий Дуров, после его смерти руководство приняла на себя сначала племянница, а затем, после ее смерти, дочь Юрия Дурова, Наталья Юрьевна Дурова.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 26 - Московский международный кинофестиваль
Часть 27 - Скульптор Александр Рукавишников
Часть 28 - Артист цирка Владимир Дуров
Часть 29 - Скульптор Анна Голубкина
Часть 30 - Александр Довженко-кинорежиссёр под контролем и опекой Сталина
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Анна Семёновна Голубкина (1864-1927) - российский скульптор.
Родилась в уездном городе Зарайске Рязанской губернии. Дед ее в молодости был крепостным, в конце концов сумел откупиться на волю и поселился в Зарайске, занявшись огородничеством. Отец рано умер, и она все детство и юность вместе с матерью, братьями и сестрами проработала на семейном огороде.
Никакого – даже начального – образования у Анны Голубкиной не было. Разве что дьячок обучил ее грамоте... Много книг перечитала она в детстве, и тогда же начала лепить глиняные фигурки. Местный учитель рисования уговаривал ее серьезно учиться. Родные этому не препятствовали, но сама Аннушка понимала, что значит для крестьянской семьи лишиться работника. Поэтому прошло много времени, прежде чем она решилась покинуть родной Зарайск.
Анне было двадцать пять лет, когда она, по-деревенски повязанная платком, в черной сборчатой юбке, приехала в Москву и поступила в Училище живописи, ваяния и зодчества. «В мастерской между античных слепков, строгая и величавая, она выглядела, как мифическая древняя пророчица-сивилла», – вспоминал учившийся вместе с ней С. Т. Коненков.
Позднее она перешла в Петербургскую Академию художеств. Среди ее профессоров был известный скульптор В. А. Беклемишев, сыгравший в жизни Анны Голубкиной особую роль. В письмах к родным она называла его «замечательно добрым и хорошим человеком», «крупным художником». За этими общими словами скрывалась глубокая, трагическая, безответная любовь, о которой сам Беклемишев, женатый на богатой купчихе и счастливый в семейной жизни, так никогда и не узнал.
В 1895 году Голубкина, бросив академию, уехала в Париж – продолжать образование. Со средствами ей помогли семья и Общество любителей художеств. Она поступила в академию Ф. Коларосси, но очень скоро поняла, что там господствует такое же, что и в Петербурге, салонно-академическое направление, совершенно чуждое ей по духу. Этот год оказался весьма тяжелым для молодого скульптора. Анну Семеновну мучили творческая неудовлетворенность, сомнения в верности выбранного пути, неугасшее чувство к Беклемишеву. Голубкина заболела нервным расстройством.
Вернувшись после лечебницы в Зарайск, в родную семью, Анна Семеновна немного успокоилась и стала думать о том, как жить дальше. И в конце концов решила поехать со старшей сестрой Александрой, закончившей фельдшерские курсы, в Сибирь.
Мать её умерла в конце 1898 года. Анна Семеновна долго не могла прийти в себя после этой потери и не бралась ни за какую работу, пока не вылепила по памяти ее бюст.
Вторая поездка в Париж оказалась более удачной. Работы Голубкиной увидел сам великий Роден и предложил ей заниматься под его руководством. Много лет спустя, вспоминая год работы с мэтром, Анна Семеновна написала ему: «Вы мне сказали то, что я сама чувствовала, и вы дали мне возможность быть свободной».
Работы Голубкиной, выставленные в парижском Весеннем салоне в 1899-м, имели успех. В 1901-м она получила заказ на скульптурное оформление парадного подъезда Московского Художественного театра. Выполненный ею горельеф «Волна» – мятежный дух, борющийся со стихией, – и сейчас украшает вход в старое здание МХАТа.
Еще раз она посетила Париж в 1902 году. Побывала также в Лондоне и Берлине, знакомясь с шедеврами мирового искусства. Из поездки вернулась с огромными долгами; мастерскую снять было не на что, а добывать выгодные заказы Анна Семеновна никогда не умела. Но в первые годы двадцатого века некоторые из произведений принесли ей порядочные гонорары. Но все заработанное Анна
Семеновна с удивительной щедростью раздавала нуждающимся, знакомым и незнакомым людям, жертвовала на детский сад, училище, народный театр. И даже став знаменитой, жила по-прежнему в бедности, неделями питаясь только хлебом и чаем.
Вся аскетически строгая жизнь ее была посвящена искусству. Она говорила дочери своих друзей, Евгении Глаголевой: «Если ты хочешь, чтобы у тебя из твоего писательства что-нибудь вышло, не ходи замуж, не заводи семьи. Искусство связанных не любит. К искусству надо приходить со свободными руками. Искусство – это подвиг, и тут нужно все забыть, все отдать, а женщина в семье – пленница...» И признавалась: «Кто не плачет над своей вещью, тот не творец».
Не имея своей семьи, Анна Семеновна воспитывала племянницу Веру, дочь старшего брата. Часто и подолгу жила у родных в Зарайске, помогала сестре по хозяйству, наравне со всеми работала в огороде. И это, как ни странно, ничуть не мешало ее творчеству.
Зарайск являлся одним из мест ссылки. В доме Голубкиных постоянно собирались «политически неблагонадежные лица», высланные из столиц, и местная революционно настроенная интеллигенция. Неторопливо, но заинтересованно велись за самоваром долгие разговоры о будущем России. Анна Семеновна не могла не увлечься идеей всеобщего братства, справедливости и счастья. Она даже
распространяла нелегальную литературу. Но однажды, когда речь зашла о неизбежности революционного переворота, пророчески сказала: «Страшно, как много, много крови прольется».
В 1907 ее арестовали за распространение прокламаций. Суд приговорил художницу к годичному заключению в крепости, но по состоянию здоровья ее освободили под залог. Еще долго Анна Семеновна оставалась под надзором полиции.
В 1915-м Анну Семеновну вновь настигло нервное расстройство.
Голубкина не допускала посторонних в свою душу, отказывалась позировать для портретов. На все подобные просьбы Михаила Нестерова восклицала: «Что вы! Меня писать! Да я с ума сойду! Куда мне с моей рожей на портрет! Я – сумасшедшая». Даже фотографировалась Анна Семеновна крайне неохотно. Говорила, что она не любит свое лицо и не хочет, чтобы существовал ее портрет.
«Лицо у меня актерское, резкое, не люблю его». А на редкой фотографии ее молодости – милая девушка с русой косой.
После известия об Октябрьской революции Голубкина сказала: «Вот, теперь у власти будут настоящие люди». Но вскоре узнала о расстреле двух министров Временного правительства, с одним из которых была знакома (позднее писали, что их расстреляли анархисты). И когда к ней приехали из Кремля, предлагая работу, Анна Семеновна со свойственной ей прямотой ответила: «Вы хороших людей убиваете», – и отказалась.
В 1920-1922-м Анна Семеновна преподавала в художественных мастерских, но ей пришлось уйти оттуда из-за недоброй атмосферы.
Ей было под шестьдесят, к старым недугам от постоянного недоедания и волнений прибавилась тяжелая язва желудка.
В 1923 году скульптор приняла участие в конкурсе на изготовление памятника А. Н. Островскому. Представила девять эскизов-вариантов, двум из которых были присуждены премии. Но первое место и право изготовить памятник получил другой автор – Н. Андреев. Анна Семеновна, глубоко оскорбленная, приехала в зал заседания и стала крушить свои модели: «Сравнили его Островского с моим! Гадость, и больше ничего».
Последняя работа Голубкиной – «Лев Толстой» – неожиданно явилась косвенной причиной ее смерти. В молодости Анна Семеновна однажды встречалась с «великим старцем» и, по свидетельству очевидца, о чем-то серьезно с ним поспорила. Блок, склеенный из нескольких кусков дерева, был массивен и тяжел, и Анне Семеновне двигать его нельзя было ни в коем случае после операции, перенесенной в 1922 году. Но она забыла о возрасте и болезнях: когда с деревянной махиной безуспешно воевали двое ее учеников, отстранила их плечом и со всей силой двинула неподатливое дерево. Вскоре после этого почувствовала себя плохо и заспешила к сестре, в Зарайск: «Она меня умеет лечить... Да я дня через три приеду...» Отъезд оказался роковой ошибкой. Профессор А. Мартынов, долгие годы лечивший художницу, говорил, что немедленная операция наверняка спасла бы ее.
На марке портрет Анны Голубкиной.1937.(по рисунку художника Н.П.Ульянова) И скульптурный портрет Л.Н.Толстого.1927.(последняя работа Голубкиной).Москва. Государственная Третьяковская галерея.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 27 - Скульптор Александр Рукавишников
Часть 28 - Артист цирка Владимир Дуров
Часть 29 - Скульптор Анна Голубкина
Часть 30 - Александр Довженко-кинорежиссёр под контролем и опекой Сталина
Часть 31 - Фильм Чапаев - любимый фильм товарища Сталина и всего советского народа
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Александр Петрович Довженко (1894-1956) - кинорежиссер, писатель дважды лауреат Сталинской премии (1941. 1949). Один из основоположников советского кинематографа.
Образование получил в Глуховском учительском институте (1914).
После Октябрьского переворота - актер; недолго работал в дипломатической миссии в Берлине.
С 1926 работал в кинематографе. Его дебют - фильм "Вася-реформатор" (1926), где он был автором сценария и сорежиссером.
Получил мировую известность после выхода фильмов "Звенигора" (1928), "Арсенал" (1929), "Земля" (1930). В "Земле" Довженко попытался наглядно продемонстрировать свою идею единства старого и нового, природы и техники, традиции и новаторства. Фильм был разгромлен партийной критикой. Демьян Бедный, "официальный рупор" Советской власти, напечатал в Правде статью под издевательским заголовком "Философы". После этой публикации Довженко с нервным срывом попал в больницу.
Во время работы над картиной Иван (1932) Довженко сближается со Сталиным. Они переписываются, Сталин часто принимает режиссёра у себя.
В 1939 Довженко по личному заданию Сталина (сделать фильм об "украинском Чапаеве") создал фильм "Щорс" о героике Гражданской войны.
Во время Великой Отечественной войны военный корреспондент. Поставил документальные фильмы "Битва за нашу Советскую Украину" (1943) и "Победа на Правобережной Украине" (1945).
Потрясённый зверствами, творимыми на оккупированной территории не только захватчиками, но и местными жителями, Довженко написал в 1943 году киноповесть «Украина в огне». В ней утверждалось: советские чиновники засекречивают «собственную глупость»; одно у всех оружие — «писание доносов друг на друга», а потому останутся после войны «только следователи и судьи»; советские люди «лишены умения прощать друг другу разногласия даже во имя интересов общих… У них нет государственного инстинкта… Они уже двадцать пять лет живут негативными лозунгами, отрицаниями Бога, собственности, семьи, дружбы! У них от слова «нация» осталось только прилагательное… Поэтому среди них так много изменников…» Все эти крамольные мысли были вложены, разумеется, в реплики врагов. Но разве Довженко не понимал, с чем он играет? Возможно, действительно не понимал. Он для этого был слишком свободным. После обсуждения в Политбюро ЦК КПСС, получил крайне негативную оценку Сталина и не был принят к производству. Берия предлагал расстрелять Довженко, да и дело с концом. Но приговор Сталина был изощрённее. Довженко вытурили изо всех общественных организаций, практически лишили работы и запретили возвращаться на родину (где тем временем развернулась кампания по искоренению довженковщины и вчерашние соратники стыдились знакомства с загнанным в угол гением).
После войны снял цветной фильм "Мичурин". Поэтическая картина «Жизнь в цвету», которую Довженко задумал ещё в 1944 году, в угоду идеологическим принципам была переделана в фильм «Мичурин». Фильм бесконечно изменялся и перемонтировался в попытках удовлетворить требования цензуры. По
мнению некоторых критиков, в итоге получилась совершенно беспомощная работа, не содержащая ничего, кроме пропагандистского пафоса. Другие же критики утверждают, что, несмотря на переделки в угоду идеологии, фильм всё-таки получился талантливым и стал событием в советском кинематографе.
С 1949 Довженко преподавал во ВГИКе.
Фильм «Прощай, Америка!» был задуман как госзаказ, агитационный памфлет по мотивам книги Анабелл Бакард, политической перебежчицы из США в СССР. Довженко снова начал бесконечно переделывать и перемонтировать картину, пытаясь снять идеологически верную работу. Но, когда фильм был почти готов, режиссёр получил распоряжение из Кремля прекратить съёмки. Фильм
так и остался незаконченным. «Прощай, Америка!» пролежал в архиве 46 лет и только в 1995 году попал на экраны.
Довженко скончался к началу съемок фильма "Поэма о море", повествующего о строительстве Каховского водохранилища и преобразовании природы Украины, завершенного его женой и сорежиссером Юлией Солнцевой. За сценарий этого фильма Довженко посмертно получил Ленинскую премию.
После его смерти именем Довженко названа киностудия в Киеве. Об этой киностудии бытовала шутка: Фильмы бывают хорошие, плохие и фильмы киностудии Довженко.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 28 - Артист цирка Владимир Дуров
Часть 29 - Скульптор Анна Голубкина
Часть 30 - Александр Довженко-кинорежиссёр под контролем и опекой Сталина
Часть 31 - Фильм Чапаев - любимый фильм товарища Сталина и всего советского народа
Часть 32 - Кремль.Оружейная палата
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Фильм снят в 1934 году режиссёрами братьями Васильевыми (псевдоним однофамильцев Васильевых )на основе сценария Анны Фурмановой, созданного по дневникам Дмитрия Фурманова, его роману «Чапаев» и воспоминаниям ветеранов-чапаевцев.
На роль Чапаева утвердили после просмотра разных кандидатур актёра Бориса Бабочкина.
Сталин считал «Чапаева» лучшим фильмом советской кинематографии и просмотрел его больше 30 раз между 1934—1936 годами.
По легенде, сам Сталин пожелал, чтобы в будущем фильме непременно была любовная линия, которая могла показать роль женщины на войне. Для этого режиссерам пришлось наделить Анку более весомой ролью в фильме, чем в книге. Поскольку в Чапаевской дивизии романы были под запретом, найти похожую историю было непросто. И тогда режиссеры вспомнили случай, как санитарка дивизии Мария Попова попыталась спасти раненого старика-пулеметчика, но тот вместо того, чтобы ползти к лазарету, велел ей стрелять из пулемета. Анкой боевую подругу Петьки назвали в честь вдовы Фурманова. Любовь между двумя молодыми людьми развивается в тех же рамках, что и перевоспитание Фурмановым Чапаева: несознательный герой на глазах зрителей превращается в героя очень даже сознательного. Если первоначально Петька решил добиться взаимности Анки кратчайшим в условиях военных действий путём («Здорово! Как тебя зовут? Приходи сегодня ночью на сеновал...»), то после решительной отповеди девушки в духе «с бабами вы все молодцы, а кто ж тогда воевать будет?», этот разгильдяй преображается. Он клянётся добиться расположения неприступной красавицы, захватывает у белых «языка» и всё-таки завоёвывает взаимность Анки.
К сожалению, счастье влюблённых Петьки и Анки, равно как и влюблённых в дело революции Чапаева и Фурманова оказалось недолгим: белые всё-таки собирают нужные силы и обманом (как им, белым, и полагается) нападают на отряд Чапаева. Несмотря на героическое сопротивление, красная дивизия вынуждена отступить, Чапаев ранен и при попытке переплыть реку Урал подло убит врагами. Но уже на подходе доблестное красноармейское подкрепление, враги будут разбиты, дело революции победит, и в будущем, уж будьте уверены, будет установлена Советская власть.
Безусловно, в немалой степени популярность фильма и его главного героя была обусловлена идеологической обстановкой в стране. Великому вождю всех времён и народов товарищу Сталину требовалось дать народу альтернативного героя (настоящих-то в это самое время бросали в лагеря или просто уничтожали). Его можно было легко вылепить с помощью кино. Что и было сделано.
Ни официальное профессиональное или государственное признание, ни рекордная посещаемость сеансов, не прекращавшихся на протяжении нескольких лет и десятилетий, ни стойкая любовь многих поколений кинозрителей – ничто не может сравниться с тем обстоятельством, что главные действующие лица, в сущности, вошли в фольклор. По частоте появления в анекдотах и прибаутках, по
ироничному цитированию с Василием Ивановичем, а также его верным ординарцем и товарищем Петькой и пулемётчицей Анкой много позже смогут сравниться разве что бесстрашный поручик Ржевский да доблестный разведчик Штирлиц. Кому-то это было обидно: даже принимались специальные заявления о недопустимости порочить светлый образ.
Внучке Василия Ивановича Чапаева образ деда, созданный режиссерами и актером Борисом Бабочкиным, понравился. "Образ получился достаточно точным. Я довольна, что создатели фильма подчеркнули то, что мой дед никогда не пил и не курил. Ну, с конем, конечно, не угадали. Дело в том, что после ранения, полученном на германском фронте, дед и в тылу, и в бою передвигался в
основном на машине. Я знаю, что впоследствии у него даже был самолет", - сказала внучка легендарного комдива Татьяна Чапаева.
По итогам опроса киноведов мира за 1978 год, фильм "Чапаев" был включен в число ста лучших фильмов мирового кино.
Многие фразы из картины («Тихо! Чапай думать будет!», «А впереди я, на белом коне» и многие другие) стали народным фольклором. Фильм «Чапаев», вышедший на экраны страны в 1934 году имел колоссальный, нет, колоссальнейший успех. В некоторых кинотеатрах его показывали каждый день в течение двух лет. Он получил множество призов как на внутрисоветских, так и на международных
кинофестивалях и конкурсах.
Мифы и заблуждения, рождённые фильмом:
Психическая атака капелевцев — потрясающие кадры из фильма заставили всех смотревших поверить в то, что такая атака была на самом деле. Однако историки, изучавшие боевой путь частей Владимира Каппеля, не находят тому подтверждений.
Согласно официальной версии, Чапаев погиб 5 сентября 1919 г. около г. Лбищенска (ныне село Чапаев Западно-Казахстанской области Казахстана). Вопреки мифу, распространённому фильмом, не существует доказательств, свидетельствующих о гибели Чапаева во время переправы через реку Урал.
Каким был на самом деле Василий Иванович Чапаев - теперь не так уж и важно. Создав на экране фольклорного героя, Васильевы выполнили не только социальный заказ, но и главную задачу кино, которое во все времена и при любой власти стремится заменить собой реальность.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 29 - Скульптор Анна Голубкина
Часть 30 - Александр Довженко-кинорежиссёр под контролем и опекой Сталина
Часть 31 - Фильм Чапаев - любимый фильм товарища Сталина и всего советского народа
Часть 32 - Кремль.Оружейная палата
Часть 33 - Дмитровский фарфоровый завод
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

В собрании Оружейной палаты представлены уникальные произведениях русских златокузнецов и серебряников XII — начала XX века, коллекции западноевропейского художественного серебра XIII — XIX веков, памятники оружейного мастерства XII—XIX веков, военные награды России, роскошные драгоценные ткани, древнерусская светская и церковная одежда, парадный костюм XVIII—XX веков,
государственные регалии, парадное конское убранство и редчайшая коллекция старинных экипажей XVI—XVIII столетий. В музее хранятся шапка Мономаха, Шлем — шапка ерихонская, а также множество других раритетов.

Шапка Мономаха — главная регалия русских великих князей и царей. Символ-корона самодержавия в России. Представляет собой золотой филигранный остроконечный головной убор с собольей опушкой, украшенный драгоценными камнями: жемчугом, рубинами, изумрудами и крестом.
Отсутствие документальных свидетельств о месте и времени создания венца затрудняют его атрибуцию. В настоящее время, однако, наиболее вероятным считается мнение о том, что Шапка Мономаха является памятником ювелирного искусства Золотой Орды первой трети XIV в. Официальная версия её происхождения: этот дар византийского императора Константина IX Мономаха своему внуку, киевскому князю Владимиру Всеволодовичу Мономаху.
Шапкой Мономаха этот старинный золотой венец назвали в конце XV в. в правление великого князя Ивана III. После завоевания Константинополя турками в 1453 г. Москва стремилась утвердить за собой роль преемницы Византии в христианском мире.
В 2002 году к 50-летию Владимира Путина группой российских ювелиров была создана точная копия шапки Мономаха, оцененная в 50
тысяч долларов США.

Парадный шлем царя Михаила Романова - один из шедевров русского оружейного искусства XVII века. В документах он назван большой шапкой ерихонской. Шлем был задуман и исполнен как своеобразный царский боевой венец.

Саадак "Большого наряда" относится к числу наиболее значимых воинских регалий царей Михаила Федоровича и Алексея Михайловича. Он был выполнен в 1627-1628 годах группой иностранных мастеров, служивших в Серебряной палате Московского Кремля, и использовался во многих церемониальных выходах и парадных выездах.

Трон Ивана Грозного (середина XVI века) - произведение итальянского Ренессанса. Белоснежный и подчеркнуто устойчивый, он выполнен из дерева и облицован резными пластинами слоновой и моржовой кости.

Братина - сосуд, в котором разносили питье на всю братию, общину и разливали по деревянным чашам — вкруговую.

Серия сообщений "История России":

Часть 1 - Декабристы
Часть 2 - Первопечатники Иван Фёдоров и Франциск Скорина
...
Часть 27 - Гидрометеорологическая служба России
Часть 28 - Отечественная война 1812 года
Часть 29 - Кремль.Оружейная палата
Часть 30 - История русской почты
Часть 31 - Арктика и Антарктика-1965. Вилькицкий, Беллинсгаузен, Лазарев
...
Часть 44 - Дмитрий Кантемир - молдавский господарь и российский князь
Часть 45 - Первые русские и советские автомобили
Часть 46 - Первый русский букварь

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 30 - Александр Довженко-кинорежиссёр под контролем и опекой Сталина
Часть 31 - Фильм Чапаев - любимый фильм товарища Сталина и всего советского народа
Часть 32 - Кремль.Оружейная палата
Часть 33 - Дмитровский фарфоровый завод
Часть 34 - Фильм "Живые и мёртвые"
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Живые и мёртвые - двухсерийный художественный фильм, снятый на киностудии «Мосфильм» в 1964 году режиссёром Александром Столпером по первой части одноимённого романа Константина Симонова. Один из лучших фильмов о войне.
Действие фильма разворачивается во временном отрезке с первых дней Великой Отечественной войны и до середины зимы 1941-1942 годов, до начала контрнаступления советских войск под Москвой. Находившийся в отпуске корреспондент армейской военной газеты Иван Синцов (Кирилл Лавров) с началом войны возвращается в свою часть, расположенную в Белоруссии. Однако доехать до части
ему не удаётся, уже в первые дни под натиском фашистов наши войска отступают. Вместо своей части он попадает на сборный пункт в городе Борисов. Там его направляют в штаб вместе с другим офицером. Они выходят на дорогу поодаль друг от друга, чтобы проголосовать и с попутной машиной доехать до Орши. Но в это время налетает вражеская авиация и его попутчика и машину, которую
он только что остановил, разносит взрывом авиабомбы. Синцов попадает в другую военную газету, расположенную в Могилёве, а затем в два окружения — под Могилёвом в июле и под Ельней.
Война сводит Синцова с человеком трагической судьбы. Серпилин закончил гражданскую войну, командуя полком под Перекопом, и до своего ареста в 1937 г. читал лекции в Академии им. Фрунзе. Он был обвинен в пропаганде превосходства фашистской армии и на четыре года сослан в лагерь на Колыму.
В главных ролях: Кирилл Лавров — старший политрук Иван Синцов, корреспондент военной газеты, Анатолий Папанов — генерал Фёдор Фёдорович Серпилин, Алексей Глазырин — Алексей Денисович Малинин, политрук роты, Олег Ефремов — Иванов.
Фильм получил главную премию на Международном кинофестивале в Карловых Варах (1964), премию на Международном кинофестивале в Акапулько (1964).
Константин Симонов написал о роли А. Папанова в формировании образа генерала Серпилина: «Случилось так, что Папанов сыграл эту роль раньше, чем я дописал последнюю книгу. И сыграл так, что, когда я заканчивал роман, я видел Серпилина именно таким, каким его сыграл Папанов».

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 32 - Кремль.Оружейная палата
Часть 33 - Дмитровский фарфоровый завод
Часть 34 - Фильм "Живые и мёртвые"
Часть 35 - Фильм "Гамлет"
Часть 36 - Эрмитаж
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

1. Бляшка "Олень". 6 век до н.э. Золото. Эрмитаж. 35,1х22,5 см. Из кургана в Прикубанье. Рельефная пластина была найдена прикрепленной на круглом железном щите в погребении.
2. Лютнист - одна из ранних картин Караваджо (около 1595). В Эрмитаже картина долгое время экспонировалась под названием «Лютнистка».
3. Серебряный с позолотой кувшин для вина с изображением Сенмурва - собако-птицы, мифического существа. Иран. V-VI вв.
4. Сидящий в кресле Вольтер (1781) - лучший, наиболее яркий и законченный образ из всех созданных Гудоном портретов философа. Статуя была заказана Екатериной II.
5. Большая малахитовая ваза формы "Медичи" с ручками золоченой бронзы (по рисунку арх. И. Гальберга). Урал. 1843.

Это первый выпуск марок СССР, посвящённых Эрмитажу. В дальнейшем последовало ещё несколько серий с картинами разных художественных школ и отдельные марки с произведениями разных художников.
Эрмитаж - один из крупнейших в мире художественных и культурно-исторических музеев.
Эрмитаж возник в 1764 как частное собрание Екатерины II. Поначалу большинство картин размещалось в уединённых апартаментах дворца, получивших французское название «Эрмитаж» (место уединения). Реализовал идею превращения Эрмитажа в публичный музей Николай I. Эрмитаж был открыт в 1852 году в специально построенном для этой цели здании Нового Эрмитажа. Тогда он насчитывал богатейшие коллекции памятников древневосточной, древнеегипетской, античной и средневековой культур, искусства Западной и Восточной Европы, археологических и художественных памятников Азии, русской культуры VIII—XIX веков.
В XIX веке в Эрмитаж начинают систематически поступать произведения русских живописцев, впрочем, в 1895 году они были переданы Русскому музею.
С возникновением научного подхода к искусствоведению немало картин, которые приобретались императорами за огромные деньги как работы Рафаэля или Леонардо да Винчи, были переатрибутированы как работы их учеников.
После падения императорской власти Эрмитаж претерпел существенные преобразования. Музей значительно обогатился за счет национализированных частных коллекций и собрания Академии художеств. В Эрмитаж влились части московских собраний Сергея Щукина и Ивана Морозова. Если до революции в музее были представлены только работы старых мастеров, исполненные не позднее XVIII века, то теперь хронологические рамки коллекции значительно расширились благодаря работам импрессионистов, Сезанна, ван Гога, Матисса, Пикассо и других художников новых направлений. Вместе с тем, имели место и тяжелые потери. Бриллиантовая комната Зимнего Дворца была переведена в московский Кремль, послужив основой для Алмазного Фонда. Часть собрания живописи старых мастеров была передана в московский Музей изобразительных искусств. Непоправимый урон собранию нанесли распродажи в 1929-34 годах.
Во время Великой Отечественной войны основная часть собрания Эрмитажа (более двух миллионов единиц) была эвакуирована на Урал. Подвалы зданий Эрмитажа превратились в бомбоубежища, и как музей он не работал. После победы в Ленинград вернулись все эвакуированные культурные ценности, и Эрмитаж был снова открыт для посетителей. Ни один экспонат не был утерян за время войны, и лишь небольшую их часть потребовалось реставрировать.
По окончании войны в Эрмитаж поступило трофейное искусство из музеев Берлина, включая Пергамский алтарь и ряд экспонатов Египетского музея. В 1954 г. была организована постоянная выставка этих поступлений, после чего советское правительство по просьбе правительства ГДР согласилось вернуть их в Берлин, что и было осуществлено в 1958 г.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 34 - Фильм "Живые и мёртвые"
Часть 35 - Фильм "Гамлет"
Часть 36 - Эрмитаж
Часть 37 - Проданные шедевры Эрмитажа
Часть 38 - 50 героических лет
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

«Гамлет» — художественный фильм, снятый Григорием Козинцевым на киностудии «Ленфильм» в 1964 году по сюжету пьесы Шекспира «Гамлет, принц датский» (1602 год). Перевод Бориса Пастернака.
В главных ролях: Иннокентий Смоктуновский — Гамлет, Михаил Названов — Клавдий, Эльза Радзиня — Гертруда, Юрий Толубеев — Полоний, Анастасия Вертинская — Офелия.
Лучший отечественный фильм 1964 года, Смоктуновский лучший актёр года по опросу журнала «Советский экран».
Специальный приз жюри Венецианского кинофестиваля 1964 года.
Ленинская премия Козинцеву и Смоктуновскому в 1965 году.
Масса других наград и премий.
К «Гамлету» и «Королю Лиру» Григорий Михайлович Козинцев (1905–1973) готовился всю жизнь.Гамлет-Смоктуновский действительно предстает современником режиссера. Его терзают сомнения, свойственные многим творческим личностям той эпохи, — знаменитый монолог «Быть или не быть?» преображается в спор с самим собой о способности сказать правду.Козинцев обладал особым даром
экранизации. Это действительно отдельное свойство: создать не фантазию на тему, а экранный аналог великой книги, отчетливо понимая, что во всей полноте такое невозможно. Картинка, выигрывая в немедленной выразительности, безнадежно проигрывает слову в многозначности и тонкости. Теряются отступления и нюансы, в которых весь смысл и очарование литературы. Поэтому хорошая экранизация — явление редчайшее. Козинцев это умел.
К сожалению, новые поколения старые шедевры почти не смотрят.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 33 - Дмитровский фарфоровый завод
Часть 34 - Фильм "Живые и мёртвые"
Часть 35 - Фильм "Гамлет"
Часть 36 - Эрмитаж
Часть 37 - Проданные шедевры Эрмитажа
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Дмитровский фарфоровый завод (Фарфор Вербилок) ведет свою историю с фарфоровой фабрики, основанной в 1766 году английским купцом Францем Гарднером. Находится в посёлке Вербилки Московской области.
Гарднер получил разрешение на открытие фабрики в ответ на обещание «завалить» Империю собственной фарфоровой посудой, дабы не платить за импортную (ту же мейсенскую). «Дмитровский» фарфор изначально был фарфором европейским, так как первых мастеров Гарднер выписал из того же прославленного саксонского Мейсена.
Фабрика «Мануфактуры Гарднеръ» изготавливала не только изящную фарфоровую посуду, но и великолепнейшую скульптуру. Продукция фабрики была необычайно широка и разнообразна: от повседневного фарфора для дома до уникальных произведений искусства. В 1778—1785 на фабрике выполнен заказ императорского двора из четырёх орденских сервизов — Георгиевского, Андреевского, Александровского и Владимирского — и она получает признание и известность.
Когда в 1813 году Франц Гарднер покинул сей мир, его детище считалось лучшим частным фарфоровым заводом в России. Дело продолжили наследники, в 1829 году получившие золотую медаль на Первой промышленной выставке, а спустя четверть века — особую благодарность императора и почетное право ставить на изделиях изображение теперь уже государственного двуглавого орла. В Российской империи это был эквивалент знака качества.
Но затем дела гарднеровской фабрики пошли на спад. Причин тому было несколько: тут и обострение отношений с Англией (когда на имущество «британско-подданных» накладывались аресты), и неспособность наследников Гарднера «притереться» к специфике отечественного бизнеса. Возрождение предприятия в Вербилках пришлось на последнее десятилетие позапрошлого века. И было
связано с появлением на российском фарфоровом рынке нового игрока. В 1892 году фабрика была куплена купцом Матвеем Сидоровичем Кузнецовым, продолжившим традиции Гарднера. С этого времени известный на всю Россию и далеко за ее пределами фарфор называли уже исключительно «кузнецовским».
После революции 1917 года предприятие национализировано и стало называться Дмитровский фарфоровый завод. Его продукция была удостоена большой золотой медали на Всемирной выставке в Париже (1937) и серебряной медали на Всемирной выставке в Брюсселе (1958). До середины 1930-х годов выпускалась в основном посуда массового спроса, после возобновился выпуск фарфоровой
скульптуры.
Все эти два с лишним столетия «гарднеровско-кузнецовский» фарфор оставался не просто лучшим в России — эталонным.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 31 - Фильм Чапаев - любимый фильм товарища Сталина и всего советского народа
Часть 32 - Кремль.Оружейная палата
Часть 33 - Дмитровский фарфоровый завод
Часть 34 - Фильм "Живые и мёртвые"
Часть 35 - Фильм "Гамлет"
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

В конце 1920-х гг. советское правительство, испытывая недостаток в валюте для индустриализации — для оплаты растущих долгов при покупке техники и строительства заводов, решило пополнить бюджет распродажей музейных коллекций.
Эрмитаж стал одним из источников добычи денег для построения новой государственной политики. Распродажи художественных ценностей в 1928-1933 гг. нанесли тяжелый и невосполнимый урон музею. Ценные вещи из Эрмитажа отправляли на европейские аукционы . 48 знаменитых шедевров мирового значения навсегда покинули стены музея. Коллекции музея стали источником подарков зарубежным официальным лицам, часто шедевры продавались за символическую цену.
Обстоятельства содеянного стали достоянием общественности , когда министр финансов США - Эндрю Меллон из-за осложнений с финансовым управлением передал приобретенную им 21 картину из собрания Эрмитажа столице США; ныне полотна находятся в коллекции Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Среди них : "Благовещение" Яна ван Эйка, "Поклонение волхвов" Боттичелли, "Мадонна Альба" и "Святой Георгий" Рафаэля, "Венера с зеркалом" Тициана. А так же произведения Перуджино, Веронезе, Антониса ван Дейка, Франса Халса, Рембрандта, Веласкеса.
Многие произведения искусства, входившие в собрание Эрмитажа, разошлись по государственным музеям и частным собраниям во всех уголках земного шара. Остановить распродажу эрмитажных собраний удалось только к 1934 г.
Всего из фондов и экспозиции было отобрано 2880 картин, 350 из которых представляли собою произведения значительной художественной ценности, а 59 — шедевры мирового значения. Некоторые из этих полотен находились в собрании ещё со времен его основания Екатериной Великой.
Также была продана часть коллекции нидерландской и фламандской живописи, собранная и завещанная музею П. П. Семеновым-Тян-Шанским, а также часть других собраний, пожертвованных Эрмитажу в поздний период (например, Строганова).
Данная распродажа национального достояния и культурного наследия расценивается как «трагедия и катастрофа», «безумие», «непродуманная, зачастую неумелая, даже бессмысленная, а потому и плачевная по своим результатам деятельность».
Продажу полотен первого ряда предполагалась провести тайно, но информация распространилась между избранными западными торговцами.
Первым покупателем шедевров Эрмитажа стал Галуст Гюльбенкян, основатель Iraq Petroleum Company, торговавший с Советской Россией нефтью.
Ему был продан ряд картин, большинство из которых сейчас находятся в постоянной экспозиции основанного его фондом музее Г. Гюльбенкяна в Лиссабоне.
Вторым крупнейшим покупателем был Эндрю Меллон - американский банкир, министр финансов при 3-х президентах, американский посол в Великобритании и собиратель живописи. Он решил основать американскую галерею по образцу Национальной Галереи в Лондоне. Услышав о распродаже эрмитажных шедевров, он ухватился за покупку.
Купленная им за 9 сделок группа картин включала «Благовещение» ван Эйка и «Мадонну Альбу» Рафаэля, причем последняя обошлась в $1 166 400, что было самой большой суммой, заплаченной за произведение искусства до этого времени. К концу 1931 г. он выплатил за все полотна сумму в $6 654 000. Скончавшись в 1937 г., он завещал картины правительству США, и они составили ядро коллекции Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Доход от всех этих продаж составил не более одного процента от валового дохода страны, и, по сути, значимого влияния на ход индустриализации не оказал, нанеся при этом значительный ущерб национальному культурному достоянию страны, не говоря уже о международной репутации.
Всего было продано 10 шедевров 1-го ряда Рембрандта, 1 Боттичелли, 1 Боутса, 7 Ван Дейка, 3 Ван Эйка, 1 Веласкеса, 1 Веронезе, 1 Перуджино, 1 Пуссена, 4 Рубенса, 1 Тициана, 1 Тьеполо.
Из письма Гюльбенкяна Пятакову (в 1931—1932 годах заместитель председателя ВСНХ СССР, в 1937 году расстрелян): "Торгуйте чем хотите, но только не тем, что находится в музейных экспозициях. Продажа того, что составляет национальное достояние, дает основание для серьёзнейшего диагноза. Если, несмотря на все сказанное, Вы все же решитесь на продажу ценностей из Ваших музеев (а я настаиваю на том, что этого делать Вам не следует), то вместо того, чтобы их продавать посредникам, пустите все в открытую продажу на рынке, ибо наивная игра в прятки, практикуемая сейчас, принесет только убытки. Те, кому поручены эти операции, не отдают себе в том отчета, игнорируют огромный косвенный вред, причиняемый ими же."
Некоторые из этих шедевров попали на марки моей коллекции.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 35 - Фильм "Гамлет"
Часть 36 - Эрмитаж
Часть 37 - Проданные шедевры Эрмитажа
Часть 38 - 50 героических лет
Часть 39 - Третьяковка на марках
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

В 1967 году вышла первая красочная серия марок с картинами Третьяковской галереи.
К этому времени филателистический рынок был уже столь насыщен марками, что о коллекционировании марок всего мира уже не могло быть и речи. Даже хронологию марок одной страны было собрать молодым коллекционерам не по силам. В этот период наибольшую популярность приобретает тематическое коллекционирование, и, прежде всего, по теме искусство и живопись. Стали появляться в массовом количестве марки стран третьего мира разных популярных тем, в том числе с картинами западно-европейских художников. В СССР они шли, главным образом, через чёрный рынок. Среди них большую часть составляли марки спекулятивных выпусков, получивших среди филателистов название "дюны" или "аравийское безумие".
Немного об истории спекулятивных выпусков "дюн". В 1960-х - 1970-х годах на филателистический рынок в огромных количествах поступили марки Арабских эмиратов, стран Африки и Парагвая, заключивших из финансовых соображений контракты на выпуск от своего имени почтовых марок с несколькими европейскими или американскими филателистическими агентствами. А яркие, красочные марки - "дюны" вполне удовлетворяли раскрытию филателистических тем. Коллекционирование таких марок по сути превратилось в собирательство маленьких дорогостоящих картинок. В таких коллекциях марки-"дюны" соседствовали с настоящими почтовыми марками. Странно, но этому во многом способствовала продажа таких марок в советских марочных магазинах. Но по сути, почтовые ведомства всех остальных стран разве не занимались тем же самым, выпуская продукцию, не предназначенную для почты. Отличие лишь в том, что тиражи её были в разумных пределах. Можно ещё добавить, что фактически почта уже давно не нуждается в почтовых марках, а держится за них только в коммерческих целях. А для самих коллекционеров вклад денег в марки не является гарантией их возврата в будущем.
Но эта серия, конечно, никакого отношения к "дюнам" не имеет. Филателисты-любители живописи получили настоящий подарок. Я думаю, что благодаря этой серии ряды филателистов пополнились ещё и многими коллекционерами.
О каждом из художников, создавших эти картины, написаны ранее отдельные посты. Хочется следующим этапом добавить ещё и краткие комментарии к этим картинам.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 37 - Проданные шедевры Эрмитажа
Часть 38 - 50 героических лет
Часть 39 - Третьяковка на марках
Часть 40 - Русский музей
Часть 41 - Архитектурные памятники России
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Государственный Русский музей (до 1917 года «Русский Музей Императора Александра III») — самый обширный музей русского искусства в мире. Находится в Санкт-Петербурге, в здании Михайловского дворца. Основан российским императором Николаем II в память о своём родителе — императоре Александре III. Решение о создании Русского Музея было принято в связи с тем, что Эрмитаж к тому времени уже был наполнен произведениями иностранных мастеров, а для отечественного искусства отводился только один зал. Для произведений русских мастеров было решено организовать отдельное заведение. Управляющим музеем по указу непременно должен был быть член Императорского Дома. Первым управляющим стал великий князь Георгий Михайлович. 7 марта 1898 года Императорский музей русского искусства Александра III был открыт для посетителей. Основу коллекции составили 80 картин из собраний Эрмитажа, 120 - из Академии художеств и 200 - из загородных царских резиденций. Местом для размещения коллекции был выбран Михайловский дворец, купленный Николаем II. Фонды Русского музея постоянно пополнялись как за счет частных собраний, так и за счет аукционов. К 1914 году стало ясно, что одного Михайловского дворца не хватает для размещения всей коллекции. В связи с этим было принято решение возвести для нужд музея новое здание. В 1914-1917 годах был построен корпус, названный в честь спроектировавшего его архитектора Л. Н. Бенуа. В 1917 году коллекция Русского музея значительно пополнилась за счет национализированных художественных ценностей. В годы Великой Отечественной войны удалось сохранить практически всю коллекцию музея. Из-за артобстрелов дворец и корпус Бенуа значительно пострадали, но уже 9 мая 1946 года отреставрированный Русский музей вновь был открыт для посетителей. Русский музей размещается в четырех зданиях в историческом центре Санкт-Петербурга. Это - Строгановский и Мраморный дворцы, Михайловский замок и - главное здание музея - Михайловский дворец с корпусом Бенуа.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 38 - 50 героических лет
Часть 39 - Третьяковка на марках
Часть 40 - Русский музей
Часть 41 - Архитектурные памятники России
Часть 42 - 125-летие со дня рождения И. Е. Репина
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

1967 год. Страна бурно отмечает 50-летие Великого Октября. Филателия, конечно, тоже не осталась в стороне: несколько серий марок и блоков, в том числе впервые красочная серия "50 героических лет" из 10 марок и блока. Это в основном произведения живописи, посвящённые разным периодам истории СССР. Страна прожила 50 героических лет. Почему героических? Скорее всего потому, что не покорилась немецко-фашистским захватчикам, а также героически боролась с собственным народом в гражданской войне, в кампаниях коллективизации и индустриализации, в массовом порядке запихивая несогласных в концлагеря. Потому что не саморазрушилась в течение этих 50 лет, а это произошло только через 25 лет.
Все картины объединяет одно общее название: социалистический реализм - художественный метод, использовавшийся в искусстве Советского Союза, рекомендованный и навязываемый государственной цензурой, тесно связанный с идеологией и пропагандой.
Программа соцреализма была основана на прославлении революционной борьбы народа и его вождей, советского образа жизни, трудового энтузиазма, революционной борьбы за "светлое будущее". Строгие требования определяли содержание и форму произведений, круг тем. Метод соцреализма был предписан всем видам искусства, включая архитектуру и прикладное искусство, что сдерживало творческую инициативу художников, вызывало драматическую ломку одних мастеров и опалу других. Тем не менее, многим талантливым художникам удалось в эту жесткую эпоху создать значительные произведения, вошедшие в сокровищницу мирового искусства.
В результате успешной борьбы со всеми проявлениями формализма и утверждения метода социалистического реализма к концу 40-х гг. была воспитана плеяда молодых художников-реалистов, большинство из которых не могло подняться выше уровня умелых ремесленников. Французский писатель Андре Жид, путешествуя по Советскому Союзу, посетил в Тбилиси выставку местных художников и был ошеломлен: ”...конечно, эти не были "формалистами"! К несчастью, и художниками они тоже не были”. Живопись, лишённая творческого диалога, вскоре оказалась в роли простого иллюстратора политики. Художники, заставшие старшее поколение, еще могли опереться на их опыт. Сложнее обстояло дело у тех, кто получил образование в духе социалистического реализма. Русская земля не оскудела талантами, но в результате идеологизации и отсутствия возможностей общения с мировой культурой обеднялась школа. В 1948 г. был закрыт уникальный Музей нового западного искусства. Позже эти сокровища были распределены между Музеем изобразительных искусств имени Пушкина и Эрмитажем. Но для молодых художников 30-40-х гг. западное искусство оказалось фактически недоступным.
Придворное сталинское искусство представляло собой удивительную смесь традиций передвижничества и академического классицизма. (Казаков Василий Васильевич - поэт, писатель - авангардист).
Однако «социалистический реализм» был не только насаждаемым сверху методом. Он отвечал внутренней потребности большой части и зрителей, и самих художников. Искусство авангарда не могло полностью отвечать душевной потребности человека в тоталитарном обществе. Задачи, которые правящая верхушка ставила перед своими гражданами - превращение аграрной страны в мощную индустриальную державу - требовали крайнего напряжения всех жизненных сил и большого самоотречения. В этих условиях человек находил духовную поддержку в искусстве, изображавшем жизнь не такой, как она есть на самом деле, а такой, какой она должна быть. Это была сказка, удивительно похожая на правду. Такому искусству следовало быть максимально реалистичным, чтобы быть максимально убедительным.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 36 - Эрмитаж
Часть 37 - Проданные шедевры Эрмитажа
Часть 38 - 50 героических лет
Часть 39 - Третьяковка на марках
Часть 40 - Русский музей
...
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

На марках:
1. Заонежье. Жилой дом (1876 г.) - часть архитектурного ансамбля Кижи.
2. Горьковская область. Резная калитка. 1848 г.
3. Кижи. Двадцатидвухглавая Преображенская церковь, 1714 г., и шатровая колокольня, 1874 г. (ныне Государственный историко-архитектурный музей)
4. Ростов-Ярославский. Кремль, XVI - XVII в.
5. Царицыно (садово-парковый ансамбль). Ворота, 1785 г. (арх. В. Баженов)
6. Ленинград. Театральная улица (ныне ул. зодчего Росси), 1828-1832 (арх. К. Росси (1775-1849)).

Кижи - остров на Онежском озере в Карелии, на котором расположен всемирно известный архитектурный ансамбль Кижского погоста, состоящий из двух церквей и колокольни XVIII—XIX веков, окружённых единой оградой — реконструкцией традиционных оград погостов. 1 января 1966 года на базе архитектурного ансамбля Кижского погоста был основан Государственный историко-архитектурный музей «Кижи», куда помимо существующих на своих первоначальных местах построек было свезено большое количество часовен, домов и хозяйственных построек из Заонежья и других регионов Карелии. По одной из легенд, Преображенская церковь построена одним топором, который потом мастер выбросил в озеро.

Ростов - жемчужина Золотого Кольца, объединяющего старейшие города России. Ансамбль Ростовского кремля по своему первоначальному назначению представлял собой резиденцию архиереев Ростово-Ярославской епархии. Главной доминантой ансамбля является Успенский собор -- старейшее здание города. Храм построен на месте своих белокаменных предшественников ХII-ХIII вв.

Царицынский парк — один из замечательных памятников русского садово-паркового искусства XVIII-XIX веков. Царицынский дворец — архитектурный ансамбль XVIII века, строился в стиле псевдоготики по проекту архитектора В. И. Баженова, который задумал для Царицыно совсем особый псевдоготический стиль, и вместе с тем напоминающий нарышкинское барокко. Строительство дворца было прервано по распоряжению императрицы Екатерины II. Посетив строительство лишь спустя десять лет, царица в новый дворец даже не стала входить — постройка пришлась ей не по вкусу. Архитектор Баженов от строительства был отстранён и попал в опалу, а заказ на строительство дворца был передан архитектору М. Ф. Казакову.

Улица Зодчего Росси - улица в Центральном районе Санкт-Петербурга, ведёт от Александринского театра к площади Ломоносова и состоит из пяти зданий, построенных по единому проекту с единым фасадом, так что создаётся впечатление, что на каждой стороне улицы — по одному зданию. Является одной из достопримечательностей города. Эта улица уникальна своим точным следованием античным канонам — её ширина равна высоте зданий её образующих (22 метра), а длина ровно в десять раз больше — 220 метров. Современный ансамбль улицы Зодчего Росси формировался в 1828—1834 годах по проекту Карла Ивановича Росси (за что и получила своё современное название в 1923 году).

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 39 - Третьяковка на марках
Часть 40 - Русский музей
Часть 41 - Архитектурные памятники России
Часть 42 - 125-летие со дня рождения И. Е. Репина
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

125-летие со дня рождения одного из самых выдающихся художников России Ильи Ефимовича Репина в филателии было отмечено выпуском красочной серии из 5-и марок с изображением автопортрета художника и фрагментов 4-х его картин.
1. Автопортрет (рисунок).1878. Москва.Государственная Третьяковская галерея.
2. Бурлаки на Волге.1870-1873. Санкт-Петербург.Государственный Русский музей.
3. Не ждали.1884. Москва.Государственная Третьяковская галерея.
4. Отказ от исповеди.1885. Москва.Государственная Третьяковская галерея.
5. Запорожцы пишут письмо турецкому султану.1891. Санкт-Петербург.Государственный Русский музей.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 40 - Русский музей
Часть 41 - Архитектурные памятники России
Часть 42 - 125-летие со дня рождения И. Е. Репина
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Алмазный фонд — самый богатый музей России, обладающий уникальными коллекциями. Это собрание произведений ювелирного искусства XVIII–XX веков, редких драгоценных камней, самородков золота и платины, представляющих большое историческое, художественное и научное значение, огромную материальную ценность. Алмазный фонд располагается в здании Оружейной Палаты в Кремле. В 1925 году коронные драгоценности впервые публично демонстрировались в Доме Союзов, а в 1927 и 1933 годах значительная их часть по решению Совнаркома была продана на зарубежных аукционах. Оставшиеся драгоценности, как наиболее значимые в историческом и художественном отношении, составили основу выставки Алмазного фонда, организованной к 50-летию Советского государства в 1967 году. Планировалось, что выставка проработает в течение года. Но интерес к ней со стороны соотечественников и зарубежных туристов был настолько велик, что по решению правительства ее преобразовали в постоянно действующую.
1. Алмаз «Шах» — бриллиант индийского происхождения весом в 88,7 карата. Одна из величайших ценностей персидских шахов. Был подарен в числе прочих даров российскому императору Николаю I правителем Персии Фетх Али-шахом после того, как в январе 1829 года в Тегеране произошло убийство русского посольства во главе с А. С. Грибоедовым.
2. Брошь с саапфиром весом 260,37 карата, подаренная Марии Александровне императором Александром II – носит название Цейлонский сапфир. Этот сапфир считается самым большим и красивым сапфиром в мире. Уникальна оригинальная огранка, а изумительный сиренево-синий насыщенный цвет в сочетании с прозрачностью и чистотой камня поражают воображение. Кроме изумительного цвета, камень замечателен и своей обработкой. Брошь была изготовлена в середине XIX века, её ступенчатая форма удачно скрыла излишнюю толщину камня, заключённого в высокий лёгкий ажурный каст.
3. Букет нарциссов (бриллианты, золото, серебро, эмаль). Вторая половина 18 века. Лепестки нарциссов выложены бесцветными бриллиантами, а приподнятые сердцевинки- золотистыми. Цветы к стеблям, покрытым зелёной эмалью, прикреплены подвижно.
4. Брошь роза. Многие украшения, не сохранившиеся до наших дней в Алмазном фонде, можно видеть в книге «Алмазный фонд СССР» 1924-1926 годов издания. Она была своего рода иллюстрированным каталогом для иностранных покупателей. В этом издании в числе прочих опубликована фотография броши-розы Фаберже, созданной для Александры Федоровны, жены Николая II. Даже на черно-белом изображении цветок кажется живым, сверкающим бриллиантовой росой; для Карла Фаберже «искусство, красота, цветы» были нерасторжимыми понятиями. По подобию этой утерянной для фонда броши ювелир Гохрана Виктор Николаев 1970-е годы создал новую брошь-розу в стиле ХIХ века, всю сплошь покрытую сверкающими камнями, кроме гладкого платинового стебелька. Брошь полностью повторяет форму распустившегося цветка розы с листьями на стебле и нераскрытым бутоном, уравновешивающим композицию, она кажется сотканной из одного сверкания и блеска камней.
5. Кулон с аметистом.
6. Кулон с жемчужиной.

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 42 - 125-летие со дня рождения И. Е. Репина
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце

Государственный музей искусства народов Востока в Москве (основан в 1918). В фондах музея — живопись, графика, скульптура, декоративно-прикладное искусство Японии, Китая, Кореи, Ирана, Индии, Вьетнама, Бирмы, Лаоса, Таиланда, Камбоджи, Индонезии, Монголии и многих других стран. Широко представлено искусство Кавказа и Закавказья (Грузия, Азербайджан, Армения), Казахстана и Средней Азии (Кыргызстан, Таджикистан, Узбекистан).
На марках представлены:
1. Культовый кубок ритон (Туркмения, II в. до н. э.). Слоновая кость. Найден при раскопках Нисы в Парфянском государстве
2. Симург - сосуд в форме птицы с женским лицом (Иран, XIII в.). Керамика, глазурь
3. Каным - богиня добра и милосердия (Корея, VIII в.). Камень
4. Бодисатва - богиня счастья, добра и милосердия (Тибет, VII в.). Бронза
5. Эбизу - бог счастья и богатства (Япония, XVII в.). Слоновая кость
6. Старое здание музея "Дом Гиршмана" у Красных Ворот

Серия сообщений "Культура, образование, искусство":

Часть 1 - Древняя культура Ирана
Часть 2 - Архитектор Стасов
...
Часть 41 - Архитектурные памятники России
Часть 42 - 125-летие со дня рождения И. Е. Репина
Часть 43 - Музей искусства народов Востока
Часть 44 - Алмазный фонд СССР
Часть 45 - За здоровое сердце