Брюссель. Церковь Notre-Dame du Finis

Орган — один из древнейших музыкальных инструментов. Его история насчитывает несколько тысяч лет.Считается, что родоначальником органа является древняя вавилонская волынка.
Органы больших размеров появились в IV веке, более или менее усовершенствованные органы — в VII и VIII веках. Папе Виталиану традиция приписывает введение органа в католическое богослужение. В VIII веке Византия славилась своими органами.
Искусство строить органы развилось и в Италии, откуда в IX веке они выписывались во Францию. Позднее это искусство развилось в Германии. Повсеместное распространение в западной Европе орган получил начиная с XIV века.
В XIX веке благодаря, прежде всего, деятельности французского органного мастера Аристида Кавайе-Колля, который задался целью конструировать органы именно таким образом, чтобы они своим мощным и богатым звучанием могли соперничать со звучанием целого симфонического оркестра, стали возникать инструменты ранее небывалого масштаба и мощности звучания, которые иногда называют симфоническими органами.
Читать далее...

 Много веков насчитывает история арфы - одного из древнейших
музыкальных инструментов. Появилась она еще на заре человеческой
цивилизации и стала прародительницей всех струнных инструментов.
Было это, возможно, так: однажды, натягивая тетиву лука, охотник заметил,
что она издает нежный мелодичный звук.

Он проверил свое впечатление, и звук
понравился еще больше. Тогда он решил натянуть рядом еще одну тетиву,
покороче, -- и получилось уже два музыкальных звука различной высоты. 
Стало возможным сыграть простенькую мелодию. Это было великое 
открытие: возник первый струнный щипковый инструмент.
Шли годы, десятилетия, века. К прежним струнам прибавлялись все новые и
новые; но музыкальный инструмент продолжал иметь форму лука. Его 
держали в руках и играли, перебирая пальцами струны. Арфу любили в 
Древнем Египте, Финикии и Ассирии. в Древней Греции и Риме. В Средние 
века арфа получила огромное распространение в Европе. Особенно славились ирландские арфисты,
которые исполняли свои сказания -- саги -- под аккомпанемент маленькой
переносной арфы. Ее изображение даже вошло в национальный герб 
Ирландии. Но постепенно арфа стала аристократическим инструментом.
На арфе играет лишь тот,
Кто свободен и знатен,
Она никогда не звучит
Под рукою раба...
так говорили поэты.

Арфу богато украшали -- золотом, перламутром, мозаикой. Играли на ней, как
правило, женщины. "Волшебным инструментом" называли арфу поэты,
восхищенные ее нежными звуками.
В XIX веке считалось, что каждая благовоспитанная девица из "порядочного
общества" должна уметь играть на арфе. Лев Толстой в "Войне и мире"
рассказывает, как играла на арфе Наташа 
Ростова. Сейчас арфа используется и как солирующий инструмент, и как один из
инструментов оркестра. Конечно, она очень сильно отличается от своих
средневековых предков. У нее сорок пять -- сорок семь струн, натянутых на
треугольную металлическую раму изящной формы, украшенную резьбой.
При помощи семи педалей, укорачивающих струны, когда это необходимо, на
арфе можно извлечь все звуки от ре контроктавы до фа четвертой октавы.

Читать далее...

Приглашаю в мой музыкальный мир!Красивая музыка наполнит Вас гармонией и в вашей жизни все будет хорошо! Orfeus. Спасибо за комментарии, друзья!-Juliana-

Серия сообщений "Музыка"Звучит дудук"":

Часть 1 - Мелодии души-Армянский дудук
Часть 2 - Армянский дудук:Магический
Часть 3 - Армянский дудук: современные ритмы-А. Каспарян
Часть 4 - Магия армянского дудука
Часть 5 - Инструментальные хиты востока: Магический дудук

levnmr


levnmr

Каждый исследователь, изучающий историю православия на Руси, останавливается перед необъяснимым феноменом, резко негативным отношением к такому, безобидному казалось бы музыкальному инструменту как гусли. Так еще проповедник 12 века Кирилл Туровский грозил посмертными муками тем " кто ворожит, гудит в гусли, сказывает сказки". В требнике 16 века среди вопросов на исповеди есть такие: " ни пел ли яси песней бесовских, не играл ли яси в гусли?". А игумен Памфил ругал псковичей за то, что "они во время купальской ночи играли в бубны и сопели и гудением струнным". Исторические документы свидетельствуют, что во времена Алексея Михайловича Романова гусли изымались у населения и сжигались возами. Почему? Сегодня, судя по всему, мы можем ответить на этот вопрос.ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ…

Посвящается Лулу_Прада


История происхождения современной гитары, уходит в глубь веков.
Самые ранние сохранившиеся свидетельства о струнных инструментах с резонирующим корпусом и шейкой, предках современной гитары, относятся ко II тысячелетию до н. э.
Изображения киннора (шумеро-вавилонский струнный инструмент, упоминается в Библии) найдены на глиняных барельефах при археологических раскопках в Месопотамии. В Древнем Египте и Индии также были известны похожие инструменты: набла, нефер, цитра в Египте, вина и ситар в Индии. Также к древним струнным инструментам относится и домбра, во время раскопок древнего Хорезма были найдены терракотовые статуэтки музыкантов, играющих на щипковых инструментах. В Древней Греции и Риме был популярен инструмент кифара.

По мере распространения гитары из Средней Азии через Грецию в западную Европу слово «гитара» претерпевало изменения: «кифара» в Древней Греции, латинское «cithara», «guitarra» в Испании, «chitarra» в Италии, «guitare» во Франции, «guitar» в Англии и, наконец, «гитара» в России. Впервые название «гитара» появилось в европейской средневековой литературе в XIII веке.

Предшественники гитары имели продолговатый округлый пустотелый резонирующий корпус и длинную шейку с натянутыми на ней струнами. Корпус изготавливался цельным — из высушенной тыквы, панциря черепахи, либо выдолбленным из цельного куска дерева.
В Европе особенности усовершенствования позволили появиться латинской и мавританской гитарам около VI века. В Средние века основным центром развития гитары была Испания, что обычно связывают с арабским влиянием (мавританская гитара). В XV веке получает распространение изобретённая в Испании гитара с 5 сдвоенными струнами (первая струна могла быть и одиночной). Такие гитары получают название испанских.
К концу XVIII века испанская гитара в процессе эволюции приобретает 6 одиночных струн и немалый репертуар произведений.

В Россию испанская гитара попала в XVIII веке, отчасти благодаря работавшим в России итальянским композиторам и музыкантам, в первую очередь Джузеппе Сарти и Карло Каноббио.
С начала XIX века в России стремительно распространилась семиструнная гитара, соединившая в себе конструктивные особенности английской и испанской гитары.
Наконец, в XIX веке испанский гитарный мастер Антонио Торрес придаёт гитаре современные форму и размер. Гитары конструкции Торреса сегодня называют классическими.
Таким образом триумфальное шествие гитары по миру продолжается уже не один век


Испанская гитара – Distancia
Далее музыкальные интрументы из экспозиции Музея Метрополитен

Флейта — это звук волшебный,

Это голос сокровенный,
Это счастье и покой,
Это разговор с душой.
 

Это сердца излиянье,
Добрых сил в него вливанье,
Это крылья красоты,
Голос веры и мечты.

Флейта — сказочная фея,
Открывающая двери
В мир духовный и хрустальный
И таинственно печальный.

Дядина Г.

Читать далее...

Инструменты из семейства скрипки появились в Европе в начале XVI столетия и уже к середине века завоевало сердца слушателей. Появились поклонники инструмента и первые яркие исполнители. Первым из известнейших исполнителей был Никколо Паганини. Начиная с XIX века все скрипачи так или иначе были наследниками его искусства и продолжателями его дела. В двадцатом веке происходит небывалый подъём исполнительского искусства. С уходом из жизни Иегуди Менухина в 1999 году завершилась целая эпоха великих скрипачей-романтиков. Эжен Изаи, Яша Хейфец, Фриц Крейслер, Генрик Шеринг, Давид Ойстрах, Леонид Коган, — у каждого из этих всемирно известных музыкантов был свой, непохожий на других, подход к инструменту. Поэтому, в отличие от скрипачей нового поколения, звук скрипки и манера исполнения каждого из мастеров XX века узнаваемы по первым нотам произведения. Этот фильм о знаменитых скрипачах, о том, что нет эталонов в музыке, каждый музыкант индивидуален и замечателен по своему. Об их индивидуальности звукоизвлечения и техники игры на инструменте, о различных трактовках известных концертов и виртуозных пьес, об отношении к выбору инструмента обо всем этом рассказывают в фильме Ицхак Перльман, Ида Гендель, Мстислав Ростропович, Иври Гитлис, Хилари Хан.

 

Режиссер фильма: Бруно Монсенжон

Читать далее...

Пять пьес для механических часов

Эти 5 произведений были обнаружены после смерти Бетховена.

Изучая ноты, друзья композитора были озадачены: для какого инструмента были написаны пьесы?

Фортепиано, скрипка, арфа были сразу отвергнуты.

Загадку странного нотного текста смог раскрыть Альберт Капферман – музыка была написана для механического органа или музыкальных часов.








Читать далее...

77-лет назад в США запретили балалайку. Инструмент признан экстремистским и подрывающим государственные устои
Бывший президент США Барак ОБАМА продлил запрет балалаек на территории страны до 2020 года. Идиотский декрет, придуманный Франклином РУЗВЕЛЬТОМ, действует с 1940 года и с тех пор только ужесточается.
Никакого вразумительного объяснения признания балалайки экстремистским инструментом нет до сих пор, поэтому приходится довольствоваться официальным.

По мнению Франклина Рузвельта, балалайка не зря несколько веков была запрещена Русской православной церковью и государством, ибо «позволяет глумиться над властью».
Действительно, постановлением Стоглавого собора 1551 года всякие игрища в гусли, смычки, сопелки запрещены как бесовские и греховные. А согласно указу 1648 года царя Алексея Михайловича Романова все струнные инструменты было велено собрать, сжечь и забыть о них навсегда.
С приходом большевиков все поменялось. Церковь запретили, а балалайки разрешили. Это-то и показалось Рузвельту странным. Поэтому он от греха подальше и объявил инструмент способным нанести ущерб стабильности и демократии США.
С 2000 года указом Билла Клинтона запрет распространен и на Аляску, где балалайка до этого входила в перечень народных музыкальных инструментов. За хранение балалайки, конечно, не арестуют, хотя для игры на ней нужно иметь специальную лицензию. Декрет не допускает массовой продажи этого инструмента и его промышленного изготовления.
Возможно, поэтому пособие Дж. Флинна «Как изготовить балалайку», вышедшее в 1984 году, выдержало уже десять переизданий. Простые американцы не отказывают себе в удовольствии «поглумиться над властью» хотя бы и таким трудоемким способом.

http://oppps.ru/76-let-nazad-v-ssha-zapretili-russkuyu-balalajku.html

Флейта-пикколо или как ее еще называют – малая флейта, принадлежит к деревянным духовым инструментам и является разновидностью флейты. Действительно, она с ней очень схожа, только пикколо меньше в два раза и гораздо выше по звучанию. Пожалуй, один из самых высоких по своему звуку и в то же время маленьких оркестровых инструментов.
Звучание у нее блестящее и невероятно пронзительное. Неслучайно многие композиторы применяли именно ее для изображения сказочных персонажей. Например, пикколо можно услышать в опере Н.А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» в теме Белки или в произведении А. Лядова «Кикимора». Долгое время, композиторы применяли этот инструмент в тех эпизодах, где нужно было изобразить грозу, ветер или даже сражение.
Изготавливается флейта-пикколозачастую из дерева, металла либо пластика. Чаще всего ее можно встретить в симфоническом или духовом оркестрах, как правило, там применяется всего одна флейта-пикколо, а вот как солирующий инструмент она встречается гораздо реже.

Читать далее...

Рождество является одним из самых важных праздников христиан. Живущие по Григорианскому календарю западные христиане празднуют его 25 декабря.


Органная музыка на Рождество


Орган придаёт музыкальным произведениям особое торжественное звучание и позволяет проникнуться величием Рождества.

К. Бальбатр
"Рождественский гимн"

Читать далее...

Музыкальный инструмент челеста может быть элементом как симфонического, так и русского национального оркестра.

Читать далее...

Вторая половина XIX века — время мощного расцвета русского фортепианного искусства. Его представители — композиторы, исполнители и педагоги — внесли огромный вклад не только в национальную, но и в мировую музыкальную культуру. Подобно сказочному богатырю, который рос «не по дням, а по часам>, русская фортепианная школа развивалась очень быстро. Начав формироваться в конце XVIII столетия, она с 60-х годов прошлого века уже вступила в эпоху творческой зрелости.
Россия, в отличие от Западной Европы, не знала высокоразвитой клавирной культуры. Клавесин, правда, был известен в нашей стране еще в XVI веке, но на протяжении XVII и значительной части XVIII века клавишные инструменты не получили распространения. На них играли лишь при царском дворе и в домах знати.

Создатели первых образцов национального фортепианного творчества использовали богатейший опыт западноевропейского искусства. Их сочинения не свободны иногда от подражания. В целом, однако, именно вариационные циклы уже производят впечатление самобытно русских сочинений.
Если на Западе в конце XVIII и в начале XIX столетия наблюдался расцвет фортепианной сонаты, то в русской музыке того времени этот жанр не получил значительного развития. Больше других композиторов к нему проявил творческий интерес Дмитрий Степанович Бортнянский.
В период формирования национальной школы в России плодотворно работали некоторые иностранные музыканты.
В Москве долгое время жил немецкий композитор, органист и пианист Иоганн Вильгельм Геслер. Геслер успешно выступал в концертах и занимался педагогикой.

Читать далее...

В возрасте 99 лет ушел из жизни Михаил Федотович Рожков.
Народный артист России, музыкант при жизни ставший легендой.
Герберт фон Караян называл его «Паганини русской балалайки».



Михаил Рожков родился под Нижним Новгородом, в первый послереволюционный год. С балалайкой познакомился в Доме пионеров, там же освоил все прочие народные инструменты. Первое образование Михаил Рожков получил в Ленинграде, в музучилище имени Мусоргского. Начал с домры, но вскоре переключился на балалайку. Прошел войну в составе Красноармейского балалаечного оркестра, куда его еще в 1939 году личным указанием определил нарком обороны Ворошилов. Участвовал во взятии Ржева и Кёнигсберга — играл в буквальном смысле на передовой, перед началом атаки. Закончил войну с боевыми наградами в должности главного дирижера оркестра.

После войны Михаил Рожков вернулся к любимому делу — играл в дуэте с Геннадием Быковым и учился на факультете народных инструментов в институте имени Гнесиных. В 1958 году вместе с Георгием Меняевым он организовал первый профессиональный дуэт балалайки и гитары. В 1960-е Рожков — признанный мастер, без его номера не обходится ни один официальный концерт, ни один государственный праздник в телеэфире.

"Паганини русской балалайки"



Читать далее...

пост составила

Серия сообщений "Мои коллажи-9":

Часть 1 - Моя любовь...
Часть 2 - Моим Друзьям...
...
Часть 30 - С Добрым утром!
Часть 31 - Старый сад
Часть 32 - Романтический кларнет из Японии

Сергей Рахманинов
Сюита № 1 для 2-х фортепиано ор. 5
№3."Слезы"

Эпиграфом к ней служит известное стихотворение Ф. И. Тютчева «Слезы людские, о слезы людские!». Есть указание на то, что ее замысел был навеян воспоминаниями о печальном и унылом звоне монастырского колокола в Новгороде, куда Рахманинов иногда наезжал в детские годы, гостя в имении своей бабушки С. А. Бутаковой. Но композитор не прибегает к звукоизобразительным приемам для создания фонического эффекта колокольного звона, а претворяет подслушанную им грустную «песню колоколов» в самостоятельный музыкальный образ.

---

---

---

Читать далее...

Н. А. Римский-Корсаков полюбил духовые инструменты с молодости.
В 1873 году Римский-Корсаков избирается на должность инспектора музыкальных хоров морского ведомства. В обязанности его входило наблюдение за военно-морскими оркестрами по всей стране, руководство капельмейстерами, репертуаром оркестров и т. д. Помимо этого, на Римского-Корсакова возлагалось наблюдение за учениками консерватории – стипендиатами морского ведомства. И он находился на этой должности вплоть до ее упразднения в 1884 году. За этот период Римский-Корсаков поднял уровень духовых оркестров на довольно высокую ступень.

В «Летописи моей музыкальной жизни» композитор пишет:

«Мое назначение на должность инспектора музыкантских хоров расшевелило уже давно возникавшее во мне желание ознакомится подробно с устройством и техникой оркестровых инструментов. Я достал себе некоторые из них: тромбон, кларнет, флейту, и так далее и принялся разыскивать их аппликатуру с помощью существующих для этого таблиц. Живя на даче в Парголове, я разыгрывал на этих инструментах во всеуслышанье соседей. К медным инструментам у меня не было способности в губах, и высокие ноты давались мне с трудом; для приобретения же техники на деревянных духовых у меня не хватало терпения; тем не менее, я познакомился с ними довольно основательно».

Римский-Корсаков постоянно обновлял репертуар оркестров, делал свои аранжировки симфонических, а иногда и оперных произведений. А в течение 1876-1877 годов он написал вариации для гобоя на тему романса Глинки «Что красотка молодая», концерт для тромбона и концертштюк для кларнета. Все это в сопровождении духового оркестра.

«…написаны эти сочинения были, во-первых, с целью дать в концерте сольные пьесы менее избитого характера, чем это всегда случается; во-вторых, чтобы самому овладеть неведомым мне виртуозным стилем с его solo, tutti, каденциями и т.п.»

Духовые инструменты в музыке Римского-Корсакова ярко индивидуальны. В каждой духовой партии отражены особенности тембра, присущие звучащему в данный момент инструменту.

Соло кларнета из "Шехеразады" Н.А. Римского-Корсакова



Читать далее...

Композитор сильного, ярко самобытного дарования, гениальный пианист, не имеющий себе равных среди современников, выдающийся дирижер — «божество в трех лицах», как выразился о Рахманинове один из критиков. Какая из сторон деятельности этого феноменально одаренного музыканта была главной, определяющей? Современники затруднялись ответить на этот вопрос.
Важное место в творчестве Рахманинова занимает и жанр концерта как таковой: ни для одного из его современников, творческие интересы которых были связаны в первую очередь с областью фортепианной музыки, этот жанр не имел такого значения, как для него. Каждый из четырех фортепианных концертов Рахманинова обозначает определенную веху на пути композитора.

Читать далее...

Солнце в апрельском лесу.худ.Сергей Смирнов

Рахманинов родился ранней весной. Может, поэтому ему так удавались весенние пейзажи. В этой прелюдии - хрупкая апрельская красота русской природы.

Никто не играет эту прелюдию лучше, чем сам Рахманинов, может быть, только Владимир Горовиц.



Прелюдия соль мажор ор.32 №5

Сергей Рахманинов(1873 -1943) зап.1920

Владимир Горовиц(1903-1989) зап.1986

*****Читать далее...

 

Так называют Доротею Оберлингер (Dorothee Oberlinger)(1969), выдающегося музыканта, одного из тех, кто своим подвижничеством способствовал популяризации блокфлейты как инструмента и его обширного репертуара. В 2012 году Доротея приезжала в Москву и участвовала в фестивале "Ренессанс". Её новый альбом назвается Night music и строится на барочных произведениях, отображающих разнообразные образы ночи. Стержень программы – это концерты, сонаты и симфонии Вивальди, которые начинены "прослойками" ночных "видений" из других регионов Европы – Австрии, Англии, Испании и Франции.

Night Music
Ночная Музыка

Нам предстоит вместе с Доротеей Оберлингер большое барочное путешествие с посещением самых разных ночей – убаюкивающей, меланхолической, обманчивой, фантомной, певучей, пасторальной, пророческой, охранной.





Если альбом с Яндекса не работает,то слушайте здесь-

Nani Nani (Sephardic Song, Arr. for Solo Recorder)




La Senna festeggiante, RV 693, Sinfonia: I. Allegro


Читать далее...