История одного шедевра:"Иней" Иван Вельц
 

Автор Иван Вельц "Иней" 1906 г.

На картине застыл в прекрасном снежном одеянии старый лес, боясь пошевелиться, чтобы не нарушить царственную красоту драгоценного инея. Мороз щедро украсил целомудренно чистой фатой и старожилов леса, и молодую поросль.
Торжественно и церемонно демонстрируют они богатое убранство. Выставка невест, готовых под венец! Каждым деревом хочется любоваться, они выглядят изящными барышнями.
Глядя на картину, вдыхаешь свежий морозный воздух, волшебный пейзаж успокаивает и умиротворяет. Все, о чем думается, становится легким и позитивным! ...







ВЕЛЬЦ Иван (Иоганн-Александр) Августович
6 июня 1866 (село Софьино Самарской губернии) — 22 октября 1926 (Ленинград)
Живописец, график.
Родился в семье австрийского купца. В 1889 принял русское подданство. В 1885–1891 обучался в ИАХ в Петербурге в классе пейзажной живописи у М. К. Клодта. За ученические работы неоднократно отмечался медалями: в 1886 — малой поощрительной медалью, в 1887 — малой серебряной медалью, в 1888 — двумя большими серебряными медалями, в 1890 — малой золотой медалью. В 1891 за программную картину «Вид в имении Тентетникова» на сюжет поэмы Н. В. Гоголя «Мертвые души» награжден большой золотой медалью, выпущен из Академии со званием классного художника 1-й степени и правом пенсионерской поездки за границу.
В 1892 как пенсионер ИАХ отправился в Италию, совершил поездки в Германию и Францию. В 1894 возвратился в Петербург, на протяжении двух лет после возвращения продолжал получать пенсию от Академии. Регулярно экспонировал свои картины на выставках Московского общества любителей художеств (1887–1899) и Санкт-Петербургского (затем Петроградского) общества художников (1894–1916).
Неоднократно путешествовал по России, преимущественно по южным губерниям.
В 1909 стал членом Общества Куинджи, принимал участие в выставках Общества (1917–1926). После революции 1917 экспонировал произведения также на выставках Общества художников-индивидуалистов.
Вельц выступал продолжателем традиции русской пейзажной школы, близкой Клодту и А. К. Саврасову. В творчестве умело пользовался достижениями передвижников, органично сочетая реалистические черты с академическими принципами построения картины.
Автор: Ольга Крюкова
источник:https://www.facebook.com/

Венера Урбинская: любопытные и спорные факты о впечатляющем шедевре Тициана

Венера Урбинская. Тициан, 1538 год. | Фото: arts-dnevnik.ru.

Итальянский живописец эпохи Возрождения Тициан начал писать картины с 10 лет и делал это вплоть до самой смерти в возрасте 99 лет. Все это время основной идеей большинства его работ являлось воспевание женской красоты. Одним из шедевров художника является картина «Венера Урбинская». Это полотно вызвало немало споров о том, кто же позировал мастеру, и не украл ли он сюжет у своего друга.

 

 

История одного шедевра: Василий Верещагин " Богатый киргизский охотник с соколом"


Василий Верещагин "Богатый киргизский охотник с соколом" - . 1871. Холст, масло. 113 х 72 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Картина создана художником в "туркестанский" период его творчества, когда он путешествовал по Средней Азии, направляясь в Китай. Хотя в этот период в этой неспокойной местности велись военные действия против русских, мастер был защищен дружбой с главой одного из киргизских племен — Байтиком Канаевым. Этот человек был любим своим народом и уважаем даже врагами, поэтому художника никто не посмел тронуть. Результатом его поездки стало множество картин, многие из которых обрели мировую известность.
На полотне изображен сам Канаев в образе богатого кочевника того времени. Хотя он и симпатизировал русским, но оказался запечатленным в традиционных для своего племени условиях жизни — в юрте, с соколом в руках. Держать такую птицу и охотиться с ней могли только очень опытные и богатые люди, поэтому на этом полотне она также служит символом статуса, высокого положения и мастерства Канаева как великого охотника.
Бросается в глаза яркий, по-восточному пышный и необычный наряд богатого киргиза. Это штаны, предназначенные для верховой езды и обильно украшенные вышивкой и аппликациями, пестрый среднеазиатский халат, подпоясанный большим светлым платком с цветным узором, традиционная киргизская войлочная шляпа и мягкая кожаная обувь.
Охотник вооружен очень длинным ружьем и ножом в богато отделанных ножнах. За поясом у него традиционная национальная плетка из плетеной сыромятной кожи — камча. В картине мастерски и очень точно переданы все детали, а при всей ее цветовой насыщенности она не выглядит пестрой. Мастеру очень удалось изображение фигуры киргиза — он словно живой, навеки застывший в своей юрте с соколом на руке

источник: Арт Энциклопедия> Геннадий Занегин







Читать далее...

История одного шедевра:Василий Суриков " Вечер в Петербурге"


Василий Суриков "Вечер в Петербурге" 1871. Бумага, акварель. 13 x 22 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Легкая акварельная воздушность картины идеально соответствует изображенному времени суток. Благодаря технике письма тени кажутся прозрачными, как это бывает прохладными вечерами, а контуры предметов и очертания фигур — мягко размытыми, несколько бесформенными, словно сглаженными потоком холодного влажного петербургского воздуха.

Объем и особое ощущение прохлады подчеркивает слабое, бледное сияние ослепительно белой полной луны и пронзительный искусственный свет фонарей вдоль проспекта.

Голые деревья и расплывающиеся в тени контуры зданий слабо читаются на заднем плане, выделяясь лишь узнаваемым контуром массивного купола с башенкой Исаакиевского собора.

По заснеженной дороге резво бежит гнедая лошадка, запряженная в легкие санки. В них сидит пассажир, укрытый медвежьей полостью, а правит санками возница в приталенном кафтане. Вдоль стенки скользит барышня в алой юбке, сливающаяся с собственной прозрачной тенью.

А вот ближайшая к зрителю часть полотна отображает представителей совсем другого класса — рабочего. Возле прилавка с горящим подвесным фонарем собрались простые люди — дворник в белом фартуке, двое несчастных нищих и мальчишка-попрошайка. Их фигуры выполнены в невнятной коричневато-серой гамме и четко дистанцированы от других представителей тогдашнего общества. Другие герои картины окрашены более яркими и свежими красками, расположены как бы по другую сторону улицы, подальше от простолюдинов.

Прозрачность красок картины помогает передать звенящую чистоту, глубину холодного зимнего воздуха, особые краски вечера и яркость света — природного и искусственного. Эта жанровая картина словно привет от давно исчезнувшей в потоке времени жизни, воспоминание одного человека, запечатленное легкими акварельными мазками.
источник: Арт Энциклопедия> Геннадий Занегин
Читать далее...

История одного шедевра: Иван Крамской "Хохот"


Иван Крамской "Хохот" или по другим версиям - «Радуйся, Царю иудейский» или «Христос во дворе Пилата» 1870-1880. Холст, масло. 373 х 501 см,Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Иван Николаевич Крамской был прекрасным портретистом, увлекался жанровой живописью и был успешным критиком. До поступления в Академию художеств, расположенную в городе Санкт-Петербурге, занимался ретушью фотоснимков.
К фигуре Христа Иван Крамской обращался не единожды. Самое известное его полотно на религиозную тему – "Христос в пустыне".
Над полотном "Хохот" мастер работал на протяжении пяти лет по 10-12 часов ежедневно. Картина изображает сюжет из Евангелия, относящийся к Страстному циклу.
Христос изображен уже после суда, вершенного Пятым Прокуратором Иудеи, Всадником Понтием Пилатом. Его нарядили в потешного царя, били и смеялись над ним.
Казалось бы, столь глубокая работа передаёт все философские мысли своего автора, но живописцу было мало. Сохранилось его письмо художнику Фёдорову Васильеву, где он упоминает о необходимости писать ещё Иисуса, и даже не его, а толпу, хохочущую во всю мощь, силами «своих громадных животных лёгких».
Замысел был велик и масштабен, так что живописец долго не решался приступить к работе, а приступив, до конца своих дней работал над картиной по двенадцать часов в день. Однако, как ни старался Крамской, замысел победил исполнение. Автор не справился с многофигурной композицией, и это его очень огорчало, даже мучило.
Тем не менее впечатляет итоговый размер работы – 4 на 5 метров. На заднем плане изображена крупная каменная стена. На небольшой возвышенности стоит Иисус, окруженный толпой невежд. Так им лучше видно, как он страдает. Босоногий и обездвиженный, он словно не слышит ругани, не чувствует ударов и не держит обиды. Его душа выше, чем презрительный хохот беснующейся толпы.
Герои на площади выглядят как актёры на подмостках оперной сцены. Архитектоника композиции состоит из горизонтальных линий, нарушаемых резкими вертикалями. Каждый герой наделён психологической характеристикой, чтобы представить зрителю одно унисонное чувство – злобы, жестокости. Среди воинов и толпы фигура Христа просто теряется... Однако, снова и снова, возвращался к "Хохоту"

В итоге картина получилась полной экспрессии, рельефности и новизны при тонком историческом чутье. "Хохот" получил восхищённые отзывы многих современников, в том числе и Ильи Репина.
Источник: Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин




Читать далее...

История одного шедевра: Виктор Васнецов "Снегурочка"


Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926)"Снегурочка" 1899 г.находится в Государственной Третьяковской галерее, г. Москва.

Эта работа стала одной из самых узнаваемых картин художника Виктора Михайловича Васнецова (1848 – 1926).
В 1881 году московский меценат Савва Мамонтов решил поставить на домашней сцене пьесу Островского «Снегурочка». Он предложил Васнецову написать декорации и сделать эскизы костюмов. Чудным образом переплетались в пьесе Островского сказочные персонажи и люди, жившие на Руси в незапамятные времена, поклонявшиеся богу Яриле.
Васнецов, следуя за автором, создал изумительную галерею образов древнего русского народа. Спустя полвека, художник Грабарь скажет: «Рисунки к «Снегурочке», находящиеся в Третьяковской галерее, в смысле проникновенности и чутья русского духа, не превзойдены до сих пор, несмотря на то, что целых полстолетия отделяет их от наших дней».
Васнецов написал к спектаклю четыре декорации. А милый образ Снегурочки художник запечатлел особо.
Картина была закончена в 1899 г.Сказочная героиня в интерпретации Васнецова – это не просто идеальный женский образ, а выражение мечты о прекрасном.
Снегурочка пленительна в своем очаровании. Ее фигура как будто освещается не сверху, а снизу, от снега. Всё окружающее создает общее впечатление волшебства и загадочности. Для написания картины использовалась холодная гамма цветов – белые, серые и голубые оттенки, что очень тонко подчёркивает таинственность происходящего.
Моделью для Снегурочки выступила дочь Мамонтова Сашенька. И в Сашеньке, и в Снегурочке мастер видел образ «чистой заснеженной России». Автору «Снегурочки» удалось слить в высоком единстве свое видение далёкой сказочной страны и непосредственные наблюдения деревенской жизни, сомкнуть языческую древность и современное народное творчество. «Нет другого художника для «Снегурочки», кроме Васнецова», — уверял один из современников.
источник: Крюкова Ольга > Эрмитаж

НЕОБЫЧНАЯ ИСТОРИЯ КАРТИНЫ ИЛЬИ РЕПИНА "ЯБЛОКИ И ЛИСТЬЯ"

 

НЕОБЫЧНАЯ ИСТОРИЯ КАРТИНЫ ИЛЬИ РЕПИНА "ЯБЛОКИ И ЛИСТЬЯ"

История картины «Яблоки и листья» несколько необычна.

Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В. А. Серова.

Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт.

Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы.

Даже И. Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину «Букет цветов. Флоксы»

(1884, Третьяковская галерея, Москва).

И.Н.Крамской "Букет цветов. Флоксы", 1884, Третьяковская галерея, Москва

Хотя набор предметов в натюрморте «Яблоки и листья» необыкновенно прост, Репин отказывается от этюдности и создает настоящую картину весьма значительных размеров. Композиция построена на чередовании нескольких планов. Первый как будто вводит зрителя в пространство полотна, второй (главный) – показывает яблоки, третий же представляет темный фон, на котором четко вырисовываются фрукты и зеленые листья.

В отличие от натюрмортов первой половины XIX века произведение Репина лишено предметной сложности. Стол на его картине – всего лишь подходящая поверхность для плодов и листьев, а не изысканный постамент, хотя темный фон придает полотну некоторое сходство с академическими натюрмортами. Все предметы в композиции почти одинаковы по размерам, но все же художник выделяет главные: чувствуется, что яблоки, яркие и свежие, важнее для него, чем листья, и потому написаны тщательнее.

Репин формирует листья в основном с помощью цвета, а фрукты «лепит», используя блики и светотеневые переходы. Мы видим, как точно передан объем яблок, их блестящая, гладкая поверхность. Чувствуется, что стол и разбросанные по нему листья – лишь фон к главным предметам – яблокам.

Такие художники первой половины XIX века, как, например, И. Хруцкий, тщательно разрабатывали каждую деталь натюрморта, будь то крошечный лепесток цветка или маленький зеленый листочек на стебельке. Для Репина предметы – это частное живописное явление, а не придуманная красивая картинка, как у мастеров натюрморта предшествующих лет. Ни один из них не показал бы на своем полотне такие простенькие фрукты, «украшенные» червоточинами и царапинами.

Но для Репина подобные изъяны не имеют ровно никакого значения, они всего лишь естественные детали живой реальности. И тем не менее лаконичный и скромный натюрморт «Яблоки и листья» не менее привлекателен для современного зрителя, чем «Цветы и плоды» И. Хруцкого, изображающие роскошные плоды и спелые ягоды.

И.Ф.Хруцкий "Цветы и плоды", 1836, Третьяковская галерея, Москва

 

Валентин Серов начал обучаться живописи сначала в мастерской К. Кёпнинга в Мюнхене (1873–1874), а затем в Париже, в студии Репина. Знаменитый художник сразу заметил талант мальчика. Впоследствии Репин вспоминал: «В мастерской он казался старше лет на десять…

Его беспощадность в ломке не совсем верных, уже законченных им деталей приводила меня в восхищение; я любовался зарождающимся Геркулесом в искусстве. Да, это была натура!»

Проучившись у Репина два года, Серов возвратился на родину. В 1876–1878 годах он жил в Киеве, где посещал городскую рисовальную школу. В 1878 году юный художник переехал в Москву и поселился у И. Е. Репина. Днем он обучался в гимназии, а по утрам и вечерам старательно рисовал.

К этому времени относится ученический натюрморт «Яблоки на листьях», (1879, Музей-усадьба Абрамцево), выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.

В. А. Серов. «Яблоки на листьях», 1879, Музей-усадьба Абрамцево

Отрывок из книги Галины Дятлевой "Мастера натюрморта" 

Источник →

История одного шедевра: Николай Касаткин "Соперницы"


Касаткин Н.А. «Соперницы» ...
Николай Алексеевич Касаткин (13 (25) декабря 1859, Москва — 17 декабря 1930, Москва) — русский живописец-реалист....

На своей картине «Соперницы» Н.А. Касаткин изображает зимний деревенский пейзаж. В центре произведения – две молодые девушки. Они идут с коромыслами за водой по протоптанной небольшой дорожке. Вокруг бесконечные сугробы снега. Судя по авторскому названию картины, они соперничают между собой по поводу того, кто быстрее наберёт воду и донесёт ее, не расплескавши.
На самом деле, эти девушки подруги, но им захотелось немного посоревноваться. Обе девушки одеты достаточно ярко. Одна из них, держащая коромысло на правом плече одета просторный чёрный полушубок, расклешённый к низу. Из под него выглядывает подол тёмной юбки и жёлтого расписного передника. На голове у девушки плотно завязана красная косынка. Другая девушка что-то говорит первой, упёрши одну руку в бок.
Судя по её пронзительному и заискивающему взгляду, она, возможно, говорит подруге: «Спорим, что я первая доберусь до колодца?». На ней надет тёмно-синий платок, а её полушубок украшает толстый ворот из натурального меха, и рукава тоже пушистой полосой обшиты мехом. Снизу полушубка просматривается белое платье с розовыми цветами и поверх него красный передник.
Позади девушек с одной и другой стороны стройными рядами возвышаются деревянные дома. Крыши избушек мягким покрывалом свежего снега. Казалось бы, деревня необитаема и полностью безлюдна, если бы не стоял молодой парень возле одной из избушек, да ещё несколько людей позади девушек...
источник: Ольга Крюкова - администратор "Эрмитаж"
Читать далее...

История одного шедевра: Илья Репин "Иов и его друзья"


Илья Репин."Иов и его друзья" - 1869. Холст, масло. 133 x 199. Государственный Русский музей, С-Петербург.

Илья Ефимович Репин создал работу «Иов и его друзья» в период получения звания свободного художника. В 1869 году за картину «Иов и его друзья» Репин получает малую золотую медаль - комиссию восхитило такое самобытное (но в рамках академических требований) воплощение знаменитого ветхозаветного сюжета.
В основе написания шедевра лежит история из Ветхого Завета.
мученик по имени Иов предстал перед людьми, человеком, который получил множество боли страданий. Он остался без семьи , потерял имущество, превратился в старого человека, который болен. Посетить Иова пришли его друзья, они в ужасе, оттого что случилось с Иовом. Близких людей изумляют столько драматичные изменения в несчастном друге.
Сюжетная композиция встречи Иова и друзей полностью видна на полотне картины, все эмоции образов отражены в поразительном ракурсе реальности

С первого взгляда привлекает внимание цветовая палитра. Фон представлен дымчатой фактурой, выполненной в изумрудном цвете. Сквозь дымку выступают могучие горы, вершины которых освещены солнцем. Герои картины изображены контрастными цветами, одновременно идеально гармонирующими друг с другом.

Но самое поразительное – это филигранное воплощение эмоций. Уставшее и отрешенное лицо Иова, убитое горем, страдающее лицо его супруги, расположившееся справа от своего несчастного мужа, изумлённо-растерянные лики друзей. Здесь нет слёз, стенаний, отчаянных криков, однако, почти физически ощущаешь тяжёлую обстановку, крайнее одиночество, страх, разворачивающегося сюжета.

Многие критики честно отметили, что молодой Репин превзошёл в этой работе многих признанных мастеров портретного и исторического жанров. Но на самом деле всё только начиналось…
источник: Арт Энциклопедия> Геннадий Занегин

Художник Илья Репин оставил после себя огромное наследие.
Земная слава обласкала его сполна. Репин был восхваляем, почитаем и осуждаем ..Репина осуждали за то, что пишет совершенно разнородные картины: за былинным полотном следует народная сцена, а после картины из Евангелия вдруг появляется легкомысленный кафе-шантан в Париже… Как-то это странно… Никакой последовательности… Поверхностность и пестрота вкусов. Разнообразие жизни – вот главная страсть Репина.

История одного шедевра: Борис Кустодиев "Ёлочный торг"


«Елочный торг» Бориса Михайловича Кустодиева 1918 г. ..

Картины на темы провинциального праздничного быта отличаются характерной яркостью, особенной только для Кустодиева, а также жизненной достоверностью самых мелких деталей и многоцветностью. Когда он был учеником Академии художеств в Петербурге художник выбрал для темы дипломной работы именно такой сюжет. Ему приходилось ездить по деревням, в которых он писал этюды, жанровые сценки, пейзажные зарисовки, портреты крестьян. К такой теме также относится картина «Елочный торг», которая была создана в 1918 году.
Читать далее...

История одного шедевра: Гвидо Рени " Поклонение пастухов"


Guido Reni: Поклонение пастухов, около 1640-го года, ГМИИ им. А. С. Пушкина

Одно из знаменитых произведений художника, исполненных им в последние годы жизни. Известны многочисленные копии и гравированные воспроизведения этой композиции. В прошлом картина находилась в известных европейских коллекциях - М.де ла Врильера в Париже и лорда Роберта Уолпола в Англии.

Во второй главе Евангелия от Луки описаны эпизоды Рождества Христова, известные как "Благовестие пастухам" и "Поклонение пастухов":

"В той стране были на поле пастухи, которые содержали ночную стражу у стада своего. Вдруг предстал им Ангел Господень, и слава Господня осияла их; и убоялись страхом великим. И сказал им Ангел: не бойтесь; я возвещаю вам великую радость, которая будет всем людям: ибо ныне родился вам в городе Давидовом Спаситель, Который есть Христос Господь; и вот вам знак: вы найдете Младенца в пеленах, лежащего в яслях. И внезапно явилось с Ангелом многочисленное воинство небесное, славящее Бога и взывающее: слава в вышних Богу, и на земле мир, в человеках благоволение! Когда Ангелы отошли от них на небо, пастухи сказали друг другу: пойдем в Вифлеем и посмотрим, что там случилось, о чем возвестил нам Господь. И, поспешив, пришли и нашли Марию и Иосифа, и Младенца, лежащего в яслях. Увидев же, рассказали о том, что было возвещено им о Младенце Сем. И все слышавшие дивились тому, что рассказывали им пастухи. А Мария сохраняла все слова сии, слагая в сердце Своем. И возвратились пастухи, славя и хваля Бога за все то, что слышали и видели, как им сказано было".

В православной традиции считается, что пастухам, работавшим неподалёку от Вифлеема, явил благую весть архангел Гавриил, как и при Благовещении Деве Марии.
Почему же именно пастухи стали первыми людьми, узревшими Христа?
Пастухам дается знать, что отныне наступает время, когда им уже не нужно будет гонять в храм животных для заклания, что теперь грехи всего человечества берет на себя родившийся Мессия. Существует и другая точка зрения, почему ангел явился именно пастухам. Феофилакт Болгарский пишет: "Ангел является пастухам за простоту их нрава и незлобие, так как они видимо подражают образу жизни праведных, ибо и древние патриархи, Иаков, Моисей и Давид, были пастырями. Ангел не явился в Иерусалим фарисеям или книжникам, ибо они были вместилищем всякой злобы; а те, не будучи коварны, удостоились божественных видений. Господь показал этим, что Он с самого начала избрал и сделал проповедниками тех, которые простосердечнее других, ибо они пошли и стали проповедовать обо всём этом".

Картина Рени греет сердце, -
Сюжет библейский же таков:
Весть о божественном Младенце
И «Поклоненье пастухов». *
Отец Иосиф, мать Мария
Младенец, будущий Мессия,
Их пастухи, не тратя сил,
Найдут, их Ангел известил!
Вот, в Вифлеем они явились, **
Нашли Младенца в пеленах,
Как знак о новых временах,
И благоговейно удалились…
Мирская у Младенца плоть,
Но звать его – «Христос Господь»!

* - Поклонение пастухов новорождённому Иисусу из всех евангелистов описано только Лукой, пастухи… содержали ночную стражу у стада своего. Вдруг предстал им Ангел Господень… И сказал им Ангел: не бойтесь; я возвещаю вам великую радость…, ныне родился вам в городе Давидовом Спаситель, который есть Христос Господь; и вот вам знак: вы найдёте Младенца в пеленах…
** - пастухи сказали: пойдём в Вифлеем и посмотрим, что там случилось, о чём возвестил нам Господь. И, поспешив, пришли и нашли Марию и Иосифа, и Младенца, лежащего в яслях…
автор:Александр Сергеевич Кочетков

<стронг>История одного шедевра: Марк Шагал "Над Витебском"

<центер><имг срц="//имг0.ливеинтернет.ру/имагес/аттач/д/0/140/277/140277850_27545728_1971152223133924_5492527592661554815_н.жпг" видтх="700" хеигхт="578" алт="27545728_1971152223133924_5492527592661554815_н (700х578, 67Кб)" />
Марк Шагал "Над Витебском" - . 1914. Масло, холст, натянутый на картон. 70,3 х 91, Центр Жоржа Помпиду, Париж.

Витебск занимал особое место в сердце художника. Здесь родина Марка Шагала, с этим местом он сравнивал многочисленные города, где довелось жить мастеру. Подтверждение этому – открытое письмо, которое Шагал написал в 1944 году, посвящённое Витебску. Художник, проживающий в эти годы в Америке, заверяет дорогой Витебск, что только с мыслями о нём, Шагал-странник жил и дышал все эти годы.

Картина «Над Витебском» отличается цветовым колоритом и композицией. Здесь нет привычных метафор и психологических подтекстов. Работа выглядит довольно реалистично - прямые улицы города, заметённые снегом, низкие домики с ровными крышами, аккуратные заборы. Лишь православная церковь выделяется на фоне этого выверенного пейзажа. Высоченные стены яркого жёлтого цвета, увенчанные куполами, заставляют зрителя обратить на себя внимания. А из-за этих стен мы видим фигуру человека - длинная борода, изогнутая палка в руках и мешок за спиной говорят нам о том, что перед нами странник.

Критики часто говорят, что таким образом Марк Шагал изобразил самого себя. Ему довелось жить и работать в разных странах, поэтому он с мешком, но мыслями он всегда был здесь, и поэтому он парит над городом. Картина, хоть и выполнена в светлых тонах, всё равно позволяет ощутить тоску автора по далёкой родине.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Один из знаменитых авангардистов ХХ века, художник, живописец, иллюстратор Шагал Марк Захарович родился в 1887 году в городе Витебск. Первым учителем Марка был руководитель витебской школы живописи Пэн Юрий Моисеевич. Когда же Марку стукнуло двадцать лет, он не раздумывая отправился в Петербург, где в течение двух лет он занимался искусством в школе «Общества поощрения художеств».
iflash=560,315,https://www.youtube.com/embed/EWuU6tYlhb8]
ифлаш=560,315,хттпс://www.youtube.com/embed/cAtQBQM6eP0]

История одного шедевра: Петров-Водкин "Утро. Купальщицы"


Кузьма Петров-Водкин "Утро. Купальщицы" -. 1917. Холст, масло. 161х129 см. Государственный Русский музей, С-Петербург.

«Утро. Купальщицы» - картина, несущая все стилевые особенности письма выдающегося русского художника Кузьмы Петрова-Водкина. Невероятно гармоничная, цельная и, если так можно выразиться, очень красивая по живописи, она лишена всякого эротизма, хоть и представляет зрителю обнажённую мать и ребёнка.

Фигуры на холсте выписаны чётко и крупно, так что чуть ли не касаются краёв холста. Сюжет прост и обыден – мать ведёт за руку своего сына купаться. Их образы проникнуты целомудрием и нежностью. Лица всех персонажей картины сдержанные, и одухотворённые. Критики любят повторять, что, воссоздавая в своих работах женских персонажей, Петров-Водкин стремился визуализировать своё отношение к русской женщине в целом. И личное представление мастера можно охарактеризовать как гордость, восхищение и поклонение, поэтому неудивительно, что часто героинь живописца именуют Мадоннами.

Кроме композиции, отличающейся некой «обрезанностью», свойственной художнику, картина привлекает внимание и цветовым колоритом, и характером изображения. Изображение героев нельзя назвать плоскостным, но и объёма ему также не хватает. Огромной выразительной силой обладает цвет – на полотне умело скомпонованы синий, зелёный, белый, золотистый и, конечно же, красный, который всегда носит акцентный характер у мастера.

Не приукрашивая, Петров-Водкин сумел создать идеальные образы, отказавшись от реалистичности, достиг гармонии и правдивости – «Утро. Купальщицы» является знаковой работой художника, в которой отразился его идеализированный и такой настоящий мир

автор: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...

История одного шедевра: Клод Моне "Цветы на берегах Сены близ Ветёя"


Клод Моне "Цветы на берегах Сены близ Ветёя "- 1880. Холст, масло 66х81 см, Метрополитен музей

Все изображения цветов кисти Моне условно можно разделить на два вида – цветы, которые стоят в вазах или корзинках, и живые цветы, растущие на земле. К слову, последних было значительно больше. Сквозь всю свою жизнь Моне пронёс любовь к цветам – он ими любовался, выращивал, и, конечно, рисовал.

Картина «Остров цветов на Сене близ Ветёя», написанная в 1880 году, демонстрирует зрителю богатый цветочный пейзаж. Большая часть картины наполнена зелёным колоритом – цветочная зелень растёт так густо, что кажется диким заросшим уголком сада. Сквозь листву проступают яркие размытые краски головок цветов, которых визуально невозможно определить. Впрочем, художник и не стремился к детализации, как всегда, он стремился ухватить впечатление.

Богато заполненная зеленью часть картины уравновешивается пустым свободным пейзажем, изображающим дома на другой стороне водоёма и спокойным ровным небом, проступающим в верхней части работы. Словно густая листва вдруг расступается, дав возможность обозреть горизонт.

Моне считал, что в мире нет ничего прекраснее двух вещей – цветов и живописи. Талантливый художник, смелый новатор, внимательный зритель, Моне смог соединить эти две совершенные для него ипостаси.
источник: Арт Энциклопедия> Геннадий Занегин

История одного шедевра:Борис Кустодиев " Портрет Фёдора Шаляпина"


Борис Кустодиев «Портрет Фёдора Шаляпина» [1922]
Холст, масло. 99x80 см. Государственный Русский музей,
Санкт-Петербург

Вершиной творчества художника является "Портрет Федора Шаляпина". Борис Кустодиев любил этого гениального артиста с юных лет. В свою очередь и Федор Шаляпин высоко ценил искусство Б. Кустодиева, которого называл "замечательным" и "бессмертным". Но не только большого мастера ценил в художнике Федор Шаляпин: он видел в нем человека недюжинного, достойного преклонения. В своей автобиографической книге "Маска и душа" знаменитый певец так рассказывает о своих встречах с художником: "Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей. Но если я когда-либо видел в человеке действительно великий дух, так это в Кустодиеве.

Нельзя без волнения думать о величии нравственной силы, которая жила в этом человеке и которую иначе нельзя назвать, как героической и доблестной".

Федор Шаляпин приходил в петроградскую квартиру художника, и, вспоминая родную Волгу, они запевали вдвоем - сначала Шаляпин, потом к нему присоединялся Борис Кустодиев - и пели серьезно, сосредоточенно, будто священнодействовали. Они поклонялись Волге, она была для них и предметом поклонения, и местом, из которого каждый черпал свое вдохновение.

Сеансы позирования проходили в небольшой комнате, которая Кустодиеву служила мастерской. Она была такой маленькой, что картину приходилось писать по частям. "На потолке был укреплен блок, через который была пропущена веревка с привешенным на ее конце грузом. С ее помощью можно было приближать холст к креслу самому, без посторонней помощи, наклоняя его к себе настолько, что можно было кистью доставать до его поверхности или удалять от себя для того, чтобы проверить написанное". Таким образом, Б. Кустодиев работал, глядя вверх, как при росписи плафонов. Позднее художник сам с трудом верил, что картина будет удачно завершена. Но изумительный расчет и виртуозное мастерство Б. Кустодиева стали залогом создания этого удивительного полотна. Целиком его Борису Кустодиеву так и не удалось увидеть в нужном отдалении. Федор Шаляпин вскоре уехал за границу и увез портрет с собой.

Художник всячески стремился сделать портрет замечательного артиста живым, праздничным. А Федор Шаляпин прилагал все усилия, чтобы подбодрить Б. Кустодиева во время сеансов. Сын художника потом вспоминал об одной смешной подробности в работе над портретом. "Любопытно было смотреть, как "позировала" любимая собака Федора Ивановича - черно-белый французский мопс. Для того чтобы он стоял, подняв голову, на шкаф сажали кошку, и Шаляпин делал все возможное, чтобы собака смотрела на нее".

В композиции картины Б. Кустодиев использовал прием, похожий на тот, что был в его "Купчихе": высокий первый план, за которым далеко внизу развертывается огромное пространство. На снежных холмах вовсю идет народное гуляние, представлено множество мелко написанных человеческих фигурок, мчащиеся санки, лотошники, у балаганов и карусельных гор толпится праздничный народ. А на самом переднем плане высится величественная фигура Ф.И. Шаляпина, силуэт которого четко вырисовывается на фоне зимнего пейзажа - яркого, лубочного, условно изображающего ярмарку.

Огромная фигура в шапке и меховой шубе нараспашку возвышается над праздничным гуляньем "над горами". Федор Шаляпин озирается, для него это незнакомый город. Первоначальное название картины - "Новый город", в который приехал на гастроли знаменитый артист (об этом возвещает афиша внизу). Сейчас артист на прогулке, ему еще предстоит покорить своим талантом этот пока не знакомый город. Однако этот город и знаком ему - по своим типичным чертам, по облику и быту русской жизни, которая была так близка Ф. Шаляпину. Вот и на картине он задумался, охватывая взглядом бурлящее народное гуляние.

Сам Борис Кустодиев был восхищен Федором Шаляпиным, но на портрете не преминул подметить, добродушно подтрунивая, такие индивидуальные черты прославленного певца, как самовлюбленность, стремление щегольнуть дорогой одеждой.

Великолепная шуба Федора Шаляпина нарочно распахнута, чтобы показать, что она вся - а не только воротник и шапка - на бобровом меху; мизинец холеной руки отставлен, чтобы был виден перстень с драгоценным камнем. На ногах модные ботинки на пуговках - серая замша и черный лак... Ходить в них по снежным склонам трудно, и Шаляпин опирается на дорогую трость. Преданно смотрит на хозяина белый породистый мопс Ройка. Все это, однако, барство показное, которое не заслоняет размаха широкой натуры великого певца, в котором сильно выразилась творческая стихия русского народа.

В эффектной, нарочито театральной позе стоит огромная, все подавляющая своими размерами фигура Ф. Шаляпина. Праздничная феерия кустодиевской ярмарки разворачивается за его спиной: балаганы, скоморохи, мчащиеся кони, веселые извозчики, гармоники, подвыпившие мастеровые, связки воздушных шаров... Заливающее все радостное, бодрящее зимнее солнце, нарядные кроны инея, голубые и розовые тени на сверкающем снегу... А на втором плане художник изобразил дочерей Федора Шаляпина - Марфу и Марину и его друга И.Г. Дворищина.

И центром, вершиной этого русского мира является человек, в котором широта, размах и талант народа проявились во всей полноте. Может быть, нигде размышления Бориса Кустодиева о национальном своеобразии русского народа не нашли такого конкретного воплощения, как в портрете Федора Шаляпина.

Знаменитого артиста рисовали часто (В.А. Серов, Л.О. Пастернак, К.А. Коровин, И.Е. Репин и др.), так что создалась целая галерея шаляпинских портретов. И в ней работа Бориса Кустодиева занимает, пожалуй, самое первое и почетное место. Образ этого волжанина, начавшего свой путь на ярмарках и в балаганах провинциальных городов, выглядит у художника олицетворением силы и одаренности русской натуры.

Сам артист до самой своей смерти не расставался с этой картиной и ценил ее выше всех других своих портретов - за широту, размах и "русский дух".

Сейчас кустодиевский "Портрет Ф.И. Шаляпина" находится в Париже, а в Русском музее выставлен портрет-повторение 1922 года.

История одного шедевра: Иван Крамской "Девушка с кошкой!


Иван Крамской "Девушка с кошкой". 1882. Холст, масло. 71 x 58 см Музей Русского Искусства, Киев

Иван Николаевич Крамской свой главный вклад в изобразительное искусство сделал именно касательно жанра портрета. Ни в коем случае не умоляя его работы в исторической, религиозной и бытовой тематике. Но именно портрет раскрыл величайший талант этого живописца.

Он ухватывал самую суть, искал человека в человек, не боялся неожиданных ракурсов, особую роль уделял изображению лица и рук и создал совершенно новую трактовку детского портрета.

На представленном полотне изображена дочь художника – это София. Как тонкий лирик и смелый колорист раскрывается здесь мастер. Дочь его находится на пороге перехода из детства в юность, но никакого любования свежестью и молодостью зритель здесь не отыщет. Всё от того, что художник всегда видел в детях равноправных моделей, строя свой художественный диалог, в первую очередь, с полноценными личностями. Крамского нередко упрекали в излишней психологичности детских портретов.

Вот и здесь лицо девушки, прилёгшей на диван, серьёзно, а глаза задумчивы. Героиня погружена во взрослые мысли. Изломанная поза уравновешивается мягкими, нежными очертаниями кошечки. Очень выразительны руки и особенно длинные тонкие пальцы.

Отношение Крамского с дочкой были очень дружественными, если не сказать больше – эти два родных человека обожали друг друга. По творчеству художника можно отчётливо проследить, как взрослела и хорошела его дочь, так как мастер оставил множество её портретов. Судьба девушки была печальна: она была репрессирована и, избежав казни, долгое время провела в ссылке. Крамской уже этого не застал…
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...

История одного шедевра: Карл Брюллов "Смерть Инессы де Кастро"


Карл Брюллов "Смерть Инессы де Кастро" - . 1834. Холст, масло. 213 х 299.5, Государственная Третьяковская галерея, Москва.

История «Мёртвой королевы» Инессы де Кастро поражает своим драматизмом. Будучи придворной дамой, она влюбилась в молодого инфанта, наследника португальского трона, Педру I. Тайно обвенчавшись, они скрывали такой брак, являвшийся откровенным мезальянсом, тем более что у инфанта была невеста.

Прознав реальную причину отказа сына жениться, король Афонсу IV решил убить его тайную жену. Но увидев несчастную женщину и своих внуков, молящих о пощаде, смиловался. Именно этот момент и отобразил на холсте Брюллов.

Картина написана в ярко выраженной академической манере – «говорящие» жесты, скульптурные фигуры. Кульминацией картины выступает высветленное автором лицо Инессы, молящее и несчастное. Ещё более усугубляют щемящее впечатление дети, приникшие к матери. Лицо короля невозмутимо, но он опасается глядеть на нежеланную невестку. Лишь стража равнодушно глядит на правителя и ждёт его указаний.

Известно, что Афонсу, который нуждался в «правильном» в политическом плане браке своего сына, поставил дело государства выше личных чувств, и Инесса всё таки была убита.

После того как Педру взошёл на престол, он приказал извлечь тело возлюбленной из могилы, обрядить его в царские одеяния, возложить корону, а всем придворным отдавать почести мёртвой королеве.

С тех пор минуло почти 700 лет, а трагическая история большой обречённой любви по-прежнему смотрит на нас с полотна Брюллова.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

История одного шедевра: Исаак Левитан "У омута"


Исаак Левитан "У омута" 1892. Холст, масло. 150х209. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Мрачная работа автора произвело двоякое впечатление на публику. С одной стороны художник был уже широко известен не только среди своих коллег, но и среди всех ценителей живописи. С другой стороны, Репин отозвался об этой работе весьма холодно, что не могло не произвести впечатление на публику. Многие приходили посмотреть на эту картину только потому, что о ней весьма нелестно отозвался признанный авторитет в изобразительном искусстве.

Известно, что автора вдохновила старинная легенда, рассказывающая о несчастной любви и самоубийстве юной девушки. Это место словно притягивало художника, будоражило фантазию, не отпускало.

Многие отмечают, что в этой работе мастер намеренно отказывается от присущей всему его творчеству легкости и воздушности. Мощными, тяжелыми мазками написана работа.

Тягостная, депрессивная атмосфера окружает омут у мельницы. Внимание зрителя приковано к небу, которое мастерски передает настроение все нарастающего напряжения. Не скупится автор на краски, чтобы передать всю красочную гамму водной глади в лучах вечернего солнца. Свежие бревна в мостках выглядят мощно, но сами мостки остаются ненадежными. Само слово "омут" вызывает ассоциации с трагедией.

В зелени, окружающей омут можно разглядеть очертания чудовищ и призраков. Вся работа пронизана особым духом, который роднит ее со сказками и преданиями. У зрителя создается впечатление, что омут ждет новых жертв. Он ненасытен, его жадность не имеет границ. Даже вода вокруг окрашена в красноватые тона, как следы крови прошлых жертв.

Пожалуй, лишь в этой единственной работе, автор не дает зрителю никакой надежды на счастливый исход события. Здесь нет и самого события, лишь неуловимое и зловещее напоминание о том, что здесь когда-то случилось. А может быть случится совсем скоро.

источник: Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин







30 августа –день рождения великого и неповторимого пейзажиста Исаака Левитана.Художник страстно любил жизнь. Но ему была уготована трудная судьба.

Он прожил всего 40 лет.А его полотна наполнены удивительно тонким, пронзительным чувством света. Художник Левитан не любил изображать эффектные виды. Его душе были более созвучны неяркие, «сокровенные» места, наполненные скрытой прелестью, которую он очень тонко ощущал и мастерски передавал на своих картинах.

История одного шедевра: Архип Куинджи "Днепр утром"


Архип Куинджи "Днепр утром". 1881. Холст, масло. 105 x 167 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

В 1880-х Архип Куинджи вдруг скрылся от публики, запершись в своей мастерской. Живописец, которого вдруг стали горячо критиковать за излишнюю декоративность и экспозиционные хитрости (находились те, что утверждали, будто мастер искусственно подсвечивает свои полотна и поэтому от них исходит такое изумительное сияние), решил уйти на гребне своей славы. Куинджи спрятался ото всех на целых 20 лет!

Но перед тем как наглухо заточить себя в мастерской, художник выставил свои любимые работы, среди которых нашла своё место картина «Вечер на Днепре». Выставка была повторной (первая состоялась в 1879, а вторая в 1882 году).

Будто в назидание всем «говорунам», обвинявшим Куинджи в излишне ярком цветовом колорите, эту работу мастер решил совершенно иначе – только спокойные приглушённые тона. Однако картина никак не уступает по силе воздействия на зрителя его яркой «Берёзовой роще» или же, например, «Радуге».

Белыми, молочными цветами передана уходящая вглубь картины лента реки. Берега изображены с помощью серовато-зелёных и коричневых колеров. Главной эмоциональной силой картины является передача безграничного степного простора. Торчащий на переднем плане реденький куст репейника лишь подчёркивает эту идеальную ширь.

С первых секунд обращает на себя внимание небо – здесь явно можно заметить черты импрессионистского стиля. Наполненная световоздушная среда передана уверенными мазками голубого, жёлтого, розового и белого.

Куинджи нашёл равнозначную замену своей броской и яркой технике – это внутреннее свечение и волшебные переливы полутонов. Очень часто в картинах живописца можно увидеть совершенно конкретный источник света – солнце, луна, радуга, вокруг которых строится всё повествование, но в этой композиции автор отказался от своего излюбленного приёма. Лишь свечение неба, нежная световая вибрация и невероятная предрассветная белизна – вот, чем «дышит» эта притягательная, магнетическая картина.

Классическая композиция нашла новое цветовое решение, и это создало нужное настроение – звенящая тишина, спокойное утро, занимающееся над Днепром, которое сменило ночную мглу.

Удивительный Куинджи обладал уникальной способностью видеть то, мимо чего другие просто проходят мимо. Его картинам даже не нужно какого-либо цепляющего элемента, достаточно просто самого обыденного пейзажа и он, через талантливую кисть живописца, приобретает совсем иное значение, поражающее своей красотой и одухотворённостью.

источник: Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин
Читать далее...

"Неравный брак". Портрет невесты спустя 44 года

Невеста рядом с ним — портрет невесты В.В.Пукирева, а стоящий рядом со скрещенными руками — это сам В.В.Пукирев, как живой».

Читать далее...