Леон Ян Вычулковский
«Автопортрет» (1898)
Имя при рождении:	Leon Jan Wyczółkowski
Дата рождения:	11 апреля 1852
Место рождения:	Гута Мястковска близСедльце Россия
Дата смерти:	27 декабря 1936 (84 года)
Место смерти:	Варшава, Польша
Гражданство:	Россия  Польша
Стиль:	реализм, импрессионизм,символизм
Работы на Викискладе

Леон Ян Вычулковский (польск. Leon Jan Wyczółkowski; 11 апреля1852, Гута Мястковска близ Седльце — 27 декабря 1936, Варшава) — польский художник, график и рисовальщик, один из ведущих представителей движения Молодая Польша.

Биография[править | править вики-текст]

Весна в Госьцерадзе

Леон Вычулковский начал своё художественное обучение в Варшаве, в Классе рисунковом, под руководством Антона Каминьского, Рафала Хадзевичаи Войцеха Герсона. В 1875—1877 годах продолжил образование в Мюнхене, а затем — в краковской Академии изящных искусств, в классе Яна Матейко. В 1897 годуВычулковский становится одним из основателей Товарищества польских художников «Штука». В 1895—1911 годах он — профессор краковской Академии изящных искусств, а в 1934—1936 — профессор в варшавской Академии.

Леон Вычулковский вначале писал в реалистической манере, отдавая предпочтение исторической тематике. После своей поездки в Париж в конце XIX столетия в его творчестве заметно влияниеимпрессионистов. Теперь художник создаёт также пейзажи и жанровые полотна с использованием сильных световых эффектов. Следующим было недолгое увлечение символизмом (картина Окаменевший друид). Познакомившись с журналистом и коллекционером Феликсом Ясенским, Вычулковский заинтересовался темой Востока. Писал также натюрморты.

Художник был похоронен в деревне Втельно Быдгошского района. В 1946 году в Быдгоще был открыт его музей.

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%92%D1%8B%D1%87%D...D0%B5%D0%BE%D0%BD_%D0%AF%D0%BD

Николай Бедняк
укр. Мико́ла Петро́вич Бідня́к
Имя при рождении:	Николай Петрович Бедняк
Дата рождения:	1 февраля 1930
Место рождения:	Торонто, Канада, Британская империя
Дата смерти:	28 декабря 2000 (70 лет)
Место смерти:	Львов, Украина
Гражданство:	Польша
Жанр:	живопись, графика
Награды:
Премии:

Николай Петрович Бедня́к (укр. Мико́ла Петро́вич Бідня́к; 1930 —2000) — украинский живописец, график. Педагог, профессорЛьвовской академии искусств. Член Национального союза художников Украины. Член Мировой ассоциации живописцев, рисующих ртом или ногами.

Биография[править | править вики-текст]

Родился 1 февраля 1930 года в Торонто (Канада) в семье эмигрантовс Украины. В 1937 Николай Бедняк вместе с отцом приехал навестить родственников на Буковине. До 1940 жил у родного дяди в селеЛенковцы, близ Черновцов.

В 1940 году выехал в Германию.

В 1945 в 15-летнем возрасте, работая на поле у бауэра, в результате несчастного случая из-за взрыва мины, потерял обе руки и один глаз.

Работая по 16—18 часов в день, научился рисовать и писать картины ртом.

Автор более 3,5 тысяч работ, некоторые из которых — монументальные полотна.

Долгое время Николай Бедняк жил в Канаде, затем с 1991 - на Украине.

Творчество[править | править вики-текст]

Художник уникального мастерства, который явил миру произведения высокой художественной ценности в живописи и графике.

Н. Бедняк работал в живописи, графике, сакральной станковой и монументальной живописи. В Канаде стал известным иллюстратором украинских книжно-журнальных изданий.

Художник владел различными техниками, талант его проявился в различных стилях - от реалистического до символического, но «почерк» его всегда энергичный и насыщенный красками. Его искусство утонченное и философско-высокое, поражает совершенством рисунка, цветовой гаммой и разнообразием жанров.

«Николай Бедняк - это титан украинской иконописи двадцатого века. Сильнее индивидуальности в сакральном искусстве нашего времени нет. Уверен, этим иконам, новейшим, модерновым по стилю, будут удивляться в ХXI веке. Это - явление в мировом живописи. Думается, что творить такие шедевры может только богатый на красоту - на красоту неземную - человек, которому открывается другой, высотный мир. »

— Дмитрий Крвавич, скульптор, народный художник УССР

Первая персональная выставка работ художника на Украине состоялась в 1991. В 1994 году выставки Н. Бедняка экспонировались во Львове, Ивано-Франковске, Киеве (1995, 2000).

Умер Н. П. Бедняк 28 декабря 2000 года во Львове

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%91%D0%B5%D0%B4%D...%D1%80%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87

Карл Брюллов
Имя при рождении:	Карл Брюллов
Дата рождения:	12 (23) декабря 1799
Место рождения:	Санкт-Петербург, Российская империя[1]
Дата смерти:	11 (23) июня 1852 (52 года)
Место смерти:	Манциана, Лацио, Италия
Страна:	Российская империя
Жанр:	Историческая живопись,портрет
Учёба:	Академия художеств
Стиль:	Академизм, романтизм «Последний день Помпеи», «Всадница», «Осада Пскова»
Влияние:	Рафаэль, Пуссен, Веласкес
Влияние на:	Я. Ф. Капков, Моллер,Шевченко, Нефф, Крамской,Репин, Семирадский, Серов, Ф. Горецкий, Шилов, П. Петровский[2].
Награды:	1813 — малая серебряная медаль АХ («Натурщик»), 1817 — большая серебряная медаль АХ («Натурщики»), 1818 — малая золотая медаль АХ («Улисс и Навсикая»), 1819 — малая золотая медаль АХ («Нарцисс»), 1821 — большая золотая медаль АХ («Явление Аврааму трех Ангелов у дуба Мамврийского»), 1834 — золотая медаль выставки Парижского Салона(Париж) («Последний день Помпеи»).
Работы на Викискладе

Карл Па́влович Брюлло́в (12 [23] декабря 1799, Санкт-Петербург — 11 [23] июня 1852, Манциана, Италия) — русский^[3]художник, живописец, монументалист, акварелист, представительакадемизма.

Сын академика орнаментальной скульптуры П. И. Брюллова. В 1809—1822 годах учился в Академии художеств у А. И. Иванова, А. Е. Егорова, В. К. Шебуева. С 1822 по 1834 год как пенсионер Общества поощрения художников жил и работал в Италии, где написал картину «Последний день Помпеи» (1830—1833), удостоенную в Париже Гран-при. Одновременно создал рядпортретов, в том числе картину «Всадница» (1832), принесших ему громкую славу. В 1835 году совершил путешествие по Греции иТурции, во время которого исполнил ряд графических работ. В том же году вернулся в Россию, до 1836 года жил в Москве, где познакомился с А. С. Пушкиным, затем переехал в Петербург. В 1836—1849 годах преподавал в Академии художеств. Исполнил рядпортретов деятелей русской культуры, в том числе Н. В. Кукольника(1836), И. П. Витали (1837), И. А. Крылова (1839). Был дружен сМ. И. Глинкой и Н. В. Кукольником. В 1843—1847 годах принимал участие в живописных работах для Казанского и Исаакиевскогособоров в Петербурге (завершены П. В. Басиным). В связи с болезнью в 1849 году уехал на остров Мадейра. За время жизни там выполнил большое количество акварельных портретов своих друзей и знакомых («Всадники. Портрет Е. И. Мюссара и Э. Мюссар», 1849). С 1850 жил в Италии. Был членом Миланской и Пармской Академий, а также Академии Св. Луки в Риме.

Творчество К. П. Брюллова стало вершиной позднего русского романтизма, когда чувство гармонической цельности и красоты мира сменилось ощущением трагизма и конфликтности жизни, интересом к сильным страстям, необычайным темам и ситуациям. На первый план вновь выдвигается историческая картина, но теперь её главная тема — не борьба героев, как в классицизме, а судьбы огромных человеческих масс. В своем центральном произведении «Последний день Помпеи» (1830—1833) Брюллов соединил драматизм действия, романтические эффекты освещения и скульптурную, классически совершенную пластику фигур. Картина принесла художнику огромную известность как в России, так и в Европе. Выдающийся мастер как парадного, так и камерного портрета, Брюллов совершил в своём творчестве показательную для эпохи романтизма эволюцию — от радостного приятия жизни ранних произведений («Всадница», 1832) до усложнённого психологизма поздних («Автопортрет», 1848), предвосхитив достижения мастеров второй половины века, например, таких какИ. Е. Репин («Портрет М. П. Мусоргского», 1881). Брюллов оказал огромное влияние на русских художников, среди которых у него было множество последователей и подражателей.

На памятнике скульптора М. О. Микешина «Тысячелетие России», поставленном в Новгороде в 1862 году, К. П. Брюллов изображён среди 16 фигур писателей и художников Русского государства с древнейших времён до середины XIX века.

Брат Александр Брюллов, архитектор, представитель стиля романтизм.

Биография[править | править вики-текст]

Детские годы. Учёба в Академии[править | править вики-текст]

Карл Брюллов родился 23 декабря 1799 года в Санкт-Петербурге в семье академика, преподавателя в классе орнаментальной скульптуры петербургской Академии художеств, резчика по дереву, мастера миниатюрной живописи и гравёра французского происхождения Павла Ивановича Брюлло (Brulleau, 1760—1833) и его супруги Марии Ивановны Шрёдер (Schroeder), имевшей немецкие корни (см. о семье Брюлловы). Кроме него, в семье было ещё три сына и две дочери.

С раннего детства, несмотря на свою болезненность, Карл по воле отца, желавшего обучить мальчика живописи, осваивал навыки, необходимые для будущей профессии: рисовал людей и животных в разных ракурсах, а с 1805 года, когда Павел Иванович ушёл в отставку, часто помогал ему в работе над оформлением Кронштадтской церкви и над другими различными заказами.

В октябре 1809 года мальчик был зачислен на казённое содержание в Императорскую Академию художеств вПетербурге, где проучился до 1821 года. В числе его учителей был А. И. Иванов. Карл быстро зарекомендовал себя блестящим, разносторонне одарённым учеником, легко справлялся со всеми учебными заданиями, благодаря чему снискал всеобщую любовь. В старших классах юноша часто помогал своим однокурсникам, за небольшую плату правя их экзаменационные работы. В дальнейшем Карл получил золотую медаль по классу исторической живописи.

Первой значимой работой Брюллова стало полотно «Гений искусства» (1817—1820, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург), созданное в соответствии с академическими требованиями и признанное Академическим Советом образцом для копирования. В 1819 году молодой художник создал ещё одну известную картину «Нарцисс, смотрящий в воду», которую А. И. Иванов выкупил для своей коллекции. Ныне она хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

Первое путешествие в Италию. Итальянский период жизни (1823—1835)[править | править вики-текст]

В 1821 году Брюллов закончил Академию и в качестве выпускной работы написал картину «Явление Аврааму трёх ангелов у дуба Маврийского», за которую получил большую золотую медаль и право на пенсионерскую поездку за границей. Но президент Академии А. Н. Оленин настоял на том, чтобы молодой художник остался в Академии ещё на три года для совершенствования мастерства, назначив ему в наставники мало одарённого и не пользовавшегося авторитетом у студентов художника А. И. Ермолаева. Просьба Брюллова о замене учителя была отклонена. Тогда Карл отказался от пенсионерской поездки. В это самое время на живописца обратило внимание недавно созданное известными на то время меценатами Общество поощрения художников (ОПХ) и, чтобы убедиться в его таланте, предложило ему выполнить несколько работ на программные темы, пообещав взамен оплатить заграничную поездку. Результатом этого предложения стали две картины Брюллова «Эдип и Антигона» (1821, Тюменский краеведческий музей) и «Раскаяние Полиника» (1821, местонахождение неизвестно), после которых ему было предложено поехать за границу для совершенствования своего мастерства. Взамен с него бралось обязательство составлять подробные отчёты о своих впечатлениях и результатах изучения произведений искусства, а также предоставлять новые работы. Карл согласился и вместе со своим братом Александром 16 августа 1822 года отбыл в Италию. В мае 1823 года они прибыли в Рим, посетив по пути Ригу, Кенигсберг, Берлин, Дрезден, Мюнхен, Венецию, Падую, Верону, Мантую и Болонью. Буквально сразу после прибытия в Рим художник получил от ОПХ задание выполнить копию с фрески Рафаэля «Афинская школа», ставшей последней ученической работой живописца.

По прибытии в Италию Брюллов увлёкся жанровой живописью и наряду с картинами на исторические и религиозные сюжеты стал писать работы на эту тему, черпая вдохновение из окружавшей его действительности. Первой удачной работой в этом жанре стала картина «Итальянское утро» (1823, Кунстхалле, Киль). Увидев её в Петербурге, современники были поражены оригинальной трактовкой сюжета и свежестью письма, а император Николай I, после того, как ОПХ подарило ему эту картину, пожаловал Брюллову бриллиантовый перстень и поручил написать парную к ней картину. Ею стала работа «Итальянский полдень (Итальянка, снимающая виноград)» (1827, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург), однако она не понравилась ни императору, ни ОПХ из-за неподобающего, по общему мнению, сюжета с точки зрения высокого искусства. В ответ на критику Брюллов в 1829 году разорвал отношения с ОПХ.

Помимо больших полотен жанровой живописи, в 1827 году художник увлёкся созданием акварелей — небольших по размеру произведений, ставших для мастера удачной возможностью для передачи жизненных наблюдений. Из-за своей тематики эти работы носили название «итальянский жанр», поскольку чаще всего заказывались аристократами в качестве сувенира из Италии и призваны были с

Фрида Кало
исп. Frida Kahlo
Автопортрет Фриды Кало с терновым венцоми колибри
Имя при рождении:	Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón
Дата рождения:	6 июля 1907[1][2][3]
Место рождения:	Койоакан, Мехико
Дата смерти:	13 июля 1954[1][3] (47 лет)
Место смерти:	Койоакан, Мехико
Страна:	Мексика
Жанр:	живопись, гравюра
Стиль:	реализм, сюрреализм,символизм
Работы на Викискладе

Фри́да Ка́ло де Риве́ра (исп. Frida Kahlo de Rivera), или Магдале́на Ка́рмен Фри́да Ка́ло Кальдеро́н (исп. Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón; Койоакан^[4], Мехико, 6 июля 1907 — 13 июля 1954),^[5][6] —мексиканская художница, наиболее известная автопортретами^[7][8].

Мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки оказали заметное влияние на её творчество. Художественный стиль Фриды Кало иногда характеризуют как наивное искусство или фолк-арт. Основоположник сюрреализма Андре Бретон причислял её к сюрреалистам.

Всю жизнь у неё было слабое здоровье — она страдала полиомиелитомс возраста шести лет, а также перенесла серьёзную автомобильную аварию в подростковом возрасте, после которой ей пришлось пройти многочисленные операции, повлиявшие на всю её жизнь. В 1929 годуона вышла замуж за художника Диего Риверу, и, подобно ему, поддерживала коммунистическую партию.^[9]

Биография[править | править вики-текст]

Фрида Кало в возрасте 12 лет

Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в Койоакане, пригороде Мехико(позднее она поменяла год рождения на 1910 — год Мексиканской революции^[10]). Её отцом был фотограф Гильермо Кало, немец еврейскогопроисхождения. Мать Фриды, Матильда Кальдерон, была мексиканкой синдейскими корнями^[11]. Фрида Кало была третьим ребёнком в семье. В 6 лет она перенесла полиомиелит, после болезни на всю жизнь осталась хромота, а её правая нога стала тоньше левой (что Кало всю жизнь скрывала^[12][13] под длинными юбками). Столь ранний опыт борьбы за право полноценной жизни закалил характер Фриды.

Фрида занималась боксом и другими видами спорта. В 15 лет она поступила в «Препараторию» (Национальную подготовительную школу), одну из лучших школ Мексики, с целью изучать медицину^[8]. Из 2000 учащихся в этой школе было всего 35 девушек. Фрида сразу же заработала авторитет, создав с восемью другими учащимися закрытую группу «Качучас». Её поведение часто называли эпатажным.

Карл Ван Вехтен. Фрида Кало с супругом Диего Риверой, 1932

В Препаратории произошла её первая встреча с будущим мужем, известным мексиканским художником Диего Риверой, с 1921 по 1923 работавшим в Подготовительной школе над росписью «Созидание».

В возрасте восемнадцати лет 17 сентября 1925 года Фрида попала в тяжёлую аварию. Автобус, на котором она ехала, столкнулся с трамваем. Фрида получила серьёзные травмы: тройной перелом позвоночника (в поясничной области), перелом ключицы, сломанные рёбра, тройной перелом таза, одиннадцать переломов костей правой ноги, раздробленную и вывихнутую правую стопу, вывихнутое плечо. Кроме того, её живот и матка были проколоты металлическим перилом, что серьёзно повредило её репродуктивную функцию. Она год была прикована к кровати, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Впоследствии Фриде пришлось перенести несколько десятков операций, месяцами не выходя из больниц. Она, несмотря на горячее желание, так и не смогла стать матерью.

Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Для Фриды сделали специальный подрамник, позволявший писать лёжа^[14]. Под балдахином кровати прикрепили большое зеркало, чтобы она могла видеть себя. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего»^[15].

В 1928 году вступила в Мексиканскую коммунистическую партию^[8]. В 1929 году Фрида Кало стала женой Диего Риверы. Ему было 43 года, ей — 22. Сближало двух художников не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. Спустя много лет Фрида говорила:«В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». В 1930-х годахФрида какое-то время жила в США, где работал муж. Это вынужденное долгое пребывание за границей, в развитой индустриальной стране, заставило её острее чувствовать национальные различия.

С тех пор Фрида с особенной любовью относилась к народной мексиканской культуре^[16], коллекционировала старинные произведения прикладного искусства, даже в повседневной жизни носила национальные костюмы.

Поездка в Париж в 1939, где Фрида стала сенсацией тематической выставки мексиканского искусства (одна из её картин была даже приобретена Лувром), ещё сильнее развила патриотическое чувство.

В 1937 году в доме Диего и Фриды ненадолго нашёл убежище советский революционный деятель Лев Троцкий; у них с Фридой завязался роман^[17]. Считается, что уехать от них его вынудило слишком явное увлечение темпераментной мексиканкой.

В 1940-е годы картины Фриды появляются на нескольких заметных выставках. В то же время обостряются её проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют её душевное состояние, что ярко отражается в Дневнике, ставшем культовым среди её поклонников.

В 1953 году состоялась её первая персональная выставка на родине. К тому времени Фрида уже не могла встать с постели, и на открытие выставки её принесли на больничной койке.^[18]. Вскоре из-за начавшейся гангрены ей ампутировали правую ногу ниже колена^[19].

Фрида Кало умерла 13 июля 1954 года от воспаления лёгких. Незадолго до смерти она оставила в своём дневнике последнюю запись: «Надеюсь, что уход будет удачным, и я больше не вернусь». Некоторые друзья Фриды Кало предполагали, она умерла от передозировки, и её смерть могла быть неслучайной^[17]. Тем не менее, доказательств этой версии не существует, вскрытие тела не проводилось.

Прощание с Фридой Кало проходило во Дворце изящных искусств. На церемонии помимо Диего Риверы присутствовал президент Мексики Ласаро Карденас и многие деятели искусств.

С 1955 года «Голубой дом» Фриды Кало стал музеем её памяти.

Характер[править | править вики-текст]

Несмотря на полную боли и страданий жизнь, Фрида Кало имела живую и раскрепощённую экстраверсивнуюнатуру, и её ежедневная речь была усеяна сквернословиями. Будучи сорванцом в юности, она не лишилась своего пыла в поздние годы. Кало изрядно курила, в избытке употребляла спиртные напитки (особенно текилу), была открытой бисексуалкой, пела непристойные песни и рассказывала гостям своих диких вечеринок столь же неприличные шутки.

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%B0%D0%BB%D...%D0%A4%D1%80%D0%B8%D0%B4%D0%B0

Роман Тыртов
Имя при рождении:	Роман Петрович Тыртов
Дата рождения:	23 ноября (4 декабря) 1892
Место рождения:	Санкт-Петербург
Дата смерти:	21 апреля 1990 (97 лет)
Место смерти:	Париж
Страна:	Россия  Франция
Стиль:	ар-деко
Работы на Викискладе

Роман Петрович Тыртов (псевд. Эрте, фр. Erté;23 ноября (4 декабря) 1892, Санкт-Петербург — 21 апреля 1990,Париж) — знаменитый художник, график, сценограф, модельер эпохиар-деко русского происхождения, работавший в Париже и Голливуде. Стал известен под псевдонимом Эрте́ (фр. Erté, составлен из первых букв имени и фамилии), который взял, «чтобы не позорить семью».

Биография[править | править вики-текст]

Потомок старинного дворянского рода, берущего начало от татарского хана Тырта^{[источник не указан 331 день]}Отец — генерал-лейтенант флота, начальник Морского инженерного училища Пётр Иванович Тыртов.

Роман Тыртов родился в Санкт-Петербурге и с раннего возраста проявлял интерес к театру, живописи, графике и дизайну одежды. Он брал частные уроки у художника Дмитрия Лосевского, занимался классическими танцами у балерины Марии Мариусовны Петипа́. В 1900 году, ещё мальчиком, побывал на Всемирной выставке в Париже. В 1912 году навсегда уехал из России. Жил в Париже, Монте-Карло. Постоянным спутником жизни Тыртова был Николай Урусов.

Творчество[править | править вики-текст]

В 1912 году Роман Тыртов по окончании гимназии уехал в Париж. С 1913 года работал в Доме моды Поля Пуаре. В 1920-е годы был одним из ведущих художников стиля «ар-деко». Создавал костюмы для Анны Павловой, Мата Хари,Лиллиан Гиш. В 1925 году приглашен в Голливуд, на студию «Метро-Голдвин-Майер». В 1925—1937 году выполнил более ста обложек для журналов «Харперс Базар» и «Вог», сделав их новым феноменом искусства. В 1940—1960-х годах — скульптор, график (автор серий «Живописные формы», «Цифры» и «Алфавит»), сценограф (в частности оформлял балеты Ролана Пети), декоратор интерьеров. Также создавал скульптуры из бронзы^[1], ювелирные изделия. Работами Романа Тыртова восхищались Джордж Баланчин и Энди Уорхол. В начале 1970-х, в эпоху нового интереса к «ар-деко» достиг мировой известности.

Доминик Энгр
фр. Dominique Ingres
Автопортрет, 1804
Дата рождения:	29 августа 1780
Место рождения:	Монтобан
Дата смерти:	14 января 1867 (86 лет)
Место смерти:	Париж
Гражданство:	Франция
Жанр:	портрет
Стиль:	академизм
Подпись:
Работы на Викискладе

Жан Огю́ст Домини́к Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres; 1780—1867) — французский художник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.

Биография[править | править вики-текст]

Жан Огюст Доминик Энгр родился 29 августа 1780 года вМонтобане на юго-западе Франции.

Учился в тулузской академии изящных искусств. По окончании академии переезжает в Париж, где в 1797 становится ученикомЖака-Луи Давида.

В 1806—1820 г.г. учится и работает в Риме, затем переезжает воФлоренцию, где проводит ещё четыре года^[1]. В 1824возвращается в Париж и открывает школу живописи.

В 1835 году вновь возвращается в Рим в должности директора Французской академии.

С 1841 года до конца жизни живёт в Париже. Скончался 14 января 1867, похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

Также он был скрипачом^[2].

Творчество[править | править вики-текст]

В своём видении классицизма Энгр не разделял ни революционной тенденции своего учителя Давида, никонсерватизма Кановы; его идеал был противоположен романтическому идеалу Делакруа, что привело к упорной и резкой полемике с последним. Более всего Энгра интересовала форма, которая у него не сводилась к некому идеалу, но была связана со своеобразием предмета изображения.^[3]

Энгр вошёл в историю французской живописи прежде всего как великолепный портретист. В числе множества написанных им портретов особенно стоит отметить портреты поставщика императорской армии Филибера Ривьера, его жены и дочери Каролины, из которых более всего известен последний (все три — 1805); портреты Наполеона — первого консула (1803-04) и императора (1806); Луи-Франсуа Бертена (старшего), директора газетыJournal des débats (1832).

Также писал и большие программные полотна: «Триумф Гомера», «Передача ключей св. Петру», «Обет Людовика XIII»; однако, при всём мастерстве и упорстве, вложенном в эти работы, их содержание было в известном смысле оторвано от проблем и потребностей времени (чем они отличаются от, например, «Клятвы Горациев» или «Сабинянок…» Давида), что придавало им определённую эклектичность и холодность.

Широкую известность получили работы Энгра, воплотившие его понимание обнажённой женской натуры, такие, как т. н. «Одалиска Вальпинсона» (1808), «Большая одалиска» (1814), «Венера Анадиомена» (1848). Однако Энгр склонен к самоцитированию, и поза фигуры в «Венере Анадиомене» один в один повторена в картинах «Источник» (1856) и «Турецкие бани» (1863). Последняя работа являет собой некую «ретроспективу» найденных им образовню; узнаваема, в частности, фигура «Одалиски Вальпинсона» на первом плане.

Энгр первым из художников свёл проблему искусства к своеобразию художественного видения. Вот почему, несмотря на классическую направленность, его живопись привлекла к себе пристальный интерес импрессионистов(Дега, Ренуара), Сезанна, постимпрессионистов (в особенности, Сёра), Пикассо.

Джотто ди Бондоне
Портрет Джотто. Деталь картины «Пять основателей флорентийского искусства», конец XV - начало XVI вв. (?)[1]
Имя при рождении:	Angiotto di Bondone
Дата рождения:	ок. 1267
Место рождения:	Колле ди Веспиньяно, долина Муджеллолибо Флоренция, квартал Св. Панкратия, приход церкви Санта Мария Новелла
Дата смерти:	8 января 1337
Место смерти:	Флоренция
Жанр:	живопись, фреска, мозаика, архитектура
Влияние:	Чимабуэ
Влияние на:	Цевио, Армитаж
Работы на Викискладе

Статуя Джотто в нише пилона Флоренция, первый этаж галереиУффици

Джотто ди Бондоне или просто Джотто (итал. Giotto di Bondone) (ок. 1267—1337) — итальянский художник и архитектор эпохи Проторенессанса. Одна из ключевых фигур в истории западного искусства. Преодолев византийскую иконописную традицию, стал подлинным основателем итальянской школы живописи, разработал абсолютно новый подход к изображению пространства. Работами Джотто вдохновлялись Леонардо да Винчи,Рафаэль, Микеланджело.

[править]Биография

[править]Ранние годы

Родился в 1267 году предположительно недалеко от городка Виккьо, расположенного к востоку от Флоренции, в деревне Колле ди Веспиньяно. Есть и иные предположения о дате рождения Джотто вплоть до 1275 года. Вазари утверждал, что Джотто родился в 1276 году. Но наиболее вероятно, что художник умер в 1337 году (согласно Антонио Пуччи) в возрасте семидесяти лет. Отец будущего художника носил имя Бондоне (ум. 1311/1313) и был крестьянином. Позднее Джотто приобрёл в Веспиньяно земли и дома. По другой версии Джотто родился во Флоренции, в приходе церкви Санта Мария Новелла, в квартале Святого Панкратия. Неоднократно во флорентийских документах художник упоминается как del popolo di Santa Maria Novella. Его же отец, по этой версии, был кузнецом. Имя Джотто, возможно, сокращение от Анджиолотто либо Амброджотто.

По сообщению Вазари, был учеником Чимабуэ, эту точку зрения подвергают сомнению современные исследователи. Рассказ о том, что Чимабуэ увидел юного пастушка Джотто, рисующим овцу, и восхитился его талантом, ныне считается литературной легендой.^{[источник не указан 56 дней]}

По словам же Вазари, Чимабуэ и Джотто вместе работали над фресковыми росписями в церкви Сан Франческо, в Ассизи, и второй превзошёл первого.

В одном из документов 1301 года Джотто назван владельцем дома во Флоренции. К этому времени Джотто уже вступил в брак. Имя супруги — Чиута ди Лапо дель Пела. У них было восемь детей, один из сыновей стал живописцем.

[править]Фрески церкви Сан Франческо в Ассизи

Исав перед Исааком. Фреска. Ок. 1295. Ассизи, церковь Сан Франческо, верхняя церковь

Базилика Сан Франческо в Ассизи

Роспись верхней церкви Сан Франческо в Ассизи была начата около 1288 года. Две сцены в верхнем ярусе церкви, посвящённые истории Исаака иИакова, долгое время относили к работам неизвестного мастера,Мастера Исаака. Эти сцены основательно отличаются своими художественными достоинствами от других фресок Сан Франческо. Композиционное построение, живость персонажей, тонкая моделировка с помощью светотени, — всё позволяло говорить о появлении принципиально нового направления в живописи того времени. Мастера Исаака относили к кругу Каваллини или отождествляли с Арнольфо ди Камбио. Позднее исследователи обратили внимание на сходство Иакова с Иоанном с Распятия из церкви Санта Мария Новелла во Флоренции и пришли к заключению, что обе работы завершены примерно в одно и то же время (ок. 1290), и их автором является Джотто. По Вазари, именно Джотто по заказу главы ордена францисканцев Джованни Муровале создал сцены из жизни святого Франциска в верхней церкви в Ассизи. Цикл из двадцати восьми эпизодов был создан в довольно короткий срок — два года, что предполагает работу не одного художника, а целой мастерской. Тем не менее он отличается цельностью замысла, ровным изобразительным языком и общим иллюзионистским решением.

Фрески в нижней церкви Сан Франческо на тему молодости и распятия Христа выполнены мастерской Джотто гораздо позднее, в 1315—1320 годах. Фрески на средокрестном своде нижней церкви (1308—1328) впервые приписал Джотто Вазари. Они посвящены прославлению добродетелей святого Франциска, восстановителя евангельских норм. Аллегорические фрески изображают Послушание, Благоразумие и Смирение. Венец цикла — Прославление святого Франциска (Gloriosus Franciscus), где святой вступает в Царствие Небесное. Исследователи отмечают необычный, очень светлый колорит фресок, который достигается тончайшей градацией жёлтого, розового и зелёного цветов.

[править]Капелла дель Арена. Падуя

Поцелуй Иуды. Падуя, капелла дель Арена, южная стена

Пространственная перспектива, схожая с перспективой фресок верхней церкви Сан Франческо, появится в цикле росписей в капелле дель Арена в Падуе. Между 1303 и 1305 годами создано это главное произведение Джотто. Иногда Джотто также называют архитектором капеллы (этот вопрос оспаривается многими исследователями), но несомненно, что именно ему принадлежат фрески часовни, — феррарский хронист Риккобальдо в 1312—1313 гг. называет их «творением Джотто», наряду с росписями францисканских церквей в Ассизи, Римини и Падуе. Под его руководством был расписан центральный неф; росписи на стенах апсидыотносятся к школе Джотто, считается, что они выполнены после 1317 года. Работа художника в капелле, выполненная по заказу гражданина Падуи Энрико Скровеньи, знаменует собой решающий поворот в развитии европейской живописи — появление чувства пространства, в котором движется человек. Цикл состоит из 36 фресок с изображением юности Христа и Страстей. Их размещение на стенах строго продумано с учётом планировки часовни и её естественного освещения. Джотто и в этой работе привлекал учеников и помощников, но без ущерба для целостности общего замысла. С особым блеском здесь проявилось композиционное мастерство Джотто. Сдвигая перспективную точку зрения, художник достигает этим оптическим смещением нужного направления взгляда зрителя. Построение картины он подчиняет художественной логике, но без бьющей в глаза эффектности.

Согласно источникам, после 1306 года в падуанской городской ратуше — Дворце Разума (итал. Palazzo della Ragione) — Джотто изобразил, следуя указаниям астронома Пьетро д’Абано, небесное знамение.

[править]1300—1310 годы

Согласно некоторым источникам, Джотто был в Риме в священном 1300 году. Возможно, именно тогда он создал по заказу кардинала Якопо Стефанески монументальную мозаику Навичелла, прославившую художника на всю Италию. Она находилась в атриуме старой церкви (IV века) Святого Петра. В последнее время эту работу Джотто относят к 1310 году. Летописец Филиппо Виллани приводит мозаику в качестве доказательства мастерства Джотто, который так умел изобразить персонажей, что казалось, будто «они дышат, разговаривают, плачут или радуются». Об этой мозаике писал Леон Баттиста Альберти в своём трактате о живописи De pictura (1436). Сюжет композиции — Чудo нa Гeниcapeтcкoм oзepe — один из эпизодов общественного служения Христа. Иисус спасает корабль апостолов, попавший в бурю, и утопающего Петра. Символически это истолковывается как спасение самой Церкви от всех несчастий. Мозаика была разрушена при сносе старой постройки, сохранилась лишь её копия эпохи барокко (по мнению Норберта Вольфа, неудачная) в портике новой церкви. О её подлинном виде можно судить лишь по рисункам художников XIV—XV веков и уцелевшему оригинальному обрамлению с головами двух ангелов.

[править]Флоренция. Санта Кроче

Видение Иоанна на острове Патмос. Фрагмент стенной росписи секко. Флоренция, базилика Санта Кроче, капелла Перуцци (южная стена)

В 1312—1315 годах Джотто упоминается в нотариальных записях и судебных актах в связи со своей кредиторской деятельностью. Один из договоров Джотто — на сдачу в аренду ткацкого станка некоему Бартоло Ринуччи (по годовой ставке 120 % при том, что обычной была — 50 %) — заверен нотариусом Лапо ди Джанни, другом Данте.

Возможно, в 1315—1318 годах художник побывал при папском дворе в Авиньоне, так как в это время отсутствует упоминание его имени в флорентийских документах. Вазари сообщает, что Джотто вернулся из Авиньона в 1316 году. Исследователи полагают, что художник испытал влияние утончённой авиньонской живописи. C 1320 года Джотто — член Корпорации врачей и аптекарей Флоренции (Arte dei Medici e degli Speziali), куда входили также художники.

Испытание огнём перед султаном. Ок. 1325—1328. Флоренция, базилика Санта Кроче, капелла Барди (южная стена)

Историки искусства приписывают росписи капеллы Перуцци в базилике Санта Кроче, выполненные в технике секко, руке Джотто. Вероятно, созданы они около 1320 года, так как в рельефах бронзовой двери баптистерия (1330) Андреа Пизаноповторяются мотивы росписи. Капелла посвященаИоанну Крестителю и Иоанну Богослову.

Отличительная особенность росписей — размещение композиций на картинах необычайно широкого формата, что усилило впечатление монументальности и позволило художнику показать свободное движение персонажей на фоне сложных архитектурных комплексов. Выполненные в нестойкой технике, картины, серьёзно пострадавшие от наводнения и пережившие несколько неудачных попыток реставрации, большей частью утратили верхний красочный слой.

Фрески капеллы Барди написаны в сочетании с живописью секко. Их создание относят к 1325—1328 годам. Тема цикла из семи сцен — легенда о святом Франциске. Размеры капеллы позволили создать монументальные композиции, задуманные как единое целое. Стилистически фрески несколько отличаются от живописных произведений капеллы Перуцци, Ассизи и Падуи, это может быть объяснено тем, что росписи выполнялись разными членами мастерской Джотто.

[править]Неаполь

По сообщению Вазари, ещ