Выставка «В вашей картине правда» – с 15 апреля по 10 мая в Театральном салоне на Тверском бульваре – филиале Театрального музея им. А.А. Бахрушина, – составлена из работ тех авторов, с кем в разное время были связаны жизнь и творчество Марии Николаевны Ермоловой. Кураторы проекта: Мария Гадас и Светлана Гринченко.

Ермолова, которая и современниками, и историками театра признаётся одной из величайших актрис драматического жанра, была несомненным кумиром для художественной публики России рубежа XIX-XX веков. Независимость суждений и удивительная отзывчивость к красоте, сформировали индивидуальный, невероятно эмоционально окрашенный вкус актрисы в изобразительном искусстве. Так же отчётливы были её пристрастия в литературе и музыке.
Свидетельства её любви к тем или иным художественным явлениям, а также к отдельным художникам, мы находим в её письмах и в воспоминаниях современников о великой актрисе.
Из газеты «Московские ведомости» о Первом съезде русских художников и любителей художеств (№ 111, 24 апреля 1894 г.): «…известная наша артистка М.Н.Ермолова в богатом русском костюме, изображавшем Москву, блестяще прочитала приветственный монолог русскому искусству и вызвала шумные рукоплескания…». Первый съезд художников и любителей художеств 1894 года проходил в память знаменательного события, – передачи городу Москве художественной галереи братьев Павла и Сергея Третьяковых. Предпочтения Марии Николаевны совпадали с любовью знаменитых московских собирателей к искусству передвижников. Её чуткость и, как писал К.С. Станиславский «душевные глубины» отзывались, прежде всего, на гражданскую позицию их живописи.

Работы членов Товарищества передвижных выставок, которыми всегда особенно восхищалась Ермолова, будут представлены на выставке именами Исаака Левитана, Григория Мясоедова, Михаила Нестерова, Николая Ярошенко, Георгия Ярцева, Николая Дубовского, Александра Киселева, и других.
Отдельную часть экспозиции составят те авторы, с которыми Ермоловой приходилось общаться лично, в том числе, в процессе работы над театральными образами: Константин Коровин, Леонид Пастернак, Василий Дьячков, Анатолий Гельцер и, конечно, Валентин Серов, – его знаменитый «Портрет Ермоловой» недавно украшал нашумевшую юбилейную выставку художника в Третьяковской галерее.

Манеру Михаила Врубеля, недолгое время сотрудничавшего с Малым театром, Мария Николаевна долго не принимала, считая декадентской, что было для неё творческим приговором. «Она любила передвижников и не любила импрессионистской или беспредметной и футуристической живописи», – писала о Ермоловой в своих воспоминаниях Т.Л. Щепкина-Куперник. Но та особая «душевная чуткость», которую отмечал в Ермоловой К.С.Станиславский, заставила актрису, после многих лет отрицания, уже в 1910-е годы, полностью переменить своё отношение к его творчеству. Работы Врубеля будут представлены на выставке театральной графикой.
Более подробно история взаимоотношений М.Н. Ермоловой с художниками будет изложена в аннотациях к представленным в экспозиции произведениям.
Работы для проекта предоставлены из фондов Государственного Центрального Театрального музея имени А.А. Бахрушина и частных собраний Москвы.

Театральный салон на Тверском бульваре
Адрес: Москва, Тверской бульвар, 11 (м.«Тверская», «Пушкинская», «Чеховская»).
Телефоны: (495) 690-54-16, (495) 690-49-01.
Режим работы: Пятница, суббота, воскресенье – с 12:00 до 19:00. Среда, четверг – с 13:00 до 21:00.
Выходные дни: понедельник, вторник.
Взрослые билеты – 200 рублей; льготные (дети до 16 лет, студенты, пенсионеры) – 100 рублей.
18 апреля (Международный день памятников и исторических мест) – вход свободный.
Сайт: http://www.gctm.ru/branches/salon/
http://www.gctm.ru/branches/dme/

1.


2.


3.

Новый сезон 2014/2015гг. дом «Кабинетъ» открывает двумя крупными аукционами букинистики и живописи. Торги «Старинные и редкие книги, гравюры, фотографии» №25(75) пройдут в ЦДХ 25 сентября 2014 г., аукцион «Русская живопись и графика XIX-XX веков» №26(76) – 8 октября. Предаукционная выставка с 17 сентября по 7 октября. Пресс-показ состоится 17 сентября в 16.00 (ЦДХ, Крымский вал, д.10, зал № 1).

Каталог книжного аукциона состоит из 450 лотов. В их числе раздел с книгами XVI-XVIII вв., включающий знаменитую «Острожскую библию» первого русского книгопечатника Ивана Фёдорова и раритетное «Городовое положение» – первый закон о городском самоуправлении Екатерины II. Особый раздел – коллекция документов (уставов и статутов орденов, придворных церемониалов), памятных книжек и придворных календарей Российской империи. Большая подборка лубков, плакатов, уникальных агитплакатов эпохи революции и первых лет советской власти. Практически полный комплект «Ежегодника Императорских театров. 1891-1915».

Редкие и коллекционные издания А.Пушкина, Ф.Достоевского, М.Лермонтова, А.Грибоедова, Н.Гумилева, И.Бунина, К.Бальмонта, В.Маяковского, А.Ахматовой, А.Блока, О.Мандельштама и др.

Аукцион «Русская живопись и графика XIX-XX веков» состоит из 166 лотов, среди которых первые имена русского искусства – В.Поленов, К.Маковский, Б.Григорьев, М.Нестеров, К.Горбатов, Александр Бенуа, К.Петров-Водкин и др. Среди абсолютных топ-лотов торгов пейзаж «Летний день» Алексея Саврасова, а также чуть ли не единственный сохранившийся пейзаж из «бердянской» серии Роберта Фалька.

Online каталоги: http://www.kabinet-auktion.com/
Адрес: Центральный дом художника (Крымский вал, д.10) Зал № 1. Тел.8-499-238-14-69
Контакты для СМИ: Тел. 8-916-674-11-69 kabinetauctions@gmail.com

Книга «Формула мироздания», посвященная творчеству художника Александра Кедрина, включает более 150 иллюстраций работ с конца 1950-х и до 2014 г., статьи и эссе искусствоведов и людей, близко знакомых с художником. В их числе: Александр Глезер, Эрнст Неизвестный, Андрей Косинский, Никита Махов и другие. Каждый из них по-своему пытается определить живописно-монументальный метод Кедрина. Вот, например, что пишет о нём Эрнст Неизвестный: «Я не вижу принципиальной разницы – за исключением, разумеется, в материалах и технологиях – между Сашиной живописью и кера¬микой. И то, и другое – надбуднично. В его космических ритмах есть то, что мне вообще близко в искус¬стве – сакральное начало, ощуще¬ние, связанное с таинственностью бы¬тия, космическими безднами».

Книга издана презентована в рамках крупного выставочного проекта, который проходил в Государственном музее Востока в июне 2014г. Ретроспективная музейная экспозиция «Александр Кедрин. Постижение замысла» включила около 100 работ художника, творческие и жизненные устои которого формировались в пост-оттепельные годы в кругу общения с московскими художниками и поэтами. Среди его друзей были: Эрнст Неизвестный, Белла Ахмадулина, Эрик Булатов, Андрей Вознесенский, Владимир Немухин, Евгений Евтушенко, Николай Вечтомов и многие другие лидеры культурного андерграунда 70-х.

Александр Кедрин родился в 1940 году в Ташкенте – столице тогда еще советского Узбекистана. Династия Кедриных богата талантливыми личностями. Дед художника был присяжным поверенным, депутатом Государственной Думы России, а после революции – министром юстиции в эмигрантском правительстве в Париже. Бунин и Толстой писали о нем как о видном политике. Троюродным братом отца был знаменитый совретский поэт Дмитрий Кедрин. Отец – потомственный петербургский дворянин и знаменитый художник-график, спасаясь от сталинских репрессий, переехал с семьей в Ташкент, где стал одним из создателей Союза художников Узбекистана.

Александр Кедрин вырос и сформировался как художник в Ташкенте, частью под влиянием древних традиций восточной миниатюры и керамики, частью под воздействием столь мощного мастера символической абстракции, как Александр Волков, которого молодой Кедрин застал в последние годы его жизни. В Ташкенте Кедрин стал признанным керамистом-монументалистом – оформил панно и мозаиками сотни объектов (дворцов культуры, спортивных комплексов, домов отдыха) по всему СССР. Однако истинной страстью художника всегда оставалась философско-метафизическая беспредметная живопись, 30 лет писал «в стол» абстрактные живописные полотна в стиле, который сам называл «метареализмом». Беспредметная живопись автора раскрывает парадоксы художественного мышления.
Кедрин считает своими первыми учителями КандинскогоЮ, Миро и Ива Танги, а беспредментую живопись – апогеем своего творческого пути в изобразительном искусстве.

Творческий путь Александра Кедрина в чем-то типичен для поколения «шестидесятников» – художников, начинавших жизнь в искусстве на рубеже 50-х-60-х годов XX века, к тому же, в провинции, «на национальной окраине СССР», как тогда говорили.
Его исключили из художественного училища за организацию выставки «молодых абстракционистов» (за несколько лет до хрущёвского «разгрома» манежной выставки!). Кстати, с тех самых пор, вплоть до 1990 года – тогда впервые в Союзе художников Узбекистана прошла персональная живописная выставка Кедрина – художник не выставлял на публичное обозрение свои абстрактные полотна.
Власть всё же отторгла его, как и многих представителей его поколения. Уже после распада СССР, вполне успешный и признанный художник решил уехать в США. Двадцать лет Кедрин живёт в Штатах, активно участвует в художественной жизни. Осенью 2003 года он представлял США на Международной биеннале живописи во Флоренции. Его работы разошлись по многим крупным музейным и частным коллекциям.

Книга «Формула мироздания» не только позволяет проследить драматичный творческий путь нашего соотечественника, получившего мировую известность, но и расширяет представление об искусстве второй половины ХХ – начала ХХI века и парадоксах художественного процесса.

Объекты и инсталляции, самые неожиданные интерпретации понятия «время» – в проекте Сергея Катрана и Екатерины Сисфонтес «InTime»(Moscow) с 12 ноября до 7 декабря в ЦТИ ФАБРИКА.
Совместный проект российского художника Сергея Катрана и шведской художницы Екатерины Сисфонтес «InTime» (Moscow) посвящен размышлениям о времени, интерпретации этого понятия в разных культурах. Будучи вовлеченным в проект «InTime», зритель оказывается в иных измерениях, как Алиса Льюиса Кэрролла. Вместе с тем, он приобретает «постисторический» опыт, позволяющий в нашем расслоенном мире, поделенном на наносекунды, обрести целостность 4’33” Джона Кейджа.
Сергей Катран и Екатерина Сисфонтес реализуют свой проект как творческий диалог, в котором феноменальность – «игры по правилам» – теряет свои устойчивые смыслы, переходя в образность новейшего времени, в торжество нелинейного равновесия, в непосредственность импровизации play. «InTime» подтверждает, что художник всегда действует вовремя, открывая реальность в ее незащищенности и бескорыстии, обнаруживая абсолютно скрытые процессы времени, неотделимые от жизни пространства.
Сергей Катран. Художник-изобретатель «машин и механизмов», с помощью которых можно сжимать и, напротив, высвобождать Время. К числу его изобретений относятся «Гравитационный уплотнитель Времени», «Колесо Времени» и другие интерактивные объекты и инсталляции.
Екатерина Сисфонтес. Время – это неверно расшифрованное понятие, с которым человечество продолжает бороться на протяжении всей своей истории. В данном проекте художник переносит свой опыт работы с микрообъектами на макроуровень.
Куратор проекта Виталий Пацюков:
«Проект InTime свидетельствует об особой точке времени, в которой находится наша цивилизация, настойчиво требующая ввести новые системы отсчета. Эта точка мерцает, меняет свои координаты, стремясь ускользнуть от любой определенности, расширяясь до бесконечности и превращаясь в волну. Ее формы распадаются на элементарные частицы и вновь фокусируются, собираясь в ряды Фибоначчи, выстраивая парадоксальные пропорции, чтобы вновь доказать нашему сомнительному разуму, что реальность не подчиняется закону «причина-следствие»…
Время в технологиях Сергея Катрана течет циклами, двигаясь по спирали, накапливая свою энергию, чтобы ее разрядить in time, не дожидаясь катастрофы. В диалоге с позицией Сергея Катрана часовые механизмы Екатерины Сисфонтес направляют время в особую линейность, каждый раз завершая предыдущую фазу, не позволяя ей возвращаться, устремляясь непрерывно вперед. В этом дуэте европейские стратегии измерения времени встречаются с восточными, с буддистским колесом, формируя в точке пересечения ситуацию вечности...»
Открытие: 12 ноября 2012г. с 19.00
Организаторы: Государственный центр современного искусства (ГЦСИ), ЦТИ ФАБРИКА. Проект осуществлен при поддержке AL Gallery.
Кураторы: Виталий Пацюков, Дмитрий Пиликин
Центр Творческих Индустрий ФАБРИКА. Москва, Переведеновский переулок, д.18. Вт-Вс с 12.00 до 20.00. Вход на выставки – свободный.
http://www.proektfabrika.ru/
Контакты для СМИ: 8-915-163-33-60 artgalera@gmail.com

В рамках ежегодного фестиваля японской культуры в Москве
Министерство культуры РФ, Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства и Московский банк Сбербанка России c 3 октября до 20 ноября 2012г. представляют уникальный культурный проект родом из Японии. Коллекция, созданная из драгоценных металлов и камней «В саду» японского мастера эмальерного искусства Кунио Накадзима – это более 80 ювелирных изделий, которые дизайнер представит общественности уже в начале октября.

Ювелирные изделия коллекции «В саду» украшены горячей эмалью, выполненной в старинной японской технике «сиппо», в которой творили классики эмальерного искусства конца XIX века Ясуюки Намикава и Сосукэ Намикава, и вдохновлены стилистикой и образами великих мастеров эпохи Ар-Нуво: Галле, Фаберже, Тиффани, Лалика.

Произведения Кунио Накадзима обладают особым ностальгическим духом, который редко несут изделия современных мастеров. Дизайн ювелирной коллекции «В саду», основанный на близких человеку мотивах мира растений и насекомых, отражает один из основных принципов восточной эстетики – соотношение простого и изящного. Этот ярко выраженный стиль сродни художникам–модернистам, которых с полным правом можно называть дизайнерами, в современном понимании этого термина. Так, Кунио Накадзима часто использует в своих работах такие образы, как желудь или клевер, ящерица или бабочка, которые являются весьма распространенными мотивами в ювелирном деле, но в искусстве японского мастера получают новое воплощение за счет малого масштаба и оригинальной, неповторимой формы. Произведения Накадзимы, вобравшие в себя лучшие черты ар-нуво и японского натурализма, основанные на асимметричности и неустойчивости цветочных форм, вместе с тем наделены особым индивидуальным стилем и отображают его собственное видение красоты природы.
Масштабную поддержку проекту оказывает подразделение по обслуживанию VIP-клиентов Московского банка Сбербанка России – «Сбербанк 1». «Мы уверены, что и сами экспонаты, и стилистическое оформление выставки произведут впечатление на российскую аудиторию, – говорит председатель Московского банка Сбербанка России Максим Полетаев. – Наш банк впервые реализует арт-проект такого уровня совместно с Музеем декоративно-прикладного и народного искусства. На наш взгляд, экспозиция работ японского мастера позволит публике увидеть Музей совершенно в ином свете».
Горячая эмаль, – техника, в которой работает Накадзима, – выплавляется на основе кремниевой кислоты; используя одни добавки, из кремния получают стекло, используя другие – эмаль. Интересно взглянуть, как европейские и российские художественные достижения и традиции рубежа XIX-XX веков преломляются в восточном искусстве начала XXI столетия. Современное эмальерство в исполнении Кунио Накадзимы, оперируя образами Ар-нуво, опосредованно обращается к истокам собственной культуры, к мотивам и сюжетам изменчивости мира классического японского стиля укиё-э.
В автобиографических заметках Кунио Накадзима пишет об этом так: «Подобно тому, как в японской поэзии «вака» или «рэнга» используется литературные прием «хонкадори», или следование изначальной песне (когда в стихотворении скрыто используется строка из уже существующего стиха), также и здесь легкий полет мысли и его свобода, необходимые для того, чтобы ощутить незримое расстояние между оригиналом и копией, являются доказательством мастерства художника».
Коллекция «В саду» уже была представлена в крупных городах Японии и в Брюсселе на постоянной выставке «Les Orfevres», где изделия Накадзимы экспонировались рядом с работами Рене Лалика, Фредерика Бушерона, Анри Вевера, Эжена Геллара и произвели впечатление на европейскую публику. С 2000 года в Японии также ежегодно проходят авторские выставки Кунио Накадзимы, на которых мастер с успехом представляет все новые и новые творения публике.
Кунио Накадзима сам представит свой проект «В саду» в Музее ДПИ. Он примет непосредственное участие в построении экспозиции и расскажет об истоках и своей сегодняшней творческой практике.

Пресс-служба Музея ДПИ
mdpipress@gmail.com; artgalera@gmail.com
8.916.674.11.69
Сайт: http://www.vmdpni.ru/

Галерея «Веллум» представляет выставку графических работ известных художников ХХ столетия во Всероссийском Историко-Этнографическом Музее , в городе Торжок, с 1 июня по 1 августа 2012 года.

В экспозиции будут представлены работы таких художников как: Артур Владимирович Фонвизин (1883-1973), Александр Аркадьевич Лабас (1900-1983), Владимир Васильевич Лебедев (1891-1967), Антонина Федоровна Софронова (1892-1966), А.И.Ватагин (1881-1947), А.М. Каневский (1898-1976), М.М. Аксельрод (1902-1970) и А.Л. Каплан (1902-1980), А.С. Коновалова(1883-1969), Б. А. Смирнов-Русецкий (1905-1993), Е.Ф. Ермилова-Платова (1895-1974). Экспозиция иллюстрирует историю развития так называемой «формалистической» графики первой половины ХХ века.

В начале ХIХ века в России начали формироваться коллекции, в которых собирались графические работы художников наравне с их живописными полотнами. Знаменитым живописцам заказывали акварельные и карандашные портреты, гостиные украшались пейзажами, исполненными на бумаге.
Гибкой и разносторонней была связь графики с другими сферами культуры. Как иллюстрация она имела прямой выход в литературу, книжное и издательское дело, как эскиз декорации – в театр, как проект – в архитектуру, прикладное искусство и самые различные сферы человеческой деятельности.
По мнению Микеланджело, рисование есть высшая степень достижения и для живописца, и для скульптора, и для архитектора, а рисунок – исток и душа всех родов изобразительных искусств.
ХХ век в российской культуре также отмечен выдающимися достижениями художников в области графического искусства. Собрание графики ХХ века – самый большой раздел в фондах графики Третьяковской галереи. Станковость и эскизность, фиксация увиденного или чистая фантазия, иллюстрация к прочитанному, заготовка для гравюры или проект театрального костюма, карикатурное преувеличение или деталь, выделенная из целого, опосредуют и предопределяют стилистику графического произведения.

Выставка «Традиции русской графики ХХ века. 1900-1950-е гг.» – продолжение культуртрейгерской деятельности Московского Учреждения Культуры «Галерея Веллум» в провинциальных музеях. Ранее были проведены выставки художников старой русской школы: в Муромском Художественном Музее, в ГМЗ Ростовский Кремль, а также в «Музее Марка Шагала в Витебске».

Открытие 1 июня 16.00
Адрес музея: Тверская область, г.Торжок, пл. 9 января, д. 2. Выставочный зал

www.vellum.ru
www.viemusei.ru

Контакты: Галерея «Веллум» Тел.: +7 (495) 776-33-31; 695-13-53 (доб.147), Email: vellum@list.ru
Контакты для СМИ: 8-916-674-11-69 cultureartpr@gmail.com

Галерея «Веллум» проводит в ЦДХ (Крымский вал, д.10, зал № 3) с 29 марта до 16 апреля 2012 г. (открытие 29 марта в 17.00) исторический выставочный проект «От Ледового побоища до Первой Мировой», приуроченный к Году российской истории и 770-летней годовщине «Ледового побоища». История России в работах русских классиков.

Выставка «От Ледового побоища до Первой Мировой» объединяет около 40 редких исторических произведений, батальных полотен, театральных эскизов к историческим постановкам. Среди художников, работы которых будут представлены: Павел Корин, Александр Бубнов, Михаил Нестеров, Петр Петровичев, Франц Рубо, Иван Владимиров, Александра Коновалова, Федор Федоровский, художники студии им. Грекова.
Не случайно 2012 год объявлен «Годом российской истории». Множество славных исторических событий отмечены в этом году юбилеями и круглыми датами: 400 лет ополчению Минина и Пожарского, 200 лет Первой Отечественной войне. А ещё в апреле 2012 года исполняется 770 лет победы в легендарном «Ледовом побоище» на Чудском озере (1242), когда объединённые русские дружины под руководством князя Александра нанесли решающее поражение захватчикам из Ливонского ордена, – сражение, ставшее символом непобедимости русского оружия. Это событие, как и все последующие ключевые битвы русского воинства, вплоть до последнего успеха русского оружия – знаменитого «Брусиловского прорыва» (1916) – нашли свое отражение в творчестве выдающихся русских мастеров живописи.
В собрании галереи «Веллум» находится редчайший этюд к великой картине Павла Корина «Александр Невский» (само полотно находится в постоянной экспозиции ГТГ). Показ широкой публике этой работы, ранее нигде не экспонировавшейся, само по себе событие историко-культурного значения, особенно в контексте данной исторической даты. Арт-директор галереи «Веллум», искусствовед Любовь Агафонова так описывает историю создания самого, наверное, известного триптиха П.Корина: «В 1942 году Комитет по делам искусств предложил Корину написать картину, чтобы образ великих предков вдохновлял советских солдат и офицеров. Всё своё знание о духовной красоте и качествах русского человека он вложил в свой триптих «Александр Невский». Сила воздействия созданного образа оказалась такова, что репродукции Александра Невского украшали фронтовые землянки и фронтовые газеты. А огромная копия картины, сделанная группой бойцов, штурмовавших Великий Новгород, была установлена у въезда в город».
Не менее значимы работы ещё одного выдающегося советского мастера – Александра Павловича Бубнова, известного всему миру как автора эпохального полотна «Утро на Куликовом поле», этюды к которому можно будет увидеть на выставке. Бубнов, как и Корин – продолжатель эстетического идеала «В поисках Руси», в котором визуализируются мифологические константы русских исторических персонажей. Если в предвоенные годы и годы Великой Отечественной художники обращались к теме патриотизма, чаще всего персонифицируя его через образы древних защитников русской Земли, то послевоенное время предстаёт перед ними более поэтизированным. В частности, Александр Бубнов создаёт целую живописную сюиту на тему пушкинской «Песни о Вещем Олеге»; несколько картин из этой серии будут представлены на выставке.
Среди экспонатов выставки – исторические работы мастера «опоэтизированного реализма» Михаила Нестерова (так он сам называл свой стиль); произведения Фёдора Федоровского, много лет прослужившего главным художником в Большом театре; работы баталистов из Студии военных художников им. М.Б. Грекова.
Завершают экспозицию работы признанных мастеров батальных сцен первой половины XX века – «Сдача в плен турецких солдат под Эрзерумом» Ивана Владимирова и «Казаки в Галиции. Перед Брусиловским прорывом» Франца Рубо (автора росписей «Бородинской панорамы»). На их полотнах изображены победоносные события Первой Мировой войны – последней в истории русского императорского оружия.

Галерея «Веллум» www.vellum.ru
Тел.: +7 (495) 776-33-31; 695-13-53 (доб.147)
Контакты для СМИ: 8-915-163-33-60, cultureartpr@gmail.com

VII ярмарка графики Худграф-2012 (рисунок, пастель, акварель, эстамп, фотография) пройдет в Новом Манеже (Георгиевский пер., д. 3) с 28 марта до 1 апреля. В этом году ярмарка графических искусств ХУДГРАФ вновь покажет шедевры мирового искусства. Среди имен художников, работы которых будут представлены на выставке-ярмарке: Пабло Пикассо, Хоан Миро, Антони Тапиес, Анри Матисс, Леопольд Сюрваж, Рой Лихтенштейн, Энди Уорхолл и Джаспер Джонс, Дэмиен Хёрст. Ярмарка Худграф всегда вызывает интерес зрителей своими разнообразными спецпроектами: чаще монографическими или «one collection show». Специальный проект приурочен к 125-летию со дня рождения Марка Шагала. Среди спецпроектов ярмарки: проект «Книга художника Петра Перевезенцева» «Книга беглецов. Текст с комментариями», Андрей Красулин с проектом «Архив», серия «Микродрамы» Ивана Языкова, проект Екатерины Рожковой «Бесконечный пейзаж» и др. Традиционно широко представлена русская графика ХIX –XX вв., в том числе работы Алексея Саврасова, Ивана Шишкина, Ивана Крамского, Кузьмы Петрова-Водкина, Мстислава Добужинского, Александра Куприна, Давида Бурлюка, Сергея Герасимова, Петра Кончаловского, Александра Лабаса. Среди художников-шестидесятников, чьи работы постоянно участвуют в «Худграфе», – Лев Кропивницкий, Дмитрий Плавинский, Алексей Зверев, Дмитрий Краснопевцев, Михаил Шемякин, Оскар Рабин, Олег Целков, Борис Свешников, Владимир Немухин.
Ярмарка «ХУДГРАФ-2012» продемонстрирует широкую палитру «бумажного» искусства – от мировых шедевров до достаточно заметного акцента на актуальных тенденциях графики.


1.


2.


3.


4.


5.

С 17 до 30 января 2012г. в ЦДХ впервые за последние 30 лет пройдет крупная ретроспективная выставка графики и живописи выдающегося русского художника, иллюстратора, народного художника СССР Виталия Горяева (1910-1982).
На выставке «Виталий Горяев: Линия жизни» будет экспонироваться около 1500 работ, разделенных по десятилетиям: 1930-е, 1940-е, 1950-е, 1960-е, 1970-е и 1980-е годы. В отдельный блок войдут около 60 работ – карикатур В. Горяева для журнала «Крокодил». В витринах будут представлены редкие оригиналы книг с иллюстрациями В. Горяева.
Все мы в детстве читали стихи Агнии Барто, увлекались «Приключениями» Тома Сойера и Гекльберри Финна Марка Твена, следили за гимнастом Тибулом и девочкой Суок Юрия Олеши. И всегда смотрели на этих литературных героев глазами Виталия Горяева. Иллюстрации к произведениям Пушкина, Гоголя и Достоевского вошли в золотой фонд отечественной книжной графики.
Виталий Горяев начал заниматься графикой в середине 1930-х. В этот период советская графическая школа переживала подъём, живы были традиции начала века, которые развивала мощная когорта новых советских рисовальщиков. А. Дейнека и В. Фаворский были учителями Горяева. Кукрыниксы, М.Черемных, Л.Сойфертис, Д.Бисти, Г.Верейский – его современники. В таком окружении нелегко было выработать свой узнаваемый подчерк, выделиться. Горяев смог. И в журнале «Крокодил», в котором он проработал более полувека, и в военных «ОКНАХ ТАСС», журнале «Фронтовой юмор», газете «Красноармейская правда», и в работе над книгами О. Генри и М. Твена, рисуя страну, которую доселе никогда не видел.
Интересно, что художником Горяев стал с лёгкой руки Владимира Маяковского. Он показал поэту свои стихи; Маяковского они не вдохновили, зато совершенно поразили рисунки на полях. «Слушай. Ты художник. Тебе нужно учиться», – вспоминал впоследствии Виталий Горяев свой разговор с Маяковским.
Горяев вошёл в историю искусств, в первую очередь, как книжный график и иллюстратор. Мало, кто знаком с его живописью. «В 60-70-е годы, несмотря на всеобщее признание, отец постоянно подвергался ретроградной критике. Вице-президент Владимир Кеменов, тогда главный искусствовед и критик Академии художеств, считал Виталия Горяева слишком левым и авангардным. По этим причинам его не принимали в академию 17 лет подряд, что для Народного художника СССР и Лауреата Государственной премии СССР было уникально», – вспоминает сын В.Н. Горяева народный художник РФ Сергей Горяев. Для сохранения и пропаганды творческого наследия отца Сергей Горяев создал и возглавил некоммерческий фонд «Музей художника В. Горяева».
То, что зрители увидят сейчас, на выставке, посвященной и 100-летию со дня рождения, и 30-летию со дня смерти Виталия Горяева, едва ли не впервые представит столь полно творческое наследие мастера – прекрасного графика и оригинального живописца.
Как большинство щедро одаренных людей, Виталий Горяев был и интересным собеседником, внимательным наставником творческой молодежи, незаурядной личностью. Его друзьями были С. Урусевский, О. Верейский, А. Твардовский, Б. Ливанов, Рокуэл Кент, Антон Рефрежье, Н. Леже, Г. Товстоногов, Ж. Эфель, И. Андронников.
Произведения В.Н. Горяева находятся в Государственной Третьяковской галерее, Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина, в десятках ведущих музеев России и за рубежом.

www.sgoryaev.ru
Адрес: Москва, Крымский вал, д.10, ЦДХ, залы 22-27. С 17 по 30 января, ежедневно с 11.00 до 20.00, выходной – понедельник. Открытие 18 января в 17.00. Контакты для СМИ: +7(916)674-11-69, Valery94@gmail.com
+ 7(495) 945-31-63, Pressa_goryaev@mail.ru (Некоммерческий фонд художника В.Н.Горяева).

Программа профессиональной переподготовки «Эстетика: арт-бизнес» философского факультета Московского государственного университета имени М.В. Ломоносова представляет выставочный проект «Регенерация разума/Regeneration of the Mind» в пространстве галереи Black Dog Красные Холмы. С 13 по 19 января 2012 года.
14 января 18:00 – встреча с художниками: экскурсия по выставке, где гидами выступят авторы представленных работ.

Экспозиция решена в новаторском стиле «science art» и включает инсталляции, живописные работы, скульптуры, арт-объекты и видео-арт. В проекте участвуют художники, чье творчество пролегает на границе искусства и науки: Сергей Катран, Константин Календарев, Михаил Молочников, Максим Проценко, Сергей Соболев, Анастасия Данилочкина и ряд других авторов. В своих работах они используют неожиданные индустриальные материалы, физические, химические, биологические процессы и технические инновации. Так, Сергей Катран в своих инсталляциях и объектах продолжает увлекательное исследование принципов знаменитого ряда Фибоначчи, неразрывно связанного с построением гармоничной пропорции золотого сечения, существующей как в природе, так и в искусстве. Константин Календарев, используя технику фотоколлажа, воссоздает такой рациональный конструкт, как лабиринт. Михаил Молочников создает трехмерные объекты, представляющие собой биологические формы, выражающие диалектику развития биомассы. В проект также включены видеоинсталляции, использованы выразительные эффекты голограмм и другие интерактивные конструкции.

Главная задача проекта - поразмышлять на темы неисчерпаемых возможностей разума человека, а также границ, точек пересечения и взаимовлияния науки и искусства. Разум человека, как и все в природе, биполярен. С одной стороны, это исследовательский мир науки. С другой стороны, это отражение интеллектуальной интуиции, свободной игры воображения и фантазии, которые раскрываются благодаря творческому миру искусства. 2012 год заканчивает первый 12-летний цикл отсчета нового тысячелетия. Возможно, это еще один повод подумать о том, как человечество обосновалось в XXI веке. Чувствует ли оно себя уверенно? Какова общая картина мира сегодня?

Кураторами проекта выступили участники Программы профессиональной переподготовки «Эстетика: арт-бизнес» философского факультета МГУ им. М.В. Ломоносова: Анциферова Мария; Бабков Дмитрий; Глянкина Наталья; Зейналова Мария; Комарова Ольга; Максимова Юлия; Медведева Екатерина; Мелихова Евгения; Сердюк Виктория; Соболева Надежда

Арт-галерея Black Dog Красные Холмы
Адрес: Космодамианская наб. 52 стр. 11 (вход с площади Московского Международного Дома Музыки)
www.blackdogart.ru Вт-пт 15.00-19.00. Выходной: Понедельник.

Контакты для прессы: 8-915-163-33-60,
cultureartpr@gmail.com

http://www.blackdogart.ru

Первая персональная выставка-ретроспектива «Видение цвета» художника Виктора Борзова пройдет в Галерее СОВКОМ (Москва, ул.Щепкина, д.28) с 14 декабря 2011г. до 10 января 2012г. и включит около 40 живописных произведений.
Среди живописных произведений Виктора Борзова, представленных на выставке «Видение цвета», есть и пейзажи Пушкиногорья – одного из излюбленных мест художника, и подмосковные леса, и удивительные, всегда такие разные натюрморты – колористическая гамма букетов Борзова показывает всю глубину присущего автору чувства цвета и знания его оттенков.
Не случайно в названии выставки есть многозначное и многозвучное слово «вИдение» с ударением на первый слог. Во всех работах художника видна эта его удивительная способность тонального видения. Стремясь сохранить верность художественным традициям, Борзов приходит к полноте мировосприятия, по максимуму используя возможностей своей богатой палитры.
В отечественной истории искусств существует ярко выраженное официальное направление. Это художники, которых можно назвать «государственниками»: АХРР-овцы в 1930-е годы или мастера «сурового стиля» в 50-60-е. У тех и у других главной идеей была общественная значимость, важность их произведений.
Существовала линия «непризнанного», «неофициального» искусства. Здесь главной целью было – любым способом противопоставить себя обществу.
И … всегда были те, кто шёл в стороне от основных художественных мейнстримов, кто придерживался своей собственной дороги в искусстве, пусть не приносящей особых «дивидендов» в виде званий, денег или популярности. К таким художникам принадлежит Виктор Борзов.
Сегодня художник вспоминает: «тогда надо было писать «тематические» картины – про труд, про заводы, про партию; а я не мог на это пойти, и продолжал писать свои пейзажи».
Судьба художника Борзова типична для советских мальчишек предвоенного поколения. Он родился в 1922 году в Тамбовской губернии, откуда родители бежали от ужасов коллективизации в ближнее Подмосковье. Кружки и студии, участие во Всероссийском конкурсе детского рисунка 1938-го года, где Виктор взял один из «гран-при», как сказали бы теперь. Вместе с ним призы получали будущие родоначальники «сурового стиля»: Иванов, Коржев, братья Ткачёвы. Практически все призёры поступили в Московскую среднюю художественную школу; а Виктор – не стал, родители отговорили. В институт не поступил – мальчиков в 1940-м в ВУЗы не принимали, пошёл работать на оборонный завод, тем, кстати, и спасся, – бронь защитила от армии. Как говорит Борзов: «Мало кто выжил из мальчиков моего года рождения».
В эвакуации стал рисовать «наглядную агитацию»; вернувшись, закончил Пединститут; долго работал учителем рисования. Занимался в студии Георгия Гук-Кравченко, в прошлом, – ученика Ильи Репина. До сих пор с огромным уважением вспоминает уроки своего мастера, как тот учил его «видеть цветом». Тогда Борзов познакомился с такими признанными мэтрами советского искусства, как Константин Юон, Александр Бубнов, Пётр Кончаловский и Александр Герасимов. Снова вспоминает художник: «Одному я носил одни работы, другому другие; они же были совсем разными мастерами». Но, главное, – все советовали «продолжать работать цветом».
Так Виктор Алексеевич и работает до сих пор, в свои уже 89 (!) лет, в небольшом дачном домике под Рузой. Пейзажи окрестностей, цветочные натюрморты из собственного сада, и снова, и снова. Весна сменяется летом, утро превращается в вечер. Небо, которое удивительно постоянно меняет свой оттенок. Сиреневый куст – или букет любимых гладиолусов – в разных цвето-световых системах координат выглядят так по-разному. И Борзову удается уловить и передать это удивительно тонко.


www.sovcom.ru

Галерея СОВКОМ. Москва, ул. Щепкина, д.28. Вход свободный. Пн-пт 10.00-19.00, сб, вс – вход по предвар. догов-ти по тел. +7 (495) 684-91-91.

Контакты для СМИ: e-mail: cultureartpr@gmail.com 8-915-163-33-60

artgalera@gmail.com

Арт-студия Доминанта в рамках акции «Коллекционеры – зрителю» представляет в ЦДХ выставочный проект «Все грани Невозможного»

Проект «Все грани Невозможного» пройдет в ЦДХ (Крымский вал, д.10, зал № 26, 3 этаж) с 11 до 24 ноября. Эту экспозицию можно назвать универсальной картой-путеводителем для путешественников по причудливому и многоликому пространству современного искусства. Проект отражает практически все актуальные тенденции contemporary art. На выставке представлены авторы, положившие начало модным и доминирующим направлениям. Все они давно завоевали репутацию «художников без границ». Их работы украшают ведущие собрания, а эстетические принципы и творческие методы идеально совпадают с актуальным арт-контекстом. Каждый мастер определил тот или иной вектор развития современного изобразительного искусства.
Сергей Алферов, Марат Бабин, Арон Бух, Герман Виноградов, Андрей Гросицкий, Владислав Зубарев, Натта Конышева, Александр Ишин, Борис «Боб» Кошелохов, Александр Лозовой, Наталья Нестерова, Владислав Ратнер, Николай Ротанов, Дарья Суровцева, Маша Шмидт
Зрители смогут увидеть этно-архаичные, по-дадаистски трогательные фантазии Сергея Алферова. Художник словно играет с архетипами, срывая с них привычные маски. Брутально-лаконичные деревянные гротески Марата Бабина. Яркие, сочные, торжествующие композиции Арона Буха, воплощающие вечную тоску российского художника по французским живописным истокам. Скульптурные изыски Германа Виноградова – трепетные, воздушные, эфемерные, напоминающие легендарные музыкальные импровизации автора. Философские «обманки» Андрея Гросицкого: объекты, олицетворяющие притяжение земного начала, написаны невесомыми мазками. Темпоральную живопись Владислава Зубарева, воплощающую идею взаимопроникновения пространства, времени и духовного опыта. По замыслу автора, его беспредметные энергетические композиции способны организовать новое пространство человеческого бытия. Карнавально-гротесковые «репортажи» из повседневной жизни московской богемы кисти Натты Конышевой. Фрагменты наивного, романтичного, первозданного бытия, подобно реликтовому излучению, неизвестно как умудрившиеся вписаться в нашу прагматичную эпоху, – их таинственным образом увидел и запечатлел Александр Ишин. Шероховатые шаманские мессы-ритуалы легенды питерского андеграунда Бориса Кошелохова. Таинственные и загадочные экспрессионистские метафоры Александра Лозового. «Карнавальные трагедии», как их окрестили критики, Натальи Нестеровой. В ее внешне незатейливых сюжетах веселье смешивается с грустью, коллективные застолья с беспросветным одиночеством. Смелые метафизические полотна Владислава Ратнера, в которых повседневность предстает перед нами в самых неожиданных ракурсах и ипостасях. Фигуративно-символистские притчи Николая Ротанова о вечном возвращении на круги своя. Женственно-изысканные «инопланетные» инсталляции Дарьи Суровцевой, напоминающие артефакты, оставленные пришельцами из параллельных миров. И наконец, живописные вселенные Маши Шмидт – автор называет их «бесконечными или внутренними пейзажами-в-движении», когда один «растительный» цикл органично переходит в другой – и конца процессу не видно – как и творческому вдохновению художника.

Инициатор проекта Арт-студия Доминанта объединяет известных коллекционеров. Проект «Все грани Невозможного» проходит в рамках акции «Коллекционеры – зрителю». Совместная история «Доминанты» началась сравнительно недавно, когда несколько энтузиастов обнаружили поразительную общность взглядов. Именно основатели Доминанты первыми среди собирателей живописного авангарда начали устраивать регулярные выставки своих приобретений, – причем в самых популярных и посещаемых галереях и выставочных залах.
Участник арт-студии Доминанта Люсинэ Петросян утверждает: «До недавних пор бытовало мнение, что произведение искусства, попадая в руки частного владельца, перестает быть доступным массовому зрителю. Арт-студия Доминанта родилась в результате нашего общего желания разрушить «неэтичный» стереотип и впервые за много лет на практике изменить отношение художественной общественности к «профессии» (а на самом деле миссии) коллекционера».
Другой участник арт-студии Доминанта Юрий Гуров считает: «Мы отдаем свои симпатии художникам-новаторам, пытающимся сотворить невозможное и, тем самым, раздвинуть границы реальности и человеческого сознания. Не секрет, что автор произведения искусства становится художником только, когда ставит перед собой невыполнимую задачу. Кстати, несмотря на иллюзию изобилия, ассортимент настоящих мастеров более чем ограничен». Основатели арт-студии в полной мере обладают даром распознавать и чувствовать потенциал того или иного художника.
Участник арт-студии Александр Миронов формулирует идею проекта так: «Новое как воплощение невозможного, существует исключительно в вечной потребности зрителя в развитии. Поэтому задача коллекционера – складывать пазл всемирной культуры, состоящий из холстов-аккумуляторов, концентрирующих в себе потенциальные открытия мирового масштаба. Мы выбираем художников, каждый из которых олицетворяет собой ту или иную грань невозможного».
Участник арт-студии Доминанта Анна Морева вспоминает: «С самого начала своей деятельности мы отдавали предпочтение авторам, сформировавшимся в недрах Другого искусства – в бурные 60-е годы, когда в контексте политического застоя и всеобщего конформизма зародилось ядро протестного, несогласного с канонами социалистического реализма творчества – отвергающего, опровергающего и низвергающего привычные, навязанные господствующей идеологией стереотипы. Ведь создать невозможное возможно только вопреки, наперекор, даже назло».

Вернисаж: 11 ноября 17.00

С 21 до 30 октября в ЦДХ (Крымский вал, д.1, зал № 1) пройдет ретроспективная выставка известнейшего художника-монументалиста Ивана Лубенникова «Цена свободы», а также будет презентована первая художественно-документальная книга Ивана Лубенникова. Проект приурочен к 60-летию мастера.
На счету Лубенникова – множество крупных монументальных работ. В их числе и работа над российским разделом международного музея «Освенцим» (1985г.), оформление Музея Маяковского (1991) и Театра на Таганке (1987). Три станции метро в Москве (Маяковская» (новый вестибюль), «Сретенский бульвар», «Славянский бульвар»), и одна в Париже (станция Madeleine, 2009). Разнообразие художественного и технического решений этих станций – витраж, римская мозаика, кованный металл и травленая сталь – лучше всего показывает многогранность таланта автора.
Оптическое двухъярусное пространство экспозиции «Цена свободы» в ЦДХ включит более 30 больших живописных работ художника, скульптуры и объекты, инсталляции, перформанс, а также видеоряд: на проекционных экранах будет демонстрироваться процесс работы над многими знаковыми архитектурными объектами.
Двухтомник «Иван Лубенников. Работы в архитектуре. Живопись. Книга для чтения», включает информацию о десяти архитектурных объектах с комментариями автора и ведущих архитекторов, репродукции более ста пятидесяти живописных работ (1 том), а также художественно-документальную прозу (2 том).
Иван Леонидович Лубенников – профессор МГХИ им. Сурикова, народный художник РФ, член-корреспондент Академии художеств РФ. Один из выдающихся современных художников-монументалистов, создавший свой уникальный стиль в городской архитектуре. Получил мировое признание как живописец. Его персональные выставки ежегодно проходят во Франции, Италии, Голландии. Работы находятся в коллекциях Государственного Русского Музея, Государственной Третьяковской Галереи, Музее Академии Художеств (Санкт-Петербург) и других музеев, а также в известных частных собраниях во многих странах мира. Наконец-то в России (впервые!) пройдёт ретроспектива работ И.Лубенникова.

Выставка называется «Цена свободы», как и одноимённый небольшой натюрморт, в котором гармонично объединяются рыба засушенная, но свободная, и рыба живущая в комфортабельном аквариуме. Примерно такова же цена свободы художника в современном обществе. На счету Лубенникова – множество крупных монументальных работ, к сожалению, пришедшихся на последние годы советской власти, – эпоху «безвременья». Немногое …сохранилось. Закрыта политиками русско-советская часть Освенцима; скрыта щитами, а возможно, и уничтожена роспись клуба Трехгорной мануфактуры (1982); изуродованы пропилеи Музея Маяковского; растворилась в нецивилизованной дикой рекламе металлическая конструкция над старым зданием Театра на Таганке. Отчасти поэтому художник сопровождает станковые живописные произведения фото- и видео-материалами, зафиксировавшими процессы создания монументальных работ.
Мы знаем Лубенникова как монументалиста и живописца, но очень давно не видели его перформансов. Автор выставит ряд новых и весьма ироничных скульптурных композиций. Живопись будет соседствовать с орудиями труда, что само по себе понятно, поскольку искусство - труд. «Если есть натюрморт с серпом, то в обозримом пространстве обязательно должна быть и кувалда. Я считаю, что живопись обязана выдерживать соседство с реальными предметами\", – говорит художник. «Если произведение искусства, являющееся предметом второй природы уступает природе первой, то оно просто не нужно».


Презентация книги состоится 21 октября в 16.30 (вход по предварительной аккредитации и приглашениям).

www.Lubennikov.com
www.cha.ru


Press-агент Валерия Галлай 916-674-11-69, 915-163-33-60; (495) 691-95-13 valery94@gmail.com

С 28.09. до 14.10. 2011 г. в ЦДХ (Крымский вал., д.10, зал № 2, антресольный этаж) пройдет выставка галереи Веллум «Открытие нового сезона. Рестроспектива».

Учреждение культуры «Галерея Веллум» начинает новый выставочный сезон ретроспективной экспозицией работ российских мастеров живописи и графики ХХ века из собственной коллекции галереи.
Сохранение и преумножение эстетических идеалов красоты, рожденных философской и поэтической мыслью первой половины прошлого века в России; поэтизация возвышенного; ретроспектива поисков нового изобразительного языка, характерного для революционной культуры; взлеты и падения художественных течений и их исследования, – это то, чем живет Галерея «Веллум» последние десять лет.
Наряду с экспонированием в музеях и выставочных залах Москвы и регионов и изучением творчества классиков русской графики и живописи (А.Шевченко, В.Лебедев, П.Петровичев, А.Фонвизин, А.Бубнов), Веллум занимается возвращением в культурное пространство незаслуженно забытых художников. (некоторые примеры – С.Павловский, А.Люмкис, И.Островский, Н.Витинг). Неизменен интерес Галереи к московскому андеграунду, – на выставке он представлен экзистенциальными полотнами Олега Гостева, которому в этом году исполняется 80 лет. Среди новых открытий: философски глубокая и виртуозно исполненная пластика Гриши Златогорова; светские интерьеры на холстах поп-артистки Ольга Волгиной-Эппле. Основную концепцию нынешней экспозиции можно сформулировать так: попытка постижения гармонии и красоты и традиционными, и новыми изобразительными средствами на срезе ХХ-XXI веков.
Персональные выставки наших художников не раз проводились на разных экспозиционных площадках Москвы, и уже, наверняка, знакомы зрителю. Тем не менее, с полюбившимися мастерами хочется встречаться снова и снова…
С особым удовольствием мы покажем недавно поступившие в галерею листы графики 1920-х гг.: гротесковые акварели Аминодава Каневского, – великого мастера карикатуры, и ошеломительные, сделанные в эстетике ар-деко, но концептуально совершенно современные, туши Александра Житомирского.

Галерея «Веллум»
Арт-директор – Любовь Агафонова Тел.: +7 (495) 776-33-31; 695-13-53 (доб.153),
Для СМИ: 8-916-674-11-69, cultureartpr@gmail.com
www.vellum.ru

В рамках открытия нового сезона московской Галереи Нади Брыкиной с 28 сентября до 15 ноября 2011г. пройдет выставка «Неофициальная встреча», где будет представлено более 30 работ знаменитых художников-нонконформистов второй половины ХХ - начала ХХI века из коллекции Надежды Брыкиной (Nadja Brykina Gallery).
Восемь имен. Это ныне здравствующие художники Владимир Андреенков, Алексей Каменский, Андрей Красулин, Игорь Вулох, Валерий Юрлов, Юрий Злотников и, увы, уже ушедшие – Борис Отаров (1916-1991) и Марлен Шпиндлер (1931-2003).
Одна из самых значительных художественных галерей города Цюриха (Швейцария) и одно из крупнейших зарубежных собраний русского искусства.
В состав экспозиции вошли живописные и скульптурные произведения. Этих мастеров, столь разных с точки зрения художественных предпочтений, объединяет принадлежность к такому знаковому явлению в истории советского искусства, как нонконформизм. Содержанием их творчества является утверждение собственного видения и понимания мира, основанное на продолжении и переосмыслении эстетики русского и зарубежного авангарда первой трети ХХ века.
Первая выставка «Неофициальная встреча» прошла в Государственном Русском музее (Санкт-Петербург) с 19 мая по 10 августа 2011г. Впервые здесь встретились работы всех упомянутых художников – одновременно и в едином пространстве. Интересно было посмотреть, как совершенно отличные друг от друга – по языку искусства: форме, цвету, пластике и стилю работы, – представили яркий «отпечаток» эпохи неофициального искусства 60-70 годов тогдашнего СССР.
Начало формирования коллекции Нади Брыкиной относится к 90-м годам ХХ в. Основа коллекции – работы художников «нонконформистов»-шестидесятников, искусство которых не входило в рамки господствующего соцреализма.
Помимо постоянной работы с коллекцией, Брыкина занимается также издательской деятельностью, выпускает не только монографии и каталоги на 4-х языках, но и организует персональные и групповые выставки своих художников как в Швейцарии, так и России.
В сферу интересов галереи входит всё русское искусство, начиная co второй половины ХХ века – и до сегодняшнего дня. В галерее Нади Брыкиной проходят выставки и ретроспективы самых известных художников-нонконформистов, а также более молодых русских художников.
Жан-Клод Маркадэ – крупнейший в Европе специалист по русскому авангарду, профессор Сорбонны, автор предисловия к каталогу Русского музея, высоко оценивая коллекцию галереи, пишет: «Художники из собрания Нади Брыкиной имеют живописное понимание мира, отмеченное творческой силой духа».

Выставка продлится до 15 ноября.

Адрес: Москва, ул. Мясницкая 24
Часы работы: вторник — пятница с 13:00 до 18:00

Телефон: +7 495 669 17 34
Сайт: www.brykina.ch/gallery/

IV ярмарка Московская Артесания (живопись и графика, скульптура и декоративно-прикладное искусство. Керамика, текстиль, предметы интерьера, авторские аксессуары и арт-подарки) пройдет в Новом Манеже (Георгиевский пер., 3/3, стр. 3) с 28 сентября до 2 октября 2011г.

От проекта "Hommage Dali" («Посвящение Дали»), представляющего сюрреалистические работы Макса Хаазе (1938–1998), которого называют «русским Дали», до живописи культовых имен шестидесятников Оскара Рабина, Бориса Свешникова, Александра Харитонова, Владимира Немухина, Анатолия Зверева. От работ знаменитых представителей наивного искусства и направления арт-брют Александра Лобанова, Алевтины Пыжовой, Кати Медведевой до Андрея Карпова, художника-примитивиста, создателя керамических полотен и ковриков с пограничниками и пионерами, – таков диапазон ярмарки Московская Артесания, которая откроется 28 сентября в московском Новом Манеже.
Специальная тема выставки – наивное искусство, примитив. Несколько проектов показывают это направление в разных его ипостасях. Современное искусство сегодня представляется не полным без наива, а наивное искусство не достаточно полно без творчества женщин-художниц, таких как Алефтина Пыжова и Катя Медведева. Их яркие, красочные картины обладают резким контрастом с графичным творчеством художников направления арт-брют Василия Романенкова и Александра Лобанова. На стенде галереи «Панар» Б.Космолинского представлены работы из коллекции Богемской и Турчина. В этой коллекции в течение последних 20 лет собирались произведения лучших представителей наивного и аутсайдерского искусства.
Спецпроект «Азбучные Истины» Андрея Карпова говорит об азбучных символах советской эпохи. Карпов вошел в художественный мир столицы как художник-примитивист, культивирующий особый, далёкий от всяких академических норм художественный стиль. В присущей ему манере, используя изобразительные приемы архаического и наивного искусства, художник пишет портреты и жанровые сценки, пейзажи и натюрморты, изображает животных и рыб. А свое творческое кредо он объясняет с типичной для него иронией: «Всякая вещь, измазанная краской, - уже картина».
Бумажная Африка – это серия графических листов и грандиозных скульптур из бумаги в исполнении профессиональных художников Анастасии и Алексея Чаругиных, видящих мир глазами, полными наивного восторга.
Разнообразие декоративных предметов всегда отличало Московскую Артесанию от других ярмарок. Кроме авторской керамики высочайшего класса, можно будет увидеть зайцев и кукольные домики Елены Пинталь, а также фарфор по эскизам отечественных нонконформистов и классический английский веджвудский фарфор 70-80 годов 20 столетия.
В «fashion» разделе ярмарки соседствуют такие разные проекты, как фантазия французской художницы Кэтрин Шарьер «Одежды странствующих», где неповторимые платья напоминают дневник путника; как известная марка Razu Mikhina дизайнера Дарьи Разумихиной, в одежде которой смешение русского и восточного, экзотики и практичности, футуризма и романтики; как необычные художественные украшения «Aere Lapides» Екатерины Виноградовой, где воздух и камни соединены в объектах-транформерах.
Некоторые участники Московской Артесании представляют своего рода художественные эссе из разных областей искусства на единую тему: «Метаморфозы». Проект «Метаморфозы города», подготовленный сетью салонов «Старинные гравюры» заинтригует зрителя сопоставлением антикварных видов Москвы XIX - начала ХХ века с современными фотографиями и кратким описанием истории тех же зданий. Для выставки отбирались не только знаменитые, но и малоизвестные, ничем не примечательные дома. Пережившие несколько волн сноса и жестоких реконструкций, стоящие посреди радикально преображенного города, они - последние материальное напоминание о том, как выглядела Москва сто с лишним лет назад.
Галерея АСТИ отмечает свой 20-летний юбилей экспозицией, в которой гармонично совмещаются сюрреалистический горельеф.
«Метаморфозы» и другие живописные и графические работы Макса Хаазе (1938–1998), которого называли «русским Дали», – с живописно-сюрреалистическими объектами из цикла «Психоанализ» известного художника и дизайнера Аллы Бединой, – и с насыщенные пралогическими символами полотна живописца-мыслителя, метафизика Олега Сафронова.
Живописные полотна Яны Дорофеевой и уникальная коллекция мебели Юрия Аистова стали основой художественного размышления «Метаморфозы времени» галереи «На Каширке». Соединение настоящего в виде чувственной и экспрессивной живописи с прошлым, воплощённым в винтажной мебели, создают синтез традиции и современности. В экспозицию вошли предметы интерьера, отвечающие вкусу, привязанностям и симпатиям сегодняшнего ценителя искусства. Яна Дорофеева, представит российскому зрителю свои новые живописные работы «Париж» и «Время». В своих произведениях художник умело сочетает традиции российской живописной школы с актуальными европейскими тенденциями.
В этом году Московская Артесания снова удивляет собранием редких техник, новых приемов обработки декоративных предметов, уникальными авторскими аксессуарами для декорирования интерьера и одежды, текстильным дизайном, скульптурой из бронзы, серебра и керамики.


часы работы:
29.09 – 01.10 с 11:00 – 20:00
02.10 с 11:00 - 19:00
Место проведения – Новый Манеж по адресу: Георгиевский пер. д.3/3 (метро Тетральная)

Контакты
Для СМИ: artgalera@gmail.com 8-916-674-11-69
Дирекция: 8 495 692 37 39, 8 985 765 40 45, 8 916 619 47 07
www.expo-manege.ru expomanege@mail.ru

«Дом художника Южное Бутово / Cпальный район» – специальный проект 4-й Московской биеннале современного искусства – представляет собой интерактивную уличную инсталляцию из строительных вагончиков, выстроенную на территории ландшафтного парка «Южное Бутово». Проект приурочен к празднованию 20-летия района Южного Бутово.

Кураторы проекта «Дом Художника. Южное Бутово / Спальный район»: Марина Звягинцева, Юрий Самодуров. Организаторы: Государственный центр современного искусства (ГЦСИ), Префектура Юго-Западного Административного округа г. Москвы, Муниципалитет внутригородского муниципального образования Южное Бутово. Место проведения: Ландшафтный парк «Южное Бутово». Даты проведения: 25 сентября – 16 октября 2011. Открытие: 25 сентября 15.00

Идея строительства «Дома художника» на окраине города отсылает к проблемам сноса ЦДХ и отсутствия в Москве музеев и галерей современного искусства за пределами 3-го кольца. Создание временного Дома художника в Южном Бутово также отражает стремление и задачу художников, обращаясь к широкому зрителю, построить свой арт-мир на свободной от современного искусства территории. Каждый вагончик – это кирпичик, из которого строится Дом художника, и одновременно выставочное пространство.
Эстетика и тематика 16 выставок в строительных бытовках и художественных объектов, демонстрируемых на открытом воздухе, задаются мифологией проекта. И сам «Дом художника» и все его экспонаты создаются из подручных материалов художниками совместно с жителями и организациями района Южное Бутово (как реальными, так и вымышленными).
Проект «Дом художника. Южное Бутово/Cпальный район» является логическим продолжением специального проекта 3-й Московской биеннале «Спальный район», автором идеи которого также выступала Марина Звягинцева. Долговременная программа «Спальный район» расширяет границы Московской биеннале, включая в её географию окраинные пространства Москвы, и развивает известную традицию европейских биеннале – превращать улицы и парки в объекты искусства, преображая город.
Среди «гастАРТбайтеров», занятых на строительстве Дома художника такие авторы, как Константин Звездочетов, группа «Синие носы», Андрей Кузькин, Марина Звягинцева, Александр Савко, сестры Арендт, Сергей Катран, Лёха Гарикович и многие другие. Впервые в проекте принимают участие и известные архитекторы, в их числе Евгений Асс, Кирилл Асс, Никита Токарев, Елена Хлапина и другие.
Под руководством Е.Асса, К.Асса и Н.Токарева разработан архитектурный проект «ИГРОДОМ», в котором студенты Мастерской МАрхИ «Архкласс» представят проекты Дома творчества для Южного Бутово. Будет организован архитектурный конкурс.
В проекте Натальи Гончаровой «Реконструкция прекрасного» жители Южного Бутово станут непосредственными участниками арт-процесса. Проект предлагает разработку темы взаимодействия искусства и социума. В работе художественных мастерских участвуют разные социальные группы, проживающие в районе Южное Бутово. Этот проект в области комьюнити-арт включает в себя акцию Андрея Кузькина «Я есть!». Дети из Центра социальной реабилитации для детей-инвалидов «Южное Бутово» вместе с художником изготавливают свои личные флаги, которые будут установлены ими в Ландшафтном парке. Поднять флаг - значит сделаться видимым для других…
А материалом для скульптур известного московского художника, коллекционера Александра Петлюры станут «ненужные вещи» жителей одного из домов в этом районе. Важным акцентом здесь является «культурная память», меняющая восприятие личного прошлого, что может стать основой концепции будущих действий.
В рамках мифологической составляющей проекта Сергей Катран и «Общество историков, краеведов и археологов Южного Бутово» соберут «Исторический архив» района из 2592 DVD-дисков, на которых хранятся биографии вымышленных жителей Южного Бутово, и построят из них свой объект.
Сергей Чернов поставит сделанный из носилок памятник Рабочему и Колхознице.
Марина Звягинцева, совместно с сантехниками ООО «TELEB. R.O», создаст фонтан «Храм воды» из ванн и водосточных труб.
Ученики 109 школы Юго-западного района г.Москвы представят свои работы и свое видение современного искусства из «окна школы».
Помимо выставок в вагончиках, open-air проект включает в себя арт-объекты и инсталляции на всей территории парка, многие из которых здесь, возможно, и останутся.
Таким образом, ландшафтный парк «Южное Бутово», оказавшийся в самом центре культурной жизни Москвы, превратится в настоящий музей современного искусства под открытым небом.
Проект «Дом Художника. Южное Бутово/Спальный район» вписывается в концепцию биеннале «Переписывая миры». Художники проекта переписывают историю Южного Бутово, создавая новую мифологию спальных районов!

Место проведения: Южное Бутово. Парк находится рядом со станцией легкого метро «Улица Горчакова» (последний вагон из центра).
ул. Южнобутовская, 25

Земля имеет форму шара, который вращается вокруг своей оси. Если к оси привязать гигантские тросы, которые в свою очередь прикрепить к космическому кораблю-буксиру, – то, в случае приближения к Земле смертоносного астероида, корабль сумеет отвести Землю в сторону и, тем самым, спасет цивилизацию.
Кому-то идея напомнит Достоевского: «Красота спасет мир», или последний венецианский проект Аниша Капура, а, может, даже «Барона Мюнхгаузена» Рудольфа Эриха Распе.
Рычагами приложения сил являются две трубы заброшенных ТЭЦ в России и в Англии. Одна расположена в подмосковном городе Долгопрудный, на Цветочном проезде, 3. Другая – по адресу: Bankside, London, и является частью здания галереи Tate Modern.Первую трубу проекта Сергей Катран торжественно запускает в дни московской Биеннале. Если испытания в Москве пройдут успешно, то вторая часть будет сдана в эксплуатацию уже в октябре 2011, одновременно с проведением лондонской Frieze.

В сфере интересов художника Сергея Катрана: эксперимент, границы искусства, поиск «вечного актуального», разработка метода современного искусства RANDOM ART («искусство случайного»), наука и искусство.


Сайт организатора:
http://4th.moscowbiennale.ru/ru/

Старт: 15 сентября в 15.00. В рамках открытия проекта состоится перформанс: «Испытание Трубы».
Место проведения: г.Долгопрудный, Цветочный проезд, 3.

Для СМИ: Подтвердить свое участие в испытаниях можно по телефону : 8-916-674-11-69 artgalera@gmail.com

С 30 августа до 9 сентября в Центральном Доме Художника (Крымский вал, д. 10, залы 22– 27) пройдет выставка произведений декоративно-прикладного искусства (фарфор и «кабинетная бронза») и живописи из частного собрания известного московского коллекционера Елены Зениной. В экспозиции представлены более ста шедевров мелкой пластики советского периода (1920-50-е годы), созданных лучшими художниками-фарфористами, такими как Н.Данько, А.Сотников, И.Фрих-Хар, И.Слоним, А.Бржезицкая, О.Таежная, С.Орлов, Н.Малышева, М.Холодная, В.Боголюбов. Советская фарфоровая пластика тех лет – признанное и заслуженное явление в истории искусств.
В одном из залов экспозиции советский фарфор 1950-х годов будет экспонироваться параллельно с живописными работами ведущих соцреалистов середины прошлого века, чьи имена хорошо знакомы каждому любителю классического советского искусства: А.Пластов, В.Нечитайло, Д.Налбандян, Б.Яковлев. Отдельный зал экспозиции будет посвящен работам известного советского художника Юрия Пименова (1903 – 1977). В рамках выставки «Моя коллекция» также пройдет ретроспектива художника Николая Горлова, которая включает около 100 живописных произведений конца 1950-х – 60-х гг.

Рассуждения о времени и попытка понять разницу его прочитывания в разных культурах, представляют большой интерес. Именно этой теме и посвящен проект двух художников Екатерины Сисфонтес (Швеция) и Сергей Катран (Россия), который Галерея современного искусства AL Gallery проведет с 5 до 20 июля в Санкт-Петербурге (Круглый зал Библиотечно-Информационного Культурного Центра им. Маяковского (Адрес: Невский проспект, д.20). Куратор проекта Дмитрий Пиликин.

Галерея «Веллум» при участии Международного общества «Мемориал», проводит с 22 по 30 мая 2011г. в выставочном центре «Артефакт» (Москва, ул. Пречистенка д. 30/32) выставку, в которой объединены более 60 живописных и графических произведений двух разнесенных во времени, но близких по передаче мира художников. Будет показана ранее не экспонировавшаяся графика основателя советского нон-конформизма 1960-х - Юло Соостера и живопись восходящей звезды поп-арта Ольги Волгиной-Эппле.
Контакты для СМИ: 8-915-163-33-60

Галерея «Веллум» при участии Международного общества «Мемориал», проводит с 22 по 30 мая 2011г. в выставочном центре «Артефакт» (Москва, ул. Пречистенка д. 30/32) выставку, в которой объединены более 60 живописных и графических произведений двух разнесенных во времени, но близких по передаче мира художников. Будет показана ранее не экспонировавшаяся графика основателя советского нон-конформизма 1960-х - Юло Соостера и живопись восходящей звезды поп-арта Ольги Волгиной-Эппле.
Контакты для СМИ: 8-915-163-33-60

пресс-агент ART-Galera