Томас Гейнсборо (1727 - 1788)  - известный английский портретист 18 века. Один из самых поэтичных художников, признанный глава английской школы, любимец английских аристократов, наперебой заказывавших ему свои портреты

 Написан около 1780 года, в период наивысшего расцвета его художественного мастерства. Находится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге (единственное произведение художника в музеях России).

 По мнению некоторых исследователей, на портрете изображена дочь адмирала Боскауэна Елизавета, в замужестве герцогиня Бофорт, которой тогда должно быть около 33 лет (родилась 28 мая 1747). Эта версия не является бесспорной, однако альтернативное название картины с французским вариантом титула «Портрет герцогини де Бофор» нередко используется в искусствоведении.

 Картина относится ко времени расцвета таланта Гейнсборо, когда он создал целый ряд поэтичных женских портретов в стиле Ван Дейка. Художнику удалось передать утончённую красоту и аристократическую элегантность дамы, грациозность движения руки, поддерживающей шаль.
       Тонкими и нежными переливами голубого цвета отмечены атласный шарф, лежащий поверх тонкого полупрозрачного белого платья, маленькая изящная шляпка, и кажется, что даже в напудренных волосах присутствуют отсветы голубого
Другой искусствовед пишет:

        "Передано не столько настроение модели, сколько то, что сам художник в ней ищет. У „Дамы в голубом“ мечтательный взгляд, мягкая линия плеч. Её тонкая шея будто не в силах вынести тяжесть причёски, и голова чуть-чуть склоняется, как экзотический цветок на тонком стебле.Построенный на изысканной гармонии холодных тонов, портрет кажется сотканным из лёгких мазков, разнообразных по форме и плотности. Создаётся впечатление, что пряди волос не кистью исполнены, а нарисованы мягким карандашом.

© Copyright: Алина Алексеева-Маркезин, 2015

Дама с горностаем - это один из четырех самых известных портретов, которые принадлежат кисти Леонардо. На картине изображена Чечилия Галлерани, которая была любовницей герцога миланского Лодовико Сфорца. Считается, что Леонардо начал писать этот портрет в 1489 году. Спорным вопросом до сих пор является возраст Чечилии. Наиболее достоверным считается версия, что на момент написания любовнице герцога было 17 лет. Другая версия предполагает, что ей было всего 10 лет. Портрет был по достоинству оценен самыми известными людьми того времени, а некоторые даже высказывались за то, что это лучшая работа Леонардо.

Портрет был не раз переписан, что доказывает рентгенографическое исследование. Из-за этого портрет в разное время приписывали другим художникам, например: Марко д'Оджоно, Больтраффио, Амброджио ди Предису. Есть предположение, что некоторые детали переписал и даже дополнил другой известный художник Эжен Делакруа.

Необычным атрибутом картины является присутствие на нём белого горностая. Исследователи и историки до сих пор не сошлись во мнении, что же обозначает этот зверёк на руках "Дамы". Есть несколько предположений на счёт этого. Например, что горностай считался символом чистоты и целомудрия и являет собой аллегорический подтекст. Ещё по одной версии, горностай был эмблемой рода Лодовико Сфорца и таким образом  Чечилия Галлерани обозначила свою принадлежность. Также существует версия, что греческое название горностая похоже на имя модели Галерани.

Источник;http://art-assorty.ru/5223-dama-s-gornostaem

Картина художника Тициано Вечеллио «Венера Урбинская». Размер картины 119 x 165 см, холст, масло. Заказчиком являлся Гвидобальдо делла Ровере, герцог Камерино, позднее герцог Урбино. В картинах 1530-х годов на религиозные и мифологические темы Тициан органически соединяет легенды и реалии современной жизни в духе традиций венецианского раннего Возрождения. Художник переносит богиню (ее облик отчасти навеян «Спящей Венерой» Джорджоне) в уютный покой венецианского дома 16 века. В «Венере Урбинской» находит свое яркое выражение утверждение радости бытия. Она, может быть, менее возвышенно благородна, чем «Венера» Джорджоне, но этой ценой достигается более непосредственная жизненность образа. Конкретная, почти жанровая трактовка сюжетного мотива, усиливая непосредственную жизненность впечатления, не снижает поэтического обаяния образа прекрасной женщины.

Источник;http://smallbay.ru/artreness/tiziano01.html

Картина художника Тициано Вечеллио «Венера с зеркалом». Размер картины 124 x 105 см, холст, масло. Венера, в римской мифологии богиня садов, красоты и любви. В древнеримской литературе имя Венеры нередко употреблялось в качестве синонима плодов. Некоторые ученые имя богини переводили как "милость богов".

После получившего широкое распространение предания об Энее Венера, почитавшаяся в некоторых городах Италии как Фрутис, была отождествлена с матерью Энея Афродитой. Теперь она стала не только богиней красоты и любви, но и покровительницей потомков Энея и всех римлян.

На распространение культа Венеры в Риме немалое влияние оказал построенный в ее честь Сицилийский храм. Апофеоза популярности культ Венеры достиг в I веке до н. э., когда на ее покровительство стали рассчитывать знаменитый сенатор Сулла, веривший в то, что богиня приносит ему счастье, и Гай Помпей, который построил храм и посвятил его Венере-победительнице. Гай Юлий Цезарь особо почитал эту богиню, считая ее сына, Энея, предком рода Юлиев. Венеру награждали такими эпитетами, как милостивая, очищающая, остриженная, в память о мужественных римлянках, которые во время войны с галлами остригли волосы для того, чтобы сплести из них канаты.

В литературных произведениях Венера выступала как богиня любви и страсти. В честь Венеры была названа одна из планет Солнечной системы. «Венера с зеркалом» - одна из лучших работ итальянского художника: Тициано Вечеллио создает галерею прекрасных картин, воспевающих чувственность и очарование женской красоты. Его окутанные мерцанием теплых тонов со сдержанно жаркими вспышками красного, золотистого, холодно голубого цвета — скорее поэтическая мечта, чарующая и волнующая сказка-песня о красоте и счастье. Тициановская Венера, как олицетворение женственности, плодородия, материнства прекрасна зрелой красотой земной женщины. 

Источник ;http://smallbay.ru/artreness/tiziano098.html

Картина Паоло Веронезе «Брак в Кане». Размер картины 660 х 990 см, холст, масло. На фоне стройной и пышной архитектуры пронизанных светом террас и портиков фризообразно развертывается сцена пиршества, объединяющего около ста тридцати фигур. Слуги то в венецианских, то в причудливо восточных одеждах, музыканты, шуты, пирующие юноши, роскошно одетые прекрасные дамы, бородатые мужи, почтенные старцы образуют полную движения красочную композицию. Некоторые головы носят портретный характер. Таковы изображения государей Европы от султана Сулеймана I до Карла V. В группе музыкантов Веронезе изобразил Тициана, Бассано, Тинторетто и самого себя. При всем многообразии мотивов картина образует единое живописное композиционное целое.

Многочисленные персонажи расположены по трем текущим друг над другом лентам или ярусам. Беспокойно шумное движение толпы замкнуто с краев картины колоннами, центр подчеркнут симметрично расположенной вокруг восседающего Христа группой. В этом отношении Веронезе продолжает традиции уравновешенных монументальных композиций Высокого Возрождения. И в цветовом отношении Веронезе композиционно выделяет центральную, узловую фигуру Христа наиболее плотным, устойчивым цветовым построением, сочетающим звучные, очень материальные красные и синие краски одеяния с золотым сиянием нимба. Впрочем, Христос является центральным узлом картины лишь в узкоцветовом и композиционно геометрическом отношении; он спокоен и внутренне относительно малозначителен. Во всяком случае, он никак не выделен в этическом отношении среди других персонажей.

Вообще очарование этой картины не в нравственной силе или драматической страстности характеров, а в сочетании непосредственной жизненности и гармонической облагороженности образов счастливо празднующих праздник жизни людей. Полон радостного кипения и колорит картины: свежий, звонкий, с яркими вспышками красного, от розово-сиреневого до винных, огненных и сочных темных тонов. Сюита красного выступает в сочетании с холодным блеском синих, зеленовато-голубых, а также более теплых с глухим бархатистым звучанием оливковых и коричнево-золотистых тонов. Все это объединяется общей серебристо-голубоватой атмосферой, окутывающей всю картину.

Особая роль в этом смысле принадлежит белому цвету, то голубоватому, то сиреневому, то розовато-серому в оттенках. От плотности цвета серебряных амфор и ломко упругих шелков, через льняные скатерти, к голубоватой пепельности белых колонн, пушистости легких облаков, плывущих по влажному зелено-голубому небу лагуны, идет развитие этого цвета, постепенно растворяющегося в общей серебристой жемчужности освещения картины. Шумное кипение толпы гостей, пирующих в нижних ярусах композиции, сменяется изящной грацией движений вырисовывающихся на фоне неба редких фигур верхнего яруса — верхнего балкона лоджии. Все завершается видением далеких причудливых, окутанных дымкой строений и мягко сияющих небес.

Источник :http://smallbay.ru/artreness/veronese93.html

************ *********** ****************

Это полотно отличается драматичностью освещения, театральностью жестов и высочайшим реализмом в передаче деталей. На нем изображен постоялый двор вблизи Иерусалима, в Эммаусе, где двое учеников Христа узнают в разделившем с ними трапезу страннике воскресшего Бога и Учителя.

Подсказка заключается в жесте, которым Христос благословил трапезу - этот жест напоминает о Тайной Вечери. Реакции присутствующих на него разнятся: Клеопа вцепился в подлокотники и вот-вот вскочит на ноги в волнении,- безымянный ученик широко раскинул руки,- стоящий рядом хозяин постоялого двора ошеломленно наблюдает за происходящим.

 Картина несет на себе самые характерные черты «фирменного» стиля Караваджо. Фигуры помещены здесь в закрытое пространство, на фоне плоского задника, фиксирующего резкие тени. Свет на полотне падает сверху слева, образуя подобие нимба, окружающего голову Христа. На столе мы видим жареную птицу, хлеб, вино, воду и фрукты.

 Детали, изображенные в реалистической манере, являются вместе с тем очевидными символами. Хлеб и вино здесь символизируют Причастие,- жареная птица и переспелые фрукты - смерть,- гранат — Воскресение (гранат обычно связывают с мифологической Персефоной, полгода проводившей в Царстве мертвых, но воскресавшей с наступлением весны).

141 х 196,2 см (1601г)
Национальная галерея, Лондон

Источник :http://caravaggio.ru/v_emmaynse/