ДВЕ СЕСТРЫ (1892)

Картина прославленного французского художника-постимпрессиониста Поля Гогена, входящая в его "Таитянский цикл", из экспозиции Государственного Эрмитажа в Петербурге. На картине изображены две девочки: старшая, лет десяти, одетая в розовое платье, положила левую руку на плечо своей младшей сестры, на которой красно-оранжевое платье. Взгляды девочек направлены в разные стороны. Картина написана в 1892 году, во время первой поездки Гогена на Таити. В таитянском альбоме с рисунками, хранящемся в Лувре, имеются два карандашных рисунка с портретами девочек, демонстрирующие явное портретное сходство с персонажами картины. Там же написаны имена этих девочек: старшую зовут Тетуа, младшую - Техапаи. Несмотря на то что эти рисунки были опубликованы еще в 1954 году, долгое время считалось, что они самостоятельны, поскольку картина оставалась неизвестной исследователям. В альбомном каталоге о творчестве Гогена также был приведен другой рисунок художника, датируемый 1891 годом - на этом рисунке изображена Тетуа с поднятыми руками, рисунок этот принадлежал Уильяму Палею и ныне находится в Нью-Йорке в музее современного искусства. Позже, композиция этого рисунка была повторена в наброске "Таитянская девочка в розовом платье", хранящемся в Чикагском Институте искусств. Первое упоминание картины в искусствоведческой литературе (без репродукции) было сделано в 1895 году: она значилась в каталоге распродажи картин Гогена, устроенной для финансирования его второй поездки на Таити. В 1949 году состоялось второе упоминание картины в литературе: в каталоге ретроспективной выставки Гогена в Париже был опубликован список первой таитянской распродажи картин с указанием, что она была приобретена В. Слевински за 430 франков. На той распродаже картину купил друг и ученик Гогена - польский художник Владислав Слевински. Перед возвращением в Польшу в начале 1900-ых годов Слевински распродал свою коллекцию, "Две сестры" были выставлены на продажу в парижском аукционном доме "Отель Друо", где впоследствии картину приобрел немецкий коллекционер Отто Кребс. С тех пор о картине долгое время ничего не было известно, она даже не была включена в научный каталог картин Поля Гогена, а луврские и нью-йоркские рисунки считались самостоятельными произведениями. Картина хранилась в хольцдорфском особняке Кребса под Веймаром, во время второй мировой войны коллекция Кребса была спрятана в специально оборудованном тайнике, сооруженном под одной из хозяйственных построек особняка. В 1945 году Хольцдорф был занят советскими войсками, в особняке Кребса расположилось управление советской военной администрации в Германии. Коллекция была обнаружена примерно через 2 недели после полного завершения войны и детально описана советской бригадой по сбору трофеев, после чего вся коллекция живописи была отправлена в СССР, где долгое время хранилась в хранилище Эрмитажа и не была известна широкой публике и даже большинству исследователей. Мало того, на Западе считалось, что коллекция Кребса просто погибла во время заключительного этапа второй мировой войны, когда союзническая военная авиация Советского Союза, Англии и США накрывали Германию бомбардировками словно покрывалом. Впервые картина была показана публике лишь в 1995 году на эрмитажной выставке трофейного искусства; с 2001 года после реставрации числится в постоянной экспозиции Эрмитажа.

«ЖЕНЩИНА, ДЕРЖАЩАЯ ПЛОД»

Таитянские и маорийские названия Поль Гоген давал большинству своих полотен, написанных в Полинезии. Картина «Женщина, держащая плод» не стала исключением - художник подписал ее словами Eu haere ia oe. Некоторые искусствоведы в своих работах, посвященных Гогену, переводили это словосочетание как «Куда ты идешь?». Присвоение полотнам «вопрошающих» названий тоже было одной из особенностей художника.
Дата картины - 1893 год, - подписанная самим Гогеном, оспаривается некоторыми исследователями творчества живописца. Так, Бернард Доривал и Чарльз Стерлинг полагали, что Гоген написал картину в 1892 году, а подпись просто поставил позднее. Свое мнение они аргументировали тем, что женские фигуры в фоновой части полотна были «перенесены», скорее всего, с полотен Гогена 1891-1892 годов, нежели последующего периода.
События, которые запечатлел художник, разворачиваются в таитянском селении: перед зрителем предстают две простые хижины, крытые травой. На переднем плане картины изображена молодая таитянская женщина, держащая в руках зеленовато-лимонный плод манго, по форме напоминающий сосуд для воды (по иной версии, поддерживаемой крупным исследователем творчества Гогена - шведским этнографом и путешественником Бенгтом Даниельссоном), героиня полотна держит за веревочку специальный сосуд, вырезанный в полости тыквы, и собирается идти за водой. Лицо таитянки серьезно и выразительно, взгляд - внимателен. Существует версия, что моделью для центрального персонажа картины послужила юная невенчанная жена Гогена, таитянка Техура - этого мнения придерживалась и искусствовед Энн Дистель. Загорелое, смуглое тело женщины, само по себе напоминающее спелый фрукт, написано красивым золотисто-коричневым тоном и передано намеренно плоскостно.
Четкая непрерывная линия, описывающая контур женской фигуры, делает ее более плотной и выразительной, придает весомость и объем. Таитянский пейзаж на фоне трактован достаточно обобщенно: на картине нет солнечных лучей или вибрации воздуха, однако зной тропического солнца ощущается и в цвете кожи женщины, и в синеве неба, и в неподвижности ветвей, и в насыщенно-красных пятнах одежды. Желтый орнамент на красной юбке вторит узору, который образуют листья деревьев над головой туземки, за счет чего сама она кажется неотъемлемой частью природы.
Московский купец И. А. Морозов - представитель крупной династии промышленников и видный коллекционер живописи - впервые приобрел три полотна Гогена («Беседа», «Пейзаж с павлинами» и «Сладкие грезы») в 1907 году. Следующая крупная покупка работ этого художника - у арт-дилера Амбруаза Воллара, - состоялась в 1908 году и принесла Морозову пять картин, среди которых была и «Женщина, держащая плод». Полотна Гогена, выставлявшиеся в особняке коллекционера, вызывали у гостей дома неоднозначную реакцию: некоторые из них заинтересованно восхищались творчеством художника, у других оно вызывало непонимание.
В 1918 года коллекция Морозова была национализирована большевиками и спустя несколько месяцев реорганизована в собрание «второго отдела музея новой западной живописи» (в «первом отделе» экспонировалась коллекция Щукина). В 1923 году, уже после эмиграции Морозова, оба отдела западной живописи объединились в Государственный музей новой западной живописи (ГМНЗИ). Здесь «Женщина, держащая плод» находилась вплоть до 1948 года.
Эта картина ярко иллюстрирует своеобразие творческого метода, с которым художник подходил к изображению людей, за что, впрочем, часто подвергался критике и обвинениям в смещении и нарушении пропорций. Искусствоведы отмечают, что «Женщина, держащая плод», вкупе с рядом других картин, написанных Гогеном в Полинезии, отличается яркой цветовой палитрой, нарочитой экзотической декоративностью и необыкновенной поэтичностью. Формы человеческих фигур, изображенных на картине, статичны; неподвижен и тропический пейзаж, на фоне которого они находятся. В этом проявляется неразрывная связь между людьми и окружающей их средой, которая всегда была присуща работам Гогена. Работая над картиной, художник всегда старался решить ее композицию декоративно.
Главный персонаж картины - таитянка, держащая в руках плод, - является, по мнению ряда искусствоведов, олицетворением Евы. Часто обращавшийся к религиозной тематике в своих работах, Гоген видел в жительницах Таити первобытность и экзотичность, представлявшие собой, на его взгляд, неотъемлемые атрибуты этой библейской героини. «Женщина, держащая плод» - не единственная картина полинезийского периода, на которой Гоген изобразил полуобнаженную женщину с тропическим фруктом. Последний, в свою очередь, не только играет роль «запретного плода», в христианстве символизирующего грех, но и отсылает к теме материнства и продолжения жизни, а также плодовитости и изобилия.
Расположение персонажей картины на заднем плане также имеет скрытый смысл, перекликаясь с центральной фигурой: девушка, находящаяся слева от центральной героини - незамужняя, а женщина справа - с ребенком на руках. В последнем обстоятельстве исследователи видят намек еще и на то, что на момент создания картины Техура была беременна от Поля Гогена.
Положения, принятые девушками на заднем плане, похожи на позы персонажей персидских миниатюр, где люди традиционно изображались на корточках, тогда как напоминающий волну элемент в нижнем левом углу написан в духе традиционной японской живописи. Вместе с тем некоторые детали картины явно позаимствованы художником у самого себя. В частности, фигура девушки, сидящей напротив хижины, скопирована с полотна 1892 года «Когда свадьба?». Вторую юную таитянку, наполовину скрытую стволом дерева, а также женщину с ребенком, стоящую вдалеке, можно обнаружить среди графических рисунков Гогена - последнюю живописец изобразил на одной из страниц своего таитянского дневника-альбома.
В отличие от версии картины из Эрмитажа, вариант, хранящийся в художественной галерее в Штутгарте, практически не пользуется известностью и считается одной из ранних «таитянских» картин Гогена. Кроме того, холст 1892 года несколько выше и уже окончательного варианта. В руках у «первой» таитянки нет плода - вместо него на картине присутствует молодой волчонок. Туземка, изображенная на полотне 1892 года, находится ближе к краю полотна, тогда как таитянка на картине 1893 года расположена ближе к центру, за счет чего ее фигура кажется более монументальной. Детали одежды и украшений женщины с поздней версии картины выписаны более тщательно, что позволяет зрителю понять символическое значение композиции.
В штутгартском варианте символизм, практически, отсутствует и запечатленная художником сцена носит скорее бытовой характер. Работа 1893 года, в свою очередь, рассматривается как более «зрелая» версия «Женщины, держащей плод».

ЖЕНЩИНЫ НА БЕРЕГУ (МАТЕРИНСТВО)»

Очень многие из вас, наверняка, слышали имя Сергея Щукина - весьма известного представителя московского купеческого семейства, мецената и коллекционера. Щукин сам был неутомимым путешественником, исколесившим не только всю Россию, но и побывавшим во многих странах Европы, поэтому в работах Поля Гогена, которого московский коллекционер «открыл для себя» в 1904 году, его, безусловно, привлекала декоративность и манящая интересная экзотика далекого Таити. Однако, прежде всего в творчестве французского художника Щукина притягивали глубокие связи с различными пластами мировой культуры - от древнеегипетского искусства и искусства Востока до искусства «диких аборигенов».
Картина «Женщины на берегу моря» была среди первых работ Гогена, приобретенных Щукиным буквально не раздумывая. Фигуры таитянок здесь очерчены жесткими контурами, а пятна локального цвета напоминают средневековые витражи. В основу композиционного построения работы легла иконография сцен поклонения младенцу Иисусу у старых мастеров. А поводом для написания картины, по предположению ряда искусствоведов, стало, по-видимому, рождение у Поля Гогена сына от Пахуры - его второй таитянской жены.
Когда в конце 1920-ых годов советское руководство инициировало начало «тихой» распродажи множества музейных экспонатов, в один из первых предварительных списков живописных полотен, предназначенных к продаже, попала и эта картина. Однако, по удачному стечению обстоятельств, в итоговые списки название картины по номеру экспоната не попало, благодаря чему картина не «уплыла» на западные аукционы и осталась в Эрмитаже.

КАМЕННЫЕ ГЛЫБЫ НА МОРСКОМ БЕРЕГУ
(1886)

Скалы на бретонском побережье 1888

Эжен Анри Поль Гоген, более известный просто как Поль Гоген (1848-1903) - французский живописец, скульптор-керамист и график, наряду с Полем Сезанном и Винсентом ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма в живописи.
Отец его, журналист, после революционных переворотов во Франции отправился на корабле со всей семьей в Перу, намереваясь остановиться у родителей своей жены и открыть там собственный журнал. Однако, в пути его постиг сердечный приступ, от которого отец Поля скончался, а маленький Поль прожил в Перу до 7-летнего возраста. Вернувшись во Францию, семья Гогенов поселилась в Орлеане. Полю было совсем неинтересно жить в провинции и при первой же возможности он покинул отчий дом. В 1865 году Поль нанялся работником на торговое судно. Время шло и количество посещаемых им стран увеличивалось. За несколько лет Гоген стал настоящим моряком, который побывал в разных морских передрягах. Поступив на службу во французский морской флот, он и дальше продолжал бороздить просторы морей и океанов. После смерти матери Поль оставил морское дело и занялся работой на бирже, которую ему помог найти его опекун. Работа была хорошая и казалось, что он задержится там еще долгое время.
Гоген женился в 1873 году, на датчанке Мэтт-Софи Гадд. Положение Гогена в обществе становилось прочнее, за 10 лет совместной жизни жена родила ему пятерых детей. В свободное от работы время Гоген занимался своим любимым хобби - рисованием. Он был совсем не уверен в своих хороших художественных силах. Однажды, одну из картин Поля Гогена выбрали для показа на небольшой выставке, но он удержал это в тайне от семьи. В 1882 году в стране начался биржевый кризис и дальнейшая успешная работа Гогена стала вызывать у него сомнения, что предопределило судьбу Гогена именно как художника.
К 1884 году Гоген уже жил в Дании, так как денег на проживание во Франции его семье не хватало. Жена Гогена преподавала французский язык, а он пытался заниматься торговлей, однако, безуспешно. В семье начались разногласия и в 1885 году брак распался. Жена осталась с 4 детьми в Дании, а Гоген вернулся в Париж с сыном Кловисом. Жизнь в Париже была сложна и Гогену пришлось переехать в Бретань, где ему нравился уклад с очень своеобразным бретонским народом, обладавшим своими традициями и мировоззрением, и даже со своим «языком». Гоген чувствовал в Бретани себя прекрасно, у него снова проснулась жажда к путешествиям. В 1887 году, взяв с собой одного своего приятеля- художника, он отправился в Панаму.
Поездка оказалась не очень удачной. Гогену приходилось много работать, чтобы обеспечить себя. Заболев малярией, Полю пришлось вернуться на родину. Друзья приняли его и помогли в лечении, и уже в 1888 году Поль снова перебрался в Бретань.
Гоген был знаком с Винсентом ван Гогом, который хотел организовать группу художников в Арле. Именно туда он и пригласил своего приятеля. Все финансовые расходы брал на себя брат Винсента - Тео. Для Гогена это была хорошая возможность вырваться и пожить без всяких забот. Однако, творческие взгляды художников разошлись, Гоген стал руководить Винсентом, начав себя преподносить как «учителя». Винсент, уже страдавший в то время некоторым психическим расстройством, не смог терпеть такого отношения и в какой-то момент он буквально накинулся на Поля с ножом. Так и не настигнув свою жертву, Винсент в порыве гнева отрезал себе ухо, а Гоген решил вернуться обратно в Париж.
После этого случая Поль провел время в разъездах между Парижем и Бретанью. В 1889 году посетив художественную выставку в Париже, он принял решение поселиться на Таити. Денег у Гогена практически не было и ему пришлось распродавать свои картины. Скопив большую сумму, он отправился на остров, где летом 1891 года купил небольшую, скромную хижину. Гоген принялся за работу. На многих его картинах этого времени изображена его жена - Техура. Ее родители с радостью отдали ее в жены Полю. Работа была плодотворной, Поль творил с упоением, он написал много интересных картин на Таити. Но время шло и деньги кончались, к тому же у Гогена возникли проблемы со здоровьем. Не вытерпев, художник уехал во Францию, где его ждало небольшое наследство. На родине он провел немного времени. В 1895 году он снова вернулся на Таити, где он также бедствовал и жил в нужде.
Жизнь Гогена легла в основу романа Сомерсета Моэма «Луна и грош». В книге описывается простой английский брокер Чарльз Стрикленд, бросивший семью, работу и дом, для того, чтобы заниматься живописью.

РАННИЙ ВЕЧЕР (1892)

Развлечения, 1892, Музей Орсе, Париж

У ПОДНОЖИЯ ГОРЫ
(1892)

МЕСЯЦ МАРИИ (1899)

Две таитянки (Что нового, Parau api), 1892г, Дрезден, Альбертинум

ПИРОГА (1896

Две таитянки
1899, Метрополитен-музей

БЕСЕДА (1891)

Картина французского художника Поля Гогена из собрания Государственного Эрмитажа.
На картине изображены шесть беседующих женщин, сидящих на земле. Слева внизу мелкой надписью дано название картины на таитянском языке, подпись художника и дата. Картина написана в 1891 году на Таити и явилась первой в ряду последующих работ Гогена на этот сюжет. Известны его работы "Ранний вечер" из Эрмитажа и "Слова, сказанные шепотом" из художественной галереи Йельского Университета (обе написаны в 1892 году).
8 декабря 1892 года Гоген одну из этих трех картин отослал жене в Копенгаген, чтобы та показала ее на выставке. В сопроводительном письме он особо отметил: "Я хочу, чтобы в каталоге были те названия, какие даны на картинах: язык этот странный, он имеет много значений". В письме Д. Монфреду он дает расширенное название картины "Беседа или сплетни". В каталоге выставки 1893 года значится картина под названием "Разговор", однако, невозможно точно сказать, какая именно картина была там представлена, эрмитажная или йельская. Искусствовед А. Г. Барская считает, что там скорее всего находилась картина из Эрмитажа, поскольку она имеет очень близкие размеры с другими посланными на выставку картинами, а это облегчало упаковку и пересылку картин с Таити в Европу.
После присылки в Европу картина некоторое время оставалась в собственности жены художника. 18 февраля 1895 года она была выставлена на распродаже картин Гогена в парижском аукционном доме "Отель Друо", деньги с которой шли на финансирование новой поездки Гогена на Таити. На распродаже она вновь числилась как "Разговор" и сейчас невозможно выяснить, какой из двух вариантов был там выставлен. Эрмитажная версия в том же 1895 году числилась на хранении у друга Гогена, торговца картинами Жоржа Шоде; после смерти Шоде в 1899 году она выставлялась в галерее Амбруаза Воллара; затем находилась в галерее Поля Дюран-Рюэля, где была куплена в частное парижское собрание и далее вновь выставлена у Воллара. 4 мая 1907 года эту картину вместе с "Пейзажем с павлинами" приобрел московский промышленник и коллекционер И. А. Морозов, покупка обошлась ему в 15 тысяч франков.
После установления большевистской власти в России осенью 1917 года коллекция Морозова была национализирована и с 1923 года картина находилась в Государственном музее нового западного искусства. В 1948 году, после упразднения этого музея, картина была передана в Государственный Эрмитаж. В коллекции графики в Парижском Лувре хранится рукопись книги Поля Гогена "Ноа Ноа", на листе 173 этой рукописи имеется акварельный рисунок женских типов Таити; две верхние фигуры с этого рисунка являются натурными набросками для картины.

Эрмитажу от Йеля - «Слова, сказанные шёпотом (Parau Parau)». Художественная галерея Йельского университета

БУКЕТ (1884)

На картине изображена стоящая на столе черная ваза с большими медальонами по бокам, в ней помещены несколько веток созревающей рябины. На стене висит зеркало в фигурной раме.
Как следует из авторской подписи, картина написана в 1884 году. В это время Гоген вместе с семьей жил в Руане. Считается, что картина начата там в первой половине осени, поскольку плоды рябины уже красные, а листва еще зеленая. В декабре того же года Гоген уехал в Копенгаген, на родину своей жены, и вполне возможно, что заканчивал картину он уже там.
Картина принадлежала супруге художника и хранилась в парижской мастерской друга Гогена Д. Монфрейда. В 1907 года она продала картину парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару. Сам Воллар 8 мая писал об этом в своем дневнике, говоря, что «купил один натюрморт с красными ягодами (с 5 другими работами) Гогена за 200 франков». Составитель подробного каталога творчества Поля Гогена, искусствовед Сильвия Круссар считает, что Воллар сделал описку и на самом деле заплатил за эти картины 2 тысячи франков, основываясь на сведениях Даниэля Монфрейда, который писал о визите Воллара в свою мастерскую в мае 1907 года, где тот отобрал для свой галереи несколько картин Гогена на 2 тысячи франков.
Далее картина попала в галерею «Маттхизен» в Берлине, где ее приобрел немецкий предприниматель и коллекционер Отто Кребс из Веймара. После смерти Кребса весной 1941 года от рака картина хранилась в его коллекции в хольцдорфском поместье его семьи под Веймаром. На завершающем этапе второй мировой войны, уже в 1945 году, вся коллекция Кребса была спрятана в специально оборудованном тайнике, сооруженном под одной из хозяйственных построек поместья. В самом конце войны окрестности Хольцдорфа были занят советскими войсками, в поместье Кребса расположилось управление советской военной администрации в Германии. Коллекция, включая эту картину Гогена, была обнаружена и внесена в подробную опись, которую проводили советские трофейные команды, занимающиеся сбором произведений искусства для их вывоза в СССР, после чего конкретно эта картина была отправлена в Государственный Эрмитаж, где долгое время находилась в хранилище и не была известна широкой публике и даже большинству исследователей. Мало того, на Западе считалось, что практически вся коллекция Кребса погибла во время завершения второй мировой войны.
Впервые после долгого перерыва, во время которого была проведена реставрация, картина была показана публике лишь в 1995 году на эрмитажной большой выставке трофейного искусства; с 2001 года этот натюрморт числится в постоянной эрмитажной экспозиции.
Эта же ваза фигурирует еще в двух полотнах Гогена, написанных непосредственно в Копенгагене в следующем году - «Натюрморт с японскими пионами и мандолиной» (ныне - в Парижском музее «Орсе») и «Две вазы с цветами и веер» (в нью-йоркской коллекции Роберта Уинтропа).
Искусствовед А. Костеневич отмечает, что в построении натюрмортов из Эрмитажа и «Орсе» был использован сходный композиционный принцип - сопоставление букета в вазе с предметом на стене, только вместо зеркала в вычурной раме введено живописное произведение самого Гогена в белой раме.
А. Костеневич, анализируя картину, говорил о наметившемся отходе Гогена от принципов импрессионизма и далее писал: «…Проблемы передачи света стушевываются перед задачами цветовыми, перед тем мрачным смысловым колоризмом, который определил звучание этой картины. Красные пятна гроздей рябины сверкают красиво, но тревожно. Темный фон, смутные отражения в зеркале - все это вносит в композицию элемент таинственности, соответствующий общему настроению картины. Вместе с тем перекличка округлых, успокаивающих очертаний вазы, столешницы, овального зеркала призвана подчинить тревожные ноты общему гармоническому замыслу».

«Натюрморт с мандолиной», 1885 Музей д’Орсе, Париж

ВОЗЛЕ ОКНА. НАТЮРМОРТ С ЛИМОНОМ (1882)

На картине изображен стол у окна, покрытый желтой скатертью; на столе расположены массивная глиняная кружка, небольшой стеклянный графинчик, стеклянный стакан с чайной ложкой в нем, целый лимон на блюдце и два больших куска сахара, лежащих прямо на столе. Справа внизу подпись художника и дата: P. Gauguin 1882.
Как следует из авторской подписи картина написана в 1882 году. Предполагается, что на ней изображен уголок парижской квартиры Гогена на улице Карсель, где он жил с 1880 года. Неизвестно, когда картина оказалась в коллекции Бьорна Стефенсона в Копенгагене, вероятно она была привезена в Данию супругой Гогена и продана в 1890-е годы, когда художник уехал на Таити, а его супруга (датчанка по происхождению) с детьми осталась без средств к существованию и была вынуждена вернуться на родину.
В 1927 году картина была выставлена в берлинской галерее «Маттхизен», где ее приметил и купил немецкий предприниматель и коллекционер Отто Кребс из Веймара. После смерти Кребса весной 1941 года картина хранилась в его коллекции в хольцдорфском поместье его семьи под Веймаром. На завершающем этапе второй мировой войны, уже в 1945 году, вся коллекция Кребса была спрятана в специально оборудованном тайнике, сооруженном под одной из хозяйственных построек поместья. В самом конце войны окрестности Хольцдорфа были занят советскими войсками, в поместье Кребса расположилось управление советской военной администрации в Германии. Коллекция, включая эту картину Гогена, была обнаружена и внесена в подробную опись, которую проводили советские трофейные команды, занимающиеся сбором произведений искусства для их вывоза в СССР, после чего конкретно эта картина была отправлена в Государственный Эрмитаж, где долгое время находилась в хранилище и не была известна широкой публике. Мало того, на Западе считалось, что практически вся коллекция Кребса погибла во время завершения второй мировой войны.
Вновь картина была показана публике лишь в 1995 году на эрмитажной большой выставке трофейного искусства; с 2001 года числится в постоянной экспозиции Эрмитажа.
Скорее всего в том же 1882 году именно этот натюрморт был выставлен на 7-ой выставке художников-импрессионистов под названием «У окна. Натюрморт». Жорис Карл Гюисманс, оценивая показанные на этой выставке работы Поля Гогена, отмечал их «грязноватый и глухой колорит». Всего на 7-ой выставке импрессионистов Гоген показал 13 картин, из них 4 натюрморта, по мнению искусствоведа А. Костеневича, «идентифицировать которые по одним названиям довольно трудно (да и названия недостаточно конкретны)».
Составитель первого подробного каталога творчества Гогена Ж. Вильденштейн первоначально полагал, что под выставочным № 23 на 7-ой выставке импрессионистов была продемонстрирована другая картина Гогена - «Ваза с цветами у окна» (1881). Однако, поскольку картина из бывшей коллекции Кребса долгое время находилась в хранилище Эрмитажа и была недоступна для исследователей, то Вильденштейн ее, очевидно, не знал и, соответственно, картина не была включена в его каталог, опубликованный в 1964 году.
Большая глиняная кружка, самый приметный элемент всей композиции, является керамической копией деревянной кружки-танкард, изготовленной то ли в Дании, то ли в Норвегии в конце XVIII веке; оригинал танкарда находится в частной коллекции и выставляется в Трафальгарской галерее в Лондоне. Искусствовед Сильвия Круссар указывает, что танкард принадлежал супруге Гогена. Впервые Гоген его изобразил в 1880 году на картине «Деревянный танкард и железный кувшин» (ныне - в коллекции художественного Института в Чикаго). В 1884 году Гоген вновь написал танкард в картине «Уснувший Кловис (Спящий ребенок)» (в частной коллекции семейства Самуэля Йозефовица в Лозанне), а в следующем году - в «Натюрморте в интерьере» (в одной из частных коллекций в Швейцарии).
Сам Гоген в это время, вследствие крушения биржи и собственных финансовых неудач, отказался от профессии биржевого маклера и решил посвятить все свое время занятиям живописью. В связи с этим главный научный сотрудник отдела западноевропейского изобразительного искусства Государственного Эрмитажа А. Костеневич в своей обширной искусствоведческой книге по истории искусства Франции, анализируя картину, писал: «Эту самую раннюю эрмитажную работу Гогена еще отличает желание художника следовать за импрессионистами в передаче эффектов света, стремление, впрочем, не противоречившее усвоению уроков старых мастеров, прежде всего Шардена. Начало 1882 года, когда писался натюрморт, знаменовало для него критический рубеж. В натюрморте, отчасти в мотиве, но больше в сдержанности колорита, отразилось внутреннее состояние автора, который будет упрямо идти своей творческой дорогой и искать равновесия в самом себе».

 «ТРИ ТАИТЯНКИ»
На картине мы видим три женские фигуры таитянок, стоящие в полный рост; две из них стоят лицом к зрителю, одна - спиной. Крайние таитянки отворачиваются от центральной фигуры. Как следует из авторской записи, картина написана в 1899 году. Тогда же Гоген послал ее своему другу Д. Монфрейду, от которого она 17 октября 1900 года поступила в галерею Амбруаза Воллара. В сопроводительном письме Гоген описал картину: «Три стоящие женщины на золотисто-желтом фоне, слегка «задетым» зеленым…».
28 октября 1904 года картину купила американская писательница и литературовед Гертруда Стайн, однако, 21 января 1907 года она, в результате обмена, вновь оказалась у Воллара, где 13 мая 1910 года ее за 10 тысяч франков приобрел московский промышленник и коллекционер И. А. Морозов. После осенней революции 1917 года коллекция Морозова была национализирована и до середины 1923 года вместе с другими картинами находилась на специальном складе Народного комиссариата просвещения и культуры (ведомство А. Луначарского), а потом была внесена в экспозицию Государственного музея нового западного искусства (ГМНЗИ). В апреле 1934 году картина была передана сперва в фонд Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве, а оттуда буквально через месяц ее перевезли в Государственный Эрмитаж, поместив ее на долгое время в хранилище.
По мнению искусствоведа А. Костеневича, Поль Гоген заимствовал мотивы рельефов Боробудурского храма на Яве - к концу XIX века Боробудур был уже широко известен в Европе и значительная часть его была изучена, Гоген вполне мог видеть рисунки и первые фотографии его архитектурного убранства.
А. Костеневич также считает, что в расположении женщин в картине «заключена какая-то сюжетно-символическая загадка, что определяется позами персонажей: две женщины отворачиваются от третьей, стоящей между ними. Однако, эта загадка еще ждет своей разгадки».
Картина является дальнейшей разработкой мотива картины «Таитянская пастораль» (1898, в экспозиции Лондонской художественной галереи «Тейт») - в левой части этой работы также находится группа из 3 женщин, причем одна из них почти полностью соответствует центральной фигуре с эрмитажной картины, отличаясь от нее лишь поворотом головы и тем, что держит в руках букет белых цветов. Женская группа с лондонской картины почти дословно повторена и в картине «Сбор плодов» (1899, в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве) - крайняя левая фигура также весьма близка к центральной эрмитажной фигуре. И, наконец, она же является главным персонажем картины «Месяц Марии» (1899, в музейной экспозиции Эрмитажа). Кроме того, лондонское, московское и оба эрмитажных полотна объединяет и преобладающий желтый фон».

«ЧУДЕСНЫЙ ИСТОЧНИК»

На переднем плане изображены две сидящие на пригорке женщины-таитянки, вокруг головы одной из них - нимб, другая держит тропический плод. Правее - цветущие лилии. За их спинами небольшое озеро; на его берегу сидит обнаженная женщина, рядом с которой стоит ее подруга в длинной белой юбке. На дальнем плане слева видна большая гора, немного правее ее большое дерево и пальмы. Справа за большими валунами показана двойная статуя, возле которых танцуют четыре женщины.
Картина написана в начале 1894 года в Париже после возвращения Гогена из первой поездки на Таити и, по мнению искусствоведа А. Г. Барской, «является собирательным образом-воспоминанием» о пребывании в Полинезии.
У картины существует эскиз под названием «Женщины на берегу реки» (в частной коллекции), на котором запечатлена правая часть холста: две фигуры у воды, груда камней и вдали три танцующие девушки под деревьями (статуя на эскизе отсутствует). Несмотря на то, что эскиз датирован самим художником 1892 годом, составитель подробного каталога о творчества Гогена Ж. Вильденштейн отнес его исполнение к 1898 году. А. Барская указывает что, поскольку последняя цифра на эскизе написана нечетко, то Вильденштейн, скорее всего, ее принял за 8. Однако, когда 9 мая 2001 года этот эскиз был выставлен на аукционные торги, специалисты при осмотре картины также указали, что дата на ней стоит именно 92. А. Костеневич отмечал, что этот эскиз исполнен «если не с натуры, то по живым впечатлениям, в почти импрессионистической манере».
Гоген в этой картине использовал и просуммировал несколько мотивов и образов, которые им были задействованы в ряде предыдущих работ.
Обе сидящие девушки с переднего плана впервые появились на картине «Дом маори», там они изображены единой группой. Также они есть на картине «Большое дерево», хранящейся в Кливлендском художественном музее; на этой работе они разнесены в разные части картины. А. Костеневич определяет их как образы, символизирующие Деву Марию и Еву с яблоком. Около 1893-1894 годов Гоген, работая над рукописью и оформлением своей книги «Ноа-Ноа», создал гравюру на дереве (ксилография), которая по его замыслу должна была служить титульным листом книги; в двух верхних медальонах этой гравюры он использовал фигуры «Евы» и «Девы Марии». Оригинальная печатная форма гравюры и один из ее авторских оттисков находятся в фонде Нью-Йоркского художественного музея «Метрополитен». Авторские оттиски этой гравюры есть и в некоторых других музеях мира.
Большое дерево с округлой кроной присутствует на втором плане картин «В прежние времена» (в художественном музее Тиссена-Борнемиса в Мадриде) и «Празднество Хины» (в частной коллекции) и является главенствующим элементом картин «Женщина на берегу реки» и «У подножия горы». Аналогичный цветок лилий встречается на картине «Таитянские пасторали».
По мнению искусствоведа А. Барской, двойная статуя, возле которой танцуют девушки, имеет прямое отношение к полинезийскому культу лунной богини Хины. Однако, А. Костеневич, ссылаясь на британского исследователя Р. Филда, пишет, что это изваяние, возможно, является верховным богом Таароа и одной из его жен. Статуя также присутствует на картине «Ее звали Вайраумати» (в экспозиции Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве). Танцующие девушки почти дословно «процитированы» с картины «В прежние времена» (в художественном музее Тиссена-Борнемиса в Мадриде). Аналогичное изображение одиночной статуи находится на нескольких картинах Гогена. Основным источником изображения этой фигуры является описание из книги Джозефа Моренхута «Путешествие по островам Великого океана» (парижское издание 1837 года). Б. Даниельссон указывает, что Поль Гоген несомненно был знаком с этой книгой и читал ее, уже находясь на Таити: «Гоген был настолько захвачен эпическим повествованием, принял на веру все реконструкции и толкования Муренхута, хотя среди них есть и ошибочные».
Изображение сидящей возле воды обнаженной девушки Гоген ранее использовал в качестве основной фигуры на картине «А, ты ревнуешь?» (в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве), а впоследствии повторил ее на картине «Великий Будда» (также находящейся в этом музее в Москве).
Таитянское название картины - «Nave nave moe» - разными исследователями переводится по-разному. Есть варианты - «Сладостная мечта», «Восхитительное сновидение» и «Радость вдохновения». Однако, 18 февраля 1895 года, когда картина была выставлена на распродаже картин и рисунков Гогена в Парижском аукционном доме «Отель Друо», деньги с которой шли на финансирование новой поездки Гогена на Таити, то в каталоге распродажи, вероятно составленном самим Гогеном, название картины было продублировано на французском языке: «Eau délicieuse», что можно перевести как «Пленительный (или сладостный) источник». На этой распродаже картину за 340 франков приобрел бельгийский художник Эмиль Шуффенекер. Однако, в коллекции Шуффенекера картина находилась недолго и 10 ноября 1897 года на распродаже была продана по чуть низкой цене.
Далее картина выставлялась в галерее Амбруаза Воллара, где ей было дано название «Fеte champеtre» («Сельский праздник»). Там ее 5 октября 1907 года за 8 тысяч франков приобрел московский промышленник и коллекционер И. А. Морозов. После осенней революции 1917 года коллекция Морозова была национализирована и перемещена на некоторое время на специальный склад Народного комиссариата просвещения и культуры (ведомство А. Луначарского), после чего с 1923 года картина находилась в Государственном музее нового западного искусства, где получила свое нынешнее, устоявшееся название - «Чудесный источник». В 1931 году картина была передана в фонд Государственного Эрмитажа.
Главный научный сотрудник отдела западноевропейского искусства Эрмитажа, доктор искусствоведения А. Костеневич, анализируя картину, отмечал в ней высочайшую символическую, но при этом и разнородную, нагрузку: «Она оказалась одним из наиболее противоречивых произведений мастера. Верх и низ здесь стилистически не одинаковы: верхняя часть - мягче и пластичнее, в нижней же больше переплетений линий. Источник - символ, свойственный буквально всем религиям; в христианстве он связывается со спасением и духовной жизнью. Лилии - воплощение чистоты и непорочности, а яблоко в руках таитянской Евы - воплощение первородного греха. Однако, христианские идеи предстают в весьма специфическом преломлении. Помещенные у чудесного источника Мария и Ева представлены на восточный лад и погружены в состояние медитации. Одновременно они как бы символизируют юность человечества, в сопоставлении с более зрелыми женщинами среднего плана, для которых время грез прошло: они что-то обсуждают, всем поведением обозначая сугубо земной, житейский аспект бытия, соседствующий с возвышенным, духовным».

Описание составлено по материалам книги А. С. Кантор-Гуковской «Поль Гоген. Жизнь и творчество»

/Описание составлено по материалам 2-томного издания А. Г. Костеневича «Искусство Франции. XIX век - первая половина ХХ века»/.

и материалы Интернета

«Натюрморт с тремя щенками», 1888

НАТЮРМОРТ С ЧАЙНИКОМ И ФРУКТАМИ 1896

КРАСНЫЕ КРЫШИ ДОМИКОВ  1894

ПОРТРЕТ ДВУХ ЖЕНЩИН  1902

РАДУЙСЯ, МАРИЯ 1891

ТАИТЯНСКИЙ ПЕЙЗАЖ 1892

«Автопортрет, посвященный Винсенту Ван Гогу» (Отверженные). Поль Гоген
1888г. Холст, масло. Размер: 45х55 см. Музей Винсента Ван Гога, Амстердам

Гоген часто писал автопортреты, но этот один из самых необычных. Он написал его поздним летом или ранней осенью 1888г. незадолго до приезда в Арль. Портрет являлся частью своеобразной игры-соревнования между художниками.
Началась она, однако, еще раньше, когда Эмиль Бернар прислал Ван Гогу собственный автопортрет с изображением Гогена на заднем плане. Ван Гог мечтал пригласить сюда и Бернара, и всех приятелей-художников, однако начать все же решил с Гогена. Между ними завязалась оживленная переписка, в ходе которой Гоген отправил Ван Гогу автопортрет (изобразив на заднем плане Бернара) с хитрым и вопросительным выражением лица, будто говорящим: «Способен ли ты на это?».
Ван Гог ответил на вызов более чем достойно. В «Автопортрете, посвященном Полю Гогену» он поместил себя на фон того же цвета, который Гоген использовал для портрета Эмиля Бернара в своей работе. Воспроизвести настолько точный оттенок – его называют «зеленым Веронезе» - невероятно тяжело, однако Ван Гогу это удалось.
Об автопортрете, подаренном Ван Гогу («Отверженный»), Гоген писал: «На первый взгляд голова бандита, этакий Жан Вальжан (из «Отверженных»), воплощающий образ художника-импрессиониста, презираемого и постоянно влачащего цепь перед лицом света». Фигура художника вплотную придвинута к зрителю и смещена влево. Коротко остриженные волосы, настороженный, скошенный в сторону взгляд больших глаз, крупный нос с горбинкой, усы, выступающая вперед нижняя губа, тяжелый подбородок, удлиненный небольшой бородкой.
Гоген сместил собственное лицо из центра картины влево, идя наперекор всем живописным традициям. Кроме того, половину лица он «осветил», а половину – оставил в тени, намекая таким образом на двойственность своей натуры. Его лицо, которое кажется обгоревшим, как он говорит является результатом слишком близкого пребывания у печи для обжига, но это горит огонь творчества.

"Собаки, бегущие по полю" (Dogs running through a field), 1888 г.

"Букет рябины" 1884 , холст, масло, 65.5 x 54.5 см, Государственный Эрмитаж

Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin (1848–1903)
"Брод (Бегство)" 1901 г.

«Волна», 1888

«Купающиеся бретонские мальчики», 1888 г.

Холст, масло. Размер: 92x73 см. Кунстхалле, Гамбург, Германия

 "Натюрморт с персиками" 1889, 26×31.7 см

"Розы и статуэтки", 1889 г. Музей изящных искусств, Реймс.

"Ферма Гроу в Осни" (La ferme de la Groue à Osny), 1883 г. Холст, масло. 38,3 х 46,1 см.

«Автопортрет с портретом Эмиля Бернара (Отверженные)», 1888
Автопортрет, посвященный Винсенту Ван Гогу, был написан Гогеном незадолго до приезда в Арль и являлся частью своеобразной игры-соревнования между художниками. Началась она, однако, еще раньше, когда Эмиль Бернар прислал Ван Гогу собственный автопортрет с изображением Гогена на заднем плане.
Винсент, загоревшись идеей создания колонии художников в Арле, мечтал пригласить сюда и Бернара, и всех приятелей-художников, однако начать все же решил с Гогена. Между ними завязалась оживленная переписка, в ходе которой Гоген отправил Ван Гогу автопортрет (изобразив на заднем плане Бернара) с хитрым и вопросительным выражением лица, будто говорящим: «Способен ли ты на это?»
Ван Гог ответил на вызов более чем достойно. В «Автопортрете, посвященном Полю Гогену» он поместил себя на фон того же цвета, который Гоген использовал для портрета Эмиля Бернара в своей работе. Воспроизвести настолько точный оттенок – его называют «зеленым Веронезе» - невероятно тяжело, однако Ван Гогу это удалось. С помощью цвета и изображения себя в образе буддийского монаха Винсент будто бы давал понять Гогену, что он абсолютно спокоен и готов сделать все возможное для осуществления своей мечты. Кроме того, ему показалось, что на своем автопортрете Гоген выглядит отчаявшимся, и таким образом Ван Гог хотел передать другу частичку собственной безмятежности.
Настроение автопортрета Гогена было совсем другим. Он назвал его «Отверженные», отсылая нас к главному герою романа Виктора Гюго Жану Вальжану, бывшему каторжнику и человеку сложной судьбы. Художнику нравилось представлять себя страстным мятежником, которому нет места в буржуазном обществе. Чтобы усилить этот эффект, Гоген сместил собственное лицо из центра картины влево, идя наперекор всем живописным традициям. Кроме того, половину лица он «осветил», а половину – оставил в тени, намекая таким образом на двойственность своей натуры.
Автор текста: Евгения Сидельникова

 

Сад зимой, рю Карсель 1883
117x90см холст/масло
Private Collection

 "Натюрморт с вишнями" 1886, 55×46 см

"Улица на Таити" (Street in Tahiti), 1891 г. Художественный музей Толедо, Толедо, штат Огайо