Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился в семье сапожника в городе Хвалынск Саратовской губернии. Способности мальчика к рисованию рано проявились и были замечены как горожанами, так и приезжим из Петербурга известным архитектором Р. Ф. Мельцером, который увез его с собой и устроил в Училище технического рисования Штиглица, а купцы присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме.

В 1897 году юноша уже сам выбрал себе путь: он переехал в Москву и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Серова В.А.

С 1905 по 1908 год Петров-Водкин продолжал годы учения в Париже, совмещая со странствиями, посетил Италию (1905), побывал в Северной Африке (1907). В 1909 году в редакции журнала «Аполлон» состоялась первая персональная выставка молодого художника, искания которого еще не совсем явно прояснились. Картина «Сон» (1910) вызвала полемику, но уже через два года, с созданием картины «Купание красного коня» (1912), эстетика художника, с ориентацией на классику, символизм и иконопись, совершенно самобытная, определилась вполне.

                                 I
О жизни и творчестве Валентина Серова (1865-1911) я уже писал и в книге эссе «Ренессанс в России» с обоснованием эстетики отрадного, эстетики Русского Ренессанса, и в альманахе «Феномен» в рубрике описание одной картины, а именно о «Портрете княгини З.Н.Юсуповой», что вызвало живейший интерес у  посетителей. Еще бы! И княгиня, и автор ее портрета - явления исключительные. Валентин Серов также - один из основных действующих лиц трагедии «Утро дней».

Между тем запросы о картинах Серова в различных вариациях продолжают поступать и чаще, чем о ком-либо из русских художников. Поскольку в книге эссе «Ренессанс в России» я не мог касаться творчества отдельных художников, как и писателей, достаточно полно, мне важно было лишь выявить, слегка наметить ренессансную линию развития русского искусства, до сих пор не осознанную исследователями, то теперь в русле Опытов по эстетике ренессансных эпох, включая классическую древность, становится ясно, необходимы отдельные статьи и о знаменитых русских художниках, поэтах, писателях и композиторах, слава которых в течение XX века только росла - в условиях распада искусства и мысли.

Судьба, жизнь и творчество Валентина Серова при всей внешней ясности и простоте, что соответствовало его характеру, если вдуматься, знаменательны в высшей степени, в чем проступают ренессансные явления русской жизни и русской культуры XIX - начала XX веков, до сих пор не вполне осознанные как таковые.

Ниже мы видим автопортрет художника в юности.

Тоша (и Антон), как звали Серова в детстве и юности, родился в семье известного композитора и музыкального критика Александра Николаевича Серова (1820-1871), младшего современника Михаила Глинки, с которого начинается новая русская музыка как ренессансное явление в то же время, как взошли классическая русская лирика и классическая русская проза.

Жене музыканта, когда родился Тоша, было 19 лет, мужу 45, - Валентина Семеновна Серова (1846—1924), урожденная Бергман, она родилась в крещеной еврейской семье в Москве, в это время еще училась в Петербургской консерватории. Она ученица Антона Рубинштейна, прекрасная пианистка, автор, как ее муж, нескольких опер.

Тоша рос в атмосфере музыки и искусства; у Серовых бывал Антокольский, известный скульптор, и был принят молодой художник, ученик Академии художеств Репин. Это несомненно самая счастливая пора из детства Тоши закончилась внезапно: шести лет он лишился отца и с тех пор практически рос вне своей семьи, - Валентина Семеновна была захвачена своим призванием, училась композиции одно время в Париже, она станет первой женщиной-композитором в России и общественной деятельницей, что было в духе времени.

На рубеже XIX - XX веков в России, в условиях смены поколений в передвижничестве и новых веяний в искусстве, связанных с зарождающимся модерном, с оформлением Абрамцевского кружка художников и Русской частной оперы Саввы Мамонтова, а затем Московского Художественного театра, именно Москва занимает ведущее положение в развитии русского искусства, вне официальной государственной политики и идеологии, как было с начала преобразований Петра I, со строительством новой столицы, с ее золотым веком, ныне нами осознанном как Ренессанс в России.

Москва вовсе не выступает как антипод Санкт-Петербурга при всегдашнем соперничестве обеих столиц, но лишь обнаруживает в большей степени коренные особенности русской культуры, тоже преображенной эпохой Возрождения в России, кстати, вне антитез западничества и славянофильства, понятий чисто теоретических и отчасти психологических, поскольку развитие русской жизни и искусства шло в едином русле освободительного движения (в широком смысле слова).

Проявления частной инициативы, вопреки официозу, - вот что ныне характерно. Уже передвижничество было проявлением частной инициативы художников. Это было объединением сформировавшихся художников, но уже Абрамцевский кружок во главе с Мамонтовым становится как бы школой для молодых художников. В этом отношении «Мир искусства» как журнал и одноименное объединение имеет свою историю, столь удивительную, с предысторией, связанной с группой гимназистов из родственных семей.

Художники "Мира искусства".

                                   1  
Художники «Мира искусства», журнала и объединения, - это прежде всего Александр Бенуа (1870 - 1960), историк искусства и критик, график и живописец, издатель и театральный художник, также Лев Бакст (1866 - 1924), график и живописец, театральный художник, и Константин Сомов (1869 - 1939), - основатели журнала во главе с Сергеем Дягилевым (1872 - 1929) и Дмитрием Философовым (1872 -       ) при решающей поддержке меценатов княгини М.К.Тенишевой и С.И.Мамонтова.

 «Мир искусства» и «Русские сезоны» в Париже - две темы, хотя и взаимосвязанные, имеют и весьма существенное различие и значение, в чем у нас не отдают отчета даже серьезные исследователи.

«Объединение «Мир искусства» представляло собой не случайное явление в отечественном искусстве, а исторически обусловленное. Таким, например, было мнение И.Э.Грабаря: «Если бы не было Дягилева <...>, искусство этого порядка должно было неизбежно появиться». (И.Зильберштейн)

Разумеется, тем более что Дягилев не был ни художником, ни композитором, ни танцовщиком и хореографом. Между тем значение Дягилева в издании журнала «Мир искусства», в устройстве выставок объединения «Мир искусства», не говоря о «Русских сезонах» в Париже трудно переоценить. В отличие от его друзей во главе с Бенуа, не просто молодых, а лишь начинающих по ту пору художников, Дягилев имел деятельную волю, а главное, идею, что он называет «заветами».  

/ma.li.ru/http://selenaart.ru/.gif&quot;" target="_blank">http://ma.li.ru/http://selenaart.ru/.gif&quot;) no-repeat scroll 0pt 50% transparent;">SelenArt все записи автора

Санкт-Петербург – самый молодой из больших европейских городов. Даже местность, на которой он расположен, возникла сравнительно недавно – к тому времени Конфуций уже создал свои основные сочинения, прошел земной путь Будда, были написаны “Одиссея” и “Илиада”, а Египет завоевали персы. Седой старины здесь нет, но постпетровская Россия представлена лучше, чем в любом другом городе Российской империи. И нет места в мире, где бы было столько сохранившейся архитектуры неоклассики, эклектики, модерна, ретроспективизма. В этой новости прекрасные фотографии Питера от фотографа Александра Алексеева.

1. 

2. 

3. 

4. 

5. 

6. 

7. 

8. 

9. 

10. 

11. 

12. 

13. 

14. 

15. 

16. 

17. 

18. 

19. 

20. 

21.

Абрамцево под Москвой - одна из помещичьих усадеб, в которых, с начала преобразований Петра I, помимо обеих столиц и городов России, стали возникать очаги культуры, сохраняя  прямые связи с народной жизнью. В этом отношении история Абрамцева уникальна даже наряду с Михайловским и Ясной Поляной.

Помещичья усадьба в Абрамкове, как деревня называлась в XVIII веке, возникла в своем первоначальном виде при Федоре Ивановиче Головине, из рода знаменитых сподвижников Петра Великого, но сам особо, казалось бы, ничем не примечательного. В 1705 году он попал в ученики в школу математико-навигационных наук, возможно, просто обучался грамоте, а было ему уже 30 лет, потому что в 1712 году был отправлен в навигаторскую школу в Ревеле, откуда вышел в гардемарины, а при увольнении в отставку в 52 года ему было присвоено звание унтер-лейтенанта флота.

Но это был человек  эпохи Петра: он, выйдя в отставку, деятельно занимался устройством усадьбы почти полвека, дожив чуть ли не до 100 лет. После смерти Головина усадьба его переходила к разным хозяевам, пока ее не приобрели Аксаковы в 1843 году, и здесь начинается новая история Абрамцева, напрямую связанная с развитием русской литературы в 40-60-е годы, как и Ясная Поляна той эпохи. Но у нас ныне на примете Абрамцево при Савве Ивановиче Мамонтове, приобретшем подмосковную усадьбу у Аксаковых в 1870 году.

Буше Франсуа (Francois Boucher) родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Живописец, гравер, декоратор, “первый живописец короля”, один из самых ярких мастеров стиля рококо, законодатель всех видов искусства Франции начала 18 века.

Он являлся самым знаменитым художником рококо, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени.

В 1731 году стал кандидатом в Королевскую академию по отделению исторической живописи, а в 1734 году его утвердили как полноправного члена академии за картину «Ринальдо и Армида»

В 1733 году он женится на семнадцатилетней прелестнице Мари-Жанн Бюзо, с которой написаны многие «нимфы» Буше. Чуть позже он стал преподавать в академии, сначала как ассистент, а затем — как мастер
В 1737 г. становится профессором Академии.
В 1742—48 гг. занимал должность декоратора парижской Оперы.
С 1755 по 1967 г. был директором Королевской мануфактуры гобеленов.
В 1770 году Буше скончался.

 Пейзажи Саврасова, Шишкина, Левитана входят в нашу жизнь с раннего детства, как и стихи русских поэтов, хрестоматийные, определяя наше восприятие природы и исторической жизни России. Впрочем, примелькавшиеся репродукции и стихи из учебников не привлекают нашего внимания впоследствии как нечто школьное. Не знаю, как другие из пишущих, из тех, кто посвятил себя искусству, я в разные годы снова и снова и как бы заново открывал для себя и живопись, и лирику русских художников и поэтов, возвращаясь к ним из странствий по странам и столетиям, разумеется, в сфере искусства всех времен и народов. Это было возвращение в родной мир, грустный, величественный, пронизанный чудесной поэзией и красотой.

В этом мире сформировался мальчик из еврейской семьи Левитан, как и Чехов, они сверстники. Нелегко им пришлось в начале жизни, особенно Левитану. Он родился в Ковенской губернии в семье железнодорожного служащего, которого тянуло к более интеллигентной профессии, к преподаванию французского и немецкого языков, с тем однажды он уехал в Москву. Найдя уроки, он вызвал семью в Москву, что несомненно определило будущность его детей.

 
Портрет князя Феликса Юсупова, написанный Серовым в 1903-1904 гг. в Архангельском, знаменателен во многих отношениях. Мы видим аристократа в юности, последнего в известном роду. Портрет Серова прославила юного князя; близкий к трону по родовитости и несметным богатствам Юсуповых, он женился на племяннице Николая II по личной склонности; вступив в сложные взаимоотношения с Григорием Распутиным, он принял участие в его убийстве в интересах трона и России.

Все это, казалось бы, говорит о недюжинном характере, но из Мемуаров князя Феликса становится ясно, что он обладал скорее легким, беззаботным и веселым нравом, с артистическими задатками к игре и авантюрам. Князь Феликс жил, как играл на сцене жизни, всегда готовый к самым неожиданным и рискованным импровизациям.

Воскресенье, 11 Сентября 2011 г. 16:24 (ссылка)
 

Начало ХХ века в историю человечества вошло как время новаторских идей в литературе, живописи, музыке и технике. Русский балет в этот период времени стал необычайно популярен в мире: имена Дягилева, Фокина, Карсавиной, Рубинштейн, Павловой, Нижинского, Стравинского, Бенуа, Бакста не сходили с первых страниц популярных журналов и газет. Танцовщики и декораторы, музыканты и хореографы удивляли зрителей совершенно новыми идеями, танцами, костюмами. У каждого из артистов была своя изюминка, свой шарм, свой особый стиль, по которому их узнавали во время выступления. Вацлав Фомич Нижинский  (1889 - 1950) поражал зрителей необыкновенной способностью "зависать" в воздухе. Во время прыжка он мог сделать более десяти вращений, что в то время было абсолютным рекордом. Расстояние от авансцены до задника Вацлав покрывал одним прыжком. Говорят, что он мог прыгать выше своего роста... не за это ли его называли "Бог танца"? Легендарный танцовшик до сих пор вызывает интерес, хотя вся его творческая биография укладывается в какие-то 10 лет жизни, но зато какие! В 1933 году жена Вацлава Нижинского, Ромола Пульская, написала свои воспоминания о танцовщике, небольшие отрывочки из которых и будут дальше использованы как комментарии к фотографиям и рисункам артиста.

Я хочу танцевать, рисовать, играть на рояле, писать стихи. Я хочу всех любить - вот цель моей жизни. Я люблю всех. Я не хочу ни войн, ни границ. Мой дом везде, где существует мир. Я хочу любить, любить. Я человек, Бог во мне, а я в Нем. Я зову Его, я ищу Его. Я искатель, ибо я чувствую Бога. Бог ищет меня, и поэтому мы найдем друг друга.
Вацлав Нижинский ("Из Дневника")

Абрамцевский кружок. Исторические воспоминания.

Русская частная опера.

Еще в Средние века на религиозных представлениях в церквях или на площади (как на Востоке, так и в Европе) в промежутки между сценами из священной истории выступали акробаты, клоуны, певцы и танцовщицы, что не просто развлекало публику, театральное действо наполнялось современным содержанием. Именно из интермедий выделились в эпоху Возрождения в Италии и получили развитие как самостоятельные виды театрального искусства опера и дель арте, а в Японии – театры Но и Кабуки.
В античном театре эту же роль интермедий, то есть приближения событий мифа к чувствам и мыслям зрителей играл Хор, который собственно и представлял зрителей, только поднявшихся на сцену, чтобы принимать непосредственное участие во всех событиях мифа, вопрошая, сострадая, с пением и плясками.

 Дрезден. Галерея старых мастеров.

Замысел, исполнение и восприятие картины «Сикстинская мадонна» (1513-1514 гг.) исключительны, и по этому поводу наговорено столько, что возникает желание заново взглянуть на создание художника, который творил свободно, непринужденно, в отличие от Леонардо и Микеланджело, его гениальных современников, отнюдь не думая о соперничестве. Он писал, можно сказать, как Бог на душу положит, спустя рукава, охотно отзываясь на все впечатления земного бытия.

В принципе, композиция картины предельно проста. Казалось бы, найдено уникальное решение - Мадонна с земли поднята на небо, но мы не видим ни земли, ни неба, мы лишь чувствуем высоту, откуда она готова спуститься к людям, с тревогой за сына, который недовольно, по-взрослому, глядит перед собой.
Мадонна, которую обычно изображали сидящей, шествует, легко неся ребенка на руках, края ее покрывала, поверх платья, делают ее фигуру в движении мощной при маленьком, как у юной девушки, лице, - во всем нежная, чуть испуганная грация. У ног ее коленопреклоненный святой Сикст слева и святая Варвара справа. И два ангелочка на краю рампы, поскольку сверху справа и слева свисают края занавеса. 

Достойно удивления, это сцена, на которую мы смотрим снизу вверх из глубины зала. Библейский миф предстает как театральное представление, как  в античном театре разыгрывались мифы Древней Греции. Религиозное миросозерцание обнаруживает свои первоистоки - миф как поэтическое сказание, что отныне переходит в сферу искусства. Это высшая ступень ренессансного миросозерцания и искусства.

Белинский В.Г. в 1847 году писал из Дрездена под свежими впечатлениями от «Сикстинской мадонны»: «...Что за благородство, что за грация кисти! Нельзя наглядеться! Я невольно вспомнил Пушкина: то же благородство, та же грация выражения, при той же строгости очертаний! Недаром Пушкин так любил Рафаэля: он родня ему по натуре».

Пушкин и Рафаэль - родня по классическому стилю, а именно ренессансному классическому стилю. Великий русский критик это почувствовал, но так и не осознал, что Пушкин такое же величайшее ренессансное явление, как и Рафаэль.

©  Петр Киле