Питер Пауль Рубенс(1577-1640). Автопортрет

До Рубенса в мировом искусстве никто не писал так много автопортретов, как он. После него среди величайших живописцев мира один только Рембрандт значительно превосходит его в этой области портретного творчества.  Все автопортреты Рубенса написаны без пышности и аксессуаров, свойственных барочным портретам, стиль которых во многом создал и утвердил в Европе сам художник. Нет в них и вульгарного самолюбованья, скорее они — интимные автобиографии, чем собственное превознесение достоинств и добродетелей живописца. Особенно выделяется в этом отношении автопортрет из коллекции дома Рубенса в Антверпене, где все внимание сосредоточено на изображении лица  художника, на добром и живом выражении красивых карих глаз.
 
 
Автопортрет 1626-30г, дерево, масло, 62.2 x 45cм, Дом Рубенса, Антверпен, Бельгия
 
Автопортреты Рубенса — дневник жизни художника и человека, написанный немногословно, сдержанно, но ярко и необычайно выразительно. На его автопортретах запечатлена вся его жизнь.


Автопортрет в кругу друзей из Мантуи. Около 1606, xолст, масло. 77,5 Х 101, Кельн, Музей Вальраф — Рихартц, Германия

Этот самый ранний из автопортретов художника, написан во время пребывания его в Италии.
Фигура Рубенса написана с большой свободой. Она заметно выделяется среди других персонажей светлыми тонами и мягкой моделировкой форм. Лицо и взгляд Рубенса, в отличие от его друзей, обращены к зрителю. Открытое лицо, повернутое в три четверти, как обычно будет писать Рубенс свои довольно многочисленные автопортреты. Широкие складки темно-зеленого плаща, белые заломы воротника оттеняют живую прелесть молодого красивого лица с высоким лбом. Находясь среди своих друзей, Рубенс спокойно вглядывается в нас, зрителей, уверенный в своих силах, помыслах, надеждах и стремлениях 
 

Автопортрет в  кругу друзей из Мантуи.  Деталь

Среди шести изображенных на холсте лиц только облик Рубенса без сомнения признается всеми исследователями. Пять его друзей, написанные на одной горизонтальной линии рядом с ним, что придает всей композиции некоторое однообразие и скованность движения, достоверно и доказательно не разгаданы до сих пор.
 
.
Рубенс с Антонисом Ван Дейком. Неизвестный автор из мастерской Рубенса. середина 17в, холст, масло, 58 х 74 см. Лувр, Париж, Франция

Кто-то из мастерской Рубенса объединил в копии два автопортрета (Рубенса-учителя и Ван Дейка-ученика ), желая отметить идеальный союз и славу двух фламандских художников. Исключительную одаренность Ван Дейка как портретиста первым заметил Рубенс. Именно он, увидя портреты, написанные молодым Ван Дейком, отметил и стал содействовать  развитию портретного дарования  своего прославленного впоследствии ученика.
 

Антонис ван Дейк.  Портрет Питера Пауля Рубенса.

Радостный и задумчивый юноша — в «Автопортрете с  мантуанскими друзьями».
Молодой, уверенный в себе мужчина — в "Автопортрете с  Изабеллой Брант"("Жимолостная беседка").


Автопортрет с женой Изабеллой Брант. (Жимолостная беседка) 1609-10, xолст (c деревa), масло, 178 x 136cм  Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

В чудесные дни любви, помолвки и свадьбы с восемнадцатилетней дочерью антверпенского юриста Изабеллой Брант  Рубенс пишет «Жимолостную беседку» («Автопортрет с Изабеллой Брант»). 
Открытое лицо Рубенса спокойно, глаза прямо смотрят на зрителя, правильные и красивые черты его лица, аккуратная бородка и усы, выбивающиеся из-под шляпы каштановые пряди волос — все подчеркивает уравновешенность и достоинство художника. Лицо Изабеллы Брант согрето еле заметной нежной улыбкой, отражающей глубину ее радости и счастья.Две склоненные друг к другу фигуры и соединенные руки Рубенса и Изабеллы Брант символизируют внутреннее согласие и любовь этих благородных людей.


Автопортрет с сыном Альбертом (сын первой жены Рубенса). (копия неизвестного художника из мастерской Рубенса, с утраченного оригинала 1620-х гг.) Холст, масло. 133.5x112.2 см, 
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
 
Зрелый муж, дипломат и всемогущий, известный всей образованной Европе живописец — на автопортретах в музее Уффици и в королевском собрании Виндзорского замка в Англии. 


Автопортрет 1615-18г, дерево, масло, 76 x 61cм, галерея Уффици, Флоренция, Италия
 
 
Автопортрет 1622-23, дерево, масло, 85,5 X 62,7 cм, Виндзорский замок, Королевское собрание, Англия

Весьма импозантен этот зрелых лет мужчина. Широкая шляпа элегантно заломлена. Великолепно ухожены закрученные усы. Выхолена борода. Но главное в этом полотне не усы, не борода, не шляпа, не белоснежный воротник, эффектно оттеняющий тон лица. Главное - глаза, пристальные, островнимательные, может, даже недоверчивые. Слишком много предательств видел он.
Испытующе вглядывается в нас Рубенс. Не раз глядел в глаза королей, герцогов, кардиналов и научился скрывать свои мысли. Ведь он дипломат. Мы вмиг представляем себе Рубенса, наделенным особо секретной миссией, исполняющим деликатные поручения светлейшей инфанты. Однако всмотритесь: чувственные губы, крупный нос, мясистая мочка уха - говорит о характере эпикурейца. Пeтер Пауль – жизнелюб. Словно выступающее из тьмы бледное лицо его рассказывает нам о человеке очень непростой судьбы. ..

Когда смотришь на автопортреты Рубенса, то пытаешься найти такие черты его внешнего и внутреннего облика, которые позволили бы угадать, как создавались образы его полотен. Автопортреты Рубенса по своему характеру противоположны декоративным формам, и образам его живописи. Глядя на внешность Рубенса, обрисованную его собственной рукой, скорее, представляешь его искусство строгим, сдержанным, расчетливым в каждой мелочи и детали и в меньшей степени таким, каким оно выглядит перед публикой в крупнейших  музеях мира своими огромными, щедрыми на образы, символы и аллегории композициями.

Картина "Четыре философа",иногда её называют «Юст Липсий и его студенты», создана Рубенсом в определенной степени как память о друге и брате. Здесь изображен Юстус Липсиус, который сидит за столом под бюстом Сенеки; по обе стороны от него два лучших ученика - Ян Вовериус и Филипп Рубенс, а сзади стоит, не как участник ученой беседы, а, скорее, как любопытный зритель, сам Питер Пауль.
 

Четыре философа.  Деталь

Сложный фон с далеким пейзажным видом, мраморной колонной, пышной драпировкой служит не только внешним оформлением портретных образов, но и украшает нишу, в которой находится бюст Сенеки. Рядом с бюстом Рубенс написал прозрачную стеклянную вазу с четырьмя тюльпанами, скромную дань четырех персонажей картины памяти почитаемого ими всеми древнеримского стоика, писателя и государственного деятеля. Каждый образ этого группового портрета смотрится вполне самостоятельно, Себя он поместил на второй план картины, предоставив вниманию зрителей в первую очередь своих друзей. 
Четыре тюльпана, бюст Сенеки и написанный в непосредственной близости oт него философ Липсий, пропагандировавший его взгляды среди своих учеников, книги, положенные на стол,— все это должно было подчеркнуть значительность образов, их высокий интеллектуализм. Однако не столько эти символы, сколько блестящая живопись лиц философов, прекрасная богатством передачи всех тонкостей живой плоти. Cтарое иссушенное лицо Липсия, полное лицо Ваувера, красивое и вдохновенное лицо Филиппа Рубенса (ниже Петера Пауля), соединяясь с точным автопортретом самого художника,— все придает этой работе черты глубокой убедительности, так как их внешний облик органично соединяется с их внутренним миром, с их увлечениями и философским осмыслением окружающей их действительности.
 
 
Четыре философа  1611, масло на панели, 167 x 143cм Галерея  Палатина(Палацо Питти), Флоренция, Италия

Рубенс был дипломатом и философом и научился скрывать свои чувства под маской внешнего равнодушия, спокойствия и еле заметного, но явного то ли превосходства, то ли презрения, отразившегося на его поздних автопортретах. Может быть, это было печатью разочарований в придворной деятельности, в хитросплетениях дипломатии и интриг, сопутствовавших ей, в которых ему приходилось принимать активное участие.  А может быть, это была печать внутреннего презрения к тщеславию и суете людской, от которых он полностью отошел в конце своей жизни, занимаясь только живописью и искусством в кругу своей семьи, или у себя в антверпенском доме, или на природе, в замке Стен. 


Рубенс, его жена Елена Фоурмент и их сын. конец 1630-ых г., дерево, масло Метрополитен музей искусств, Нью Йорк, США

Несмотря на многие трудности, которые ему пришлось испытать и перенести, включая тяжелые приступы подагры и необходимость в последние годы писать картины левой рукой, так как правая рука ему уже не повиновалась, это никак не отразилось на образах и общей эмоциональной тональности его искусства. Он по-прежнему собран, жизнерадостен, творчески неистощим как на замыслы, так и на их исполнение. 
Иногда Рубенс рисовал себя в многофигурных композициях, например, среди кавалеров большой картины «Сад любви» из мадридского музея Прадо или на мюнхенском холсте «Прогулка», где Рубенс, воодушевленный своим новым семейным счастьем с Еленой. Фоурмент, изобразил себя и жену среди цветущего сада. Эти автопортреты озарены его любовью к молодой Елене Фоурмент и близки по своей внутренней характеристике к антверпенскому автопортрету. 


Сад любви. 1630, холст,масло.  Музей Прадо, Мадрид, Испания


Рубенс и Елена Фоурмент в саду. (Прогулка) —деталь. Около 1631, дерево, масло. 97 х 131см, 
Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

Многоопытный и полный собственного достоинства, величественный и спокойный человек, слегка презрительный и печальный — таков Рубенс в последнем автопортрете (1639г) из Музея истории искусства в Вене.  Он твердо прошел свой жизненный путь, обретя славу, богатство, знатность, все радости семейного и домашнего очага.


Автопортрет . 1639 г.  Эскиз.


Автопортрет  1639г, холст, масло,  Вена, Музей истории искусства, Вена, Австрия

Следуя древним стоикам, он ни одним движением не выдает невзгоды и мучительные стороны своей жизни, и только правая рука, одетая в перчатку, скрывает от нас пораженную подагрой руку, которая одарила мир чудесными фантазиями его живописного гения. Свое лицо Рубенс написал так, что вы видите все оттенки увядающей кожи, оживленные кое-где болезненным румянцем. Дух захватывает от мастерства изображения этого уже изможденного, но все еще сохранившего и движение мысли в глазах, и биение крови в сосудах умного и величавого лица. 

30 мая 1640 года Рубенс умер, оплакиваемый всем Антверпеном. После его смерти семья Рубенса обратилась в магистрат города:
«Покойного господина Рубенса за несколько дней до его смерти спросили, не желает ли он в приходской церкви св. Иакова, которую он избрал для своего погребения, выстроить погребальную капеллу для него и его потомков, на это он с природной своей мягкостью и учтивостью ответил, что ежели его вдова, совершеннолетние дети и опекуны малолетних детей сочтут, что он заслужил такой памятник, то пусть выстроят такую капеллу и без особого его распоряжения». 
Впоследствии и его семья и жители Антверпена сделали все для увековечивания памяти великого фламандского художника, прославившего свой родной город и свою родную землю — Фландрию.

28 июня 2012 г. исполняется  435 лет со дня рождения Питера Пауля Рубенса. 

 

 

В молодые годы, уже будучи известным мастером, от совершил отвратительное преступление: когда его ученик и племянник Пердикс тоже проявил талант изобретателя, Дедал, считавший себя лучшим, решил погубить потенциального соперника. Он завел Пердикса на горную кручу и коварно столкнул вниз, однако Афина не дала юноше погибнуть и превратила его в куропатку ( лат.Perdix).Спасаясь от правосудия, он вынужден был бежать, и попал на Крит, к царю Миносу, где в полной мере развернулся его талант. Для Миноса и его дочерей он делал статуи, а для его жены деревянную корову, находясь в которой она могла отдаваться предмету своей страсти быку, отцу Минотавра.
Но нахождение на Крите для Дедала напоминало тюрьму. Он смастерил крылья из перьев, прихватил своего сына Икара от рабыни Миноса Навраты и улетел с острова. Икар погиб во время полета, неосторожно приблизившись к солнцу, растопившему воск, связывавший перья его крыльев.
А Дедал успешно долетел до Сицилии .Минос, не смирившись с потерей Дедала, разослал гонцов которые возвещали: «Кто сумеет продеть сквозь морскую раковину нитку, да так, чтобы вошла она в один конец, прошла все извилины и вышла в другой, будет щедро награжден великим Миносом!» Он понимал, что только Дедал мог взяться за подобное дело. Захотел Кокал (царь, спрятавший Дедала) получить обещанную награду; Дедал был ему благодарен за оказанное гостеприимство и научил, как выполнить задание. (Надо было привязать нитку к муравью и запустить его в раковину. Муравей, обегая все стенки раковины, находит выход, а за ним тянется нить.) Кокал думал, что окажется у него в руках щедрая награда, но нет: «Немедленно выдай мне беглеца Дедала — точно знаю я, что прячется он у тебя». Страшно было Кокалу ослушаться приказа грозного царя, но никак не хотели расставаться с Дедалом. Тогда он пригласил к себе Миноса, и, зазвав гостя в баню, его дочери облили Критского царя кипятком.
В дальнейшем Дедал жил на Сардинии.


Петр Соколов "Дедал привязывает крылья Икару" 1776 год



Доменико Пиола "Дедал и Икар 1675год



Антоний ван Дейк "Дедал и Икар" 1630 год



Лоран Пешё "Дедал и Икар" 18 век



Питер Пауль Рубенс "Падение Икара" 1636 год



Шарль Поль Ландон "Дедал и Икар" 1799 год



Фредерик Лейтон "Икар и Дедал" 1869 год



Томмазо де Антонио Манциоли "Падение Икара" 1571год



Питер Брейгель-старшего. "Пейзаж с падением Икара" 1560 год



Ганс Боль "Пейзаж с падением Икара" 2-я половина 16 века



Герберт Джеймс Дрейпер "Плачь по Икару" 1898 год

2. Вторую пару героев тоже долго представлять не надо - Орфей и Эвридика. Кто из моего поколения не заслушивался великолепной рок- оперой Александра Журбина, с Понаровской и Асадуллиным. Но все позвольте напомнить вам сам миф.
Итак, Орфей, певец и музыкант .По наиболее распространенному варианту, сын фракийского речного бога Эагра и музы эпической и героической поэзии, Каллиопы.Аполлоном ему была подарена золотая лира, с помощью которой можно было приручать диких животных, двигать деревья и скалы .Довёл количество струн на лире до девяти. Участвовал в походе аргонавтов за золотым руном. Пел команду гребцам. Отправился в Египет и там значительно усовершенствовал свои знания, став первым в теологии, обрядах, поэзии и музыке. Запрещал пролитие крови.
Его жена, Эвридика,одна из дриад - нимф, покровительниц деревьев. Умерла от укуса змеи в пятку.
Надеясь вернуть возлюбленную, Орфей смело спустился в царство мертвых. Ничего он не взял с собой кроме кифары и нераспустившейся веточки вербы. Чтобы проникнуть в Аид он использовал бездонную расщелину Тенар, разверзшуюся близ Аорна, что в Феспротиде. Спустившись, он очаровал своей горестной музыкой перевозчика Харона, пса Кербера и трех судей мертвых. Оказавшись у трона Аида и Персефоны, Орфей пал на колени, моля вернуть ему молодую жену. Но владыка мертвых был непреклонен. Тогда Орфей спросил позволения спеть Аиду и его прекрасной жене и сыграть на лире. И запел Орфей лучшую из своих песен — песню о любви. И пока пел, веточка вербы, которую он принес, распустилась. Заплакали даже не знающие пощады мстительные эринии, дрогнуло и твердое сердце владыки подземного царства. Аид позволил Эвридике вернуться в мир живых, но поставил одно условие: по пути из подземного царства Орфей не должен оборачиваться до тех пор, пока идущая за ним Эвридика, не выйдет на солнечный свет. Эвридика шла по темному проходу, ведомая звуками лиры, и, уже завидев солнечный свет, Орфей обернулся, чтобы убедиться, что любимая идет за ним, и в тот же миг потерял жену навеки.
Согласно Овидию, после окончательной потери Эвридики разочаровался в женской любви и научил фракийцев любви к юношам.
Когда во Фракию пришел Дионис, Орфей отказал ему в почестях, оставшись верным Аполлону, и мстительный бог наслал на него вакханок. Вначале женщины подождали, пока их мужья войдут в храм Аполлона, жрецом которого был Орфей, а затем, захватив оставленное у дверей храма оружие, ворвались внутрь, перебили мужчин и в диком неистовстве растерзали Орфея, разорвав его на части. Голову они швырнули в реку Гебр, которая вынесла ее в море. В конце концов, все еще поющую голову Орфея прибило к острову Лесбос, где ее обнаружили лесные нимфы.
Есть одно отличие Орфея от всех остальных героев древнегреческих мифов и легенд. Ему приписывается создание орфизма - мистического учения в Древней Греции и Фракии. Возникло ориентировочно в VI веке до н. э. — к этому времени относятся первые орфические гимны. Учение носило подчёркнуто эзотерический характер. Орфики верили в воздаяние за гробом, бессмертие души, раздвоенность человеческой природы на доброе и злое начала. Учение орфиков пришло в упадок ещё в античности, оставив после себя очень малое количество свидетельств. Рядом учёных ставился вопрос о влиянии орфизма на христианство.
Кроме того, во французской живописи 1910-х годов,было направление, образованное Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан, связанное с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Джакопо дель Салио " Орфей и Эвридика" 1480 год



Марчело Провенцале "Орфей" 1608 год



Эжен Делакруа " Смерть Эвридики" 1863 год



Николя Пуссен "Орфей и Эвридика" 1653 год



Мишель Мартин Дролинг "Oрфей и Эвридика" 1820 год



Камиль Коро "Орфей, выводящий Эвридику из царства мертвых" 1861 год 



Джон Ватерхаус(Уотрхаус) "Нимфы находят голову Орфея" 1900 год



Густав Моро "Фракийская девушка с головой Орфея на его лире" 1864 год



Франсуа Перье (1594-1649) "Орфей у Плутона и Персефоны"



Питер Брейгель-младший "Орфей в аду"



Генрих Семирадский "Орфей спускается в подземное царство" 1888 год



Себастьян Вранкс"Орфей и животные" 1595 год



Г. Райланд - Молодой Орфей. 1901


Эмиль Жан Батист Филипп Бен "Смерть Орфея" 1874 год.

3. Рассказ еще об одной паре влюбленных был бы не полон без третьего участника. Я говорю о классическом любовном треугольнике - Акид, Галатея и Полифем.( Мы все знакомы с Галатеей Пигмалиона - но это лишь тезка)
Представляю участников драмы:
Галатея - морское божество -нереида, олицетворение спокойного моря.
Акид( Ацис) - сын Пана и нимфы Семетиды, дочери реки Симет.
Полифем - киклоп(одноглазый великан), сын Посейдона и нимфы Фоосы.
Сама история коротка и, увы, хорошо узнаваема. Акид и Галатея полюбили друг друга. Им бы жить и жить вместе, но отвергнутый Галатеей Полифем решил избавиться от соперника радикальным способом - навалил на него скалу. Сочившуюся из-под этой скалы кровь своего возлюбленного Галатея превратила в реку Акид, стекающую с Этны в море; теперь эта река Аци.
С этим киклопом мы еще встретимся в рассказах об Одиссее.
Ну, а теперь посмотрим, как эту, обычную "бытовуху", представляли художники.

Рафаэль "Галатея" 1512 год



Людовико Дориньи "Галатея" Конец 17 века.



Лука Джордано "Триумф Галатеи" 1676 год



Жан-Батист ван Лоо "Триумф Галатеи" 1720 год



Николя Пуссен "Акид и Галатея" 1630 год.



Клод Лорран "Акид и Галатея" 1657 год



Паоло де Маттей "Полифем и Галатея" Конец 18 века.



Густав Моро "Галатея" 1880 год



Франсуа Перье "Акид, Галатея и Полифем" 1648 год



Эдуард Зиер "Акид и Галатея прячутся от Полифема" 1877 год.

Заканчивается наш разговор о героях древнегреческих мифов. Впереди у нас эпос Эллады - аргонавты, Троя, одиссея, Фивы. Но описание героев было бы не полным без упоминания нескольких имен. Художники, как правило уделяли им немного внимания, но все же...
1.Диоскуры (юные сыновья Зевса) - братья-близнецы Кастор и Полидевк( рим. Поллукс). Поскольку громовержец овладел их матерью, Ледой в обличие лебедя, братья, как и их сестра Елена ( виновница греко-троянской войны) родились из яйца.

Джидо Дурантино " Рождение Диоскуров" 1550 год

Известно о участии Диоскуров в предприятиях других героев — в охоте на калидонского вепря, в походе аргонавтов. Посейдон подарил им коней и дал силу спасать терпящих кораблекрушение. Кастор обучал Геракла сражаться в полном вооружении и победил в беге на Олимпийских играх, устроенных Гераклом. Полидевк упражнялся в кулачном бою и победил в кулачном бою на Олимпийских играх, устроенных Гераклом. 
Полидевк похитил из Мессении дочь Левкиппа Фебу, Кастор похитил дочь Левкиппа Гилаиру, и они вступили с ними в брак.

Питер Пауль Рубенс "Похищение дочерей Левкиппа". 1618 год.

Но прославились они, как пример братской дружбы. Когда Зевс, на просьбу Полидевка дать ему умереть вместе с братом, предоставил ему на выбор или вечно пребывать на Олимпе одному, или вместе с братом проводить один день на Олимпе, другой — в гробнице (или в подземном царстве), то верный брат выбрал последнее, и с тех пор Диоскуры один день были бессмертными, другой смертными.
2.Эсак и Гесперия. Гесперия - нимфа, в которую влюбился троянский царевич Эсак. Однажды он застал Гесперию на берегу, когда она сушила на солнце роскошные пышные волосы. Пугливая Гесперия бросилась наутек, а Эсак погнался за ней. Спрятавшаяся в траве змея ужалила нимфу в ногу, и Гесперия умерла на руках обезумевшего от горя Эсака, юноша не вынес потери и бросился с высокой скалы в морские волны. Но Фетида не дала ему погибнуть, обратив Эсака в нырка.

Жюль Эли Делоне "Смерть нимфы Гесперии" 1859 год

3.Кеик и Алкиона.Супруги: фессалийский царь Кеик — сын Эосфора, и Алкиона, дочь Эола, прославленные силой своей любви. Тут есть две версии. Согласно первой, когда Кеик не вернулся из морского путешествия, безутешная Алкиона в порыве отчаяния бросилась в волны.

Герберт Джеймс Дрейпер, Алкиона. 1915 год

Согласно другой версии Кеик и Алкиона столь гордились своим супружеским счастьем, что называли друг друга «Зевсом» и «Герой». В наказание за их заносчивость Зевс Алкиону в зимородка, а Кеика — в чайку.(Алкион по-гречески зимородок).К образу Алкионы восходит птица Алконост (Алкион) славянских преданий. 

4.Прокна и Филомена.Одна птичка, две птички, а сейчас вылетят три птички. Кажется, что все представители животного мира Греции - это бывшие люди. Т.е. мы видим насколько глубоко сидят в древней религии - анимализме( поклонение животным) корни древнегреческих мифов. И еще хотел бы обратить ваше внимание на еще одно поразительное сходство. Вспомните, на иконах: умер человек и его душа, махая крылышками, улетает на небо. Как птичка в древнегреческих мифах. 
Но вернемся к трагической истории двух сестер - Прокны и Филумены. Терей, фракийский царь, как-то раз пришел на помощь Афинам и разбил варваров, напавших на них. За это Пандион, царь афинян, выдал за него замуж свою дочь - Прокну. Через 4 года брака, желая овладеть сестрой Прокны Филомелой, Терей отправился в Афины и, сообщив ложную весть о смерти Прокны, увёз с собой Филомелу, которой овладел на пути к дому. Чтобы она не могла рассказать о совершенном злодеянии, он отрезал ей язык, но Филомела поведала сестре о своих несчастиях посредством одежды, на которой искусно выткала рассказ о своей судьбе.

Элизабет Джейн Гарднер "Филимела и Прокна"

Сестры сговорились о мести: они убили Итиса и подали приготовленные из него блюда Терею. Когда последний узнал об этом и хотел убить сестер, боги обратили его в удода, Прокну — в соловья, а Филомелу — в ласточку. 

Питер Пауль Рубенс "Терей узнает голову сына" 1638 год.

5.Кефал и Прокида. Молодые супруги, Прокида и Кефал дали клятву, чти никогда не изменят друг другу. В Кефала влюбилась богиня зори Эос( рим. Аврора), но Кефал не ответил ей взаимностью. Тогда Эос превратила его в чужеземца и вручила подарки, предложив испытать жену. Кефал отдал Прокриде подарки (золотой венец), и та согласилась возлечь с ним. Когда Кефалу вернули прежний облик, Прокрида бежала на Крит,где исцелила Миноса от болезни, и тот подарил ей чудесного пса, от которого не мог убежать ни один зверь, и не знающее промаха копье.Тем временем Кефал ответил на любовь Эос и у них даже родился сын.
Вернувшись по воле Артемиды, Прокрида в одежде юноши предложила Кефалу состязание в охоте. С помощью чудесных копья и пса Прокрида победила в состязании, и тогда Кефал попросил чужеземца продать копье и пса. Тогда Прокрида сказала: «если хочешь владеть этим, дай мне то, что обычно дают мальчики». Кефал согласился возлечь с чужеземцем, тогда Прокрида открылась ему. Супруги помирились. Но если вы думаете, что это "хеппи энд", то вы глубоко ошибаетесь.
Однажды, когда Кефал охотился, он так устал и так хотел отдохнуть, что начал призывать облако (Нефелу). Некий человек, вы же знаете - мир не без добрых людей, принял это имя за имя нимфы и рассказал Прокриде, которая стала ревновать. Она стала следить за мужем, чтобы подсмотреть, кого призывает Кефал. Кефал, увидев, что кустарник шевелится, подумал, что там прячется лань, метнул чудесное копье и убил Прокриду. Кефал осужден ареопагом и приговорен к вечному изгнанию. Дамы, не слушайте доброжелателей!

Пьер-Наркис Герен "Аврора и Кефал"



Николя Пуссен "Кефал и Эос" 1630 год



Николя Пуссен "Кефал и Эос" 1625 год



Филипп де Шампань "Кефал и Прокрида в пейзаже" 1630 год



Джон Михаэль Роттмайер "Кефал и Прокрида"



Паоло Веронезе "Кефал и Прокрида"



Жан Оноре Фрагонар "Кефал и Прокрида" 1755 год



Йоахим Втеваль(Эйтеваль) "Смерть Прокриды" 1600 год.

О картине, которая ниже, я хотел бы сказать чуть подробнее. Предполагаю, что у видевших ее, возникло много вопросов. Мне тоже в свое время не давало покое это полотно. Интернета тогда не было, все надо было искать в книгах( и это хорошо). описание сюжета я нашел быстро - вернулся к моему любимому Н.Куну. А вопросы остались. например почему Кефал - фавн? Так что попробуем разобраться.


Во-первых, необычны размеры произведения 65 х 185. Они обусловлены передней стенки свадебного сундука "кассоне".Во Флоренции в 1350—1530 гг. невеста брала такой длинный запирающийся сундук в дом будущего мужа. Сундук устанавливался у подножья супружеского ложа и предназначался для хранения одежды и украшений жены. Богатые невесты заказывали отделку и украшение сундука у художников, которые допускали в этом жанре большую свободу, чем при росписях алтарей и в картинах большого формата. Среди имен известных художников, которые не гнушались росписью кассоне, можно назвать Боттичелли, Мазаччо, Филиппино Липпи, Либерале да Верона, Ло Скеджа и др.
Во-вторых, представление Кефала, как фавна, объясняется ,что художника вдохновляла дикая, нетронутая природа, представителем которой и являлся фавн. Эту природу, ее нескончаемые просторы мы видим в пейзаже, который простирается до самого горизонта. Кстати, цапли изображены потому, что считалось, что они плачут как люди. Природа скорбит о гибели Прокриды: и цапли, и собака, и фавн...
В- третьих, картина буквально пронизана символами.
"Пьеро ди Козимо был учеником Козимо Росселли, который кроме живописи занимался алхимией. Пьеро скорее всего помогал своему учителю в поисках философского камня и был знаком с алхимической символикой. Так, чёрная и белая собаки, изображённые в глубине картины, символизируют два состояния вещества — твёрдое и газообразное. А охотничий пёс, дважды присутствующий на картине, может символизировать покровителя алхимии Гермеса Трисмегиста, которого в алхимических текстах часто изображали в виде пса. Красная накидка и жёлтая вуаль на Прокриде также являются алхимическими символами красной тинктуры и золотого напитка. Само расположение тела Прокриды напоминает иллюстрации к трактатам, распространённые в XV веке, где мужчина или женщина (Адам или Ева), лежат пронзённые копьём Гермеса, а из них произрастает философское древо (arbor philosophica). Таким образом, за смертью материи следует воскрешение и освобождение духа, духовная трансформация.
Получение золота было не единственной задачей алхимии. Подлинной целью алхимиков было достижение бессмертия. И хотя дерево на картине Пьеро ди Козимо растёт не из тела Прокриды, оно всё же расположено прямо над её сердцем и в алхимической интерпретации представляет собой победу над смертью под руководством Гермеса Триждывеличайшего в виде пса и с помощью сил природы в виде фавна." (Википедия)
 

Легенды и мифы Др.Греции и Рима.Часть 13. Золотое руно

Поговорив о богах и героях древнегреческой мифологии, переходим к заключительной части - к основным древнегреческим эпосам. Их четыре: "Аргонавты","Троянский цикл", "Одиссея", "Фиванский цикл". 
Начнем с истории об аргонавтах и священной реликвии под названием Золотое Руно.
Золотое руно — это золотая шкура барана, посланного самим Зевсом, на спине которого дети орхоменского царя Афаманта — Фрикс и Гелла — отправились к берегам Азии, спасаясь от преследований мачехи Иною По дороге Гелла упала в море, названное после этого Геллеспонт — «море Геллы» (современный пролив Дарданеллы).
Фрикс достиг берега Колхиды (современная Западная Грузия). Здесь он принёс барана в жертву Зевсу, а снятое золотое руно подарил царю Колхиды. Золотое руно, ставшее магическим гарантом благоденствия колхов, охранялось драконом в роще Ареса.

Греческая фреска "Фрикс и Гелла"

Сын царя Иолка ,Ясон (также Язон, Иасон)вынужден бил отправиться в Колхиду за золотым руном. Это задание ему дал единоутробный брат его отца, Пелий, чтобы погубить его.
Дабы помочь Ясону добыть золотое руно, собрались герои со всей Эллады. Был построен корабль, названный в честь его строителя Аргоса «Арго», и участники похода стали называться аргонавтами.

Лоренцо Коста "Арго" 1-я пол. 16 века


Йохан Хевелиус Рисунок из астрониомического атласа, исображающий "Корабль Арго" — крупное созвездие Южного полушария. Которое в XVIII веке было разделено на несколько более мелких созвездий. 1690 год.

Согласно различным источникам, аргонавтов было от 45 до 60 человек. В их число входили:
Диоскуры — Кастор и Полидек, Геракл, Орфей, Пелей, прорицатель Мопс, Гилас (любимец Геракла, наядами, пленёнными его красотою, увлечён в пучину во время похода), Теламон и многие другие герои.
Когда аргонавты во главе с Ясоном прибыли на остров Лемнос, управляемый женщинами, царица Гипсипила хотела напасть на них с оружием, но её убедили принять их с миром. Позже Гипсипила родила Ясону сыновей Евнея и Неброфона.
Испытав множество приключений, аргонавты с помощью покровительствовавших им Геры и Афины достигли Колхиды, где правил царь Ээт. Царь согласился отдать золотое руно, если Ясон запряжет в плуг медноногих изрыгающих пламя огромных быков (дар Гефеста), вспашет поле и засеет его зубами дракона. Бог любви Эрот по просьбе Афины и Геры вселил в сердце дочери Ээта волшебницы Медеи любовь к герою. Медея дала ему мазь, спасавшую от огненного дыхания быков.
Хотя Ясон сумел засеять поле зубами дракона и перебить выросших из них воинов, Ээт не отдал руна, а замыслил сжечь Арго и убить аргонавтов. Однако Медея усыпила охранявшего золотое руно дракона и помогла похитить руно. Медея со своим братом Апсиртом и аргонавтами бежала из Колхиды. Дорогой, чтобы задержать преследователей, Медея убила брата и разбросала куски его тела по морю. Сраженный горем Ээт прекратил погоню, чтобы собрать части тела сына и предать их погребению. 

Сальватор Роза "Ясон убивает дракона" Середина 17 века


Джироламо Маккьетти "Ясон и Медея" 1573 год.


Бьяджо д'Антонио Туччи "Помолвка Ясона и Медеи" 1487 год


Джон Уильям Уотерхаус "Ясон и Медея" 1907 год


Гюстав Моро " Ясон и Медея" 1865 год


Ж.Ф.де Труа "Похищение Золотого Руна" Нач.18 века


Франческо Фурини "Нимфы похищают Гиласа" 1630 год.


Джон Уильям Уотерхаус "Гилас и нимфа" 1893 год

Вернувшись в Иолк, Ясон узнал, что за время его отсутствия Пелий убил его отца и всех его родственников. Благодаря хитрости Медеи, убедившей дочерей Пелия, что для возвращения отцу молодости его следует разрубить на части, Ясон жестоко отомстил обидчику.
Когда Ясон решил вступить в новый брак с дочерью царя Креонта Главкой, Возмущённая изменой, Медея прислала в дар новобрачной отравленное одеяние, и та умерла в страшных мучениях. Своих малолетних сыновей от Ясона Мермера и Ферета Медея убила на его глазах, а сама унеслась на колеснице, запряжённой крылатыми конями. Безрадостной после этого стала жизнь Ясона и нигде не находил он себе места. Однажды, проходя мимо стоявшего на приколе "Арго" он почувствовал усталость и прилег отдохнуть в его тени. Но старое судно обрушилось и погребло под своими останками Ясона. 

"Медея" фрагмент фрески в Геркулануме 70 -79 гг.


Шарль Ануан ван Лоо " Мадмуазель Клерон в роли Медеи" 1760 год
Клерон 1723 — 1803) — французская актриса.
Её славу составили трагические роли Федры, Электры, Медеи, Ариадны, но она играла с успехом и в комедиях. Одаренная красивой сценической внешностью и сильным и приятным голосом, Клерон стала любимейшей артисткой своего времени. Вольтер о Клерон всегда отзывался с восторгом


Альфонс Муха - Сара Бернар на плакате к спектаклю Альфонс Муха «Медея» 1898 год
Сара Бернар ( 1844 - 1923) — французская актриса, которую в начале XX века называли «самой знаменитой актрисой за всю историю». Успеха она добилась на сценах Европы в 1870-х годах, а затем с триумфом гастролировала и в Америке. В её амплуа были в основном серьёзные драматические роли, из-за чего актриса получила прозвище «Божественная Сара».

А вот портреты двух венских актрис( только рангом поменьше) в той же роли:

Йозеф Хиккель "Иоанна Закко в поли Медеи" 1786 год


Йозеф Краффт "Софи Шредер в роли Медеи" 1820 год


Андреа Мелдолла (Скьявоне) "Медея" 16 век



Автор Ансельм Фейербах "Медея" 1870


Анри Клагманн "Медея" 1868 год


Эвелин Морган "Медея" 1889 год


Эжен Делакруа "Медея перед убийством своих детей" 1862 год.


Джордж Ромни "Медея" 1786 год


Энтони Фредерик Огастас Сэндис "Медея" 1868 год


Доменик ван Вайнен "Медея, омолаживающая Ясона" 2-я пол.17 века

Легенды и мифы Др.Греции и Рима.Часть 15 "Одиссея"

Ещё одним большим древнегреческим эпосом является история странствий царя Итаки Одиссея после окончания Троянской войны. Вся эта история получила название "Одиссея" и давно уже стало именем нарицательным и стало обозначаться любое долгое странствие .Написал "Одиссею" полумифический древнегреческий поэт Гомер. 
Итак, Троя взята, греческие герои возвращаются на родину и Одиссей отплывает в родную Итаку, где не был уже больше 10-ти лет.
Первая остановка. Корабли Одиссея причаливают к острову лотофагов, обретающих забвение в поедании лотоса Согласно Гомеру - это остров находился у берегов Северной Африки .Предположительно - это остров Джерба. Употреблять в пищу лотос первыми стали египтяне, и в Греции были об этом наслышаны. но на острове лотос не растет. А вот чего на Джербе в изобилии, так это колючих кустов ююбы. Осенью они покрываются яркими сладкими плодами. Ими лакомятся дети, а целители готовят из этих плодов обезболивающие снадобья. Кроме того, ююбу называют еще лотосовым деревом или африканским лотосом.
Островитяне угостили чужеземцев лотосом, и у тех пропало желание возвращаться на родину. Одиссею пришлось силой загонять их на корабль; при этом он теряет часть команды.

Французкая гравюра 18 века неизвестного автора.

Вторая остановка. Корабли Одиссея причаливают к острову циклопов и устраивается на ночлег в пещере, оказывающейся жилищем великана Полифема. Предполагается, что это Юра — греческий необитаемый остров в Эгейском море. Природа острова точно соответствует описанию Гомера:"Плоский есть там ещё островок, в стороне от залива, Не далеко и не близко лежащий от края циклопов, Лесом покрытый. В великом там множестве водятся козы Дикие. Их никогда не пугают шаги человека; Нет охотников там, которые бродят лесами, Много лишений терпя, по горным вершинам высоким. Стад никто не пасет, и поля никто там не пашет. Ни пахоты никакой, ни сева земля там не знает, Также не знает людей; лишь блеющих коз она кормит. … Быстро достигли мы близко лежащего края циклопов. С самого боку высокую мы увидали пещеру Близко от моря, над нею - деревья лавровые. Много Там на ночевку сходилось и коз и овец"(Одиссея) Есть на острове и "пещера циклопа»,в которой жил Полифем и куда случайно зашел Одиссей со спутниками. Циклоп обнаруживает пришельцев, берёт их в плен, запирает в пещере и пожирает три пары спутников Одиссея. Одиссей дожидается, пока Полифем уснет, и во сне выкалывает колом единственный глаз циклопа. Пленникам удаётся покинуть пещеру разъяренного, но слепого Полифема, спрятавшись в стаде овец.

Джон Флаксман "Одиссй у Полифема" 1810 год.


Аннибале Карраччи "Полифем" 1605 год


Арнольд Бёклин "Одиссей и Полифем" Конец 19века


Якоб Йорданс "Одиссей в пещере Полифема" первая половина 17 века

Третья остановка. Одиссей оказывается на острове Эола, царя ветров; тот даёт ему мех, куда заключены ветра и приказывает не развязывать его, пока не покажутся берега Итаки. Эолов остров (а также Эоловы острова) - группа островов вулканического происхождения к северо-востоку от Сицилии. Упоминаемая у Гомера Эолия уже в древности отожествлялась с одним из этих островов -Стронгилой (Стромболи), и позднейшие поэты приурочивали к этому острову местопребывание бога ветров Эола. Ныне называются по имени самого большого из островов Липари - Липарскимо островами
Команда думала, что царь одарил Одиссея сокровищами, и пока тот спал, тайком развязывает мех. Ветра вырываются и в мгновение ока относят корабль от уже появившейся Итаки.

Эжен Делакруа "Юнона(Гера) уговаривает Эола уничтожить флот Улисса(Одиссея)" 1863 год

Четвертая остановка. Остров лестригонов-каннибалов. Одного из посланных Одиссеем на разведку спутников проглотил царь лестригонов Антифат. Потом Антифат позвал других лестригонов, которые стали уничтожать корабли, бросая в них со скал огромные камни. Людей они нанизали на колья и унесли на съедение в город. У Одиссея из 12-ти остается только один корабль.

"Одиссей и листригоны" Сборник "Обработанные греческие сказания о героях для молодежи”. Берлин, 1902 год.Реконструкция работы анонимного римского мастера. 125 год до н.э.
А вот и сама работа



Пятая остановка. Корабль Одиссея причаливает к острову волшебницы Кирки (Цирцеи).По Гомеру, она жила на острове Ээе (Aiaia, местоположение острова в сказаниях о Кирке географически неопределимо). Либо с острова Энария, или острова Меония. Местопребывание Кирки позднее было перенесено с востока на запад, к Тирренскому побережью: именем её был назван мыс на Италийском берегу (в Лации). Когда часть спутников Одиссея, отправившаяся для исследования острова, была обращена Киркой в свиней, Одиссей отправился один к дому волшебницы и с помощью данного ему Гермесом чудесного растения победил чары богини, которая, признав в отважном госте Одиссея, предложила ему остаться с ней на острове и разделить её любовь. Одиссей склонился на предложение богини, но прежде заставил её поклясться, что она не замышляет против него ничего дурного, и вернуть человеческий образ его спутникам, обращённым в свиней. Прожив год на острове в неге и довольстве, Одиссей, по настоянию товарищей, стал просить Кирку отпустить их на родину и, получив согласие богини, отправился сперва, по её совету, в область Аида, чтобы узнать от прорицателя Тиресия о предстоящих ему испытаниях.

Доссо Досси "Пейзаж с Киркой и ее любимцами" 1516 год


Джованни Бенедетто Кастильоне "Кирка" 1650 год.


Ян ван Бейлерт "Кирка и Одиссей" первая половина 17 века.
Одиссей спускается в подземное царство, чтобы поговорить с прорицателем Тиресием и узнать, что ему нужно сделать, чтобы попасть домой. Помимо всего прочего, получает от Тиресия предсказание: «Покинь свою объятую волнами Итаку, возьми весло и странствуй, пока не встретишь людей не знающих моря и среди них учреди почитание владыки морской стихии».

Иоганн Генрих Фюссли "Одиссей у Тиресия" 1785 год

Прожив у Цирцеи год, Одиссей отправляется дальше, мимо острова сирен, влекущих своим чарующим пением моряков на гибель. Они обитают между землёй Цирцеи и Сциллой на скалах острова, усеянных костями и высохшей кожей их жертв. Сирены чарующими песнями заманивают плывущих мимо путников, которые, забыв всё на свете, подплывают к волшебному острову и погибают вместе с кораблями. Сам Одиссей избежал коварных сирен лишь благодаря предостережению Цирцеи: он залепил уши своих спутников воском, а самого себя велел привязать к мачте. Так они минуют угрозу. Сиренам было предсказано, что они погибнут, когда кто-либо из путников пройдёт мимо их острова, не поддавшись искушению. 

Джон Уильям Уотерхаус "Одиссей и сирены" 1891 год.


Герард де Лересс "Одиссей и сирены" 17 век


Герберт Джеймс Дрейпер "Одиссей и сирены" Конец 19 века
Проплывает между Сциллой и Харибдой, страшным шестиголовым чудовищем и колоссальным водоворотом.Скилла - в латинской транслитерации Сцилла. Харибда в древнегреческом эпосе — олицетворённое представление всепоглощающей морской пучины. Вот как описывает Сциллу Гомер:"Скала Скиллы высоко подымалась острой вершиной до неба и вечно была покрыта тёмными облаками и сумраком; доступ к ней был невозможен вследствие её гладкой поверхности и крутизны. Посредине её, на высоте, недосягаемой даже для стрелы, зияла пещера, обращённая тёмным жерлом на запад: в этой пещере обитала страшная Скилла. Без умолку лая (Σκύλλα — «лающая»), чудовище оглашало окрестности пронзительным визгом. Спереди у Скиллы двигалось двенадцать лап, на косматых плечах подымалось шесть длинных гибких шей, и на каждой шее торчало по голове; в пасти у неё сверкали частые, острые, расположенные в три ряда зубы. Вдвинувшись задом вглубь пещеры и выставившись грудью наружу, она всеми головами выслеживала добычу, шаря лапами кругом по скале и вылавливая дельфинов, тюленей и других морских животных. Когда проходил корабль мимо пещеры, Скилла, разинув все пасти, разом похищала с корабля по шесть человек."
Харибда, напротив, у Гомера не имеет индивидуальности: это просто морской водоворот, тревожимый незримой водяной богиней, которая три раза в день поглощает и столько же раз извергает морскую воду под второй из упомянутых скал. Так Одиссей потерял 6 человек съеденными.

Иоганн Генрих Фюссли "Одиссей проплывает под Сциллой" 1796 год

Быки Гелиоса
Шестая остановка. На острове Гелиоса, а это - Родос, спутники Одиссея убивают быков солнечного бога. Быков было семь стад по пятьдесят голов. Они символизировали триста пятьдесят дней в году по летоисчислению греков. В наказание Зевс посылает бурю, уничтожающую корабль, в которой выживает один Одиссей.

Пеллегрино Тибальди "Спутники Одиссея похищают быков Гелиоса» 1556
год.
Седьмая остановка. Одиссея выбрасывает на остров нимфы Калипсо,Огигия, где Одиссей провёл семь лет. Слово "Огигия" может быть понято и как существительное, и как определение. В «Одиссее» остров назван «лесистым» и «пупом широкого моря», говорится о его безлюдности (там живут лишь Калипсо, её рабыни и Одиссей) и лесистости. Среди флоры названы черный тополь, ольха, кипарис и фиалки, связанные с культом мёртвых. Согласно описанию Гомера, Одиссей плывет с Огигии на восток , и достигает его на двадцатый день плавания. Эти данные позволяют локализовать Огигию где-то в Западном Средиземноморье. Калипсо тщетно желала соединиться с Одиссеем навеки, предлагая ему бессмертие и вечную юность. Одиссей не переставал тосковать по родине и жене. Наконец боги сжалились и послали к ней Гермеса с приказанием отпустить Одиссея. Калипсо против воли вынуждена была его отпустить, предварительно оказав ему помощь в строительстве плота, на котором он и пустился в дальнейшее плавание.

Арнольд Бёклин "Одиссей и Калипсо" 1883 год


Герард де Лересс "Гермес, приказывающий, чтобы Калипсо выпустила Одиссея" 1670 год


Ян Брейгель старший "Фантастическая пещера с Одиссеем и Калипсо" 1616 год

Седьмая остановка. Одиссей приплывает на остров феаков.Феаки — народ , живший на острове Схерия. Современное название - Корфу или Керкир. Считался одним из блаженных народов, близких к богам, как и гипербореи, эфиопы, лотофаги. Феаки были хорошими мореплавателями, их корабли были снабжены системой навигации, позволяющей не теряться в буре или тумане. Там, на берегу, его находит царевна Навсикая. Одиссей рассказывает феакам свою историю. Они сажают его на корабль и отвозят на Итаку. 

Валентин Серов "Одиссей и Навсикая" 1910 год


Микеле Десублео "Улисс и Невсикея" 17 век


Иоахим фон Зандрарт "Одиссей и Навсикая" 1630 год


Питер Ластман "Одиссей и Навсикая" 1619 год

В в то время, когда царь Итаки совершает свою "Одиссею" к его жене, Пенелопе приезжают свататься женихи. На Итаке Афина придаёт вернувшемуся Одиссею вид нищего старика, чтобы он оставался неузнанным. Живёт Одиссей у верного ему свинопаса Эвмея и открывается только своему сыну Телемаху.Одиссей приходит во дворец, чтобы посмотреть на бесчинства женихов. Одиссея подвергают оскорблениям, поскольку никто не может признать в нём уехавшего много лет тому назад царя. Няня Эвриклея узнает его по шраму. Верный пес Аргус узнает его и издыхает.
Пенелопа по совету сына соглашается выйти замуж за того из женихов, кто натянет лук Одиссея и пропустит стрелу через 12 колец. Никто, кроме нищего старика, оказывается не способен на это. Вместе с Телемахом Одиссей устраивает кровавое побоище, истребив несколько десятков человек. 


Франческо Приматиччо "Одиссей и Пенелопа" ок.1563 года.


Анжелика Кауфман "Пенелопа и Еврикея" 1772 год


Джон Уильям Уотерхаус "Пенелопа" 1912 год

Во время странствований мужа Пенелопа хитростью избавлялась от навязчивости женихов - она объявила, что выйдет замуж лишь тогда, когда кончит ткать саван своему свекру, но ночью тайно распускала каждый раз всё сотканное за день, до тех пор, пока не вернулся Одиссей.

Леандро Бассано "Пенелопа" 1580 год


Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн "Одиссей и Пенелопа" 1802 год
Обратите внимание на круглую красную шапочку Одиссея. Это головной убор греческих моряков - атрибут Одиссея.


Бонавентура Дженелли "Эвмей, Одиссей, сидящий у огня и Телемах у входа в хижину Эвмея" Первая половина 19 века


Густав Шваб "Избиение женихов" Середина 19 века
 

Портрет. Часть 3. Сев. Возрождение и другие

Продолжим наблюдать за историей портрета. Но сначала мне бы хотелось поблагодарить всех, кто присылает комментарии к моим сообщением. Большое всем вам спасибо и извините, что не отвечаю на каждый ваш отзыв. Поверте - мне очень приятно и я признателен всем за оценку моего труда.
И еще об одном, но не таком приятном: прежде, чем писать о том, что я что-то пропустил, убедитесь в том, что этого материала у нас действительно нет. А то получается, чтомне указывают на что-то, что я пропустил, а на самом деле об этом шла речь прежде автор отзыва не читал прелыдущий материал. Кагда же ваша критика по делу, то я ее с удовольствим( или почти с удовольствием) принимаю и стараюсь исправить свои ошибки.Спасибо

Прежде, чем перейти к дальнейшему рассказу о развитие итальянского ренессансного портрета, думаю, что необходимо познакомится в первую очередь с нидерландским портретным искусством. И вот почему. Раннее Северное Возрождение, и в особенности, нидерландское искусство конца 14 - 15 веков оказало довольно серьезное влияние на творчество итальянских мастеров. Связь этих творческих школ происходила по следующей схеме: Нидерланды были связаны с Францией через общую Бургундскую династию и поэтому очень часто работали при дворах французских монархов. например, братья Лимбург из Гельдерна по своей сути были французскими художниками. А про связь итальянского искусства с французским, мы уже говорили. Но дело тут не только в географической близости. Искусство Ренессанса в Италии - это искусство гуманизма, европейское интеллектуальное движение, зародившегося в Италии. параллельно с этим в Северной Европе берет начало духовное движение в католицизме "Новое благочестие" направленное на религиозное обновление, возвращение к простоте веры, характерной, согласно идеям движения, раннему христианству. Движение стало также духовным стержнем «нового искусства» (лат. «ars nova») — стиля в живописи, возникшего в 1420-е – 1430-е гг. на основе поздней готики, и ставшего основой Северного Возрождения. Мир существующий, согласуясь с идеями этого движения воспринимается художниками как отражение мира божественного, в котором все совершенно. Стремление к правдивому изображению человека и окружающей его среды, необычайная чуткость к красоте мира становятся главной особенностью нидерландского искусства: художники благоговейно выписывают облик предметов, тщательно передают их объем и фактуру. И, естественно, что именно этот период в живописи Нидерландов выдвигает портрет в самостоятельный жанр. Главное отличие путей, по которым развивались итальянское и нидерландское искусство этого периода, заключалось в том, что итальянские художники ориентировались на возрождение хорошо знакомого им античного искусства, а нидерландские, не столь хорошо его знавшие, развивали традиции средневекового искусства в соответствии с концепцией "Нового благочестия». Если итальянские мастера эпохи Возрождения писали монументальные фресковые росписи, то нидерландский зритель предпочитал любоваться станковыми картинами небольшого размера, к которым итальянские художники придут позднее. И, несомненно, под влиянием творчества своих нидерландских коллег.
Самыми первыми представителями нового направления в Нидерландской живописи считаются Ян ван Эйк и Робер Кампен, которого иногда еще идентифицируют как Флемальского мастера. Основной работой Кампена является алтарь Мероде( по имени одного из владельцев). Создание в алтаре триптиха, давало возможность художнику достаточно ловко решить вопрос с донатором. В данной работе: центральная часть - это Благовещение; в правой створке - Иосиф мастерит мышеловки, а вот в левой части находятся донатор Питер Энгельбрехт со своей будущей супругой - Гретгин Шринмехерс.


С одной стороны земные персонажи не присутствуют на изображении главного события триптиха, но с другой - они активно выражают свое отношение к происходящему: наблюдая в распахнутую дверь за чудом, мужчина обнажил голову, а женщина держит четки в молитвенно сложенных руках.
Интересно сравнить два портрета - Кампена и ван Эйка. Причем с одинаковыми названиями: "Мужчина в красном тюрбане".

Это Р.Кампен.


А вот это уже Я.ван Эйк
Сравнительный анализ предлагаю сделать самим.

А вот как подходит к изображению донатора Ян ван Эйк.

"Мадонна канцлера Ролена"

Как вы понимаете, в момент создания, картина не имела такого имени. Это позднее ее стали называть по фамилии донатора, изображенного рядом с Мадонной.

Попробуйте сравнить это произведение с работой, например, которую мы видели в предыдущем нашем разговоре - Козимо Росселли «Алтарь из Радды» .Посмотрите какая разница. Там земной человек , хотя и пропорционален Мадонне, занимает заведомо низшее( и это подчеркнуто композиционно) положение. Все лица отрешенные, никто не на кого не смотрит, интерьер пуст и так же, как пейзаж уныло нереален. 
Здесь же мы видим вполне реальную картинку, в абсолютно реальном , заполненным вещами, интерьере. Канцлер Роден внимательно смотрит на Мадонну и хотя, судя по его молитвенно сложенным рукам полон почтительности и благоговения. Но и его взгляд, и одежда, и вещи, и пейзаж, изображающий его владения - все как бы подчеркивает его значимость, его достаток.
Чтобы закончить на сегодня с двумя основоположниками нидерландской живописи, еще по одной их работе.

Р.Кампен "Портрет толстого мужчины"


Я.ван Эйк "Портрет кардинала Николло Альбергатти(?)"


Не чужд был нидерландским художникам и жанр автопортрета. Но изображали они себя в виде какого-нибудь святого. Идеально для этой роло подходил Евангелист Лука, покровитель художников и по преданию, написавший первую икону Мадонны.

Рогир ван дер Вейден


Дирк Баутс

Как вы видите, композиции не отличаются оригинальностью. а если учесть, что ван дер Вайден был учеником Р.Кампена, а Баутс в свое время испытывал влияние ван дер Вайдена, то помятно, что является основой композиций этих работ. Только Кампен изображал донатора, а его последователи - самих себя, хотя и в образе Св.Луки.

Еще по одному портрету в исполнении этих великолепных мастеров.

Рогир ван дер Вейден "Портрет Антуана Бургундского"


Дирк Баутс "Мужской портрет"


Уже даже в ранней нидерландской живописи практически не встречается профильный портрет. Портреты, как правило, выполнены в 3/4. причем хотя большинство портретов погрудные, а не поясные, художники стара1тся написать руки. Это дает возможность для дополнительной характеристики портретируемого.

Г.Мемлинг "Портрет юноши с римской монетой"


Хуго ван дер Гус "Портрет мужчины"


Петрус Кристус "Портрет картузианского монаха".


Ранняя нидерландская живопись и искусство портрета, в частности, оказали большое влияние на всё западноевропейское изобразительное искусство. Итальянский гуманист Бартоломео Фацио даже назвал ван Эйка «князем среди живописцев столетия». Итальянские коллекционеры живописи заказывали многочисленные картины у северных мастеров, меценаты предоставляли молодым художникам возможность обучения во фламандских мастерских. Арагонский король Альфонс V ещё в 1431 году отправил своего придворного художника Луиса Далмау во Фландрию. А кастильские короли владели несколькими известными произведениями Рогира ван дер Вейдена, Ганса Мемлинга и Яна ван Эйка. Влияние нидерландского искусства на германское было столь велико, что Вазари даже считал Альбрехта Дюрера и его предшественника Мартина Шонгауэра фламандцами.
Насколько сильно чувствовалось влияние нидерландского искусство на творчество некоторых итальянских художников, что Антонелло да Мессина даже долгое время считался непосредственным учеником Яна ван Эйка.

Антонелло да Мессино "Мужской портрет (автопортрет?)"


Антонелло да Мессино "Мужской портрет"


Мартин Шонгауэр "Портрет молодой женщины".


Альбрехт Дюрер " Портрет Фелиции Тухер"
Это одна из ранних работ художника, где особенно чувствуется влияние нидерландских мастеров.


Искусство испанского придворного портрета было заложено вообще нидерландским(фламандским ) художником. Он работал при дворе королевы Изабеллы Кастильской, и прозывался именно по названию своей родины - Хуан де Фландес (Ян из Фландрии).

Хуан де Фландес "Портрет Изабеллы Кастильской"


Завершить эту часть сегодняшнего разговора мне бы хотелось работой португальского художника Нуньо Гонсалвеша. Фигура несколько загадочная, ибо мы не знает точных дат его жизни, расписанный им алтарь кафедрального собора в Лиссабоне погиб во время Лиссабонского землетрясения, а его знаменитые "панели Св.Венсента" были обнаружены только в конце 19 века и долгое время не были атрибутированы его именем. Но одно можно сказать точно - влияние нидерландской живописи на его творчество несомненно.

Нуньо Гонсалвеш: Алтарь св. Винсента. Фрагмент.
 

Эпоха Возрождения — "один из самых плодотворных периодов в истории развития портретного жанра, время, когда в западноевропейском искусстве возник реалистический портрет. Этот новый реализм был тесно связан с новым пониманием личности и её места в действительности, с открытием мира и человека, произошедшим в этот период" (Здесь и далее -Гращенков В. Н. Портрет в итальянской живописи Раннего Возрождения). Портретное искусство этого времени настолько велико и многообразно, что позволяет уже различать его по жанрам(скорее поджанрам, ибо жанр-то один - портрет) и характеру изображения. Эта квалификация портрета сохраняется и поныне. Итак, по поджанрам портрет подразделяется на:
Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и создаваемого по воспоминаниям или воображению мастера;
Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти изображённых людей по их прижизненным изображениям или даже полностью сочинённый;
Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой, архитектурными мотивами и другими людьми;
Портрет-прогулка — изображение гуляющего человека на фоне природы;
Костюмированный портрет — человек представлен в виде аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа. Различают: 
Аллегорический
Мифологический
Исторический;
Семейный портрет;
Автопортрет;
Религиозный портрет.
Вот с этого последнего жанра мы и начнем. И это естественно, ибо первые портретные изображения, как мы уже убедились ранее, в большинстве своем появились в религиозном, а точнее, в так называемом "донаторском портрете".
Донатор - в католичестве и ктитор в православие - это заказчик или организатор строительства храма. Поэтому, неудивительно его желание быть запечатленным на одном из изображений в данном храме.
Донаторы изображались коленопреклоненными и молящимися, обычно строго в профиль; мужчины — по правую руку от Мадонны или святого, а женщины — по левую. Как мы уже видели раньше, более древняя форма изображения донатора - непропорционально более мелкая по отношению к Мадонне или святому. Новаторская - та, при которой дистанция между двумя мирами показана не размерами, а композицией.

Мазаччо. «Троица», ок. 1427


Следующим шагом стало полное композиционное и психологическое объединению религиозных образов и портрета.

Пьеро делла Франческа.
Т. н. «Алтарь Монтефельтро», 1472—1474год
Молящийся герцог Монтефельтро, потерявший супругу в родах, и по случаю рождения ею долгожданного наследника заказавший эту картину, принимает практически равное участие в "Святом Собеседовании».Так называется в изобразительном искусстве западноевропейского типа изображения Богородицы с младенцем Иисусом на руках в окружении группы каких-либо святых. Здесь собралась следующая компания (слева направо): Иоанн Креститель, Св. Бернардин, Св. Иероним (в образе монаха-отшельника, бьющий себя камнем в грудь), Св. Франциск (показывающий стигматы), Св. Пётр Мученик (с раной на голове) и Иоанн Богослов.


Еще одним композиционным решением для изображения донатора стло изображение человека в отдаление от божества. Донатор воспринимает Христа, Мадонну или святого как видение.

Пинтуриккьо. «Воскресение» 
Донатор - папа Александр VI


Но такие изображения, надо полагать, не пользовались большой популярностью. Наоборот, заказчик, а за ним и художник старались показать желательно более тесную связь между фигурой донатора и святыми. А это лучше всего достигалось в более камерной обстановке.

Филиппино Липпи «Благовещение»


Мало того, иногда донатор "вовлекался" в сюжет картины. Например, младенец-Христос протягивал к нему руки.

Винченце Фоппа «Мадонна»


Чтобы подчеркнуть дистанцию между земным человеком и святыми, фигура донатора могла, например, наполовину выступать из люка в полу, или он мог быть написан полуфигурно у нижнего края картины, «обрезанный» до плеч.

Козимо Росселли «Алтарь из Радды»

Но если у Росселли донатор смотрится абсолютно инородным телом и в композиции картины и в действие в ней происходящем, то у Филиппино Липпи донатор - Пьеро ди Франческо дель Пульезе, хотя бы взглядом активно участвует в действии.

Филиппино Липпи «Видение Марии св. Бернарду»


Еще дальше пошли некоторые художники, подменяя портретами донаторов евангельских персонажей; например, пастухов, пришедших поклонится Младенцу.

Витторе Карпаччо "Поклонение младенцу"
Кстати, в этой работе мы встречаем и один из поджанров портрета - семейный портрет.


Однако внесения портрета в евангельские сюжеты не было распространенном явлением, ибо, естественно, вызывало негодование церковных иерархов .Однако отдельные образцы такого портрета все же встречались. Особенной популярностью пользовался сюжет "Поклонение волхвов", где заказчики, совершающие акт дарения церкви, отождествлялись с волхвами(царями) принесшими подарки родившемуся Христу.

Сандро Боттичелли. "Поклонение волхвов"
В толпе — представители трёх поколений семьи Медичи и свита Лоренцо Великолепного. Кроме того, мы видим уже и пример другого поджанра портрета - автопортрета. Сам художник смотрит на зрителя с правого угла картины. И это не единичный пример. Автопортреты художников (обычно у самого края композиции, будто являясь посредником, приглашающим зрителя обратить внимание на происходящее на фреске)встречаются довольно часто. О многих, особенно ранних автопортретах, нам известно из Вазари, но нередко они опознаются сами — по местоположения у края (за пределами активного действия), но обычно по напряжённому скошенному взгляду и зеркальной перевернутости абриса лица, которое усиливает асимметричность.


Гораздо большую свободу художники получали, изображая современников как персонажей церковных легенд. Это явление получило название "скрытые портреты". Изображая участников или зрителей какого-либо эпизода из жизни многочисленных святых художники придавали им портретное сходство со своими друзьями, родными, просто случайными знакомыми. Иногда художники пользовались простая, а в последствии ставшей традиционной, форма возвеличивания заказчиков — изображение их в образе святых, иногда соименных.

Мазолино. «Закладка базилики Санта Мария Маджиоре в Риме»
С мотыгой в руках изображен папа Мартин V, в образе Св.Либерия.


Следующим этапом в развитие портрета в искусстве Ренессанса был постепенный уход от практики "скрытого портрета". Это было связано в первую очередь с деятельностью семейства Медичи, старавшимися подчеркнуть свою власть и исключительное положение. Появляются огромные, монументальные фрески, полностью покрывающие стены церквей и соборов, заполненные десятками, а то и сотнями персонажей, в первых рядах которых представлены члены могущественного семейства, их сторонники и друзья. Примеру Медичей следуют и другие правители, светские и церковные.

Беноццо Гоццоли. "Шествие молодого волхва(короля)".Капелла волхвов, восточная стена.


Наряду с религиозной появилась и светская монументальная живопись. Её появление основывается на традиции "знаменитых мужей", популярной в эпоху Возрождения теме фресковых росписей, изображающая великих мужей древности.

Андреа дель Кастаньо. «Портрет Пиппо Спано» 
Пиппо Спано -флорентийский кондотьер 14 века на службе у венгерского короля Сигизмунда.


Эту традицию продолжает несколько трансформируется в дальнейшем, когда гуманистический культ «знаменитых мужей» начинает сочетаться с прославлением монарха в его роли покровителя искусств и защитника церкви.

Педро Берругете. "Портрет Федериго да Монтефельтро с сыном"
В этом портрете кондотьер написан в полном боевом облачении и в горностаевой мантии, за чтением книги. У его ног, опираясь на колено отца — наследник, юный Гвидобальдо.


А вот несколько примеров для сказанного выше.
1.В 1481—83 гг. над росписью стен Сикстинской капеллы работало созвездие великолепных живописцев: Боттичеслли, Перуджино, Гирландайо,Козимо Росселли, Пинтуриккио, Синьорелли, Бартоломео делла Гатта, Давид Гирландайо, Пьеро ди Козимо, Бьяджо д'Антонио. Фрески, созданные этими мастерами содержали более сотни портетных фигур, никоим образом не связанных с библейским сюжетом - это были «вставные» группы, обычно по краям каждой композиции, будто выдвинутые из-за кулис. Большинство изображённых — родственники папы из семьи Делла Ровере и Риарио, а также члены курии и знатные союзники папы. В этих портретах виден накопленный опыт художников: любой портрет может быть вырезан из фрески и восприниматься как самостоятельная картина.

Боттичелли. «Искушение Христа» (деталь)


Перуджино. «Вручение ключей апостолу Петру».


2.Капелла Сассетти и капелла Торнабуони. Считается, что оба эти цикла Гирландайо в истории раннего ренессансного портрета себе равных не имеют.

Гирландайо. «Утверждение устава францисканского ордена», капелла Сассетти. Фрагмент с портретом Анжело Полициано,итальянского поэта, гуманиста и драматурга; вместе с его воспитанником Джулиано Медичи.


Гирландайо. «Рождество Иоанна Крестителя», капелла Торнабуони, фрагмент: крайняя справа — Лукреция Торнабуони, мать Лоренцо Медичи.


3.Венецианская праздничная жизнь отражалась в циклах в помещениях религиозно-благотворительных братств (scuole), которые были более светскими, развлекательно-повествовательными, чем житийные циклы в церквях. В них также встречается множество портретных фигур.

Джентиле Беллини. «Чудесное спасение реликвии св. Креста, упавшей в канал с моста Сан Лоренцо»
Обычно в работы Белини и других венецианских мастеров во множестве были включены портреты членов братства; в эту же без расчета художественной цельности «вставлены» портретные фигуры (Джентиле написал себя, отца, брата, кузена и зятя Андреа Мантенью), не сопоставимые с остальными масштабно, а в правом углу изображена Катерина Корнаро с чередом профилей придворных дам.


Важным шагом в эволюции «монументального портрета» был «исторический жанр», где изображались реально случившиеся события и сцены, либо те, которые легко было таковыми представить. Их действующими лицами были реальные люди, которых писали узнаваемо. Этот жанр светской живописи имел несколько композиций.
1.Композиции батальные. Картины различных битв и сражений с портретными изображениями полководцев.

Паоло Учелло. "Битва при Сан Романо". Фрагмент с изображением Никколо да Толентино


2.Композиции торжественные. Изображались сцены торжественных процессий и освящений.

Пинтуриккио "Встреча императора Фридриха III с его невестой Элеонорой Португальской"


3.Композиции смешанные. В их сюжетах царило соединение реальных бытовых сцен с классическими мифами, аллегорий с героизированных портретов правителей.

Франческо дель Косса «Апрель(Тримф Венеры)»


Все, о чем говорилось, выше - это, как вы понимаете, живопись монументальная, т.е. живопись на архитектурных сооружениях.
Станковый же портрет, т.е. изображения имеющие самостоятельное значение и воспринимающиеся независимо от окружения, в итальянском искусстве возник позднее. Его появление относится только ко 2-й четверти XV века, а расцвет приходится на последнюю треть. И одним из сохранившихся примеров - как раз та картина - "«Пять знаменитых мужей»,с неустановленным авторством, о которой рассказала Валентина в комментариях к предыдущему посту.

К ее небольшому, но интересному рассказу добавлю только то, что все эти портреты - повторения деталей фресок. 
Картина эта имеет и ещу одну особенность: четыре потрета даны в трехчетвертном ракурсе, а один - профильном. Это еще больше запутывает дело, ибо эти два ракурса использовались художниками в разные периоды.


Первоначальным, как мы уже знаем, был профильный портрет.

Неизвестный флорентийский мастер круга Учелло "Женский портрет"

Среди подобных портретов флорентийских художников, особый интерес вызывают несколько портретов Филиппо Липпи.В них впервые в итальянской портретной живописи, портрет дан в интерьере.

Филиппо Липпи. "Женский портрет"
Будучи помещённым в замкнутое пространство, профильное изображение утрачивает прежнюю плоскостность и абстрактность, обретая более сильную реалистичность. Композиция превращается в картину, содержащую элементы повествования.


Художники Северной Италии в области станкового портрета значительно превзошли своих коллег из Флоренции. Это обусловлено их более близким знакомством с живописью своих северных соседей, представителями франко-бургундского круга. С их шпалерами, миниатюрами, станковыми картинами. Это хорошо видно на такой, например, работе:

Пизанелло. "Портрет принцессы из дома Эсте (Джиневры)"
Не правда ли, профиль и фон, со сложным декоративно-пейзажным мотивом, образовывают единое целое, а картина напоминает шпалеру.


Сравнивая портретное искусство Северной Италии середины 15 века, невозможно не остановится на диптихе - парном портрете Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца.

"Это произведение — синтез флорентийской и североитальянской традиции портретного искусства середины XV века, обогащенный творческим использованием колористических достижений нидерландской живописи".( В.Гращенков)
Пейзажный фон ранее использовали нидерландцы, а вслед за ними Филиппо Липпи, но у них он оставался всего лишь деталью композиции, видом через окно. В этом диптихе пейзажный фон весьма важен. Человек господствует над природой, портретные образы полностью освобождены от религиозного духа, который присутствует во всех донаторских портретах Пьеро, эта картина — настоящий продукт светской гуманистической культуры.
Замечу в скобках, что так получилось - это третий портрет герцога в сегодняшнем рассказе. Можете сравнить три изображения.

Итак, мы возвращаемся к портрету Возрождения. Условно (очень условно) середина 15 века стала переломной для итальянского портрета.Во-первых, произошел переход от профильного портрета к трех-четверному и к изображению в фас.
Во-вторых, вместо нейтрального фона, в портретах появился пейзаж, иногда с элементами интерьера.
В-третьих - переход от погрудной композиции к поясной.
Эти три тенденции и обусловили дальнейшие развитие ренессансного портрета. Давайте теперь посмотрим на творчество отдельных мастеров и художественных школ.
Несмотря на то, что итальянские художники постоянно приглашались различными правителями для оформлению местных храмов и интерьеров дворцов, принадлежность мастеров к определенной школе, была неотъемлемой частью их творчества. И это касалось не только обычных художников, то тех, кого история назовет выдающимися.
Феррарская школа испытывала на себе большое влияние северного портрета, ибо при феррарском дворе работали нидерландские, французские и немецкие живописцы. Основные представители: Франческо дель Косса (ок. 1435 — 1477),Лоренцо Коста (1460 — 1535).

Франческо дель Косса. «Портрет молодого человека»

Лоренцо Коста. «Портрет неизвестной с комнатной собачкой на руках»
Ломбардская школа сформировалось в годы работы в Милане Леонардо да Винчи."В первой четверти XVI века понятие о миланском художнике растворяется в понятии о „леонардесках“. Леонардески были разнообразны по своей одаренности, по слабым проблескам оригинальности, по степени своей близости, внутренней или только внешней, к Леонардо. Наиболее интересны из них те, которые попали в орбиту гения в дни первого его приезда в Милан, — Больтраффио, Амброджо да Предис, Франческо Мельци".(П.П.Муратов (1881—1950) — русский писатель и искусствовед, автор трёхтомных «Образов Италии»)

Миланская мастерская Леонардо да Винчи. «Прекрасная Ферроньера»

Джованни Антонио Больтраффио, «Портрет мальчика»

Амброджо де Предис, «Портрет Франческо ди Бартоломео Акинто"
Падуанская школа живописи - это в первую очередь Андреа Мантенья (ок. 1431 — 1506)

Мантенья. «Портрет кардинала Лодовико Медзарота»
Портрет своеобразный, непохожий ни на нидерландский, ни на какой другой из итальянских северных школ. В нем, скорее, чувствуется влияние римского скульптурного портрета,
Венецианская школа - это одна из главных итальянских живописных школ. Большое влияние на развитие в ней портретного искусства оказал Антонелло да Мессина (ок. 1429 — 1479).Большинство его портретов выполнено по одной схеме, заставляющих вспомнить "Мужчину в трасном тюрбане" ван Эйка: погрудно, с парапетом, всегда в головном уборе и взглядом прямо на зрителя. Он не пишет руки и не изображает аксессуара. На парапете практически всегда изображена смятая бумажка, «прикреплённая» каплей сургуча, с надмисью «Антонелло Мессинец меня написал» и датой.

Антонелло да Мессина. «Портрет старика (Тривульцио де Милано?)
Один из величайших представителей венецианской школы - Джованни Беллини (ок. 1430/1433 — 1516)

Джованни Беллини. «Портрет мужчины в чёрном»
В этой работе, возможно, лучше, чем в какой-нибудь другой, воплотилась новая линия в венецианском портретном искусстве. Она изображает человека, чей идеал можно охарактеризовать так: «человек, ведущий независимый образ жизни, но готовый по законам своего сословия добровольно выполнять волю государства. Здесь словно примиряются два противоположных принципа в понимании человеческой личности: один исходит из гуманистического осознания индивидуальности, другой из подчинения этой индивидуальности жёстким нормам общественной жизни» (Здесь и далее:Гращенков В. Н. Портрет в итальянской живописи Раннего Возрождения). Дальше Гращенков пишет:
«наверное, всем этим людям было приятно видеть себя на портретах Беллини чуть более мечтательными и поэтичными, чем они были на самом деле»

.
Однако не только Дж. Беллини было представлено искусство портрета в венецианской живописи.Это и его брат Джантиле (ок. 1429 — 1507), и Альвизе Виварини (1446—1502), и Лоренцо Лотто (1480—1556), и Витторе Карпаччо (ок. 1455 или 1465 — ок. 1526) и многие другие.

Джентиле Беллини. «Портрет дожа Агостино Барбариго»

Альвизе Виварини. «Мужской портрет»

Флорентийское искусство портрета, начиная с 1460 года, испытывает мощный подъем.
"Общественный заказ уступил место частному меценатству, отчего искусство становится многообразнее и тоньше, но отчасти утрачивает монументальность и синтетичность стиля. Вместо суровых образов появились изящные. Идеалом времени стала красота юности. Возрастает тяга к лиризму и камерности. В искусстве Флоренции этого периода четко обозначаются 2 различных течения, которые возникли из противоречия общественной жизни:
а)тяга к будничному повествованию и аналитическому жанризму, трезвый будничный реализм — согласно вкусам богатого флорентийского бюргерства, которое утратило прежние героические идеалы (Доменико Гирландайо, Козимо Росселли, Бенедетто да Майано)

Гирландайо.(1449 - 1494) «Портрет старика с внуком»

Росселли 1439 -1507)"Портрет молодого человека
б)утончённый идеал духовного аристократизма и поэтическая метафоричность художественного мышления на основе литературы и философо-теологических идей неоплатонизма — согласно вкусам окружения Лоренцо Великолепного (Боттичелли, Филиппино Липпи, Пьеро ди Козимо, Антонио Полайоло, Андреа Вероккьо, ранний Леонардо, юный Микеланджело)[38].

Боттичелли.(1445 - 1510) «Портрет молодого человека с медалью Козимо Медичи»

Филиппино Липпи.(1457/58 - 1505) «Портрет молодого человека»

Братья Поллайоло. Антонио (1433 - 1498) и Пьеро(1443 -1496) «Галеаццо Мария Сфорца».



Леонардо да Винчи. «Портрет Джиневры Бенчи»

Лоренцо ди Креди.(1459 -1537) «Дама с жасмином»

Лука Синьорелли. (1445/50 - 1523) «Портрет юриста»

Пьеро ди Козимо. (1462 -1522) «Портрет архитектора Джулиано да Сангалло»

Пинтуриккио. (1454 - 1513) «Портрет мальчика»

Перуджино. (14446 - 1524) «Портрет Франческо дель Опере»

<

 Дейвид Уилки  

Sir Robert Liston, 1742 - 1836. Diplomat

Уилки сопровождал сэра Томаса Лоуренса, как придворный живописец короля в 1830, а в 1836 был посвящен в рыцари. 
В 1840 он посетил Святую Землю, чтобы познакомиться с природой Ближнего Востока, задумав картину на религиозную тему. 
Он умер, возвращаясь на родину, прямо на корабле. Его похороны изображены на картине Тернера «Похороны в море» (1841).

      Раннее Северное Возрождение, и в особенности, нидерландское искусство конца 14 - 15 веков оказало довольно серьезное влияние на творчество итальянских мастеров. Связь этих творческих школ происходила по следующей схеме: Нидерланды были связаны с Францией через общую Бургундскую династию и поэтому очень часто работали при дворах французских монархов. например, братья Лимбург из Гельдерна по своей сути были французскими художниками. А про связь итальянского искусства с французским, мы уже говорили. Но дело тут не только в географической близости. Искусство Ренессанса в Италии - это искусство гуманизма, европейское интеллектуальное движение, зародившегося в Италии. параллельно с этим в Северной Европе берет начало духовное движение в католицизме "Новое благочестие" направленное на религиозное обновление, возвращение к простоте веры, характерной, согласно идеям движения, раннему христианству. Движение стало также духовным стержнем «нового искусства» (лат. «ars nova») — стиля в живописи, возникшего в 1420-е – 1430-е гг. на основе поздней готики, и ставшего основой Северного Возрождения. Мир существующий, согласуясь с идеями этого движения воспринимается художниками как отражение мира божественного, в котором все совершенно. Стремление к правдивому изображению человека и окружающей его среды, необычайная чуткость к красоте мира становятся главной особенностью нидерландского искусства: художники благоговейно выписывают облик предметов, тщательно передают их объем и фактуру. И, естественно, что именно этот период в живописи Нидерландов выдвигает портрет в самостоятельный жанр. Главное отличие путей, по которым развивались итальянское и нидерландское искусство этого периода, заключалось в том, что итальянские художники ориентировались на возрождение хорошо знакомого им античного искусства, а нидерландские, не столь хорошо его знавшие, развивали традиции средневекового искусства в соответствии с концепцией "Нового благочестия». Если итальянские мастера эпохи Возрождения писали монументальные фресковые росписи, то нидерландский зритель предпочитал любоваться станковыми картинами небольшого размера, к которым итальянские художники придут позднее. И, несомненно, под влиянием творчества своих нидерландских коллег.

Самыми первыми представителями нового направления в Нидерландской живописи считаются Ян ван Эйк и Робер Кампен, которого иногда еще идентифицируют как Флемальского мастера. Основной работой Кампена является алтарь Мероде( по имени одного из владельцев). Создание в алтаре триптиха, давало возможность художнику достаточно ловко решить вопрос с донатором. В данной работе: центральная часть - это Благовещение; в правой створке - Иосиф мастерит мышеловки, а вот в левой части находятся донатор Питер Энгельбрехт со своей будущей супругой - Гретгин Шринмехерс.
 

С одной стороны земные персонажи не присутствуют на изображении главного события триптиха, но с другой - они активно выражают свое отношение к происходящему: наблюдая в распахнутую дверь за чудом, мужчина обнажил голову, а женщина держит четки в молитвенно сложенных руках.
Интересно сравнить два портрета - Кампена и ван Эйка. Причем с одинаковыми названиями: "Мужчина в красном тюрбане".
 
Это Р.Кампен.

 
А вот это уже Я.ван Эйк
Сравнительный анализ предлагаю сделать самим.

А вот как подходит к изображению донатора Ян ван Эйк.
 
"Мадонна канцлера Ролена"

Как вы понимаете, в момент создания, картина не имела такого имени. Это позднее ее стали называть по фамилии донатора, изображенного рядом с Мадонной.

Попробуйте сравнить это произведение с работой, например, которую мы видели в предыдущем нашем разговоре - Козимо Росселли «Алтарь из Радды» .Посмотрите какая разница. Там земной человек , хотя и пропорционален Мадонне, занимает заведомо низшее( и это подчеркнуто композиционно) положение. Все лица отрешенные, никто не на кого не смотрит, интерьер пуст и так же, как пейзаж уныло нереален. 
Здесь же мы видим вполне реальную картинку, в абсолютно реальном , заполненным вещами, интерьере. Канцлер Роден внимательно смотрит на Мадонну и хотя, судя по его молитвенно сложенным рукам полон почтительности и благоговения. Но и его взгляд, и одежда, и вещи, и пейзаж, изображающий его владения - все как бы подчеркивает его значимость, его достаток.
Чтобы закончить на сегодня с двумя основоположниками нидерландской живописи, еще по одной их работе.
 
Р.Кампен "Портрет толстого мужчины"

 
Я.ван Эйк "Портрет кардинала Николло Альбергатти(?)"


Не чужд был нидерландским художникам и жанр автопортрета. Но изображали они себя в виде какого-нибудь святого. Идеально для этой роло подходил Евангелист Лука, покровитель художников и по преданию, написавший первую икону Мадонны.
 
Рогир ван дер Вейден

 
Дирк Баутс

Как вы видите, композиции не отличаются оригинальностью. а если учесть, что ван дер Вайден был учеником Р.Кампена, а Баутс в свое время испытывал влияние ван дер Вайдена, то помятно, что является основой композиций этих работ. Только Кампен изображал донатора, а его последователи - самих себя, хотя и в образе Св.Луки.

Еще по одному портрету в исполнении этих великолепных мастеров.
 
Рогир ван дер Вейден "Портрет Антуана Бургундского"

 
Дирк Баутс "Мужской портрет"


Уже даже в ранней нидерландской живописи практически не встречается профильный портрет. Портреты, как правило, выполнены в 3/4. причем хотя большинство портретов погрудные, а не поясные, художники стара1тся написать руки. Это дает возможность для дополнительной характеристики портретируемого.
 
Г.Мемлинг "Портрет юноши с римской монетой"

 
Хуго ван дер Гус "Портрет мужчины"

 
Петрус Кристус "Портрет картузианского монаха".


Ранняя нидерландская живопись и искусство портрета, в частности, оказали большое влияние на всё западноевропейское изобразительное искусство. Итальянский гуманист Бартоломео Фацио даже назвал ван Эйка «князем среди живописцев столетия». Итальянские коллекционеры живописи заказывали многочисленные картины у северных мастеров, меценаты предоставляли молодым художникам возможность обучения во фламандских мастерских. Арагонский король Альфонс V ещё в 1431 году отправил своего придворного художника Луиса Далмау во Фландрию. А кастильские короли владели несколькими известными произведениями Рогира ван дер Вейдена, Ганса Мемлинга и Яна ван Эйка. Влияние нидерландского искусства на германское было столь велико, что Вазари даже считал Альбрехта Дюрера и его предшественника Мартина Шонгауэра фламандцами.
Насколько сильно чувствовалось влияние нидерландского искусство на творчество некоторых итальянских художников, что Антонелло да Мессина даже долгое время считался непосредственным учеником Яна ван Эйка.
 
Антонелло да Мессино "Мужской портрет (автопортрет?)"

 
Антонелло да Мессино "Мужской портрет"

 
Мартин Шонгауэр "Портрет молодой женщины".

 
Альбрехт Дюрер " Портрет Фелиции Тухер"
Это одна из ранних работ художника, где особенно чувствуется влияние нидерландских мастеров.


Искусство испанского придворного портрета было заложено вообще нидерландским(фламандским ) художником. Он работал при дворе королевы Изабеллы Кастильской, и прозывался именно по названию своей родины - Хуан де Фландес (Ян из Фландрии).
 
Хуан де Фландес "Портрет Изабеллы Кастильской"


Завершить эту часть сегодняшнего разговора мне бы хотелось работой португальского художника Нуньо Гонсалвеша. Фигура несколько загадочная, ибо мы не знает точных дат его жизни, расписанный им алтарь кафедрального собора в Лиссабоне погиб во время Лиссабонского землетрясения, а его знаменитые "панели Св.Венсента" были обнаружены только в конце 19 века и долгое время не были атрибутированы его именем. Но одно можно сказать точно - влияние нидерландской живописи на его творчество несомненно.
 
Нуньо Гонсалвеш: Алтарь св. Винсента. Фрагмент.



Поскольку мы на некоторое время покинули Италию и отправились в путешествие, не лишне, на мой взгляд, посмотреть, что делалось в это время в других странах. Ибо все познается в сравнении. Начнем с нашей родины, с России.
Скажу прямо, при всей моей любви к русскому искусству – положение не из блестящих, если сравнивать с Европой. Судите сами.
По всем работам, посвященным истории русского портрета 15 века кочуют 4 изображения. Вот они.
 
Неизвестный художник. Пелена с изображением Сергея Радонежского.

 
Дионисий «Митрополит Петр» икона

 
Дионисий Глушицкий "Кирилл Белозерский" Икона

 
Икона " Молящиеся новгородцы"
"Новгородский боярин Антипа Кузьмин заказал икону («Молящиеся новгородцы»), в нижней части которой был изображен заказчик с семейством — это еще не боярский семейный портрет, но уже смелая попытка изобразить на иконе группу светских лиц"(Е. С. Овчинникова. Портрет в русском искусстве XVII века.)

Давайте говорить честно – не впечатляет. И я вижу в этом не вину русских художников, людей, несомненно, талантливых, а вину русской православной церкви и подчиненной ей духовно власти. Они делали все, что бы загнать искусство в железные рамки придуманных ими догм, закрыть любое общение творческих людей со всем остальным миром. Очень жаль, ибо даже по этим немногим образцам, виден какой огромный творческий потенциал был заложен в русских живописцах.



Поедем дальше на восток, в Китай.
 
Чжао Мэнфу. «Автопортрет в бамбуковой роще». 1299 год

 
Неизвестный художник. «Портрет Ни Цзаня». ок. 1340 г

 
Ван Мэн. «Гэ Чжичуань перевозит своё жилище». 1360е гг.

 
Жэнь Жэньфа. «Чжан Го на приеме у императора Минхуана»

Как видите искусство портрета в «Поднебесной» шло своим путем, нисколько не похожим на традиции европейского искусства. Единственное, что я бы назвал общим – это понимания роли портрета в живописи, исходя из мироощущения. В отличие от итальянских гуманистов и северного «Нового благочестия» китайцы воспринимали человека, как часть природы, как, если так можно сказать, маленький винтик в огромном механизме. Это особенно видно в автопортрете Чжоу Мэнфу. В отличие от европейских мастеров художник не ставит перед собой задачу показать зрителям свое «я», он рассказывает нам, как гармоничен человек в природном окружении. Как подтверждение этому – картина Ван Мэна.



Следующая страна дальше на восток – это Япония.
 
Кано Масанобу « Портрет Асикага Ёсихиса»

 
Тоза Ёкихиде «Портрет Асикага Ёсимоти»

 
Неизвестный художник «Мори Мотонари»

Японский портрет рассматриваемого нами времени был довольно прост по идеи и великолепно выполнен по технике. Это были портреты правителей, сёгунов и вождей кланов. Персонажи изображались, как правило, в двух ипостасях: или сидящие в традиционной позе, или скачущие на коне. Мне трудно сказать, какой из этих портретов мы могли бы назвать парадным. Портретов этих великое множество, так как каждый из руководителей ( а их было неисчислимое количество) старался быть запечатленными на бумаге или шелке, а изображение эти бережно хранились поколениями потомков.



Что же касается великолепной персидской живописи, то она в оснавном представлена миниатюрой, в частности, книжной. , досигшей, на мой взгляд совершенства. Портрет начал появляться только чуть позднее в творчестве блестящего мастера Камалледина Бехзада.
 
Бехзад. « Портрет Шейбани Хана»

Очень похоже на японский портрет, но не нахожу никакой связи между двумя странами, по которой можно бы судить о заимствование.