Фаусты 20 века.
Фото И.И.Бродского рядом с Лениным. 1921 год







Предавшим свой талант назвала я Исаака Бродского, когда увидела в журнале «Про искусство» статью о нем и репродукции его ранних произведений. http://www.liveinternet.ru/community/1726655/post74213195/
Долго думала о своем отношении к нему, о той разнице, которую замечаешь, рассматривая его замечательные пейзажи и портреты его жены, и сравниваешь их с постепенно деревенеющими фигурами вождей на его «бессмертных» полотнах.

Многие вынуждены были заниматься изображение вождей. Известно, что Натан Альтман лепил бюст В.И.Ленина. Николай Жуков создал целую Лениниану. Его рисунки обязательно изучались в школе на уроках изобразительного искусства. Но рисунки оставались рисунками, бюст вождя тоже был лишь частью из множества его изображений и никто из этих авторов не вызывал в моей душе столь сложных и сильных чувств. Это были всего лишь их работы, и только. Изображенным мог быть и кто-либо другой. Наверное, в этих работах я не видела того падения и отвратительного угодничества, которые так заметны в портретах советских вождей, написанных Бродским. Особенно заметно забвение собственного таланта и представления о ценностях искусства, когда рассматриваешь эти работы последовательно от ранних к более поздним.


Вот вполне приличный с точки зрения живописных ценностей портрет Ленина на фоне осеннего пейзажа. Пейзаж хранит память о таланте автора. Фигура, идущая нам навстречу, тоже еще вполне человечна.



Вот его же портрет в черном костюмчике на фоне архитектурных достопримечательностей, так сказать «Ленин в городском пейзаже».



А здесь Ленин уже с бантиком и выступает на съезде. Уже что-то вроде плаката.

И здесь тоже.




С портретами Сталина дело обстоит еще хуже.



Сталин молодой – но уже как-бы из гипса , хотя и на плакат похож тоже.

Сталин постарше – уже плакат!



И, наконец, Сталин, пугающий своим железобетонным супурвеличием, глядящий своими никому не доверяющими глазами на меня со всех обложек старых журналов, найденных в детстве у отца в ящике письменного стола. Думаю, что держал он их там потому, что печки в доме не было, а выбросить на помойку – это все равно, что выбросить на помойку свою жизнь и жизнь и благополучие своей семьи. Смерти подобен был такой неосмотрительный шаг в прямом, а не переносном смысле. Всегда мог найтись желающий донести.



Ну а эта икона, висевшая почти в каждом учреждении, известна всем людям, пережившим советский период. Ею заменили изгнанные из обихода изображения Иисуса Христа и Девы Марии.


За что же продал свой талант этот художник? За мастерскую в центре Ленинграда. За Ленинскую премию. За то, что ленинградцы были вынуждены ходить по улице, названной его именем. И вспоминать его недобрыми словами. За то что его дочь несла весь негатив отношения к отцу на своих плечах. Она ведь тоже была художницей.

Фотографии Наташа_Ходош : Самые любимые!

Мои самые любимые существа!!!

Фотографии Наташа_Ходош : Лягушка-Путешественница

Фотографии Наташа_Ходош :

мои любимые

Фотографии Наташа_Ходош :

мои любимые

Леонид Осипович Пастернак родился в 1862году в г. Одесса, ушел из жизни в 1945г. в г. Оксфорд в  Англии. Начальное художественное образование Л. О. Пастернак получил в Одесской рисовальной школе. Позднее он успешно совмещал занятия на юридическом факультете Одесского университета и в классах мюнхенской Королевской академии художеств. Первая серьезная картина "Письмо с родины" (1889) принесла ему известность и была приобретена П. М. Третьяковым. В этом же году Пастернак женился, а в 1890 г. в семье родился сын Борис (в будущем известный русский писатель). Участие в выставках, портретирование заказчиков создали художнику устойчивую репутацию хорошего рисовальщика. Он открыл в 1889 г. частную школу рисования, одну из первых в Москве, а спустя пять лет был приглашен в качестве преподавателя в МУЖВЗ. В основе творческого метода мастера лежали быстрые, почти мгновенные зарисовки, схватывающие "самую суть изображаемого", он называл их школой "настоящего импрессионизма". Ощущение фиксации впечатления художнику удавалось сохранить и в живописных работах - за счет выбора наиболее острого момента, как бы случайного движения, раскрывающего образ ("Перед экзаменами", 1897; "Л. Н. Толстой в семье", 1901; "Студентка", "За чтением", обе 1900-е, и др.). В 1890-е гг. Пастернаком были выполнены лучшие работы в области книжной графики: рисунки к Собранию сочинений М. Ю. Лермонтова (1891); четыре акварели к роману "Война и мир" (1893). По личному приглашению Л. Н. Толстого, в постоянном дружеском общении с великим писателем художник создавал в 1898-99 гг. иллюстрации к роману "Воскресение", остающиеся до сих пор непревзойденными. Уже к началу века Пастернак - признанный портретист и иллюстратор, член-учредитель СРХ, с 1905 г. - академик. В ближайшие десятилетия его моделями были Л. Н. Толстой, С. В. Рахманинов, Ф. И. Шаляпин, М. Горький, после 1917 г. - Ленин, члены правительства. В 1921 г. Пастернак уехал в Германию. Здесь им были выполнены портреты А. Эйнштейна, Р. М. Рильке, Д. Осборна. Последние годы жизни (после 1939) художник провел в Англии.

 "Урок музыки" Пастель

 

 

Иллюстрация к роману Л.Н.Толстого "Воскресенье"

 Этюд "За работой", масло.

Что такое КРАСОТА? и "за что мы любим живопись"

...что есть КРАСОТА
И почему ее обожествляют люди?
Сосуд она, в котором пустота,
Или огонь, играющий в сосуде?
Вопрос, сформулированный Заболоцким, для меня всегда актаулен, хотя я и знаю свой личный ответ на него.
Но в каждом конкретном случае приходится решать - огонь ли это и только ли сосуд перед тобой?
Хочу предложить всем входящим решить для себя эту задачу на примере двух предыдущих художников, тематика картин которых совпадает: оба рисуют Москву.

Владимир Парошин "Дворик на Неглинной":


и Аплександр Стародубов "Город золотой"

Ниже в этом разделе (Современная живопись) вы найдете сообщения и о Стародубове, и о Прошине,

Московская летопись Владимира Парошина
 

АВТОБИОГРАФИЯ
Родился в 1950г. в Тюменской области
с 1977г. Живу и работаю в Москве
с 1990г. - вступил в Московский союз художников
ВЫСТАВКИ
1991г.-Творческий вечер, Кузнецкий мост 11
1993г.-Персональная выставка, Кузнецкий мост 11
1996г.-2006г.- Ежегодная персональная выставка в ЦДХ
2000г.-Персональная выставка вгостинице "Космос", клуб "Екатерининская площадь"
2002г.-Персональная выставка в Михайловском (Пушкинский заповедник)
А теперь начинайте просмотр. И, как мне кажется, вы не пожалеете о потраченном времени.
Всегда ваш В. Парошин (http://www.paroshin.ru/site.html)





http://artnow.ru/ru/gallery/3/2312/picture/1/36565.html?comments

Далее

Фантазии Стародубова Александра Викторовича

Невозможно поверить своим глазам. Ведь на этих картинах изображена Моя москва, те улицы, по которым я так часто хожу, езжу, и не узнаю их на этих полотнах. А хочется, чтобы они выглядели именно так, как их видит этот художник.

Город Золотой. 2005 г.

Далее

Ашот Асатрян родился в 1954 году в Арташаване (Армения). В 1982 году окончил Ереванское художественное училище им. Ф. Терлемезяна. С 1988 года - член Союза художников Армении. В 1995 Ашот Асатрян был принят в Международную федерацию художников ЮНЕСКО. Картины Ашота Асатряна находятся в частных коллекциях и галереях России, Сша и Европы.
Выставки:
1991 – Осло, Норвегия (персональная)
1992 – Москва, Россия
1993 – Анбах, Германия
1994 – Бремен, Германия (персональная)
1995 – Вроцлав, Польша
1997 – Москва, Россия (персональная)
1998 – Тисе, Норвегия
1999 – Лондон, Англия (персональная)
2000 – Париж, Франция
2000 – Фоссе, Норвегия (персональная)
2001 – Антверпен, Бельгия
2002 – Дубай, ОАЭ
2003 – Варшава, Польша
2004 – Барселона, Испания
2005 – Валетта, Мальта (персональная)
2006 – Дамаск, Сирия
2007 – Майами, США
Первое что привлекает взгляд посетителя в мастерской Ашота Асатряна – это неконфликтное соседство гипсовых слепков знаменитых античных персон, расставленных на стеллажах и произведений модернисткой живописи. Причем расклад работ вовсе не построен по хронологическому принципу. Различные периоды творчества художника смешиваются столь же на первый взгляд произвольно, как и разнообразные техники, в которых он работает. Мастер предстает перед публикой и как живописец, и как график.
На первый взгляд художник в своих работах ведет со зрителем некую игру, напоминающую головоломки, в которых по разному фокусируя взгляд, можно рассмотреть несколько разных изображений. Сначала нам вроде бы предлагается насладиться абстрактными формами, отвлеченно-чувственными. Но стоит только заметить закамуфлированный под абстракцией реальный «прототип», как глянцевая красота рассеивается и объекты обретают совсем другой, иногда злободневный смысл. Конечно, адекватное восприятие картин требует внимательной настройки взгляда, позволяющей видеть оба образа – абстрактный и конкретный. Есть художники, которые в каком бы возрасте ни находились, пишут картины, которые, в каком то смысле прославляют сладкий, абстрактный сон о мире.
Колористическое восприятие принято делить живописцами на чувственное, мгновенное, аналитическое, длительное и подсознательное. Подсознательное восприятие открывает в картине до бесконечности новые живописные смыслы, как у поздних, почти монохромных Рембрандта или Тициана. Этот вид восприятия, нацеленный на постижение бесконечности, художник ставит выше всего. Найденные им приемы сродни музыкальным, и основываются на эмоциях, ритмах и цветовых интонациях – блеклые краски, неясные формы, мотивы похожие на ускользающие сновидения.
- Моя живопись, - говорит Ашот Асатрян, - никогда не располагает к бурным овациям, потому что она, как правило, заканчивается, уходя, куда то вверх, и как правило после просмотра моих работ наступает тишина. Тишина для раздумий.
Несмотря на некоторую сложность восприятия содержания картин Ашота Асатряна, их названия переключают сознание зрителя на понятийный уровень, но здесь таится своеобразная обманка, игра в мнимые образы и ложные символы. По старинной присказке не говоря ничего, говоришь нечто.
Самим автором в своих работах ценится энергия исполнения, привлекательность фактуры. Такая живопись должна вызывать незапрограммированную гамму различных эмоциональных и интеллектуальных реакций. Образы словно растягиваются по поверхности холста. Сами же формы уплотняются, создавая важное качество фигуративности. Художник называет это чувственным процессом, беседой с материалом, представленной густотой красок, плотностью холста. Автор, подчеркивая специфику материала, должен получать эстетическое удовольствие от создания картины, зритель же, эмоционально приобщаясь к этому процессу, своего рода сопереживает.
- Моим любимым художником был и остается Эль Греко, - говорит Ашот Асатрян, - но не ищите между нами сходства стиля или повторения сюжета. Он мне близок по духу, по мыслям, которые возникают при виде его работ. Из армянских художников я считаю мне самым близким Альберта Парсамяна. Вообще я считаю, что каждое произведение, как целый и живой организм, должен привлекать своей завершенностью. В картине не должно быть недосказанности, в большинстве случаев это отталкивает зрителя, а завершенная работа всегда находит своего зрителя.
Частое обращение художника к триптихам, сериям, циклам не случайно. Такая форма раскрытия художественного замысла избавляет художника от сковывающей статичности живописи и вносит в нее элемент движения и экспрессивность, Изображение на его полотнах как будто разворачивается прямо на глазах зрителя.
«Во время работы я выпадаю из призмы сознания. Полет в просторах подсознания – куда более высокий. Думая и размышляя о чем-то, невозможно рисовать мистику. Ни одно поистине хорошее произведение не было создано с помощью рассудка. Оно сковывает и ограничивает, а художнику нужно быть предельно свободным перед мольбертом. Произведение истинного искусства должно говорить с сердцем зрителя, давать ему энергию», - утверждает художник.
Художник, работы которого всегда выразительны и многозначны. Он нашел свою форму отображения современной жизни, не отрываясь при этом от своих армянских корней. Переплетение традиционности и новаторства, многозначности и завершенности, близости и бесконечности – это стиль Ашота Асатряна.

В ожидании встречи


Балеро


Испуг


В кресле


Балерины


Карнавальное шествие





Вечер


Грациозно


Ночь


Пробуждение


Прощание


У стола


Пробуждение


Прощание










Начало весаны


Осень


Натюрморт с Яблоеками


Натюрморт с грушами


Натюрмолрт с графином


Дошади


Зимний дворик


Конд


Сумерки


Лошади


Использованы материалы с сайта http://robgallery.ru/Ashot_Asatryan/033.html

Эрнст Фукс - основатель фантастического реализма

Эрнст Фукс (род. 1930), австрийский художник, поэт, основатель «Венской школы фантастического реализма». Жил во Франции, США, Израиле, в настоящее время живет в Австрии. Войдя в искусство сразу после окончания Второй мировой войны, Фукс создает свой пластический язык, вобравший в себя элементы сюрреализма, готики, романтизма. Особое внимание художник уделяет изучению иконописи и языка символов искусства разных религий. Его творчество направлено на объединение искусства и религий в современном мире. На выставке представлены литографии и офорты на сакральные сюжеты, офорты к отдельным Книгам Ветхого Завета и издание Библии, полностью проиллюстрированной художником.


Московский музей современного искусства
Информация с сайта "Русский антиквариат"

И еще:http://www.canvas.com.ua/?page=oldp&painter=10840
Эрнст Фукс родился в Вене в 1930 году в семье ортодоксального еврея и христианки. Семья будущего художника распалась после оккупации Австрии в 1938 году - отец был вынужден эмигрировать в Шанхай. Согласно новым порядкам, его мать лишают родительских прав, а самого Эрнста направляют в лагерь для полуевреев. Формальный развод Леопольдины Фукс позволил спасти маленького Эрнста от лагеря смерти.
В 12 лет Эрнст принимает крещение и берет первые уроки рисунка. Именно к этому периоду относится представленный на выставке портрет матери, а также работы на христианские темы.
В 1945 году семья Эрнста переезжает в Вену, где он поступает в Академию изобразительных искусств. В это время появляются его экспрессионистские циклы "Катаклизмы", "Город" и "Атолл Бикини". Уже в 18 лет художник принимает участие в создании "Венской школы фантастического реализма" вместе с Ариком Брауэром, Вольфгангом Хуттером, Рудольфом Хаузнером и Антоном Лемденом. Однако новое движение не было понято в Австрии ("За исключением Альберта Париса Гютерсло, который безоговорочно одобрял нашу ориентацию на искусство старых мастеров, нас окружали лишь насмешки и непонимание", - вспоминает он), и художник на 12 лет уезжает в Париж. Здесь он знакомится с Андре Бретоном, Жаном Кокто, кругом Жана-Поля Сартра и Сальвадором Дали, с которым его будут связывать дружеские узы.
В 1957 году, после странствий по Англии, Испании, Италии и США, Эрнст Фукс отправляется в Израиль, где живет в бенедиктинском монастыре на горе Сион и пишет иконы. Его цель - способствовать иудейско-христианскому взаимопониманию. В его позднем творчестве органично сочетаются различные религии. Например, в картине "Мария с младенцем Иисусом" отчетливо прослеживаются мотивы древнерусской иконы и индуизма.
Известность на родине художник получает в 1962 году, когда открывает собственную художественную галерею, ставшую местом встреч приверженцев фантастического реализма.
Постепенно он начинает реализовывать свои архитектурные замыслы. "В первом своем цикле карандашных рисунков "Город" (1946) я разрабатывал разные архитектурные формы. С тех пор архитектура стала основной мыслью, подспудно сопровождавшей меня во всем моем творчестве", - вспоминает художник. В то же время у него долгое время идеи так и оставались на бумаге. Первый свой архитектурный опыт Э. Фукс приобрел, работая над театральными декорациями для опер Вагнера и Моцарта.
Свои архитектурные мечтания Э. Фукс начал реализовывать после покупки виллы, построенной знаменитым венским архитектором Отто Вагнером в конце XIX века. Максимально используя "эстетику пропорций", заложенную О. Вагнером в проект виллы, художник восстановил полуразрушенное здание, оставив на нем неизгладимый отпечаток собственного творчества, сочетающего в себе византийские элементы, восточный эллинизм, а также идеи модернистов - Антонио Гауди и Рудольфа Штайнера. Сейчас в "Вилле Вагнер" действует частный музей Эрнста Фукса.
Вообще Эрнст Фукс - личность крайне многосторонняя, а его творчество не укладывается в рамки известных школ. Его кисти принадлежит роспись венской церкви Розенкранца, по его проекту в Вене построен отель "Зодиак". В 80-х годах вышло несколько дисков с песнями Э. Фукса. Он автор многочисленных эссе и философских сочинений.

И еще: http://www.artprojekt.ru/Gallery/Euroart/Ea244.html
"Моисей и неопалимая купина" 1956г.


И еще:http://www.museum.ru/alb/image.asp?13424
"Самсон судья" 1962 г.


"Парадиз"

Валерий Михайлович Сыров

Случайно встретила репродукцию "Бутерброда". Чувства родились двойственные, но захотелось что-то узнать о художнике, кое-что нашла.
Это биография:http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D1%8B%D1%80%D0...%D0%BB%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87

А здесь галерея его работ: http://artnow.ru/ru/gallery/3/3320/picture/0/0.html
Валерий Михайлович Сыров – российский и украинский художник, член СХ СССР, Национального союза художников Украины с 1988 г.
Родился 22 декабря 1948 г. в селе Здемирово Костромской области: http://www.hiero.ru/2147959, близ знаменитого села Красное-на-Волге, центра ювелирной промышленности России, в семье потомственных ювелиров. Дед по материнской линии, Метлин Леонид Александрович, русский ювелир, "левша", выполнивший из серебряной монеты чайный сервиз, участник и дипломант двух Всемирных выставок в Париже.
Как вспоминает Валерий Сыров, на чердаке у деда грудами лежали подписки журналов «Нива», «Всемирная иллюстрация», «Палестина», «Вселенная и человечество», изобилующие гравюрами – репродукциями картин известных и неизвестных художников. Первая персональная выставка состоялась в средней школе №1 с. Красное, когда Валерий учился в 5-м классе. Мечтал поступить в КУХОМ или Ярославское художественное училище, но везде получил отказ из-за плохого зрения – прогрессирующая близорукость на единственном видящем глазу. Пришлось пойти в Галичское педагогическое училище, где была хорошая изостудия. После окончания училища был принят на художественно-графический ф-т Костромского пединститута, по ходатайству директора училища К.А.Андрианова. Костромской худграф стал хорошей школой для многих ныне известных художников благодаря его преподавателям Ю.В.Горбунову, живописцу и театральному художнику, выпускнику Харьковского художественного института, Л.П.Веричеву, художнику-монументалисту, выпускнику Строгановки, философу В.С.Уколову, которого помнят и выпускники ВГИКа, где он впоследствии преподавал эстетику. Шесть дипломных листов, положивших начало серии «Мир русской сказки»: http://www.hiero.ru/2092097, http://www.hiero.ru/2092410, получили Похвалу учёного совета факультета – первую официальную награду. В 1973 году, женившись, В.М.Сыров уехал в Магаданскую область, работал в пос. Усть-Омчуг преподавателем рисования в средней школе: http://www.hiero.ru/2130758, http://www.hiero.ru/2139243, http://www.hiero.ru/2149455. В 1977 г. переехал на юг, в Одесскую область, где поселился в украинской хате с женой и двумя детьми: http://www.hiero.ru/2149273.
С 1987 г. регулярно показывает работы на персональных выставках в Одессе. Участник областных, национальных и международных выставок - в Югославии, Италии, Финляндии, Мексике, Японии. Произведения хранятся в музеях Украины и в частных коллекциях за рубежом.

И еще нашла галерею: http://artnow.ru/ru/gallery/3/3320/picture/0/50836.html.
Вот некоторые  работы Сырова Валерия Михайловича (бутерброд с салом на черном хлебе не привожу - впечатляет мене всего):

"Дворник"


"Зима в Кинешме"


"Мсленица"


"Удачная рыбалка"


"Натюрморт"


"Своя ноша не тянет"


"Коты"


"Река времени"


"Любимый город". Акварель. 2008 г.


"Река"

Фейерверк Леонида  Афремова.

Это адрес, по которому можно увидеть более 80 его картины во весь экран и хорошего качества.
http://allday.ru/2007/10/25/krasochnoe_velikolepie__leonid_afremov_chast_i.html
Если у нас принято зачислять в "молодые" художников, которые все еще живы (слава Богу), то по этим меркам Леонид Афремов, родившийся в 1955 году, совсем-совсем молодой художник. Во всяком случае его живопись говорит о молодом задоре и брызжущей во все стороны энергии. Сравнение с бенгальским огнем было бы неточным, хотя огонь, безусловно присутствует на каждлм полотне. Вот разноцветные вспышки фейерверка - это вполне соответствует моему восприятию работ этого яркого и праздничного художника.

 


Трогательный Шавкат Абдусалимов

Шавкат.А (Такваш) - художник, писатель, режиссер.
Родился 28 апреля 1939 г. (по паспорту 1936 г.) в г. Ташкенте.
В 1966 г. окончил ВГИК.
Работы Шавката находятся в Государственной Третьяковской Галерее, частных коллекциях России, Европы, США (коллекция Ненси и Нортона Додж)

Будь мы более внимательны к самим себе, мы бы начали не с колеса, а с крыльев.
Те, кто внимательно рассматривал мои картины, часто задают мне один и тот же вопрос: почему в ваших многофигурных, многолюдных композициях каждый человек сам по себе. Когда пишешь, об этом не думаешь, но это правда. Это не плохо и не хорошо. Это факт. Каждый человек одинок и каждый человек сам по себе есть кто-то. Это я и хочу подчеркнуть. Одиночество - это и знак индивидуальности и знак невостребованности. Поэтому пространство моих картин есть четкое пространство бытия, которое надо заполнить. Есть небо и земля, есть линия горизонта, по которой удаляется поезд, увозящий мои надежды? Поезд, отчеркнувший мое одиночество? Я замечаю, что сам иногда по-разному объясняю свои картины. Здесь все играет роль: время, место, настроение, с каким человеком я разговариваю, что он способен воспринять из моего изобразительного ряда, чем он загружен, какие у него проблемы. Есть небо и земля. А между ними человек. Его жизнь и его игры.
Я выписываю свои картины тщательно и плотно заполняю пространство жизни. Поэтому, их можно долго рассматривать. Завладевая вниманием зрителя или слушателя (а мне хотелось бы верить, что в определенном смысле мои картины музыкальны), я вовлекаю его в некое пространство - между небом и землей, в котором живете вы и я, в котором живет человек. Я хочу, чтобы он шел по моим следам.
Шавкат Абдусалимов

--------------------------------------------------------------------------------

Шавкат Абдусалимов не обольщает никого национальной экзотикой. Он художник, стоящий на середине пути между христианской Европой, выбеленной до кости Азией и едва различимым в тумане Востоком. Его живопись - лазурит в оправе, треснувшей от зноя, глины. Из рук, обмакнутых в грязную жирную охру, вырастает голубой кувшин. Его пергаментные фигуры головой достает небо. Они долговязы как "Идущий Ван Гог" Осипа Цадкина. Они засыпаны песчаной мукой из мельничьих жерновов, выстужены голубизной неба."

Юрий Норштейн


--------------------------------------------------------------------------------
Дерево, всегда живое… Оно хранит память… Деревянный домик, впитавший в себя историю, отдает ее на энергетическом уровне, просто надо зайти в маленькую дверь, оглядеться в тесноватом коридоре, и тут же проникнутся теплом предыдущей жизни этого дома, и теплом жизни нынешней.
А нынче, в Малом Власьевском переулке, в уютном московском особнячке – галерея. Галерея «Шазина». Галерея Шазины. Шазина Агрба, наполняет светом работ, которые ей полюбились, кусочек старой Москвы. Тонкость и вкус, деликатность подхода к художникам и скульпторам, осторожность в движении к искусству… Не пафосность, а интеллигентность. Вот, пожалуй, основные составляющие жизни этой маленькой галереи в маленьком домике. Именно тут, в почти сказке, разместились работы Шавката… На время… На время выставки… Но и этот дом, и эти работы, как-будто созданы друг для друга! Потому, что… сначала ощущаешь тепло, потом свет, потом видишь цвет, потом заинтересовано вглядываешься, и тебя заполняет осязаемая печальная радость… И такое чувство, оказывается, бывает.
Живопись, обычно воспринимается сразу, если не являешься тускловатым искусствоведом и любителем долгого аналитического труда, то просто видишь и оцениваешь. Оценки смешные и нелепые, но все же, каждый имеет право на личное восприятие. Я вижу, только чувствуя, не чувствуя - не вижу, вот такая странная у меня картина мира.
Шавката я почувствовала, еще не зайдя под своды галереи, и только потом стала смотреть… Всматриваться в его странный мир. Странный, потому, что светлый. Если постоянно жить не в мире его работ, но хотя бы изредка прикасаться к волне их света, то можно увидеть контуры гармонии собственной души…
Но, мир другой…Органика уже другая… Тонино Гуэрра очень четко сформулировал обыденность «… мир производит гораздо больше предметов, чем мыслей, а потребительство рушит воображение…». Шавкат воображение восстанавливает, будит его, заставляет всматриваться в воображаемо-действительный мир, который быть может, уже и позабыт многими.

Смешно писать «герои его работ», там нет героев, нет «работ», есть даже не сказка, а нечто, что сложно объяснить словами, а когда нет слов, остается просто нырнуть …в разлитую доброту…

Нечто, во что хочется вглядываться, не пытаясь разгадать смысл, а постичь непостижимое - откуда ЭТО в человеке? Откуда такая нежность и трогательность… Странно, но основная трогательность, от которой щемит сердце, не в глазах, а в странной… обуви, рассыпанной по всем картинам Шавката... Милый стоптанный ботиночек, затерявшийся в луговой траве, способен вызвать эмоцию, похлеще пронзительной музыки. Красные башмачки, непременно старенькие, детские… каблучки из катушек, которых теперь днем с огнем не сыщешь… Какие-то беззащитные ножки и у девочек, и у мальчиков, и у ангелов, и у мужчин, и у женщин… Этих странных персонажей объединяет такая незащищенность, что, даже взглянув на них, кажется, что больно ранишь (!), отсюда, из реальности…

И возникает очень много вопросов, первый из которых: «Зачем мне ложная броня? Зачем мне мои оглушительно бряцающие латы? Зачем взгляд, издалека отпугивающий прохожих? Зачем эта железная маска недоступности и неприступности? Зачем?»

Александра Панфилова
Москва, 2006


Разлука


С возлюбленной на коленях

Если подобием Божьим считать проявление Образа (онтологического духовного дара), представляя его как процесс, то экспрессионистическая пластика В. Харитонова абсолютно оправдана с точки зрения богословия. Широко применяя эффект «отслаивания» контура, доведенный им до совершенства, художник показывает динамику и многосложность уподобления Божьему лику одной, нескольких, а иногда целого собора человеческих личностей. В. Харитонов редко выступает «чистым» абстракционистом, что обусловлено неравноценностью телесных частей в эфире - изменчивой стихии его творчества.
Роман Багдасаров

В живописи Харитонова эстетизм пластической культуры служит задачам своего рода мистического реализма. "Абстрактные" и "экспрессивные" приемы (на грани письма "informal") выражают не прихоти настроения, не смуту душевных вибраций, не эгоцентричную музыку субъективных переживаний, а реальность, преображенную вспышками апокалипсического зарева. Светоцветовое преображение материи обусловлено надприродной Божественной волей, а не капризом колористического вкуса. Мир вещественный уже зачастую утратил различимость узнаваемых форм, ибо затронут огнем той чаемой христианством "переплавки", которая, сохраняя духовную сущность прекрасного, очистит здешний космос от механического детерминизма, от статики обликов и обличий. Интригующе загадочна обратимость изобразительной проблематики Харитонова, радикальная смена предназначения тех или иных элементов языка живописи. И здесь, пожалуй, наиболее абстрактно-"умозрительным" (в высоком смысле слова) фактором оказываются, как ни парадоксально, фигуративные, изобразительные мотивы. Отслоившись от некогда несомой ими плоти, цветно-контурные или монохромно линеарные абрисы очерчивают эти "эфирные тела" душ и их же порою почти иконно-одухотворенные и столь же "бестелесно"-имматериальные лики.
Сформированные каскадом твердых очертаний, они опрозрачнены просветом Неба, насквозь метафизичны. Пусть в них - в их линеарной "лепке" - дают о себе знать навыки классического рисования, а в их графических обводах резонируют и величавые ассисты икон, и извивы барокко; пусть в их истонченной пластике узнаются тяжеловесные конвульсии микеланджеловских мятущихся титанов, - все равно их плоть воочию избавлена, очищена от проклятия гравитации, от инерции земных законов, от вязкой протяженности здешних времен и пространств. Их "титаничность" примирена с Богом и пластически выражает служение Горнему миру.
Клубясь, словно облака фимиама, эти очертания Бессмертных возносятся вослед молитвенному Логосу в незримое Небо, в неизобразимую тайну Высшего Света. Для славянской души Космос духовен, будучи антропоморфен; это "Небо, имеющее форму человека", высшая телесность, жертвенно перевоплощенная в состав природного Космоса, наконец - это подобие земного человека тому Прообразу, что стоит в основе всех возможных миров. Человек - духовное существо, вместе с духами стихий, планет, светил, оно пленено вязкой протяженностью Пространства-Времени, замуровано в плотном мире обреченной Вселенной. Все это ждет своего освобождения в последней битве Духа с материей, где успех может быть дарован лишь вмешательством Божественной силы и, конечно, пробуждением покуда спящего рода избранных, способных Быть - "после потопа", способных к Бытию и Деянию даже за гранью жизни и смерти.
Рассматривая "истоки метода" укрупненно, не мешает внимательнее отнестись к акцентируемым сквозным темам, которые являются у мастера каналами не только личного стилеобразования, но и смыслообразования, когда "формальные приемы" оказываются проводниками интуиций мистического, а нередко и метафизического свойства, то есть - проявлениями "Духовного в искусстве".
Итак, "осколки святых чудес" (Ф. Достоевский), начав давать свой смещенный, преломленный отсвет, порождают новый свет, на сей раз обретаемый на Востоке - нашем, русском Востоке.
Сергей Кусков

Валерий Харитонов родился в Москве в 1939 году.
В 1957-ом году он закончил Московскую среднюю художественную школу (МСХШ) ипоступил во Всесоюзный государственный институт кинематографии (ВГИК).
1957-1962 - Учеба во ВГИКе, где, будучи студентом художественного факультета, оформляет свои первые театральные постановки на сценах учебных театров ВГИКа и ГИТИСа (Государственный институт театрального искусства): "Игрок" Ж. Реньяра и "Трехгрошовая опера" Б. Брехта.
1962-1964 - Работа на киностудии «Мосфильм» в качестве художника-постановщика.
1965 - Начало работы по контракту в Малом театре - первой драматической сцене России, где как сценограф оформляет пьесы русской и зарубежной классики.
Основные работы в театре:
1967 - "Тихий Дон" М. Шолохова. Проект для Малого театра.
1969 "Разбойники" Ф. Шиллера. Малый театр.
1970 "Человек и глобус" В. Лаврентьева. Малый театр.
1971 "Каменный хозяин" Л. Украинки. Малый театр.
1978 "Царь Федор Иоаннович" А.К. Толстого. Проект для Малого театра.
1982 "Яков Пасынков" И. Тургенева. Малый театр.
1983 "Обыкновенная история" И. Гончарова. Паневежский драматический театр.
1985 Три сестры" А. Чехова. Паневежский драматический театр.
1967 Вступает в Союз художников СССР.
1967г.- 1984г Постоянный участник выставок театральных художников России.
Эскизы декораций, костюмов и макеты театральных постановок находятся в Государственном центральном театральном музее им. А. А. Бахрушина (Москва), в музеях Малого театра (Москва), драмтеатра г. Паневежиса (Литва), Театра им. Ленинского Комсомола (Москва).
Середина 70-х годов - создание живописного цикла по мотивам "Божественной Комедии" Данте ("Ад", "Чистилище" и "Рай"). С этого времени художник практически оставляет сотрудничество с театром и работает преимущественно в живописи. Он выставляет работы на выставках:
1990 - Сан Карло (Милан).
1991 - Лютеция, Конкорд Лафайет (Париж).
1997 - Кардасидис АРТ (Афины).
1998 - «Залман» (Нью-Йорк, США).
2000 - «ИнтерАрт» (Хантингтон, штат Нью-Йорк, США).
2002 - Арт-Манеж галерея «Кино» (Москва, Россия).
2002 - Галерея «Южный крест» (Москва).
2003 - Арт-Манеж (Москва-Россия).
2003 - Галерея «Южный крест» (Москва).
2003 - ЦДХ «Художники ДИ» (Москва-Россия).
1992 - участник аукциона Друо (Париж) и Данинг (Чикаго).
1992, июнь - передача по Центральному телевидению, посвященная дантовскому циклу художника.
1993, сентябрь - фильм на государственном телеканале РТР о творчестве художника


© www.shazina.com '2003 – 2008

[more Далее: нажмите здесь]



Троянская война


Летопись


Изгнание


Песня Рая


Вечный город


Голос на высотах


Древнее прошло, теперь все новое


И они узнали, что они нагие


Дал нам слово примирения


Невидимое вечно


Один день как тысяча лет


На полотняных скрижалях сердца


Не я ли, Господи?


Победоносец



Против неба и перед тобой


Проповедь


Праздник



Род избранный


Рукотворная


Языки как бы огненные

Сим победиши. 1998


Троицин день






Я с вами до скончания века Левая часть триптиха


Я с вами до скончания века Центральная часть триптиха


Я с вами до скончания века правая часть триптиха

Приколы ВЛАДИМИРА КУШа

Владимир Куш оказался совершенно неожиданным открытием для меня. И хотя сюрреализм после Дали уже не новость, работы этого художника весьмя любопытны и разнообразны и по стилю и по тематине.
Нашла такую информацию о нем:
В 14 лет Владимир Куш нарисовал одну из первых своих картин: шторм обрушивается на остров в океане, пальмы трепещут на ветру – и заявил родным, что изобразил Гавайи, которые позже он назовёт своей «землёй обетованной». Когда десять лет спустя Кушу представилась редкая возможность заняться живописью в США, он воплотил давнюю мечту в жизнь и переехал на Мауи, один из гавайских островов. Потом Куш решил, что пришло время опубликовать книгу-альбом своих работ. Тридцатисемилетний художник, бывший арбатский портретист, оставляет свою студию и галерею, что расположены лишь в нескольких кварталах от прозрачных вод Тихого океана и пляжа с пальмами на Мауи, и отправляется в холодную серую Москву. Причина была проста. Художник понимал, что новый проект потребует концентрации творческих усилий, потока фантазии, воображения – и Гавайи бы тут не помогли, несмотря на всю свою красоту. Кушу нужно было вновь очутиться на родной земле. «Воображение просто не работает там, где солнце светит так ярко, – отметил он, заканчивая работу над одним из своих очередных полотен. – Мне была необходима мрачная зимняя Москва – и это какое-то подсознательное ощущение». В конце 1996 года Куш отправляется в Москву за неким, по его же определению, «зарядом энергии». Он был изнурён и подавлен – шесть лет он провёл в Америке, пытаясь продать свои работы, и никакого результата. Куш вспоминает, что это было тяжёлое для него время, сравнимое только со службой в российской армии. То недолгое пребывание зимой в Москве действительно сыграло большую роль. Для Куша это был период реального творчества, в течение которого он написал полотна, сделавшие его имя узнаваемым в галереях Соединённых Штатов. Зимой 1996 года Куш жил и работал в небольшой квартирке на северо-востоке Москвы. Художник отмечает, что именно мрачные условия вокруг заставляли его воображение работать. Это было бы невозможно, если бы он только что не вернулся с «божественных» Гавайев. Живя «в заточении» в той тесной комнатушке, Куш нашёл для своих работ новые идеи и с головой погрузился в работу. По его словам, картины, которые он создал тогда, были как никогда «красочны и полны жизни». Весной, возвратившись на Мауи, Куш представил свои работы на суд владельцев крупнейших художественных галерей на Front Street, и они сразу были встречены с необычайным восторгом. Front Street – улица, так полюбившаяся многим туристам, –славится наибольшей в США концентрацией выставочных залов, где арендная плата сравнима с нью-йоркскими расценками. Около сорока галерей делают огромные деньги на более чем двух миллионах достаточно богатых туристов, приезжающих ежегодно на Мауи. Узнав, что Celebrities Gallery на Front Street заработала более миллиона долларов на продаже его работ, Куш решил открыть свою собственную галерею. Полотна Куша обычно относят к сюрреалистическому направлению искусства, но сам художник не согласен с таким определением. Для его работ характерны ясные, яркие, чётко очерченные предметы, присущие больше реалистичному классическому жанру. Хотя нереальные ситуации и необычные комбинации Куша всё-таки от сюрреализма. Так, на одной из картин – ветряные мельницы с крыльями бабочек, на другой – шахматная доска, плавно трансформирующаяся в причудливые замки на краю пропасти, а короли и королевы в центре неё лишь наполовину напоминают людей. На первом плане – знакомые многим метафоричные герои, люди же, зачастую безликие существа, играют второстепенную роль. Куш определяет свой стиль как «метафоричный реализм», используя метафоры для воплощения необъяснимых идей и понятий, таких, как творчество или любовь. По словам Куша, от сюрреалистов его отличают не только идеологические рамки, но и изображение реальных неискаженных предметов, отсутствие в его работах тёмных тонов, что чрезвычайно важно для американской аудитории. «Работая над созданием этих картин, я впервые открыл для себя язык, который понятен многим людям. Я не лицемерил. Я рисовал не просто милые, сентиментальные картинки, а пытался выразить нечто воспринимаемое и понятное многим, нечто, что оставляло бы тёплый след в душе». Куш объясняет свою прежнюю непопулярность в США, которая застала его тогда просто врасплох, необычайной мрачностью своих работ. Эту особенность он унаследовал от своего художественного прошлого в России. По словам Куша, картины русских художников просто непонятны американцам – в них слишком много чуждого им философского и политического смысла. Прежде всего Куш осознал, что независимо от используемой цветовой гаммы, русские картины производят негативное впечатление на посетителей и тем самым отпугивают. Поэтому в начале 90-х Куш постепенно стал освобождаться от мрачных тонов в своём творчестве и стал овладевать новым художественным языком – метафоричным реализмом. Экспериментировать с сюрреализмом Куш начал ещё в возрасте 14 лет, и его поиски в значительной степени направлялись его отцом Иваном Кушем, математиком по профессии. С детства Иван Куш внушил сыну, что тот должен ценить неотъемлемую связь между математикой и искусством и придавать особое значение в работе ясно очерченным предметам. Именно пренебрежительное отношение к форме оттолкнуло Куша от других популярных направлений искусства, например, от импрессионизма. Владельцы галерей действительно ценят талант Куша, тем не менее, судьба сыграла свою роль в его успешной карьере. В 1987 году, будучи художником на Старом Арбате, Куш нарисовал портрет пары иностранцев, прогуливавшихся по улице. Мужчина оказался доктором Вольфом, медицинским атташе американского посольства. Он был восхищён работой Куша и пригласил его рисовать портреты в американское посольство. В свою очередь это привело к целому ряду последствий: в 1989 году доктор Вольф пригласил художника посетить США, в 1990 году это знакомство помогло Кушу при получении визы для возвращения обратно в Штаты."
Автор статьи :Тодд Принц.
О художнике и его работам судите сами: [more Нажмите злесь]















 

Солнечный ЮРИЙ МАЦИК
 

Юрий Мацик - молодой и талантливый художник с явно выраженным собственным почерком. В своем искусстве он утверждает красоту, гармонию, светлые стороны жизни, оставаясь при этом романтиком и мечтателем. Характерная форма художественного выражения для художника - воплощение мечты, мысли и чувств в ярких образах. Художник использует прием создания композиции, основанный на построении художественного образа из ассоциативно связанных между собой фрагментов действительности. Родился в 1956г. в г.Ужгород, Закарпатской области. В 1975г. закончил Ужгородское училище декоративно-прикладного искусства, отделение художественной обработки металла. С 1980г. живет в г. Солнечногорске, московской области 1993 г. - групповая выставка в Австрии и Германинии 1994г. Осенняя выставка живописи, ул.Малая Грузинская, 32 1995г- выставки в краеведческом музее г.Солнечногорска 1998г.- выставка в Лиссабоне(Португалия) 1999г.- выставка г.Зеленоград, ВЗ "Флейта" 2000г.- выставка в ЦДХ, ВЗ "Тушино", "Имена в искусстве", "Солнечногорская осень" г.Солнечногорск. Работы находятся в частных собраниях России, США, Германии, Франции, Югославии, Патругалии, Польши, Кипра и др.
Посмотрите сами и убедитесь, как поднимают настроение работы Мацека.

Нажмите здесь

Для меня она начиналась с вида из окна на сосновую рощу, с речки, с болотца у реки, большого болота за соснами и старого леса за ними.
Я вспомнила о своих детских путешествиях. Зачем я уходила то в лес, то на удивительное по своей непривычности, таинственности болото? Этого я не могу сказать, но до сих пор помню, как пахла земляника, растущая вдоль железнодорожных путей , проходящих под окнами нашего дома. Помню запах фиалок, которых так много было за этими путями (у нас все называли это место «за линией»). Помню, как красивыми были сосны, растущие «за линией». А за соснами начиналось болото с красивыми цветами и высокой, все время шелестящей, травой. Болото было не топкое, оно состояло из высоких гряд и живописных ручьев между ними. Был и деревянный мост, позволяющий переходить с гряды на гряду. А вот за болотом был настоящий лес. Я не могу точно сказать, почему я определяла, что это «настоящий» лес – ведь сосны перед домом тоже были частью леса, под ними тоже росли грибы, но ощущения леса не было. Да и то, о чем я сейчас говорю, по большому счету тоже не лес, а часть Лосиного острова, небольшого Московского лесопарка, но это я сейчас знаю, а тогда для меня, маленькой 5-6-летней девочки, это был настоящий, дремучий и таинственный лес. С опушки этого леса через болото и сосновую рощу можно было увидеть наш дом, но это был уже вроде и не наш дом, а нечто фантастическое и далекое, отстраненное от той минуты, от той моей жизни, которую я проживала, стоя так далеко от дома на краю темного и грозного леса, наполненного незнакомыми и непривычными звуками. Это были счастливые минуты полной свободы и самостоятельности.
Вполне возможно, что мои более осознанные путешествия по родной стране были продиктованы не только любопытством, жаждой познания и "охотой к перемене мест", но и этим сладким ощущением свободы и возможностью самой решать, куда идешь и что будешь делать. Для меня эта потребность в свободе и самостоятельности так и остались самыми важными в жизни. "Мы родом из детства". Чем дольше живешь, тем больше убеждаешься в этом.

Начнем с конца: с помощью интернета стала замечать работы совсем неизвестных мне ранее, но весьма интересных художников. Самое последнее открытие: Юрий Мацек. Это благодаря ему я решила обратить свое драгоценное внимание на явления изобразительного искусства 20 века и по сегодняшний день. Душа радуется, когда видишь, что и сегодня создают НАСТОЯЩЕЕ, хотя бросаться эпитетами"гениальный" или "великий" не стану. Время расставит всех, а, может быть, скорректирует и уже "узаконенные" списки. При оценке буду опираться лишь на свое мнение, а при необходимости ссылаться на чужое, но адресно.

 

Путешествуя, мы так или иначе, всегда передвигаемся не только в пространстве, но и во времени. Даже вновь отстроенный город имел в прошлом свою историю. Ну а если это путешествие в искусство, то тем более.