XVII век. От маньеризма к царству барокко.
_________________________________________________

Хорхе Мануэль Теотокопулос
Jorge Manuel Theotocópuli

1578 - 1631



El Greco Portrait of the Artist's Son Jorge Manuel Theotokopoulos 1603 г.

Испанский художник и архитектор, внебрачный сын Эль Греко.
В 1578 г. у художника родился сын Хорхе Мануэль, получивший имя отца, хотя его брак с Иеронимой де Куэвас не был освящен церковью.
Хорхе Мануэль учился живописи в мастерской отца, пытаясь старательно копировать его манеру. Известно, что в 1603 году он участвовал в работе над заказом отца – алтарем Иллескас (de Illescas).
Эль Греко кроме представленного выше портрета рисовал сына на картине «Похороны графа Оргаса».
Двое людей в картине смотрят прямо на зрителя. Мужчина, лицо которого видно над святым Стефаном (искусствоведы предполагают, что это может быть автопортрет художника), и мальчик, жестом как бы заостряющий внимание зрителя на совершающемся мистическом чуде, - это сын Хорхе Мануэль.



El Greco The Burial of the Count of Orgaz (detail) 1586-88 гг.






El Greco The Burial of the Count of Orgaz 1586-88 гг.

Вскоре после 1603 года Хорхе стал работать самостоятельно, одна из самостоятельных работ – алтарь Titulcia. Искусствоведы отмечают, что хотя в этой работе чувствуются манеры письма Эль Греко, уже можно различить и личный стиль Теотокопулоса, который был значительно ниже стиля его великого отца.
После смерти Эль Греко сыну по завещанию достались остатки былой роскоши - скудный гардероб и мебель, коллекция гравюр и библиотека - единственное, что не растратил, предпочитая впроголодь доживать вместе с книгами и картинами в единственной остававшейся жилой комнате из анфилады пришедшего в полное запущение дворца Эль Греко.
Опять же, после смерти отца в 1614 году Хорхе Мануэль сосредоточил свои интересы на архитектуре. Он работал вместе с мастерами эррерской школы градостроительства Николасом де Вергара эль Моццо (Nicolás de Vergara el Mozo) и Хуаном Баутиста Монегро (Juan Bautista Monegro).
Между 1612 и 1618 годами Хорхе Мануэль строил здания, в частности в Толедо. Ратуша (Ayuntamiento) в стиле Ренессанс с двумя угловыми башнями, украшенными барочными шпилями, построена именно Хосе Мануэлем Теотокопулосом.
Позднее, в 1625 году Теотокопулос получил звание Великого мастера скульптор и был назначен архитектором собора в Толедо, где он работал над строительством часовни Очаво и куполами часовни Энрике Эгаса.
Хорхе Мануэль был дважды женат, но свои дни закончил в больнице де Тавера, которой и отошло все небогатое имущество художника.
_____________________________________________________________

Хусепе де Рибера
José de Ribera
по прозвищу Spagnoletto — маленький испанец

12 января или 17 февраля 1591, Хатива, близ Валенсии —2 сентября 1652, Неаполь



José de Ribera Autorettrato

Испанский живописец, рисовальщик и гравер, известный представитель барокко в живописи.
Хусепе был сыном испанского офицера. Художественное образование Рибера получил в Валенсии (на востоке Испании) в мастерской Франсиско Рибальты (1565—1628), у которого учился с 13 лет.
В 1613 году Хусепе уехал в Италию. Изучал картины старых мастеров в Риме, Падуе и Парме.
Однако, в конечном итоге, обосновался в Неаполе – столице государства, подчинённого испанскому королю, где стал придворным художником герцога Осуна.
С 1616 года и до самой смерти Рибера прожил в Неаполе, работая по заказам местного духовенства и мадридского двора. Совершенствовал своё художественное мастерство в Италии под влиянием Караваджо, Риберу даже считают последователем великого итальянца.
После смены власти в 1620 году художник как живописец оставался невостребованным, но много работал в области офорта. Благодаря применению изобразительных приемов караваджизма, графика Риберы стала совершенно новым явлением в истории гравировального искусства.
Во второй половине 1620-х годов к Рибере пришла известность.



Pintor español Retrato de José de Ribera

В 1626 г. он был избран членом Римской академии Святого Луки.
В 1629 г. новый вице-король герцог де Алькала вернул Рибере привилегированное положение придворного живописца. А после посещения мастерской Риберы великим Веласкесом его заказчиком становится Филипп IV.
Для творчества Риберы 1620—30 годов характерны драматические сцены мученичества, в которых подчеркивается победа воли над физическим страданием. В своем изображении осязаемой действительности, заставляющем зрителя видеть конкретно каждую деталь, Рибера превзошел всех других художников эпохи барокко.
Получив признание при неаполитанском дворе, Рибера в то же время стал героем жутких легенд и сплетен. Причиной тому послужили его странные творческие пристрастия: многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. Этот опыт отразился уже в его ранних графических работах.



Retrato de José de Ribera

С середины 1630-х годов, продолжая создавать драматически напряженные полотна, художник стал обращаться и к другим образам, главным для него становится душевное состояние человека. Тематика его произведений разнообразна: античная история, события Ветхого и Нового Заветов, сцены из жизни святых.
Используя замысел одной из гравюр Дюрера, Рибера создает выразительную и глубоко человечную композицию «Святая Троица». Для монастыря Сан-Мартино художник создает цикл монументальных полотен — «12 пророков», в которых он дает не сверхчеловеческие идеальные образы, а изображает конкретных, выразительных своей одухотворенностью живых людей.
Высшим достижением творческого гения Риберы стала картина «Св. Инесса», на которой изображена юная девушка-христианка, которую выставили обнаженной перед толпой, за то что она не желала поклоняться языческим богам. Но произошло чудо: волосы Инессы внезапно отросли до пят, прикрыв наготу, а спустившийся с небес ангел накинул на ее тело покрывало.



Ignazio Enrico Hugford José de Ribera 1774 г.

Конец своей жизни Рибера провел в своем доме в предместье Неаполя всеми забытый, больной и нуждающийся.
2 сентября 1652 г. художник умер.
Большинство произведений Риберы хранятся в музее Прадо и в неаполитанских церквях (в частности, в соборе святого Януария).

Источники – Википедия и сайт artclassic.edu.ru
_________________________________________________________

Франсиско де Сурбаран
Francisco de Zurbaran

крещён 7 ноября 1598, Фуэнте-де-Кантос, провинция Эстремадура - 27 августа 1664, Мадрид



Франсиско Гойя Портрет Франсиско де Сурбарана Музей Лувр.

Испанский живописец, представитель севильской школы живописи.
Родился в 1598 г. в небольшом андалусском селении в семье крестьянина.
В 15-тилетнем возрасте Франсиско начинает обучение в мастерской малоизвестного севильского художника Педро Вильянуэва, который занимался тем, что раскрашивал деревянные скульптуры для монастырей. Возможно, что Сурбаран посещал также мастерскую Франсиско Пачеко.
Учился в Севилье в школе Xуана де Роэласа и окончательно там обосновался в 1628 году.
В 1617—1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры — Льеренне, затем вернулся в Севилью и до 1633 г. непрерывно жил там.
В 19-тилетнем возрасте Сурбаран женился на дочери коновала Марии Паэс.
Через 6 или 7 лет Мария умерла, оставив мужу двух дочерей и сына. В 1625 г. Сурбаран взял в жены овдовевшую дочь богатого патриция Беатриче де Моралес. В это же время Сурбаран получает свои первые заказы из Севильи.
В 1622 г. он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей.
В 1626 г. Сурбаран подписывает свой первый крупный контракт с доминиканским монастырем Сан-Пабло Эль Реаль в Севилье, для которого он написал цикл из 21 композиции (1626—1627 гг.), в том числе знаменитую картину «Христос на кресте».
В 1628—29 годах мастер получает два заказа, очень значительных для молодого живописца. По одному из них Сурбаран сделал двадцать две картины из жизни основателя ордена мерседариев Педро Ноласко, освобождавшего христиан из мавританского плена («Явление апостола Петра св. Педро Ноласко»).
Другой заказ, выполненный совместно с Эррерой Старшим, заключался в написании серии картин из жизни св. Бонавентуры («Молитва св. Бонавентуры», 1629, Картинная галерея, Дрезден).
Полотно «Видение св. Родригеса», написанное по окончании обоих циклов, подводит итоги раннему творчеству художника и знаменует собой начало творческой зрелости.
К началу 1630-х гг. Сурбаран сложился как неповторимый живописец религиозных сцен.
Стиль и характер творчества Сурбарана определились уже в его ранней юности. Заказчиками его были, главным образом, богатые монастыри. К их жизни и обращался Сурбаран в своих произведениях, написанных на религиозные сюжеты, а моделями ему служили сами монахи. В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни.
Ранние произведения Сурбарана проникнуты сильным влиянием Караваджо.
Наряду с картинами на традиционные религиозные сюжеты («Апостол Андрей», «Спаситель», «Поклонение пастухов») Сурбаран живописует сцены из жизни монастырей, заимствует сюжеты для своих картин из монастырских легенд, изображает прославленных и канонизированных монахов. В 1628—1630 гг. Сурбаран пишет цикл картин о жизни св. Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.
В конце 1620-х гг. к Сурбарану приходит громкая слава. Он становится главным художником города Севильи и персональным живописцем монастырей.
В 1631 г. Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.
Сурбаран работал также и в светских жанрах. Светских портретов у художника всего несколько. Наиболее известен из них «Портрет доктора прав» (собрание Гарднер, Бостон). По манере эти портреты напоминают стиль Веласкеса, с которым художник был очень дружен.
В 1634 г. художник совершил путешествие в Мадрид. В Мадриде при работе над украшением недавно построенного дворца Буэн Ретиро мастер отошёл от религиозной тематики.
В 1634 г. художник пишет серию картин «Подвиги Геракла» (Прадо, Мадрид), а также историко-монументальное полотно «Оборона Кадиса». В этих работах заметно влияние живописи Хусепе Риберы. За эту серию Сурбаран получил звание придворного художника.
Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе — наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».
Лучшие произведения Сурбарана были выполнены в 1630-1640-е годы: это три цикла работ, созданные для церкви в Хересе, монастыря Гуадалупе и собора в Севилье.
Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника. Нужно отметить, что излюбленным светским жанром художника был натюрморт. Однако, получая заказы, главным образом, от монастырей, Сурбаран писал преимущественно на религиозные темы.



Francisco de Zurbarn Autoportrait. Detail picture "Saint Luke as a Painter before Christ on the Cross" 1660 г.



Francisco de Zurbarán Saint Luke as a Painter before Christ on the Cross 1660 г.

Следующий период жизни и творчества Сурбарана оказался менее удачным.
В 1639 г. умирает вторая жена художника. В 1644 г. Сурбаран женится в третий раз — на дочери золотых дел мастера Л. де Тордера. В последующие десять лет в семье родилось шестеро детей. Чтобы обеспечить семью, Сурбаран берет огромные заказы от монастырей самых разных городов Южной Америки. Значительную роль в исполнении этих заказов сыграла мастерская художника.
В 1630-е—1640-е гг. Сурбаран нередко обращается к изображению женщин-святых («Св. Маргарита»). В поздний период творчества живопись Сурбарана становится более интимной и задушевной, он обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве.
В 1658 г. из-за финансовых затруднений Сурбаран переезжает в Мадрид, рассчитывая заручиться там поддержкой Веласкеса и получить заказы среди аристократов. Но надежды художника не оправдались, его популярность шла на спад, несмотря на поддержку друга. В последние несколько лет, забытый всеми, Сурбаран влачит нищенское существование.
Умер Сурбаран в Мадриде 27 августа 1664 г.
Главный вклад Сурбарана в искусство барокко — необыкновенный сплав мистического и реального, будь то религиозная живопись, портрет или натюрморт.



Monument of Francisco Zurbarán in Badajoz, Spain

В основе многих его работ лежат искусно переработанные сюжеты фламандских гравюр.
Большинство произведений Сурбарана находятся в Мадриде, Севилье, Кадисе и Гуадалупе. Живопись Сурбарана оказала заметное влияние на латиноамериканское искусство.
_______________________________________________________________

Алонсо Кано де Альманса
Alonso Cano de Almansa
по прозвищу Эль Гранадино

19 марта 1601, Гранада – 3 октября 1667, Гранада



Alonso Cano Self-Portrait

Испанский живописец, скульптор и архитектор, представитель барокко.
Он был художником редкой многосторонности в 17-ом столетии в Испании, хотя его архитектурная работа не была обширна. Кано работал в Севилье, Мадриде и Гранаде
Сын скульптора и архитектора Мигеля Кано Пачеко, его мать Мария Альманса Пачеко преподавала рисунок.
В 1614 году переехал в Севилью, где учился у Хуана Мартинеса Монтаньеса и Франсиско Пачеко скульптуре, а с 1616 года у Хуана дель Кастильо живописи.
Работал до 1637 года в Севилье. Первое известное полотно — портрет Сан-Франсиско де Борха — относится к 1624 году. В 1629 году создал свою самую большую работу — алтарный образ церкви Санта Мария де Лебриха в Севилье.
Вынужденный оставить Севилью в 1637 из-за поединка с живописцем Себастьяном де Льяно и Вальдесом, художник бежал в Мадрид.
В Мадриде он подружился с Веласкесом и по его рекомендации в 1639 году был назначен придворным художником. Художник был близок к графу-герцогу де Оливаресу.
В 1644 из-за подозрения в убийстве жены Кано был заключён в тюрьму, подвергнут пытке и судим, но сумел доказать свою невиновность. Тем не менее, ему пришлось бежать из Мадрида в Валенсию, где у художника были даже намерения уйти в монастырь. Но в 1649 году Кано решил вернуться в столицу.
В 1652 Кано вновь покинул Мадрид и вернулся в родной город – Гранаду, но был оттуда выслан за недостойное поведение в 1656 году. Обратившись к королю Филиппу IV, Кано в 1658 году вновь вернулся в Гранаду и сделался каноником (экономом) кафедрального собора в Гранаде, что позволило ему безбедно доживать свои последние годы, занимаясь искусством.
Кано украсил главную часовню собора и в 1667 году был назначен главным архитектором строящегося собора в Гранаде, но 5 октября этого же года умер. Созданный Кано проект западного фасада собора в Гранаде осуществлен в 1703 архитектором Х. Гранадосом. Этот фасад считают одной из оригинальных работ испанской архитектуры.
Похоронен Кано в крипте кафедрального собора Гранады.
При жизни Кано называли испанским Микеланджело, но позднейшие историки искусства ценили его не столь высоко.
Произведениям Кано присуща благородная классическая простота, его скульптурные произведения полны силы, энергии и вместе с тем нежности и красоты. В его живописи строгий рисунок и прекрасный колорит соединены с глубоким чувством.



Artista desconocido (Неизвестный автор) Retrato de Alonso Cano. 1791 г.

Идущая от традиций деревянной раскрашенной скульптуры полихромная пластика Кано (ретабло церкви Санта-Мария в Лебрихе, провинция Севилья, 1628-38; статуи и бюсты святых для собора в Гранаде, 1658-60) монументальна по характеру, но отличается тонкой одухотворённостью и жизненно-конкретной экспрессией.
Менее самобытна живопись Кано, отмеченная чертами идеализации, внешней красивости и влиянием итальянского искусства. Живопись Кано представляет собой синтез маньеризма и барокко.
Большинство его произведений находится в музее Прадо. Картины его также рассеяны по церквам Севильи, Мадрида, Гренады, Малаги, в музеях Пешта, Дрездена, Мюнхена и Берлина. В Эрмитаже находятся: «Богоматерь с Младенцем Спасителем», «Младенец Спаситель и младенец Иоанн Креститель», «Явление Богоматери доминиканскому монаху».
Среди учеников Кано - живописцы Педро Атанасио Боканегра, Хуан де Севилья (1643-95), Хосе Рисуено, скульпторы Педро де Мена и Хосе де Мора, который начинал в роли модели для работ Кано и затем производил многохромовые скульптуры в стиле, типичном для Гранады.
Скульптуры работы Кано в Севилье не сохранились, но многие из его деревянных статуй сохранились в Гранаде.
_______________________________________________________

Хуан де Пареха (де Парейо)
Juan de Pareja

1606 или 1610, Антекера, Севилья – 1670, Мадрид



Diego Velázquez Portrait of Juan de Pareja 1650 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Испанский художник, слуга и ученик Диего Веласкеса.
Хуан де Пареха родился в Севилье и был потомком мавров. Несмотря на то, что в своем родном городе он, как художник, пользовался прочной репутацией, в 1630 году Пареха переселился в Мадрид для дальнейшего обучения. В Мадриде Пареха начинает работать у Веласкеса, помогая ему смешивать цвета и готовить холсты.
В своих «Жизнеописаниях испанских живописцев» Антонио Паломино характеризовал Пареху как «полукровку неизвестного происхождения, который был рабом Веласкеса и сам пытался писать».
Некоторые современные исследователи оспаривают «рабское» положение Парехи», ссылаясь на документ, датированный 1630 годом, в котором Пареха зарегистрирован как живописец из Севильи. Документ представляет собой прошение, в котором Пареха просил мэра города Мадрида разрешить ему присоединиться к своему брату, чтобы продолжить заниматься искусством. Запись эта сделана еще до того, как Пареха начал работать у Веласкеса, а членом ремесленного объединения мог стать только свободный человек.
Впрочем, противники теории «свободного человека» утверждают, что в прошении речь идет о полном тезке Парехи, поскольку в другом документе, опубликованном в 1683 году, Пареха упоминается как раб Веласкеса.
Впрочем, непонятно, почему фигурирует 1683 год?? Поскольку, согласно теории сторонников «мавра-раба» и ряду свидетельств, Веласкес официально отпустил своего мулата на свободу в 1650 году, во время их пребывания в Риме. Но Пареха остался с мастером и позже действительно стал искусным живописцем, чьи работы сегодня находятся в мадридском музее Прадо.
А теперь о римском моменте славы для Веласкеса и самого Парехи.
В начале 1649 года Диего Веласкес отправился во второй раз в Италию, с целью привлечь именитых мастеров фресковой живописи для украшений росписями помещений.
Признание художника в Италии утвердили его портреты, написанные в Риме, и в 1650 году он был избран в члены Академии святого Луки. Поводом для такой почести послужил необыкновенно правдивый, жизнерадостный портрет его помощника Хуана Парехи, который сопровождал мастера в поездке. Картина была выставлена для широкого показа в Пантеоне и вызвала всеобщее восхищение своей неприкрашенной правдивостью.
Один из живописцев - современников Веласкеса, рассказывает, «что художники разных наций сошлись во мнении, что рядом с ним все прочие картины кажутся живописью, и лишь он один самой истиной».
На подгрудном портрете Пареха изображен вполоборота. Гордо вскинув голову, с чувством собственного достоинства смотрит он на зрителя. Темные глаза, взгляд которых свидетельствует о характере страстном и легковозбудимом, слегка приоткрытый чувственный рот придают его облику тревожно – угождающую достоверность, которую напрасно было бы искать в портретах королевской семьи Веласкеса.
Портрет Парехи был написан в 1649—1650 годах, в те редкие часы, когда, освободившись от официальных поручений короля, живописец принадлежал своему искусству.

Источники – Википедия и сайт velaskes.ru .
______________________________________________________

Хуан Карреньо де Миранда
Juan Carreño de Miranda

25 марта 1614, Авилес - 3 октября 1685, Мадрид



Portrait of Juan Carreño de Miranda

Испанский художник эпохи барокко.
Хуан родился в Астурии, был сыном художника, которого звали точно также - Хуан Карреньо де Миранда. Его семья переехала в Мадрид в 1623 году, в конце 1620-х годов юноша обучился искусству в Мадриде у Педро де Лас Куэваса (Pedro de Las Cuevas) и Бартоломео Романо (Bartolomé Romano).
Как одну из его первых самостоятельных работ историки называют две картины для оратории дель Кабальеро де Грасиа в Мадриде.
Карреньо принимал участие в оформлении крытой галереи монастыря Доньи Анны Арагонской и церкви Эль-Росарио. После этих работ, выполненных в двадцать лет, он приобрел известность.
В 1657 году он был избран алькальдом Ихосдальгос города Авилес, а 1658 году – Эстадо Нобле города Мадрида выбрала его «Благочестивым».
В 1658 году художник был нанят в качестве помощника для исполнения королевского заказа – фресок во дворце Алькасар, в настоящее время это Королевский дворец в Мадриде.
Именно тогда его увидел Веласкес, и чтобы Карреньо мог утвердиться в своем призвании, маэстро поручил ему написать две мифологические картины – фрески «Вулкан» и «Пандора» в Салоне зеркал. К сожалению, закончить работы Хуан не смог, поскольку заболел, и они были завершены художником Франческо Ризи.
В сотрудничестве с Ризи Карреньо украсил позже фресками большую овальную ротонду церкви Сан Антонио де лос Португалес, купол Очаво и заалтарную капеллу де Нуэстра Сеньора дель Росарио в толедском соборе.
В 1666 году художник пишет большую картину «Основание ордена тринитариев». Её композиция очень гармонична, среди лиц в толпе можно найти и автопортрет художника.
Вместе с Ризи Карреньо расписал также заалтарную капеллу де Вирген де Аточа. На потолке этой церкви он написал «Сон папы Гонория». Мигель Колона сказал после этого Филиппу IV, что эту сцену написал лучший живописец его двора.
В 1669 году Карлос II присвоил Карреньо титул королевского художника.
В 1671 году, после смерти Себастьяна де Эрреры, Хуан был назначен придворным живописцем королевы-матери Марианны Австрийской и активно обратился к портретному жанру. Отмечу, что с Эррерой у Карреньо были непростые отношения еще с того момента, когда король поручил возведение серебряной статуи Святого Лаврентия в Эскориале именно молодому художнику, а не своему придворному живописцу.
Его связь с королевской семьёй была тесной. Дворянин по происхождению, он хорошо понимал внутреннюю структуру и психологию королевского двора. Его портреты испанской королевской семьи носят беспрецедентной документальный характер. В его придворных портретах сочетается суровая сдержанность Веласкеса с более элегантной и светской манерой ван Дейка. Лица при этом всегда выписаны с исключительной тщательностью.
Карреньо обращает большее внимание на творческое воображение, чем на эффектное слияние цветов. В своих лучших картинах он не отделывает до конца живописную поверхность объектов, давая полет для воображения зрителя.
Примечательно, что в 1681 году художник написал портрет русского посла Петра Ивановича Потемкина.
Карлос II приказал ему написать королевскую карлицу Эухению Мартинес Вальехо, которую все называли не иначе, как «Ла Монструа». Это великаншу чудовищной полноты Карреньо написал в красном платье, а затем с патологическим любопытством изобразил её и обнажённой в образе Вакха.
Когда он работал в качестве религиозного художника, его работы теряли эмоциональную глубину, приобретая великолепие и напыщенность барокко.
В работах Карреньо перспективное построение приобретает богатство ракурсов и сценографическую законченность. Возможно, в эту новизну ракурсов и боковых точек зрения внесла лепту его работа в качестве фрескового художника. Он – один из считанных испанских живописцев, которые создали крупные композиции для украшения сводов.
Интересный факт, художник отказался от рыцарского ордена Сантьяго. Правда, произошло это при забавных обстоятельствах. Как-то он писал портрет маленького Карлоса II, и тот спросил его, к какому ордену он принадлежит. Услышав ответ, что «я не имею другого украшения, кроме чести служить Вашему Величеству», король ответил ему «тогда почему ты не носишь его?».
«Сейчас я возложу его на него», быстро ответил адмирал, присутствующий на сеансе позирования и через несколько минут принес богато украшенный знак ордена Сантьяго, поскольку это был именно тот орден, который имел Его Превосходительство. Но Карреньо отказался от него, сказав, что для него уже честь - верно служить королю.
При этом, несчастного монарха, малодушного и анемичного, подчиняющегося влиянию всех тех, кто его окружал, художник изображал на портретах с достоинством, уменьшающим его уродливость, с волосами, волнами спускающимися на плечи, почти всегда одетым в чёрный костюм.
Кстати, по привилегии, дарованной дому Карреньо, он мог располагать одеждами, которые король надевал ежегодно в день Страстного Четверга –эту милость унаследовала жена художника, донья Мария Медина.
Отказ получить орден не понравился другим художникам, и Карреньо спорил с ними, говоря, что «живопись не нуждается в наградах и почестях, поскольку она сама может одарить ими весь мир».
Скромность и бесхитростность Карреньо, доброта его сердца были добродетелями, общеизвестными среди его современников.
Существует немало легенд о доброте художника. Однажды одному из своих коллег он написал целую картину, получив в качестве вознаграждения всего лишь кувшин мёда.
Он был всегда внимательным ко всем замечаниям, которые делали относительно его картин, вплоть до того, что записывал фрагменты, которые, по мнению зрителя, требовали цензуры.
Творчество художника очень хорошо охарактеризовал историк искусства Паломино, сказав, что его полотна – это «нечто среднее между Тицианом и Ван Дейком».



Estatua pintor Siglo de Oro Juan Carreño de Miranda en su ciudad natal, Avilés, Asturias, España
Статуя художника "золотого века" Хуана Карреньо де Миранда в его родном городе Авилес, Астурия, Испания

Умер Карреньо в возрасте 72 лет в 1685 году. Согласно Паломино, который присутствовал при его смерти, «его гнойник прорвался через рот. для тех, кто посещал дворцы с той же скромностью, что Карреньо, не удивятся тому, что против него составили заговор гнойники множества вещей, которые не смогли им управлять».
__________________________________________________________

Бартоломео Эстебан Мурильо
Bartolome Esteban Murillo

крещён 1 января 1618, Севилья –3 апреля 1682, Севилья



Bartolomé Esteban Murillo Self-portrait 1670-73 гг. National Gallery, London

Испанский живописец эпохи барокко, глава севильской художественной школы.
Бартоломе Эстебан Мурильо был последним в блестящей плеяде испанских живописцев реалистов XVII столетия. Его деятельность завершает золотой век испанской живописи, представленный именами Хусепе Риберы, Франсиско Сурбарана, Диего Веласкеса. Мурильо самый младший из них. Ему суждено было завершить дело, начатое его старшими современниками. Именно он первым из перечисленных мастеров заставил остальную Европу взглянуть на испанскую живопись золотого века как на эталон совершенства.
Мурильо родился в семье севильского цирюльника, был крещен в Севилье, где прожил всю жизнь. Мальчик рано остался сиротой и воспитывался в семье своей тетки, которая и отдала его в обучение к Хуану де Кастильо, испанскому художнику, писавшему в духе испанских романистов XVI века. Вначале Бартоломео работал в его сухой, жесткой манере, пока в город не приехал П. де Мойя, привезший туда стиль ван Дейка. Это наглядно показало юноше неудовлетворительность манеры его учителя.
Желание отделаться от неё и вообще усовершенствоваться привело его в Мадрид, куда Бартоломео приехал на пять лет в 1640 году.
Здесь молодой художник познакомился со своим земляком Веласкесом, благодаря которому получил возможность копировать полотна Тициана, Рубенса и Ван Дейка в богатейших королевских собраниях живописи (хотя предположения относительно его поездки в Мадрид не получают документального подтверждения).
Уже в ранних произведениях Мурильо, отмеченных влиянием караваджизма, религиозные сцены представлены как события из народной жизни.
В 1645 г. художник вернулся в Севилью и сразу же получил свой первый крупный заказ — цикл из 11 картин для францисканского монастыря. В настоящее время полотна разделены между разными собраниями: «Кухня ангелов» (Лувр, Париж), «Сан-Диего д''Алкала» (Академия Сан-Фернандо, Мадрид), «Смерть св. Клары» (Картинная галерея, Дрезден). Для этого цикла характерна некоторая неловкость композиции, трактовка освещения в духе тенебризма (т.е. построенного на резких контрастах света и тени). Трактовка сюжетов опирается на почти средневековую религиозную концепцию, где объективная реальность совершенно естественно и даже наивно соединяется с чудом. Отмечу, что Мурильо брал натурщиков и натурщиц для своих фигур святых из народа. Этот цикл из 11 полотен принес художнику неожиданную славу.
Испытав в юности влияние Сурбарана, Мурильо занимался религиозной живописью, писал портреты и сцены из жизни бедняков, но славу принесли ему полотна на сюжеты из жизни Богоматери.
Большое место в творчестве Мурильо занимают жанровые сцены. Художник создал целую серию картин, с добродушным юмором изображающих жизнь севильских «оборвышей». Главные герои этих произведений — симпатичные дети в лохмотьях, которые с аппетитом уплетают фрукты, забавляются с животными, торгуют на улице и играют. В отличие от многих работ Мурильо на религиозные темы его лучшие жанровые картины абсолютно не сентиментальны, в них видна острая наблюдательность художника. И вместе с тем эти картины проникнуты острым лиризмом и добротой.
С 1650-х годов живописная манера Мурильо меняется, становится более мягкой и легкой. Художник насыщает свои работы золотистой светотенью, его произведения становятся более живописными (особенно пейзажные фоны).
В 1660 году Мурильо принял участие в создании Академии художеств в Севилье и стал ее первым президентом. В Академии впервые официально было введено изучение нагого человеческого тела. Из непосредственных учеников Мурильо можно назвать — М. Осорио, С. Гомеса и Вильявисенсио, а из подражателей — А.-М. де Тобара и X. де Вальдес Леаля.
С открытием Академии начинается расцвет творчества художника. Помимо «свободного творчества», Мурильо продолжает выполнять многочисленные заказы монастырей, орденов и храмов. В 1665—66 гг. для церкви Санта-Мария ла Бланка в Севилье художник исполняет декоративный ансамбль, ставший одним из величайших шедевров мастера.
В 1665 г. Мурильо принимается за серию крупных фигур святых, заказанную монастырем капуцинов Севильи (Провинциальный музей изящных искусств, Севилья).
В 1650-е—70-е гг., выполняя различные заказы, художник создает целую серию «Непорочных зачатий». В 1674 году Мурильо закончил цикл из 8 картин для капеллы госпиталя Ла Каритад в Севилье, начатый в 1671 году. Три картины остались на своем первоначальном месте, остальные рассеяны по разным музейным коллекциям.
В 1675—76 годах Мурильо написал больше 20 картин для капуцинского монастыря Севильи.
В 1678 г. он исполнил несколько картин для севильской больницы «de los Venerables Sacerdotes», в том числе «Богоматерь во славе» (Лувр).
В 1682 г. Мурильо, не покидавший со времени своей поездки в Мадрид Севилью, приехал в Кадикс, чтобы исполнить для местного монастыря капуцинов большую алтарную картину «Обучение св. Екатерины». Трудясь над картиной, художник, по неосторожности, свалился с подмостков и сильно расшибся. Он немедленно отправился назад, в Севилью, где 3 апреля того же года умер вследствие полученных переломов. Картина в Кадисе была дописана его учеником Осорио.
Всего искусствоведы насчитывают свыше 450 произведений Мурильо (по Куртису - 481, по Лефору - 478). Самые большие коллекции картин художника хранятся в музее Прадо в Мадриде и в Музее изящных искусств в Севилье.
После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать. Общий уровень мастерства резко упал, художники работали под влиянием итальянских, французских и немецких живописцев.
В Испании время от времени появлялись выдающиеся мастера, но об испанской школе как о явлении в искусстве можно говорить лишь применительно к XVII столетию.
Слава Мурильо бросила на долгое время глубокую тень на Риберу, Сурбарана и даже Веласкеса. Его называли испанским Рафаэлем, что означало высочайшую похвалу для художника в XVII и XIX веках. В конце XIX века кумир был низвергнут, но во второй половине XX века с него была снята опала. Однако и прежде, и теперь Мурильо оставался самым загадочным, а потому и наименее изученным из творцов золотого века. Он редко датировал свои работы, о его жизни известно крайне мало.
_________________________________________________________

Клаудио Коэльо
Claudio Coello

1642 (по другим сведениям – между 1630 и 1635), Мадрид – 20 апреля 1693, Мадрид



Claudio Coello Self-Portrait 1680е г. The Hermitage, St. Petersburg

Испанский художник, последний из знаменитых мастеров мадридской школы 17 века, самый крупный художник Испании в период времени между Мурильо и Гойей. Под влиянием как Веласкеса и Хуана Карреньо де Миранда, он попытался остановить падение испанского искусства.
Коэльо, как и Веласкес, был португальского происхождения. Клаудио был сыном известного португальского скульптора (на самом деле – искусного литейщика) Фаустино (Аугостино) Коэльо, принадлежащего к тому же роду, что и портретист Филиппа II — Санчес Коэльо.
Отец хотел сделать Клаудио скульптором и с этой целью определил его в ученики к Франсиско Ризи, исключительно для усовершенствования в рисунке. Однако Ризи, заметив выдающиеся способности ученика, убедил отца предоставить сыну возможность заниматься живописью.
По окончании своего учения у Ризи Клаудио пишет для церкви Санта Круз (впоследствии сгоревшей) большую картину и ряд портретов, которые, по словам историка Паломино, были достойны самого Веласкеса.
Большее влияние на Коэльо имел Карреньо, благодаря дружбе с ним, Клаудио получил доступ к королевской коллекции, в которой он изучал произведения Тициана, Рубенса, Ван Дейка и других мастеров.
Кроме того, в специальной технике фресковой живописи (которой, надо отметить, мастерски владел и Франсиско Ризи) Клаудио успел усовершенствоваться, следуя советам вернувшегося из Италии архитектурного живописца Хосе Хименеса Доносо (1626—1686). С Доносо Коэльо потом сотрудничал в работе над росписями церквей и дворцов в Мадриде.
Коэльо также учился в Италии между 1656 и 1564 годами, где находился под влиянием Карло Дольчи.
В 1671 году Коэльо украшал потолок в ризнице собора в Толедо, в 1683 он написал фрески в церкви августинцев La Manteria в Сарагосе. Фресками Коэльо украсил также зал капитула в картухе «del Paular» (близ Гранхи), плафон в церкви Сан-Исидоро в Мадриде и ряд плафонов в сгоревшем впоследствии королевском дворце.
Его картины, как правило, переполнены и достаточно сложны по композиции, они напоминают произведения неаполитанского рококо. Одновременно он исполнял и декоративные работы для придворных праздников.
В 1684 году он стал художником короля Карла II, а в 1686 году получил звание « придворного живописца» (Pintor de Camara). Позже он был назначен сенешалем дворца (должностное лицо, ведавшее юстицией и военными делами), а сыну художника, Бернардино, была назначена пенсия в 300 дукатов.
В 1684 году мастер начинает работу над главным своим произведением — картиной «La Sagrada Forma» (окончена в 1690 г.), вставленной в стену сакристии капитула Эскориала.
Этот шедевр Коэльо в разных источниках именуется алтарем для ризницы и называется по-разному – то "Поклонение Святой Евхаристии" (1685-90), то «Таинство Благовещения» (the Blessed Sacrament, 1685-90). Возможно всё это отдельные самостоятельные работы, но при описании каждого из названий пишется, что эта работа содержит около 50 портретов священников и придворных, в том числе и короля Карла II. По свидетельствам современников, Карл II обожал это произведение за замечательную смесь глубокого религиозного чувства и реалистичность портретов.
Особенно силен был Коэльо в перспективе. В картине «La Sagrada Forma» он достигает полного обмана зрения, соперничая с рельефами окружающей архитектуры.
В 1691 году Коэльо получает в высшей степени почетное назначение — живописца капитула собора в Толедо. Но его успех затмил приглашенный в Испанию в 1692 году для украшения Эскориала итальянский художник Лука Джордано.
Коэльо был так огорчен успехом блестящего, легкомысленного импровизатора Джордано, для которого — в буквальном смысле слова — не было ничего святого, что это ускорило его кончину. Сохранилось свидетельство, что приезд «беззастенчивого и недобросовестного» Луки Джордано заставил Коэльо бросить кисти».
Картины Коэльо имеются в музее Прадо, Академии Сан Фернандо, в музее Франкфурта-на-Майне, в мюнхенской Старой Пинакотеке, в Эрмитаже, музее Веллингтон в Лондоне и музее штата Огайо.
Из учеников Коэльо заметными фигурами стали учившийся в Риме искусный фрескист Себастьян Муньос (1654—1690) и более известный в качестве архитектора, нежели живописца, сын немецкого солдата Теодор Ардеманс (1664—1726), бывший, как и Муньос, придворным живописцем.

Источники – Википедия, Британская энциклопедия , сайты benua-history.ru и wga.hu .
_____________________________________________________

ПРОДОЛЖЕНИЕ СЛЕДУЕТ...