Клубные танцы - удивительное танцевальное направление, а если точнее - жгучая и темпераментная смесь всех современных танцевальных стилей. Многие любителей и пластичного RnB, ритмичного хауса и свободных уличных танцев собираются вместе в модных заведениях. Они - почитатели Club-dance - не связаны строгими канонами, потому что сам танец предполагает полную свободу в выборе движений, музыки и настроения. Клубные танцы очень популярны в ночных увеселительных заведениях. Список узких танцевальных стилей, которые включают в club-dance, постоянно пополняется. Но общепринято относить туда funk, go-go, hip-hop, disco, элементы стрип-дэнса, различные направления street-jazz и другие, а в последнее время также и RnB.

Если попытаться проследить историю возникновения клубных танцев, то можно с уверенностью сказать, что club-dance появился тогда, когда открылся первый ночной клуб современного формата - увеселительное заведение, где танцуют от заката до рассвета, где звучит музыка в режиме нон-стоп. Отправным событием в истории клубных танцев многие считают глобальную 'психоделическую революцию' конца 60-х - начала 70-х гг. двадцатого века. Именно тогда начала формировать новая культура музыки, моды и танцев. В бурные для России 90-е активное увлечение молодежи ночной жизнью 'без пауз' пришло и в нашу страну. Стали появляться первые клубы европейского уровня, впоследствии ставшие грандами ночной жизни.

Клубный танец - это порождение массовой развлекательной культуры. А значит, он в корне отличается, например, от балетного искусства. Для почитателей club-dance отправная точка - удовольствие. Удовольствие от музыки, от ощущения свободы самовыражения, движения и общения. Танец, если условно принять его за содержание, неотделим от оболочки - музыкального сопровождения. И асы ночной музыки - ди джеи - вносят первостепенный вклад в развитие клубного танца и клубной культуры. Их мастерство способно зажечь даже самую искушенную публику. Их 'фишки' творят с обитателями танцпола что-то невероятное. Люди, окунувшиеся в мир танцевальной темноты, воспитывают в себе клубную культуру и клубный образ жизни в течение долгого времени. А вот научится клубным движениям не так сложно. Решив сделать свою жизнь более активной, я пришла в танцевальную школу в Санкт-Петербурге Shake City на урок клубных танцев .

Уже на первых минутах занятия пришло четкое понимание того, что мне удастся не все сразу. Танцы - это процесс небыстрый, но приятный, особенное если обучение танцам проходить под присмотром квалифицированных преподавателей, таких как в школе танцев Shake City в Петербурге. Прежде чем на свет появится хорошая постановка собственного клубного стиля, необходимо несколько занятий подряд упорно и энергично разучивать элементы, которые прямо на глазах складываются в танцевальные связки и комбинации

Комбинация, которую мы пытались освоить на этом уроке, была очень интересной и энергичной, по стилю напоминавшей звезд с экрана телевизора. Учиться танцевать под началом преподавателей школы танцев Shake City в Петербурге, действительно здорово. Это и точные, своевременные указания относительно всех, даже самых мелких элементов. Все мы старались, как сказала тренер, 'думать над всеми движениями'. Это и постоянная смена темпа и бита - от медленного к более энергичному и быстрому. Это и очень хорошая подача танцевального материала. Наш преподаватель Николай то и дело поражал всех присутствующих легким и невероятно быстрым исполнением танцевальной связки, что вызывало в зале удивленное 'ах и ох! =)' и желание сделать не хуже. Причина такой, позитивной рабочей атмосферы в том, что преподаватель не только учит танцам других, но и непрерывно самосовершенствуется как и все преподаватели школы танцев в Санкт-Петербурге Shake City: обменивается опытом с коллегами хореографами, импровизирует и самосовершенствуется.

1.


2.


3.


4.

Брейк-дансом (break dance, breakdance) называют уличный танец, одну из разновидностей хип-хопа. Но для настоящих брейкдансеров, это больше чем танец, это стиль жизни. Сейчас брейк-данс очень популярен во всем мире.
Помимо различных брейк-данс тусовок, где можно набраться опыт начинающим танцорам, стали открываться специализированные школы брейка, где любой желающий сможет научиться танцевать.


«Верхний» и «нижний» брейк-данс.
Уже давно принято разделять брейк-данс на «верхний» и «нижний». «Верхний» брейк правильнее было бы называть элементы Funkstyles, так как он был основан на фанковой культуре Восточного побережья США. Для этой разновидности брейка характерны такие элементы как Animation, Strobing, Dimestop, Floating/Gliding, Waving, 3D, Robot (botting), Boog (boogaloo), Popping, Slowmo и многие другие.


«Нижний» брейк-данс представлен следующими элементами: Windmill, Swipe, Turtle, Twist, Cricket, Sixstep, Backspin, Flare, Baby freeze. Это далеко не все элементы танца, брейк-данс безграничен в возможностях и во многом основан на импровизации.



Музыка брейк-данс.
Основа основ для брейк-данса – это музыка. Жанры, которые больше всего повлияли на развитие этого танца, – jazz, soul, funk, electro, rap и disco. Особенно велико влияние рэпа. Но брейк-данс не ограничивается только вышеперечисленными музыкальными жанрами. На break-battles прогрессируют различные другие жанры, в частности European electronica и даже оперная музыка.


Начинающим брейкерам. Брейк-данс любит подготовленных, поэтому без определенных знаний и умений приступать к изучению этого танца – рискованно. Для начала, у вас должны быть сильные мышцы спины, устойчивый и крепкий пресс. Неплохо иметь неплохую растяжку, в идеале уметь делать шпагат. Пригодится также умение стоять на голове и руках, а также на одной руке.

Как называют брейк-данс сами брейкеры, это болезнь, от которой трудно излечиться (а лучше и вовсе не лечиться). Это жизненный стиль, и он не терпит спонтанности. Поэтому наберитесь терпения, будьте аккуратнее, и у вас получится овладеть этим замечательным танцем.

1.


2.


3.


4.

Хип-хоп (англ. Hip-hop) — молодёжная субкультура, появившаяся в США в конце 1970-х в среде афроамериканцев. Для неё характерны своя музыка (также называемая «хип-хоп»), свой жаргон, своя мода, танцевальные стили (брейк-данс и др.), графическое искусство (граффити) и свой кинематограф. К началу 1990-х гг. хип-хоп стал частью молодёжной культуры во многих странах мира. В данной статье рассматривается музыка в стиле хип-хоп и общие элементы субкультуры хип-хопа.

Музыка хип-хопа

Музыка хип-хопа состоит из двух основных элементов: рэпа (ритмичного речитатива с чётко обозначенными рифмами) и ритма, задаваемого ди-джеем; в то же время нередки композиции без вокала. В такой комбинации исполнители рэпа называют себя «эм-си» (англ. MC – Microphone Controller или Master of Ceremony). Приоритетным и наиболее оцениваемым считается искусство рифмы, которую «эм-си» в погоне за новаторством зачастую сочиняют в ущерб смыслу текста, что, в свою очередь, превращает его в запутанные загадки (напр. Гостфейс Килла говорит, что нарочно стремится сочинять такие рифмы, чтобы никто не понял, кроме него, о чём идёт речь). В задачу одного или нескольких ди-джеев входит программирование ритма на драм-машине, сэмплирование (использование фрагментов чужих композиций, особенно партий баса и синтезаторов), манипуляции с виниловыми пластинками и иногда «битбоксинг» (вокальная имитация ритма драм-машины). На сцене музыканты часто сопровождаются танцевальным ансамблем.

В настоящее время хип-хоп является одним из наиболее коммерчески успешных видов современной развлекательной музыки и стилистически представлен множеством направлений внутри жанра.

Истоки и развитие музыки хип-хопа

70-е

Официальной датой возникновения репа как культуры и музыкального стиля считается 1976 год. Существуют разные версии, как например то, что рэп привезен с Ямайки. Но есть и факты. Рэп - это ответвление рэгги под названием 'раггамафин'. Так же считается, что рэп был привезен с самой ямайки тремя людьми - DJ Kool Herc (Ди-джей Кул Хёрк), Afrika Bambattaa (Африка Бамбата) и Grandmaster Flesh (Грандмастер Флэш). Вторая версия это то, что рэп зародился в негритянской среде Бронкса, района Нью-Йорка, во второй половине 1970-х гг. В то время это была музыка для вечеринок, которую создавали диск-жокеи (называемые сокращённо «ди-джеями»), работавшие в крайне примитивной тогда технике сэмплирования: она зачастую сводилась к повторению музыкального проигрыша чужой танцевальной композиции. Первые «эм-си» были буквально типичными конферансье («Master of Ceremony» — т. е. сокращённо MC; эта аббревиатура затем вобрала в себя множество других значений), они представляли ди-джеев, а также поддерживали внимание аудитории энергичными возгласами и целыми тирадами. (Необходимо отметить, что на Ямайке подобная манера исполнения была выработана ещё на рубеже 1960—70-х гг. благодаря зародившейся технике даба.)

Популярность музыки на этих вечеринках привела к тому, что местные ди-джеи стали продавать на руки кассеты с записанными «живьём» «сетами» (программой выступления), в которых искусно микшировались ритмы и басовые партии снятые с композиций в стилях диско и фанк, поверх которых эм-си начитывали рэп. Это было сугубо любительское занятие, и в тот период (1977—78 гг.) никаких студий и официальных выпусков пластинок рэпа не существовало.

Ситуация меняется кардинальным образом, когда в начале осени 1979 года в США выходит сингл «Rapper's Delight» в исполнении The Sugarhill Gang и производит сенсацию на американском рынке популярной музыки. Сингл считается первой записью рэпа несмотря на то, что ещё несколько чуть более ранее записанных песен оспаривают славу первенства; однако именно благодаря этой 11-минутной композиции американская публика и СМИ узнали о таком явлении как хип-хоп, правда, несмотря на популярность песни, большинство сходилось во мнении, что это была музыкальная шутка, из которой далее ничего не выйдет. Песню написала негритянская группа, собранная почти случайно за день до записи, при этом сингл разошелся в 8 миллионов копий. это был огромный успех даже для обычного поп-сингла, не говоря уже о рэпе. Ритм (классическое диско) и партия бас-гитары были взяты из тогдашнего хита Chic «Good Times», поверх был наложен рэп в исполнении трёх эм-си. Одним из достоинств композиции является то, что уже в этом первом рэпе 1979 года были даны типичные рифмы, равно как и основополагающие темы хип-хопа: детали бытовой жизни, состязания эм-си, секс, ёрничество и показное тщеславие.

80-е

В самом начале 1980-х гг. в среде рэпперов возник сильный интерес к европейской электронной поп-музыке, — в первую очередь, к Kraftwerk и Гари Ньюману, широко сэмплировавшимся, — технологические находки которых, вкупе с развившимся «брейкбитом» — ломаным, совершенно новым ритмом, — способствовали отрыву хип-хопа от ритмической зависимости от диско и фанка. Брейкбитовый ритм в сочетании с более развитой к тому времени техникой ямайского даба вывели хип-хоп на новый уровень. Новаторами раннего хип-хопа были Кёртис Блоу, Африка Бамбата, Грандмастер Флэш и Whodini, — именно их записи 1980—84 гг. (относимые ныне к «старой школе хип-хопа») явились определяющими для становления жанра. Музыкальный журнал Rolling Stone назвал самой влиятельной композицией в истории хип-хопа «The Message» Грандмастера Флэша (1982).

Эстафету новаторства подхватили коллективы Run DMC, Mantronix, Beastie Boys, каждый из которых привнёс в хип-хоп свои открытия: Run DMC играли минимальный драм-машинный брейкбит, Mantronix же получили признание своей революционной техникой микширования, а Beastie Boys сочетали элементы панк-рока и рэпа и при содействии Рика Рубина стали первым белым рэп-коллективом, добившимся коммерческого успеха. Рэп-композиции записывали и панк-команды, например, The Clash (их сингл «The Magnificent Seven» 1980 года интенсивно раскручивался на негритянских радиостанциях Нью-Йорка), Blondie (их сингл «The Rapture» возглавил американские чарты в 1982 г.).

К середине 1980-х годов музыка хип-хопа перестала ориентироваться исключительно на атмосферу вечеринок, и следующее поколение рэпперов стало разрабатывать более серьезные темы, напр., социально-агрессивные рэпы Public Enemy принесли им культовый статус среди слушателей не только в негритянской среде. Усложнялась и музыкальная сторона хип-хопа: современный этап в его развитии начинается с выхода в 1987 году альбома «Paid in Full» дуэта Eric B. & Rakim. К концу 1980-х гг. рэп-музыка достигла уровня популярности, сравнимого с роком, кантри и эстрадой, а такие крупные институты музыкальной индустрии как Американская академия грамзаписи, заведующая «Грэмми», и American Music Awards в 1988 году учредили категории для рэпа. Олицетворением этой популярности в Америке стали MC Hammer, Kris Kross и др., адресовавшие свою музыку более широкой слушательской аудитории, что, в свою очередь, дало толчок для развития более бескопромисных жанров в хип-хопе.

90-е

На рубеже 1990-х с подачи NWA, скандально известных своими вызывающе-скабрезными и агрессивными текстами, приобретает популярность «гангста-рэп», отражающий криминальный быт негритянских гетто. Самым влиятельным деятелем хип-хопа десятилетия становится бывший участник NWA по имени Dr. Dre; он вводит в оборот новый стиль джи-фанк, наиболее ярким представителем которого был его протеже Снуп Догг. Несколько лет спустя участники трио The Fugees своим альбомом «The Score» наглядно продемонстрировали возможности для интеграции хип-хопа с другими музыкальными направлениями — ритм-энд-блюзом, рэгги и даже джазом. Они одними из первых хип-хоп-проектов приобрели широкую популярность за пределами США.

В середине 1990-х развернулось соперничество между гангста-рэперами с Западного и Восточного побережий США, которое завершилось гибелью их лидеров — Тупака Шакура и Notorious B.I.G. Трагический исход этого противостояния породил такое широкое обсуждение в средствах массовой информации, что практически в течение всего 1997 года рэпперы оккупировали верхние строчки хит-парадов США. Для этого периода характерна интенсивная коммерциализация хип-хопа, что принято связывать с именем Паффа Дэдди — рэппера, который пропагандировал гламурный стиль жизни и строил свои композиции на весьма обширном цитировании поп-шлягеров прежних десятилетий. На исходе XX столетия известность приобрёл белый рэппер Эминем, который попытался возродить заряд провокации и социального протеста.

Начиная с конца 1980-х, хип-хоп подпитывает стилистически и технологически модифицированный благодаря ему ритм-энд-блюз («нью джек свинг», «хип-хоп-соул»). В 2004 году впервые в истории премия «Грэмми» в самой престижной «наджанровой» номинации — «за лучший альбом» — была присуждена рэп-артистам — дуэту OutKast. В современном хип-хопе, как и в других крупных стилях популярной музыки, большую роль играют продюсеры, от которых зависит вся индустрия.

2000-е
В середине 2000-х наиболее востребованные хип-хоп-продюсеры — Скотт Сторч, The Neptunes, Тимбалэнд — способствовали дальнейшему освоению эстетики фанка. Исполнителей хип-хопа, несмотря на его изначальный негроцентризм, можно встретить в большинстве стран мира, от Аргентины до Японии.

ХИП-ХОП танец

ХИП-ХОП танец - это объединенное название ,объединяющий термин ('umbrella term') многих танцевальных стилей или направлений. ХХ танец - в широком понимании все что танцуют под музыку хип-хоп. Разнообразие стилей и направлений музыки хип-хоп не позволяют выделить конкретно танец хип-хоп, правильнее будет называть «танец в стиле хип-хоп». Характерная черта хип-хоп культуры заимствование и вслед эволюции музыки шли эксперименты и в области хореографии. Каждый новый стиль ХХ танца становится всё более эклектичным, приобретая и заимствуя черты родственных и приплюсовывая 'удобную' хореографию не родственных направлений.

Мультитехничность и открытость хип-хопа для экспериментов и импровизации вызывает серьезную проблему классификации по стилям, техникам и направлениям. В исполнении некоторых техник соседствуют и естественность и неестественность человеческой биомеханике. Методом исключения можно сказать ,что танец в стиле хип-хоп - это не народный , не классический , не контемпорари , не техно танец – это отдельное широкое направление танцевального искусства . Феномен- где размыты правила и ограничения . Яркой чертой этого танцевального направления является его характер,актерская составляющая .Танец ,его исполнение в первую очередь должны показать наилучшие качества исполнителя в форме танцевального противостояния , иногда даже немного агрессивно. Самоуверенность, самоутверждение не допускают сентиментальности и жеманности, хип-хоп танцы для уверенных ,пафосных и упертых людей. Но нельзя считать что хип-хоп танцы агрессивные «злые» в своей сути. Главная цель танцора завоевать симпатию зрителя и поэтому –хип-хоп позитивен и добр. 'Предком' танцевального хип-хопа является африканский джаз (в переводе - импровизация. Через танец люди выражали свои чувства, желания. Молодые юноши и девушки стремились с помощью танца показать себя в наиболее лучшем свете и привлечь противоположный пол. Отсюда множество движения бедрами и сексуально-привлекательные движения. Как в афро-джазе, так и в хип-хопе присутствует некая 'расслабленность', движения как бы обращены в пол. Это объясняется тем, что у африканских народов Бог находится в земле, а не на небе. Поэтому поклоняются ему, обращаясь к земле. Отсюда низкая посадка корпуса и всегда немного расслабленные колени в танце. Первым музыкальным сопровождением были барабаны или тамтамы, поэтому и хип-хоп в дальнейшем получил хорошую ритмическую основу. Со временем хип-хоп развивался и совершенствовался.

Очень условно его ( точнее их , совокупность стилей и техник )можно поделить на несколько категорий : По уровням исполнения : • Брейкинг – как стиль исполнения в партере • top dance , «верха»-это все что танцуется на ногах

по времени появления : • Хип-хоп уличный ,Street Style, Street dance, олд скул – это фундамент, те стили что зарождали направление , бреакинг + верха ( Поппинг, фанк ,иллюжен)появившийся в буквальном смысле как элемент уличной ,альтернатива официальной культуре и тесно перекликающийся с так называемым Street jazz (уличная импровизация).Развиваясь, популяризируясь ,а значит и более комерциализируясь хип-хоп переместился в танцзалы , клубы, на сцену, а значит 'Пора уже оставить Street Style за бортом, всё это уже в прошлом - идея устарела. Сегодня на улице не осталось ничего, за что мог бы ухватиться творческий ум' Хельмут Ланг, дизайнер

• new school - техники и стили появившиеся или популяризировавшиеся во вторую волну подъема хип-хоп культуры термин, ввели в обиход японцы, но родоначальники движения, американцы (тот же Mr. Wiggles) с ними не согласны
• соревновательный классический (базовый, исполнительский ) хип-хоп- это четко разделенные направления хип-хоп танца по технике, лексике , манере исполнения и музыке. созданные конкретными людьми или коллективами ,имеющие т.н. базу эти стили не имеют массового количества исполнителей высокого уровня , потому что главная задача не эксперимент ,а чистота исполнения ,техничность . Брейкинг и верха по отдельности или шоу в этих стилях .
• соревновательный альтернативный, фристайл ( миксовый , фанковый)– это различные ,объединенные в связку техники или даже скорее манера исполнения . где не доминируют элементы брекинга, это т.н. «верха» , с небольшим использованием элементов джаз танца характерное движение приземленный кач раскачивание, с акцентом вниз или наверх., объемные, широкие сильные , амплитудные движения с акцентом на на восьмой ноте характерным баунсом или прыжковым движением (нью-джек-свинг) чередуются с манерой пафосного , уверенного нередко высокомерного исполнения. это самый универсальный хип-хоп , исполняется под любую музыку хип-хоп ,открытый для экспериментов.
• Коммерческой(сценический, попсовый) хип-хоп наиболее признаваемый зрителем и профессиональными хореографами за комбинирование в равной мере элементов брейкинга, «верхов» и техники джазового танца, это сценические заранее хорошо отработанные шоу номера объединенные единой режиссурой , сюжетом , хореографичностью, почти без импровизации, много синхронных связок и музыкальные эксперименты , характер исполнения менее агрессивный.
• Клубный хип-хоп- исполняется на танцполе и сцене клуба в виде свободной импровизации и связок в стиле GO-GO танец . ограниченность пространства не позволяет широко применять элементы брейкинга , поэтому преобладает «верха». А специфика клубной музыки позволяют экспериментировать движением ,и в частности это и породило такие пограничные формы хип-хопа ,как фристайл, Vogue, абстракт денс хаус

Еще можно разделить хип-хоп «верха» по географии развития и моде: • Североамериканский- где много взрывных моментов ,возмите тот же крамп • Европейский – где связки замешаны на пластике и логичности , скорее идет развитие (экспериментирование) старых стилей чем создание новых.

Эстетика субкультуры

Хип-хоп стал первой музыкой, наиболее полно и самобытно воплотившей идеологию современной афроамериканской культуры. Эта идеология была построена на антагонизме американской англо-саксонской культуре. За прошедшие десятилетия сформировалась также своя мода, коренным образом отличная от традиционной моды белого населения, свой жаргон и своя культивируемая манера произношения, танцевальные стили, своё графическое искусство – «граффити» (изображения и надписи на стенах, сделанные аэрозольными балончиками или специальными маркерами с краской) и в последнее время также кино (не обязательно про рэпперов, но сюжетно берущее темы из негритянской среды, см. фильмы «Парикмахерская», «Hustle And Flow», «Не грози Южному Централу попивая сок у себя в квартале»; рэпперы также всё больше начинают становится киноактёрами). Таким образом, провести чёткую границу между собственно хип-хопом и негритянской субкультурой становится сложно.

Несмотря на меняющуюся каждый год моду хип-хопа, в целом она имеет ряд характерных особенностей. Одежда, как правило, свободная, спортивного стиля: кроссовки и бейсболки(как правило с прямыми козырьками) известных брендов (напр. Reebok,Roca Wear, FUBU, Wu-Wear, Sean John), футболки и баскетбольные майки, куртки и толстовки с капюшонами, лыжные надвинутые на брови шапки, мешковатые штаны (так называемые «трубы»), приспущенные широкие шорты. Причёски короткие, хотя также популярны короткие африканские косички. У самих рэпперов популярностью пользуются массивные украшения (цепи, медальоны и пр.).

Русский хип-хоп

Первые эксперименты с рэпом в России относятся, видимо, к 1984 году, когда в Куйбышеве диск-жокей дискотеки «Канон» Александр Астров совместно с местной группой «Час пик» записали 25-минутную программу, которая вскоре разошлась по всей стране в виде магнитоальбома «Рэп» [1].

Помимо этих экспериментов, хип-хоп в России приобрёл известность, достаточно узкую, во второй половине 80-х гг., когда началось увлечение брейкдансом, хотя собственно англоязычные композиции в стиле рэп были малоизвестны любителям музыки. Первые русскоязычные исполнители рэпа появились в начале 1990-х гг., известностью пользовался Богдан Титомир, с другой стороны более андерграудные формы русского хип-хопа («MD&C Павлов») не имели успеха. Рынок русского хип-хопа, как индустрии, сформировался лишь в конце 1990-х гг., подтверждением чему стало появление множества коллективов этого жанра («Bad Balance», «Каста», «Легальный бизнес», «Многоточие»). В 1999 году глобальное возрождение брейкданса способствовало его повторному оживлению и в России. А в 2002г после выхода фильма '8 миля', повествующем о жизни американского белого репера - Эминема, в интернете развитие получают так называемые бэттлы. битвы между реперами, суть которых состоит в том, что исполнители соревнуются в остроумии, в технике считки, в звучании и т.п. а судьи, которыми обычно выступают известные, состоявшиеся реперы определяют победителя. Этим самым в России получает развитие так называемый бэттл-реп, который дает толчок и остальным реп-стилям, т.к. поднимает общий уровень звучания, главным образом в технике считки, о которой раньше российские исполнители не задумывались.

Русский хип-хоп противоречив, как и его западный оригинал, при этом элементы рэпа эпизодически включаются различными музыкантами в свои песни.

1.


2.


3.

Турецкие танцы Raks SharkiШаги и мелодияОбычаи и нравы ЕгиптаТанец СаломеиСочетай приятное с полезным!Belly dance — танец или тренировка?Культура арабского мираПоэзия и магия танца животаДуховное развитие женщины через танецВосточный танец — вчера и сегодняЗолотой век египетского танца или кто ввел моду на каблуки в танцеПроисхождение танца животаВосточные музыкальные инструментыАрабская кухняТурецкие танцыТанец КёчексАрабские танцыОдежда для занятийПольза танца животаИстоки танцаБеременность и танец животаВосточный танецКак подобрать костюмАрабская литература class=""




Жизнь — это танец. Соперничество, борьба и мир — все это формы танца. Танец — это процесс того, как мы дышим, едим, пьем и любим. Все мы были рождены в мир танца.

Во всем мире танец признается самым древним видом искусства. Первобытный человек использовал танец или движения тела, чтобы выразить то, что он чувствовал в своей ничтожной борьбе против природы. Также всякий раз, когда он охотился и добывал себе пропитание, убивал опасное дикое животное, ухаживал за женщиной, и даже когда добивался успеха в сексе и хотел продолжить свой род, он выражал свои эмоции через танец. Он пытался высказать свои желания и показать свою боль посредством танца. Первобытные религии признали танец частью ритуалов с тех пор, как танец стал вызвать человеческое сопереживание. Мы знаем, что ритуал поклонения в первобытных религиях главным образом состоял из короткой молитвы и затем из определенных танцевальных обрядов.

Танец как часть религиозных церемоний, кажется, не удовлетворил основные человеческие нужды. Человек продолжал танцевать также в моменты счастья. Почти во всех слоях общества практика танца была истолкована как необходимость дать человеку выразить чувства радости, неважно был ли это религиозный обряд, или неотъемлемая часть повседневной жизни. Во время танца люди испытывали чувство радости, воодушевления, расслабления и удовольствия. Разве было для них это лишь естественным способом удовлетворять свои чувства в формах отличных от религиозных обрядов?

Политеистические религии подчеркивают особую роль танца с начала летоисчисления. Более того, танец даже рассматривался как жизненная философия.

Платон в своей книге «Законы», описывая правильный образ жизни, написал следующее: «Человек должен жить так, как если бы он танцевал; он должен играть в игры, петь и танцевать. Делая так, он обратится к Богу и защитит себя от своих врагов. Таким образом, он может выигрывать битвы». Танец характеризуется мелодией, игривостью и восторгом. Размышления Платона и его жизненная философия, процитированные выше, включают эти три определения.

Монотеистические религии в начале не могли смириться с танцем, веря в то, что страстные чувства, которые пробудил танец, не могут быть укрощены и взяты под контроль. Другая причина для такого отношения — цель заставить верующих забыть их старые веры, которые ассоциировались с танцевальными церемониями. Тем не менее, такие монотеистические религии не смогли искоренить танец, который был частью человеческой жизни. Некоторые секты монотеистических религий приняли танец в качестве части ритуала поклонения. Религиозная секта Мевлеви в Турции — самый лучший пример подобного развития.

Танец веками манит человека в свой магический и неотразимый мир. Танец в обществе, которое развивалось, и было полно сложных отношений, в античное время отошел от своих религиозных функций и стал полностью цивилизованным.

С точки зрения насыщенности и хореографии, существует основная разница между танцем, пришедшим в результате борьбы крестьянства с природой и бальных танцев буржуазии. Разные стили жизни в обществе продолжили давать подъем новым видам танца. Однако, мы можем сказать, что некоторые особые виды танца полностью произошли от основных человеческих свойств. Как мы все можем легко догадаться, эти свойства четко выявлены в полных чувственностью танцевальных обрядах.

Турция, считающаяся «воротами» на Восток, предлагает много особенностей, которые являются сущностью восточных мечтаний. Восточный танец живота, долгое время являющийся символом Востока, всегда символизировал магическую привлекательность женщин Востока и вызвал интерес в Западном мире. Хотя произведения о путешествиях западных писателей-востоковедов, которые открыли многое об эротике женщин Востока, и обладали большой художественной силой, такие материалы, а также гравюры западных художников, которые сопровождали тексты писателей, разжигали в большой степени интерес к Востоку в течение 17 и 18 столетий. Перевод такой Восточной литературы, как «1001 Арабская ночь» и даже Ветхого и Нового Завета на западные языки способствовали тому, чтобы быть захваченными притягательностью восточного танца. Саломея, которая танцевала танец «7 покров», чтобы чтить память Иоанна-Крестителя, стала символом этого искусства. Кроме ограниченного количества письменных работ странствующих востоковедов, некоторые восточные страны установили на мировых выставках европейских городов свои павильоны и наняли исполнительниц танца живота, для демонстрации их талантов. Танцовщицы, одетые в подлинные пышные живописные наряды представляли свои заманивающие танцы перед заинтересованной публикой. Запад стал наслаждаться восточными танцам на своей территории с середины 19 века, но частью западного мира развлечений они стали только в начале 20 века. Турецкие танцовщицы вывели свой традиционный танец в мир и, появившись на сценах в разных странах от Америки до Аргентины, с Арабского полуострова до Англии и от Японии до Италии, опутали чарами аудиторию. Таким образом, они сняли шоры предубежденности, которые накапливалась в глазах тех, кто пришел посмотреть их представление, захватывая в процессе их сердца.

Цель этой книги представить читателю восточный танец или Турецкий танец живота, поскольку в Турции он продолжает оставаться на пике популярности. Мы верим также, что Вам доставит большое удовольствие узнать что-то яркое из прошлого Турецкого танца живота.

Танец живота самый превосходный и самый действенный афродизиак, когда-либо открытый человечеством. Мы надеемся, что эта книга захватит Вас в необыкновенное путешествие по этому особому миру. Турки и Танец Центральная Азия является настоящей родиной турков, имеющих долгую историю и прошедших длинный путь. Турецкие племена кочевали по центральной Азии. Эти племена, жившие в очень суровых климатических условиях, были известны благодаря способности вести войны, и они были обязаны своим существованием войне. У них, не смотря на кочующий образ жизни, была развитая культура. Названная «Степной цивилизацией», их культура лишь частично изучена по археологическим раскопкам, большинство открытых сокровищ которых выставлены в Петербургском музее «Эрмитаж», Россия.

У турок, ведущих кочевой образ жизни, тесно связанный с природой, религией было шаманство. Шаман, который совершал ритуал и выступал как посредник между Богом на небесах и людьми, совершал ритуальные танцы под аккомпанемент тамбурина. Мистический танец шамана был частью его путешествия на небеса. Мы знаем, что Шаман танцевал один во время этого ритуала и те, кто наблюдал за церемонией, не участвовали в обряде. Туркам нравилось выступать под инструментальную музыку на пирах, которые следовали за победой в боях и на свадьбах. Наблюдая за турками во время своего путешествия на Восток в 596г. н.э. византийский путешественник Земарк описал церемонию очищения, во время которой они танцевали и энергично кружились вокруг костра. Также хорошо известно, что танец имел важное значение в ритуале охоты, поскольку обычно танцевать было принято и до, и после охоты. В самом обычном танце мужчины и женщины вставали в круг и вместе совершали необычные движения ногами справа налево. Некоторые танцы, появившиеся 1500-2000 лет назад, в Анатолии исполняются до сих пор.

Покинув центральную Азию, турки поселились на территории современного Ирана, управляя этими территориями, как Турки-Сельджуки. Затем перебрались в Анатолию, которая стала их родиной почти на тысячу лет. Они уже приняли Ислам в качестве своей религии, но при этом не оставили свои старые традиции. У них были мирные отношения с Мусульманской империей, и они постепенно переняли некоторые элементы исламской культуры, с которой они познакомились в Иране.

Турки познакомились с восточным танцем в этих землях и, не смотря на то, что он не был частью их культуры, прошло немного времени, пока он не завоевал их симпатии благодаря своему очарованию. В летописях говорится, что восточные танцовщицы участвовали в празднествах, проводимых во Дворцах сельджуков и в других местах. Неся на себе влияние центрально-азиатской, персидской и мусульманской цивилизаций, турки обосновались в Анатолии, культура которой была сформирована Византийской империей, преемницей Римской империи, так же, как и десятками местных цивилизаций. Эта богатая структура способствовала формированию очень живописной атмосферы. Анатолийский полуостров — это часть земли, где танец играл огромную роль в повседневной жизни и в религиозных верованиях людей. В этом географическом регионе, где природа очень богата, времена года тоже как бы «танцуют» один за другим.

Турки продолжили свой исторический путь с доминированием Сельджуков и возникновением Оттоманской империи. Оттоманы расширили границы своей империи на Анатолию и Балканы, управляя огромной территорией, с центром в Стамбуле, который стал столицей после завоевания его в 1453 году. Султан и другие богатые люди жили в Стамбуле. Итак, не было ничего странного в том, что танцевальные представления развивались в столице и были очень любимы населением. Стамбул был местом, где восточный танец, который также был сродни Византийскому наследию, сформировался с региональными и традиционными мотивами и получил новую форму. Вскоре он стал самым активным видом искусства в мире развлечений. Но мусульманская религия запретила полуобнаженным женщинам танцевать перед незнакомыми мужчинами. Мы должны отметить, что только цыгане и не мусульманские женщины могли нарушать законы и то лишь частично — на деревенских свадьбах и в священные дни, когда развлечения были обычным явлением.

Даже женщинам-немусульманкам не везде было разрешено танцевать перед мужчинами. Но люди, в сущности, склонны развлекаться и вскоре нашли пути выхода из этой ситуации. Ченгис или женщины — танцовщицы начали развлекать женщин, а Кочекс, мужчины-танцовщики делали то же самое для мужской аудитории. Ченгис и Кочекс завоевали множество сердец своими страстными танцами потому, что восточный танец основан на показе страсти и желании.

Турецкие танцы можно разделить на 4 основные группы:
1.Религиозные танцы
2.Турецкие народные танцы
3.Современные танцы
4.Классические танцы

Религиозные танцы.

Эта разновидность танца, которая была частью религиозных ритуалов, до сих пор существует в современном турецком обществе. 99%турецкого населения- мусульмане и в Турции существует множество сект с различными видами обрядов. В некоторых из этих сект танец — главная определяющая в обрядах.

Самый известный из религиозных танцев в Турции — это «Возносящие молитвы небу» секты Мевлевидов, которая была основана Мевланой Саалетдином Руми (1207-1275) в Конии (в старинном Икониуме).

Как гласит легенда, по пути на рынок в Кони Мевлана Саалетдин услышал стук молота кузнеца и начал кружиться. Это дает нам ключ к гармонии ритма и танца. Вращение Мевланы, которое было усовершенствованно после его смерти, и выбрано сектой Мевлеви в качестве основополагающей формы единения с Богом, называется «сема» (небо).

Характерный инструмент для проведения ритуалов Мевлеви — «ней», дудка, изготовленная из тростника. Из других известных инструментов существуют ударные инструменты — куддум и тамбурин и струнные — уд и кеменче.

Танец «сема» танцуется в большом зале помещения дервишей (текке), называемом «семахане» (дом неба). Ритуалы поклонения небу происходят в священные для Ислама ночи, по пятницам и 17 декабря, в годовщину смерти Мевланы. В такие ночи совершаются молебны, проводятся ритуалы, а затем танцоры, «семазен», занимают свои места в зале и после разрешения шейха начинают кружиться.

Всегда есть руководитель, который ведет танец «семазенов». Они начинают танцевать под особую музыку по сигналу руководителя.

Танцоры, одетые в белое всегда мужчины. Однако с недавнего времени женщины также стали танцевать этот танец, только в своих красочных одеждах. Танцоры начинают кружиться внезапно с того места, где стояли. Их головы всегда чуть-чуть повернуты к правому плечу. Правая рука поднята к небу, ладонью вверх. Левая рука направлена вниз, ладонью к земле. Танцоры кружатся под мистическую музыку, которая усиливается специальными инструментами, о которых мы упоминали ранее. Такая танцевальная позиция является символом представления Мевлеви о жизни и смерти: положение рук означает, что мы приходим от Бога и уходим в землю или мы мост между Богом и человеком. Шейх, танцующий в центре, символизирует солнце, которое освещает вселенную, танцоры, которые кружатся вокруг него, означают планеты, вращающиеся вокруг солнца, а их белые наряды символизируют праведный мир и мир духов. Анатолийский п-ов прибежище различных верований, в том числе направлений Алеви и Бекташи.

Течение Бекташи было основано Хаси Бекташ Вели (1210-1271), который приехал в Анатолию из Хорезма в 13 веке. Это гуманистическая секта, ставящая человека в центр мироздания и приписывающая ему все положительные качества. Можно так суммировать основную идею данного направления: «Будь хозяином своей руки, языка и живота», и «Моя Кааба — человек сам по себе». Секта Бекташи, которая приняла более человечное мировоззрение по сравнению с жесткими принципами Ислама, воспринимается как еретическая другими исламскими направлениями. Течение Бекташи ценит поэзию и музыку больше всего, декламируя поэзию под музыку и через нее прославляя гуманистическую позицию. В течение длительного времени в прошлом они практиковали свой религиозный танец «сема» тайно. «Сема» — это религиозный танец, который танцевали или только мужчины или совместно женщины и мужчины. Это часть музыкального обряда, который они проводили в помещении Бекташи, и который служил сопровождением дружественных разговоров.

Танцоры формируют круг и постоянно поворачиваются с ритмичными движениями ног; они двигают руками и кистями рук, но никогда не нарушают круг. Они произносят предложения, которые в этот момент важнее, чем музыка. Было открыто, что этот танец также существовал в центральной Азии и был привезен в Анатолию. Слова «сема» (у Бекташи) и «сема» (небо) (у Мевлеви) так похожи, что ясно, что эти танцы имеют общий источник.

Турецкие народные танцы.

Региональные народные танцы в Турции — традиционные танцы, которые являются типичными для сельских районов. Существует почти 2000 народных танцев в Турции, которые распространенны на анатолийском полуострове, вместившем много различных культур. Народные танцы, существующие на востоке, западе, к северу и к югу от страны сильно различаются по одежде, мелодии, ритму и хореографии. Одна из причин для такого широкого разнообразия — культурное наследие религиозных обрядов древних народов, которые здесь жили. Анатолийские народные танцы — танцы, которые местные жители исполняют в дни после сбора урожая. Со временем некоторые «военные» танцы перешли в разряд народных.

Народные танцы бывают разных видов, исполняемые равно как мужчинами, так и группами женщин или совместно — мужчинами и женщинами. Хотя Ислам запрещает мужчинам и женщинам танцевать вместе в общественных местах, многие национальные турецкие танцы представлены вместе благодаря старинным турецким традициям в мусульманской Турции.

Народные танцы исполняются под местную народную музыку. Большой барабан — традиционный инструмент и сопровождает почти все танцы. Так же обычными инструментами являются зурна (дудочка), саз (турецкая лютня), кеменч (маленькая скрипка), скрипка, теф (тамбурин), кларнет, тулум (турецкая волынка) и аккордеон.

Люди, которые собираются вместе для обручения, обряда обрезания, свадеб и других праздников, выражают свои чувства через танец. Географическая удаленность — основная причина, по которой ритмы так сильно отличаются. Люди с побережья Черного моря танцуют живой «хорон», в то время как местное население Эрзурума на высокогорных плато танцуют достаточно медленный «бар». На Эгейском побережье существует «зейбек», костюмы к которому относятся еще к временам бога Вакха.

Разнообразие народных танцев, которое можно определить по таким группам как: Халай (хороводы), Каршилама (приветственные танцы), Зейбек и Аджирлама (танец примирения) имеет разную хореографию, и исполняются под разную музыку в разных районах. Обычно Турки предпочитают танцевать свои традиционные народные танцы. Даже те, кто переехал в крупные города, продолжают исполнять народные танцы своей местности. Танец Чифтетелли , корни которого относятся к классическим старинным танцам челенджи — наиболее широко распространен. Турки называют его танцем живота, который произошел из Чифтетелли и никогда не завершают празднование без него.

Современные танцы.

Сейчас в Турции исполняются все известные современные танцы. Технический прогресс позволяет всем возрастным категориям идти в ногу со временем со всем миром , и особенно молодежи не отставать от всемирной сцены. Это делает дискотеки наиболее предпочтительными и посещаемыми местами.

Оттоманская империя начала строить более близкие отношения с западными странами с конца 18 века и постепенно приняла современный стиль жизни. Процесс введения западных норм приводит к изменениям в образе жизни и традициях, но также и к падению империи.

Почти каждый султан упорно старался спасти империю путем введения указов, которые, считалось, улучшат существующую систему.

Западные танцы в то же время появились в оттоманских дворцах. Историки говорят, что Селим III в гареме тайно наблюдал за танцами дочерей французского посла и приказал своим наложницам немедленно выучить этот вид танца. Первая реклама, размещенная в ежедневной газете преподавателями танца, появилась в Стамбуле в 1898 году.

Левантийские и христианские общины стали их первыми учениками.

Объявленные звезды стали танцевать в ночных клубах в Бейоглу (Пера) в начале 20 века и стали примером для энтузиастов танца. Богатое мусульманское население вскоре проявило интерес к западным стилям танца. Такие танцы как вальс, полька, кадриль стали обязательными на балах в 1905-1923гг.

В 1925 году был основан первый оркестр, исполняющий танго. Основание Турецкой республики в 1923 году и дальнейший процесс введения западных норм привели к принятию западного стиля жизни и к лучшим отношениям с европейскими странами. Интерес к современным танцам неуклонно возрастал и после 1935 года появились классический балет и современный балет.

Классические танцы.

Турецкие классические танцы — это восточные танцы, исполняемые танцовщицами «чингис» и «кочекс». Это также те танцы, которые дали начало танцу живота в том виде, в котором мы его знаем сейчас. Давайте сейчас позволим себе заглянуть в красочный мир ченгис и кочекс и на прославленное прошлое мира восточной мечты. Ченгис Незабываемых танцовщиц Востока называли «ченгис», и они были звездами Оттоманского мира развлечений. Существует две гипотезы объясняющие корень слова «ченги»: одна из них говорит, что слово образовалось из слова «чанг» — инструмента наподобие арфы, а другая относит его к слову «чингене», означающего цыган в Турции, с тех пор ченгис в основном были цыганками.

Обе гипотезы могут быть правдой: несомненно, что слова «инструмент» и «танцовщица» взаимосвязаны. Цыгане обосновались в Стамбуле после того как в 1453 году султан Мехмет II завоевал город. Поскольку большинство танцовщиц были цыганками, название «ченги» могло произойти от них. Цыгане приняли мусульманство, но неохотно подчинялись мусульманским законам.

Вместо этого они оберегали свои собственные традиции. Ченгис работали в организованных группах и были оплотом мира развлечений. Группа ченгис называлась «кол» (труппа). Каждая труппа состояла из руководителя, ее помощницы и 12 танцовщиц. Группа музыкантов, называемая «сирачи» аккомпанировали танцовщицам. 4 музыканта, которые играли на 2х бубнах, скрипке и маленьком двойном барабане с палочками, также были женщинами.

Руководитель группы была ченги и обычно женщина, которая прошла многое в жизни. Руководительница обычно была представительницей однополой любви и получала наслаждение в своей группе. Молодые и привлекательные девушки, которые хотели стать ченгис и те, которые хотели достичь совершенства в своей профессии, обучались руководительницей — лесбиянкой. Весьма правдоподобно, что помощницей руководителя была женщина средних лет. Обычно помощница танцевала первый танец, называемый «медленный танец».

Дом руководительницы труппы ченгис был достаточно приятным местом, полным красивых молодых девушек. Из окон доносилась веселая музыка. Это место всегда привлекало внимание соседей. Молодые люди в поисках развлечений и состоятельные ценители женщин толпились около таких домов. Но только в редких случаях ченгис встречались с мужчинами. Девушки ченгис имели любовные отношения только с представительницами своего пола, и лишь немногие из них наслаждались обществом, как женщин, так и мужчин. Обычно они предпочитали женщин с их щеками цвета «персик с молоком» и розовыми губами. В общем, оттоманские ченгис были знамениты из-за своей однополой любви.

Самые известные ченгис ждали приглашений на работу в Тантакале (район к югу от крытого базара) и в цыганском квартале на берегах бухты Золотой Рог.

Женщины, организующие вечеринки в общественных банях и те, кто вел мероприятия подобного рода, договаривались с руководительницей ченги и приглашали группу на работу. В договоре также указывалось, смогут ли ченгис собирать чаевые после того, как представление завершится. Некоторые старые и богатые хозяйки не разрешали собирать чаевые, считая, что это может побеспокоить гостей. Но женщины, которым нравились девушки, их выступление и которые танцевали вместе с ченгис во время представления, давали им чаевые или прикрепляли золотые монеты ко лбу танцовщиц. Эта традиция до сих пор жива, танцовщицы ходят мимо столиков и собирают чаевые. Раньше хозяйка вечера была обязана сама давать им на «чай».

Прогулка ченгис по улицу было мероприятием, которое все хотели посмотреть. Впереди процессии шла руководительница группы. На ней была одета паранджа, желтые туфли, прикрывающие щиколотку и веер. Позади нее шла ее помощница. А за ними шли красивые изящные девушки, одетые в красочную одежду (чаршаф) с тонкой чадрой. За ними следовали музыканты, которые нести инструменты в чехлах, служанки и женщины-носильщики, отвечающие за костюмы.

Во время прогулки кокетливые красавицы бросали манящие взгляды на мужчин, следующих за ними, подмигивали поклонникам. Раздавался серебристый смех. Ченгис и люди, идущие за ними, обменивались сигналами, замечаниями и таким образом подходили к дому, где ченгис показывали свои таланты. У хозяйки дома для ченгис всегда была комната на втором этаже. Танцовщицы удалялись туда для переодевания.

Было абсолютно запрещено входить в комнату танцовщиц, но некоторые любопытствующие женщины не могли удержаться от того, чтобы не подсматривать в замочную скважину.

Люди много сплетничали о танцовщицах. Говорили, что они пили крепкие алкогольные напитки перед выступлением. Также считалось, что дверь в их комнату закрывали, чтобы скрыть этот факт. Танцовщицы переодевались, надевали свои сценические костюмы, пудрили лица, подводили черным глаза и прикрепляли к лицам «мушки».

После того, как они заканчивали свой макияж, их костюмерша расчесывала их волосы, надевала на них тюлевые юбки, бархатные безрукавки и широкие юбки, сшитые из тафты. Их юбки были украшены золотой бахромой. Костюм завершался поясом, украшенным золотом. Танцовщицы носили специальные тапочки, называемее «филер» и завязывали их вокруг белых носков.

Руководительница группы была одета в более женственный наряд. Она принимала участие в танце, только если была одета в танцевальный костюм. После того, как ченгис были одеты и готовы к выступлению, музыканты входили в комнату и занимали свои места. Гости, в нетерпении ожидавшие начала, сидели на стульях или на полу, опираясь на большие подушки. Обычно музыканты «разогревали» публику, исполняя вступительные песни. Руководительница труппы и ее помощница здоровались с гостями и ходили по комнате, приветствуя остальных гостей. Это хождение было названо «медленный ритм». Женщины, исполняющие «медленный ритм» делали это достаточно медленно, держась прямо, вытянув руки вперед, а в руках держали бубны. Они обходили комнату четыре раза, что означало: «мы получаем так много хорошего от этого» (Турецкое идиоматическое выражение: мы стали четырехугольными от удовольствия).

Вся церемония была начальной частью выступления.

Во время второй части выступления танцовщицы исполняли танцы с сагатами, одетыми на пальцы. Руководительница и ее помощница не участвовали в этой части, но танцы исполнялись под их присмотром. Это была самая яркая часть представления. Ченгис делали волны животами, трясли бедрами и плечами, прыгали, быстро бегали, притоптывали каблуками, покачивали шеями, как в группе, так и по одной, заставляя публику вздыхать от удовольствия.

Третья часть называлась «танец кролика». Для этого танца ченгис переодевались. Они надевали мужские шаровары с подходящей по цвету безрукавкой, повязывали шарф на талию и надевали феску без тюрбана на голову. Сагаты оставались на пальцах. В этой части выступления было много прыжков, которые напоминали движения кролика, и эта хореографическая манера и послужила названию этой части представления.

У некоторых богатых дам среди ченгис были свои любимицы. Во время танца эти дамы и танцовщицы обменивались тайными взглядами, знаками и вздохами, и пока дамы прикрепляли ко лбам своих возлюбленных золотые монеты, обменивались секретами. Люди, сидящие вокруг, видели эту близость, и многие отношения были затуманены ревностью. Соперничество между женщинами возрастало по мере того, как все больше и больше монет прикреплялось ко лбам ченгис. Они показывали свою ревность глубокими вздохами и тонкими замечаниями.

Импровизация сменялась песнями, а девушки танцевали как птицы. Движения их ножек были так стремительны, что невозможно было уследить за ними. Как только музыканты подбадривали девушек возгласами, наступал новый всплеск веселья.

С аплодисментами темп музыки ускорялся. Ченгис заканчивали третью часть выступления, танцуя в парах. В четвертой части представления танцев не было. Ченгис с приятными голосами исполняли напевы музыки труппы. Они выбирали обольщающие песни. Зрители в комнате теряли голову от эротичных голосов ченгис, а также от эротичных слов песен. Они заканчивали четвертую часть сценками, например, надевая мужскую одежду и изображая моряков.

Подражание мужчинам веселило и очаровывало публику. Программа выступления заканчивалась игрой в общественную баню. Ченги, переодетая в мужчину-купца делала вид, что она идет мимо бани и зовет оттуда свою возлюбленную, поющую грустные любовные песни. Эта сцена восхищала дам. Представление ченги обычно начиналось ранним вечером и длилось до рассвета.

Ченгис обычно выступали в общественных банях для женщин, если последние организовывали «женский день». Их работой было гарантировать женщинам приятное времяпрепровождение в бане. Полуобнаженные ченгис заставляли женщин испытывать головокружение от лихорадки, вызванной их танцами.

Множество стихотворений и рассказов было написано о ченгис, которые были звездами в Оттоманском мире развлечений. Об известных ченгис были сложены песни и таким образом они завоевали множество сердец.

Ченгис также отождествлялись с Оттоманскими дворцами. В Оттоманской империи, которая считалась одной из могущественных в истории, наложницы, купленные в гарем султана обучались пению и музыке. Талантливые девушки обучались танцу. Преподаватели, приехавшие из-за границы, обучали девушек не только танцам ченгис, но также и андалузским танцам.

Многих наложниц держали только из-за их таланта. Они были украшением уединенных вечеров султана и пытались завоевать его сердце своими самыми чувственными танцами. Некоторым из этих танцовщиц удалось стать султанскими женами. И все же султан приглашал известных в городе ченгис во дворец на особые вечеринки и одаривал их горстями золота после выступления.

Также существовали Ченгис, которых отправляли в столицу из принадлежащих империи земель — Египта, Палестины, Северной Африки. Эти девушки не только становились танцовщицами во дворце, но и наложницами в домах богатых людей. Достигнув зрелого возраста, эти наложницы становились руководительницами групп ченгис. Женщины гарема тоже приглашали ченгис для развлечения, и для танцовщиц было приятно танцевать перед привилегированным населением гарема.

Историки говорят, что труппы ченги выступали с красочными представлениями на Оттоманских празднествах, проводимых по случаю свадьбы султана или церемонии обрезания наследника. Турецкие ченгис танцевали даже на фестивале, организованном итальянцами в 1524 году. Ченгис также присутствовали на торжествах в 1530 и 1539 годах. Но хотя в те времена все танцоры назывались ченгис, танцоры, выступающие публично на торжествах были мужчинами, а не женщинами. Вкратце, мы можем сказать, что все слои общества любили и наслаждались магией восточного танца.

Ченгис начали украшать своим присутствием вечеринки для мужчин только к концу 19 века. Ахмет Митхат Эфенди так реалистично описывал выступление группы ченгис из 3х человек на частной вечере: «Одна из ченгис по имени Сюмбюль была одета в костюм из розового шелка. Наряд Арифы был из голубого шелка, Назли надела наряд из черного шелка, который, как она прекрасно знала, очень ей шел. На костюмах Сюмбюль и Арифы были симметрично нашиты маленькие блестящие кружочки, на костюме Назли они были разбросаны в произвольном порядке, и это выглядело действительно прекрасно.

Когда они начали танцевать, полностью в такт с музыкой, не быстрой и пронзительной, но и не лишенной мягкой гармонии, все зрители не могли оторвать взгляд от артистичных движений этих трех женщин. Когда они приближались к мужчинам, которым они хотели понравиться, их плечи, руки, кисти и грудь начинали дрожать (как и другие части их тел) так, как будто они были привязаны к месту нитями. В это же время волосы, которые спускались ниже пояса, не могли быть укрощены из-за движения тел. Закрывая волосами свои лица от взглядов своих возлюбленных, мечтающих о них, они держали их своими маленькими пальчиками, которые едва могли удержать сагаты, и перекидывали их за плечи с таким очаровательным и притворным гневом, что от этого сердца влюбленных трепетали больше, чем от всего остального.

Ченгис исполняли эти особые движения перед своими поклонниками лишь несколько мгновений, не дольше. Потом, как только они понимали, что разгоряченный возлюбленный готов их обнять, эти кокетки в мерцающих нарядах поворачивались вокруг своей оси как вращающиеся сферы и немедленно убегали. После некоторого отсутствия, они с очень вежливой, но немного непристойной улыбкой выходили и аплодировали своим бедным влюбленным.

Но нужны были и другие хитрости, чтобы удержать возлюбленного в состоянии между грустью и надеждой. И это и было мастерством ченгис. Этих трех женщин, несомненно, трудно превзойти в этом. После того, как она выполнила все мельчайшие детали этого ремесла, она почти закрыла лицо ладонью правой руки, как будто ей было стыдно за ее недавнее бессердечие (сагаты оставались у нее на пальцах), а затем, открывая лицо, смотрела на своего возлюбленного. Двигая правой рукой по направлению к животу и покачиваясь, она послала воздушный поцелуй своему поклоннику. Бедный возлюбленный простил ей ее притворное нерасположение и капризы и делал это постоянно, даже если они не претендовали на это.

Затем гости попросили танцевать одну Сюмбюль.

Зазвучала ее музыка, она сняла свои старые сагаты и одела специальные. Сюмбюль стала танцевать под быструю музыку. Она начала вращаться в такой манере, про которую говорят: „Те, кто хочет увидеть, как летает человек, должен посмотреть на Сюмбюль“, потому что высказывание „это то, что называется танцем“ не достаточно.

В ее танце тряски животом выглядели бы дешево и уродливо, и если бы она снизошла до того, чтобы показывать это, то не было бы ни одного человека, который бы ее похвалил. Ее маленькие ножки, которые белое, до колен платье не могло скрыть, касались пола исключительно носками. Но, как только она быстро меняла позиции, ее ножки не касались пола, и, казалось, что она танцует в воздухе. Вам не следует думать после нашего описания, что взволнованное трепетание охватило ее тело выше пояса, и что ее выступление не было приятным зрелищем.

Тело Сюмбюль как бы состояло из верхней части и отдельно нижней, которые, возможно, были связаны животом. Может ли такое быть возможным? Хотя она и касалась земли носочками своих ног со скоростью несколько тысяч раз в секунду, но выглядело это так, как будто она этого не делала, и каждое движение ее „верхнего“ тела сводила всех с ума. Одна ее нога была центром круга, в то время как другая продолжала чертить окружность в медленном повороте. Это артистичное шоу, которое вряд ли сможет описать даже самая талантливая рука, ошеломило всех присутствующих в комнате».

В начале 20 века профессия ченги потеряла свою бывшую славу. Начало нового столетия ознаменовало период заката Оттоманской империи. Войны, поражения, экономические проблемы и общий пессимизм подорвали моральный дух общества и, следовательно, предыдущие виды развлечений.

Экономический упадок стал препятствием для трупп ченги, в которых работало много танцовщиц. Такие группы уменьшились до трех или четырех танцовщиц и нескольких музыкантов под управлением руководителя. Обвал экономики, в общем, также привел к экономическому росту левантийской и христианской общин, которые требовали не традиционных, а западных видов развлечений. В результате этого, звезды европейского шоу начали заменять традиционных танцовщиц.

Певицы и приглашенные звезды стали любимицами публики в Пера, которая была центром мира развлечений на стыке веков. Даже султан обратил на них свое внимание, и не прошло много времени, прежде чем они стали героинями многих любовных приключений. Оргии с распитием спиртных напитков, танцовщицами и развлечениями.

До сих пор в некоторых частях Анатолии и сейчас существует другой тип танца, похожий на классические ченгис и кочекс. Этот вид встреч в Кони назывался «отурак» (оргия с распитием спиртных напитков и участием девушек-танцовщиц) и приобрел название «кюмбюш» (развлечение) в Анкаре и близлежащих районах. Те выступления тайно организовывались мужчинами и были похожи на современный беллиданс в том виде, в котором мы его знаем сейчас.

Как правило, торговцы и администрация городов собирались вместе для развлечения в доме, находящемся далеко от центра. Они обычно приглашали одну женщину-танцовщицу на эту встречу. Она предлагала напитки зрителям, пела песни и затем танцевала с сагатами на пальцах. У танцовщицы всегда был охранник, называемый «эфе», и он также присоединялся к гостям, если хозяин его приглашал.

У вечеров «отурак» и «кюмбюш» были строгие правила, самое главное из которых гласило: «Не приставать к танцовщице». Во время вечеров «кюмбюш» было даже запрещено смотреть на танцовщицу выше пояса. Некоторые гости на таких вечерах сочиняли музыку.

Хозяин предпочитал танцовщиц, которые хорошо владели сагатами и умели играть на инструменте, называемом «кюмбюш», похожем на банджо. Танцовщица начинала выступать в достаточно большом количестве одежды, но затем медленно раздевалась, по мере увеличения веселья, и к концу вечера она выглядела практически раздетой.

Подобные развлекательные мероприятия проводились тайно из-за общественного неприятия. Это представление, которое уходило корнями к Вакханальным праздникам античной Анатолии, проходило в тайне из-за моралистического контроля мусульманского общества, и чувственная манера подобных вечеров не акцентировалась. Но разрешение мужчинам смотреть на танцовщицу только до пояса во время вечеров «кюмбюш» являлось достаточным свидетельством того, что женщину рассматривали только в качестве сексуального объекта.

Мастера турецкого танца живота.

Большое число критиков признают таланты некоторых исполнительниц, которые танцевали на турецкой и мировых сценах. Было бы совершенно не справедливо не упомянуть их имена, сладкие как «турецкие сладости». Они воплощали мировую мечту своих почитателей каждый раз, как только начинали двигать бедрами. Не было бы ничего названного «Турецкий танец живота» без этих звезд, которые выступали в концертных залах и танцевальных театрах.

Самая известная танцовщица, в течение первых лет после становления турецкой республики, основанной 1923, была Эммин Адалет Пии. Она родилась в 1909 году и начала танцевать, как только ей исполнилось 14 лет. Эммин вышла замуж за немца, сменила свою девичью фамилию и переехала в Германия для того, чтобы сделать карьеру танцовщицы. Она работала в Америке, Египте и Англии, и выступала перед такими известными людьми как Ататурк, Король Георгий 5 и Адольф Гитлер. Она была настолько известна и любима в Германии, что когда ей предстояла поездка из Венны в Берлин, в ее распоряжение был предоставлен целый вагон поезда.

В Америке в семидесятые годы было две известные турецкие танцовщицы -это Никла Атес и Озел Тюркбас. Надо отметить, что мнение американцев о танце живота формировалось именно во времена славы этих двух танцовщиц. Озел Тюркбас родилась в 1941 году и была одной из лучших танцовщицей, которую когда-либо доводилось увидеть. Она танцевала, как во сне, и могла очень долго оставаться на сцене. В 1967 году она выиграла пари, в котором должна была протанцевать на коленах в течение 6.5 часов. Также играла роли в кино.

Многие американки научили своих мужей «быть султанами» после окончания школы Озел Тюркбас и после прочтения ее книги о восточном танце. Она также выпускала кассетные записи с восточной музыкой и обучала своих учениц двигать бедрами под ритм этих мелодий. Она обладала безупречной фигурой и представляла Турцию заграницей.

Никла Атес шокировала Истамбл своими длинными, черными, красивыми волосами, гармоничной фигурой и пухлыми губами. На мюзикле «Фани» на Бродвее она привнесла восток на сцену Нью-Йорка. Она стала самой известной танцовщицей в США и получала роли для участия в фильмах в Голливуде. Ее называли «Турецкая сладость» и она была лучшей, кто работал с огнем, и стала первой танцовщицей в конце 50 г. Она была первой, кто внес элементы стриптиза в танец, заставляя зрителя почувствовать учащение пульса. Никла Атес была вынуждена переехать в Италию из-за постоянных скандальных публикаций в европейской периодике. Она соединила танец живота и стриптиз и продолжала долгое время работать в Италии.

В конце 60 годов были известны такие имена как: Лейла Сайар, Бирзен Айда, Нилюфер Айдан, Тэхайе Салем, Седеф Туркай, сестры Гулай и Занубия, ей была написана известная песня.

В 80 года большим талантом отличились Нэсрин Топкапи, Сухер Зенис и Принцесса Бану. Нэсрин Топкапи первая выпустила шоу на турецком телевидение в то время, когда танец живота был под запретом. Сухер Зенис отличилась своим мастерством делать из танца настоящее искусство. В 90 годы она явилась организатором школы в Германии, где и преподавала. Она была очень красива и смогла приукрасить танец элементами секса. Как и Никла Атес объединила танец живота и стриптиз в единое целое. Участвовала во многих фильмах, которые очень нравились публике.

Принцесса Бану отличалась изяществом и красотой линий тела. Она была действительно звездой и выступала в основном в зарубежных странах. Она сама так отзывалась о своем искусстве: «Я танцовщица, которая живет и занимается любовью с музыкой».

Она хорошо владела азами египетской школы танца. Была любима в Европе, Ближнем Востоке и Северной Африке. Она также работала по просьбе Министерства туризма.

Многие другие танцовщицы, которые не были упомянуты, также были узнаваемы и любимы у себя на родине и за ее пределами.

1.


2.

Танец живота – один из самых древних танцев на Земле. На развитие этого танца повлияло несколько сотен народов мира, культур и цивилизаций. Поэтому он так богат различными направлениями, стилями и разновидностями. Сегодня известно более 80 разнообразных вариаций и стилей. Существует 8 основных школ и множество мелких. Наибольшее распространение в мире получили египетская и турецкая школы. Опытные танцовщицы часто варьируют, смешивают различные танцевальные элементы – от этого выступление становится ярче, красивее эмоциональнее. При этом они руководствуются не правилами и догмами, а прислушиваются только к себе, выбирая из многообразия стилей и направлений те, которые наиболее полно выражают их образ мыслей и чувств, их яркость и индивидуальность. Танец Живота как никакой другой способствует самовыражению. Однако, чтобы выбирать, разумеется, нужно знать, из чего выбирать. Чем больше стилей и направлений вы освоите, тем шире будут возможности для интерпретации, фантазии и творчества.

Танец живота – не только искусство соблазнения по-восточному. Это отличный способ сделать фигуру стройной, а организм – здоровым. Ведь эротические «подрагивания» бедер не только разжигают страсть в сердце любимого мужчины, но и положительно влияют на самочувствие самой танцовщицы – ритмика развивает пластику и улучшает кровообращение. Во время исполнения танца активизируются почти все группы мышц, даже самые глубокие, чего нельзя добиться никакими современными системами гимнастики. В результате более гибкими становятся суставы и позвоночник, исчезает сутулость. Особенно полезен танец живота тем, кто ведет сидячий образ жизни, - движения бедрами усиливают циркуляцию крови в органах малого таза. Фигура обретает естественный женственный силуэт: грудь выглядит упругой, талия – тонкой, бедра и ягодицы – более подтянутыми (за счет частых движений бедрами в различном темпе, поэтому со временем можно забыть о целлюлите). Вместе с тем становится плоским и живот, поскольку пресс при исполнении bellydance работает практически постоянно. К тому же большое количество повторяющихся ритмичных движений совершенствует природную женскую грацию, делает изящной походку, развивает пластичность суставов. Да и особенности танцевальной техники на расслабленных подогнутых коленях позволяют снизить нагрузку на коленные и голеностопные суставы. В итоге – никакого остеохондроза. При эмоциональном исполнении танца начинают трудиться и лицевые мышцы, что помогает сохранить молодость. А умение контролировать вдох и выдох, управлять своим дыханием!..

С помощью танца живота можно похудеть, не прибегая к диетам, или же, наоборот, поправиться, гармонизировать свой вес, если существует определенная диспропорция. Танцуя, человек раскрепощается и таким образом преодолевает стресс. Вellydanceхорош тем, что позволяет избавиться от накопившегося напряжения даже в тех мышцах, о которых вы, может быть, раньше и не догадывались. В процессе занятий высвечиваются скрытые психологические проблемы. Например, закрепощенность нижней части тела говорит о подавлении себя в сексуальном отношении, особенно это заметно у женщин старшего возраста, в то время как у молодых зажатость в грудном отделе свидетельствует о недостатке душевности в отношениях с окружающим миром. Гибкость в танце придает гибкость характеру: мягкость и плавность влияют на легкость в общении, раскованность в движениях ведет к внутренней свободе.

Помимо того что танец живота – универсальное средство для поддержания физической формы, это еще и один из наиболее безопасных видов тренировок: в нем нет резких движений, поворотов и толчков. На сегодняшний день элементы танца живота используются во многих танцевальных направлениях. И это неудивительно. Ведь, кроме того что bellydance укрепляет здоровье, он очень красив и эстетичен. И хотя большинство спортивных клубов предлагает упрощенную по сравнению с танцевальными школами программу, танец живота – полноценная альтернатива многим фитнес-тренировкам.

После первых занятий беспокоит не боль в мышцах (ее и впредь не будет, мышцы накачиваются незаметно для танцующей), а черно-белая зависть: у других все получается легко и красиво, разве я так смогу? Опускать руки нельзя – как в любом деле, тут нужно терпение. Но даже если вам никак не удается правильно выполнить движение, боль в глазах не допустима. На первых же уроках придется освоить сленг: «маятник», «качалка», нижние и верхние «волны», горизонтальные и вертикальные «тряски», внутренние и внешние «восьмерки» - все это разновидность упражнений. И пусть с вас сойдет семь потов – совсем скоро вы будете выходить из зала довольной и отдохнувшей. А через несколько занятий тело вспомнит о своей кошачьей грации.

Основные направления:Египетский стиль
Расслабленный, уверенный танец, в основе которого лежит пластика бёдер. Танец исполняется под быструю, иногда очень затейливую оркестровую музыку. Значительное место отведено взаимодействию с публикой. Всеми средствами танцовщицы стремятся придать живость и яркость исполнению. Некоторые эксперты обозначают египетский стиль как стиль, в котором преобладают тряски, а руки в простых комбинациях выражают чувства.
Турецкий
Настоящий турецкий стиль очень живой, яркий и жизнерадостный. Больше «партера»(танец лёжа на полу), чем у остальных. Танцовщицы, которые учились в духе египетской школы, очень категорично отзываются о турецком стиле, называя его развязным. Это суждение неверно. По своей сути турецкий стиль не является более развязным, чем какой-либо другой. На формирование такого мнения повлиял большой поток танцовщиц-нелегалов, приезжающих работать в Турцию и не имеющих никакого представления о культуре, традициях и истории танца.

Ливанский
Движения в ливанском стиле более мягкие и волнообразные, руки изящны и грациозны, прямое положение корпуса, более резкая и четкая работа бедрами. Танец часто сопровождает медленная музыка. Больше энергии, меньше кокетства и заигрываний. По сравнению с приверженцами египетского стиля, ливанские танцовщицы в большей степени склонны носить высокие каблуки (то же – в Иордании и Сирии). Амплуа местных танцовщиц – изящная застенчивость, выражающая что-то вроде: «Я понятия не имею, как мое тело это выделывает».

Персидский
В Иране его называют «Ракс-э-Араби», или «арабский танец». Настоящие персидские/иранские танцы могут содержать движения бедрами и грудной клеткой, но в большинстве своем танцевальные элементы отличаются от характерных движений восточного танца. Для персидской/иранской аудитории исполняется изящный, скользящий танец, дополненный скоординированными движениями руками и головой, особенно – головой. В иранском обществе движения восточного танца ближе к театральному искусству, чаще используются в сценическом танце и некоторых видах народных танцев, отдельную дисциплину они составляют редко. В любом случае выступление танцовщицы невероятно женственно и деликатно.

Арабский стиль. Стиль Саудовской Аравии
Такой танец исполняется исключительно женщинами и для женщин, и лишь в последнюю очередь для мужчин. Представляет собой смесь различных восточных движений, включает очаровательные движения головой и встряхивания волосами. В Саудовской Аравии нет ночных клубов и профессиональных танцовщиц; это противоречит законам шариата.
Но… не стоит придерживаться какого-то одного стиля или направления. Восточный танец слишком многолик и разнообразен. И ничем не ограничивает фантазию. Можно бесконечно импровизировать, используя в танце различные аксессуары: цимбалы(сагаты), сабли, свечи, трости, шарфы, плетки, канделябры.

Танец с канделябром
Канделябр со свечами устанавливается на голове танцовщицы и остается неподвижным в течение всего танца. Не так-то просто выразительно и эмоционально исполнить все движения с таким украшением! Именно эта сложность и придаёт танцу особый эффект.

Танец с тростью (саиди)
Зародился в районе Египта по званием Сайд, где жили пастухи и воины, а бамбуковые трости использовались как оружие. Женщины трансформировали угрожающие движения воинов в красивый, пластичный и энергичный танец. Танцовщицы могут удерживать свою трость на голове, груди, бедре. Это требует огромного мастерства.

Танец с платком или шарфом
Один из самых популярных и древних традиционных танцев. Платок удивительно украшает движения. Его используют не только для выхода на сцену, а иногда исполняют целый танец, создавая с помощью платка или шарфа необычные истории.

Танец с саблей
Необычный, сложный и оригинальный. Интересен контраст; женственный танец живота и грозное холодное оружие восточных воинов. Женщины не делают боевых движений с саблей, обычно ее используют для красивых балансировок на голове, животе или бедре.

Танец с цимбалами
Цимбалы (на арабском – сагаты) – это один из самых древних музыкальных инструментов в виде двух пар деревянных или металлических пластинок. Их используют как музыкальное сопровождение к танцу, что предполагает хорошее знание ритмов восточной музыки.

В настоящее время происходит смешение восточного танца с джазом, фламенко, латино, классикой и т. д. Танец живота постоянно развивается, предоставляя огромное поле для деятельности. Экспериментируйте, проявляйте изобретательность! Со временем у вас обязательно появится свой стиль, основанный на внутреннем видении мира и себя.


1.


2.


3.


4.


5.

Тарантелла (итал. Tarantella) — итальянский народный танец в сопровождении гитары, тамбурина и кастаньет (в Сицилии), музыкальный размер — 6/8, ³/8. С историей тарантеллы связано много легенд. Начиная с 15 в. в течение 2 столетий тарантелла считалась единственным средством излечения «тарантизма» — безумия, вызываемого, как полагали, укусом тарантула (название паука, так же как и танца, производят от названия южноитальянского города Таранто). В связи с этим в 16 в. по Италии странствовали специальные оркестры, под игру которых танцевали больные тарантизмом. Музыка тарантеллы обычно импровизировалась; для неё характерно длительное развёртывание мелодии с большими расширениями и кадансовыми дополнениями. В основе тарантеллы часто лежали какой-либо один мотив или ритмическая фигура в ранних образцах — и в двудольном метре), многократное повторение которых оказывало завораживающее, «гипнотическое» действие на слушателей и танцующих.

Хореография тарантеллы отличалась экстатичностью — самозабвенный танец мог продолжаться несколько часов; музыкальное сопровождение танца исполнялось флейтой, кастаньетами, бубном и некоторыми другими ударными инструментами, иногда с участием голоса.

Гуагуанко – это расслабленная пластика черной пантеры перед прыжком, это абсолютное владение собственным телом, это движения, завораживающие и приковывающие взгляд, это сексуальность, идущая изнутри, которая не останется незамеченной. Гуагуанко – универсален. Изучив его движения, вы не только научитесь ориентироваться в любом ритме, вы сможете импровизировать под любую музыку, оставаясь неизменно оригинальны, ибо танец этот оттачивался столетиями и ваше тело с радостью примет его вековые традиции. Танцевать гуагуанко можно как в паре, так и соло.
Традиционно каждая румба гуагуанко – это страстная история любви между мужчиной и женщиной, выраженная в танце. Танцуя гуагуанко, вы можете изобразить любую эмоцию, любое действие, будь то кокетливое прихорашивание перед зеркалом в ожидании свидания, разговор по телефону или даже катание на лыжах...
Rumba cubana (Кубинская румба) Румбой является одно из древних артистических выражений, танца и музыки, которое создал Кубинский народ.Румба рождена, за счет религиозных ритуалов, развивалась она на базе ярко выраженных ритмов и хоровых голосов.Румба – это общее название нескольких афро-кубинских направлений музыки и танца. Существуют несколько форм афро-кубинской Румбы. Данная группа посвящена именно ГУАГУАНКО.Традиционно считается, что родиной румбы является Куба – своеобразный центр карибской культуры. И по большей части это правда – дикая экзотика этого островного государства, романтика океанских просторов и золотых пляжей, плотский дурман гаванских портов и необузданный нрав креолов – всё это несомненно породило то обилие эмоций, которое соткалось в королеве латиноамериканских танцев – румбе...

Сон — танец, зародившийся на Кубе и получивший известность в мире в начале 1930-х годов.

Сон танцуют в паре, но в зависимости от стиля танец имеет различный темп и рисунок танца может начинаться с различных счетов.

Стилей сона довольно много, однако большая часть из них потерялась во времени.

Наиболее популярным является мнение, что сон танцуется на contra tiempo то есть против ритма клаве- шаг на 2 или 6 (то есть на 1,3, 5,7 счет — сильную долю- не шагают, движение ноги на 2 или 6 счет). Иногда используется добавочный тэп или мягкий перенос веса на один из счетов.

Содержание
1 Стили танца
1.1 Son Montuno
1.2 Son Guaracha
1.3 Son Сhangüí
2 Примечания


Стили танца

Son Montuno

Сон монтуно медленный танец.

Сон танцевался в манере дансона, но с большим движением бедрами.

Основной шаг состоит из отсутствия движения и перемещения веса тела на левую ногу (для мужчины) на раз и передвижения правой ноги назад на два.

Son GuarachaСон гуарача — быстрый танец, в качестве шага используется шаг Cajon (перекрестный шаг, с мягким переносом веса между шагами).

Son СhangüíСон чангуи — один из малопопулярных стилей сона, эта вариация возникла на северо-востоке города Guantánamo в муниципальных округах Salvador, Yateras и Manuel Tames. На текущий момент танец сохранился только в памяти этих округов и танцоров-профессионалов, которые специализируются на этом направлении.

Основной шаг танцуется с подпружиниванием, в отличие от остальных стилей.

Руэ́да (исп. rueda — колесо, круг, также — rueda de casino) — особая, кубинская по происхождению, разновидность танца сальса, исполняемая несколькими парами одновременно (от двух и более пар). Танцующие пары выстраиваются по кругу и по команде одного из участников, называемого «певцом» (исп. cantante, cantor), как правило, мужчины (padre), реже женщины (madre), слаженно выполняют определённые фигуры, сменяя партнёров по кругу. В руэде используются движения как обыкновенной, парной сальсы, так и специфические движения, характерные только для неё. Поскольку фигуры руэды не стандартизированы (в каждой танцевальной компании или школе они могут отличаться как названиями, так и вкладываемым в них смыслом), любой участник руэды должен знать движения, принятые в данной конкретной руэде, и следовать указаниям лидера. Распространено мнение, что танцующие руэду люди должны выполнять движения полностью синхронно. Это не совсем так: при исполнении руэды четырьмя парами возможна так называемая «асинхронная» руэда. В этом случае две пары начинают движения как в обычной руэде, а две других пары — с отставанием на такт. В результате получаются как бы две руэды, танцующие крест накрест друг относительно друга, под команды одного кантора.

[править] Команды руэды [1]Пояснение: "хвост" - часть девушки пониже спины и повыше ног :)

Особые команды:

Otra [Otra vez][Uno más] (еще раз) - повтор предыдущей фигуры;
Mentira [Broma] (шутка) - выполнение текущей фигуры прерывается и партнер возвращается к той партнерше и в ту же позицию, с которой начал;



Abajo — (вниз) — танцуем сальсу по кругу, двигаясь назад. Пары в закрытых позициях;
Al medio [p’al medio] [Por el centro] (В центр) — сигнал к открытию Руэды. Используется как приглашение к началу танца и для синхронизации участников. Пары двигаются в закрытой позиции внутрь круга и из него. Одновременно с движением внутрь опускают руки в центр, при движении из круга — поднимают руки вверх. Движение продолжается до тех пор, пока не прозвучит следующая команда (например, arriba, abajo, dile que no и т. д.);
Arriba (наверх) — танцуем сальсу по кругу, двигаясь вперёд, по направлению к кантеру. Пары в закрытых позициях;
Bulla [Una bulla] (шум, гам) — Во время исполнения pa’l medio, кричим «hey!» на счет 5;
Capelia — три раза делаешь поворот партнёрши в центр круга, после третьего поворота хватаешь следующую партнершу за хвост и остаёшься у начальной партнёрши;
Dame [dame una] (дай мне) — dile que no с переходом к следующей партнёрше;
Dame dos — dame с переходом ко второй партнёрше (через одну);
Dame tres — dame с переходом к третьей партнёрше (через две);
Dame con una — dame с одним хлопком на счёт 7;
Dame con dos — dame с двумя хлопками на счёт 7,8;
Dame con tres — dame с тремя хлопками на счёт 7,8,1;
Dame con uno-dos-tres — подряд 3 команды: dame con uno, потом dame con dos и dame con tres;
Dame por la cabeza — dame с ведением партнёрши за голову (рука на затылке партнёрши);
Dame por el culo — dame с ведением партнёрши за «хвост»;
Esa no me gusta (эта мне не нравится) - продолжаем Dame por el culo до тех пор, пока кантор не крикнет Esa me gusta (эта мне нравится)
Dame por el estómago — dame с ведением партнёрши за живот (при этом не партнёр впивается рукой в живот девушки, а партнёрша сама «приклеивается» животом к руке партнеёра);
Dame por la nariz — dame с ведением партнёрши за нос (нежно зажимаем носик партнёрши);
Dame por la oreja — dame с ведением партнёрши за ухо;
Dame por la pierna — dame с ведением партнёрши за ногу в районе колена;
Dile que no (скажи ей нет) - переход из закрытой позиции в открытую
Dile que si (скажи ей да) - переход из открытой позиции в закрытую
Enchufa, Enchúfala (в разговоре сократилось до Enchufla) (подключи её)
Enchufla doble
Espaguetis — на счет 1,2,3 — Enchufla, затем партнер берет правую руку партнерши и изображает, как будто всасывает длинную макаронину по всей длине руки партнерши, и быстро сматывается к следующей партнерше :);
Foto [Una Foto] (фото)
Prepare y foto — делаешь Enchufla, по ходу прихорашивая партнершу, со следующей тоже Enchufla, но во время нее останавливаешься и делаешь снимок с громким криком «Чик!» :)
Фото «по-краснодарски» — все участники замирают, глядя в центр-вверх, и стоят пока кантер не скомандует Basta!
Фото «по-московски» — команда произноситься втихаря, чтобы партнершы не услышили. Выполняется обычная Enchufla, но на счет 5 партнер резко строит рожицу партнерше и поднимает над ней руки :)
Macarrones — на 1,2,3 — Enchufla, затем партнер берет правую руку партнерши и изображает, что он ест макароны, то есть кусает несколько раз руку партнерши по всей длине (символически) и быстро сматывается к следующей партнерше;
Mantequilla (масло) — на счет 7 партнер поднимает руки партнерши, на 1-2-3 проводит руками по боковой области сверху до низу, как будто вытирая руки, на 5-6-7 проводит руками снизу вверх следующей партнерше. Потом возвращается к своей.
Mantequilla suave — то же самое, что и Mantequilla, только партнер медленно "вытирает" руки сначала по следующей партнерше, потом по своей, не под счет, а столько, сколько захочет кантер. Если осталось время - вытирает об себя;
Paseala adentro y afuera - прогуливай ее внутрь и наружу в закрытой позиции
Peluquero (парикмахер) — на 1,2,3 — Enchufla, затем партнер делает «прическу» партнерше (взъерошивает ей волосы) и идет к следующей. Обычно парни договариваются так, чтобы девушки не слышали команду, в противном случае рискуют получить в ответ маленькую женскую месть :);
Hasta peluquería (перед парикмахерской) - на 1,2,3 - Enchufla, затем партнер делает вид что плюет на ладони и приглаживает девушке волосы. Потом быстро сматывается к другой партнерше;
La policía — Enchufla с поднятием рук партнёрши, похлопываем партнёршу по бокам, партнёрша кричит громко «Ай, Ай!», тянем к другому партнёру и сами идём к следующей;
La policía «по-московски» — Enchufla без поворота партнёрши, гладим партнёршу по бокам, поворачиваем партнершу за руки и сами оборачиваемся на 7 руки вверх, дальше партнерши нас гладят, по команде basta к следующей партнерше;
La policía de mujer — Enchufla, дальше заводим партнершу за себя на 7 руки вверх, партнерша ощупывает сверху вниз — на раз-два-три по бокам, пять-шесть-семь по ногам, раз-два-три с внутренней поверхности бедра, пять-шесть-семь по очереди заворачивают руки начиная с правой и на восемь пинок, после которого партнер улетает к следующей партнерше :о);
Por arriba (через верх) — на 1,2,3 — обвод партнерши вокруг партнера (сзади), при этом ведущая рука партнера проносится над его головой, на 5,6,7 — возвращаем партнершу на место (вторая часть dile que no) в позицию abbierto y cerrado;
Por detrás (сзади, за спиной) — на 1,2,3 — обвод партнерши вокруг партнера (сзади) со сменой рук партнера за спиной, потом на 5,6,7 — возвращаем партнершу на место тем же способом, при этом партнер снова меняет руку;
Por de abajo (через низ) — на 1 партнер опускает руку партнерши между своих ног на уровне колен со стороны спины и перекладывает руку партнерши в свою правую руку, которая находится впереди себя, на 2 — партнер перекладывает руку партнерши из правой руки в левую впереди себя, на 3 — партнер перехватывает руку партнерши правой рукой со стороны спины, потом выпрямляется и на 5 снова перехватывает руку партнерши в свою привычную левую руку и заканчивает dile que no;
Prima (кузина)
Prima bonita (кузина красивая)
Prima corta (кузина короткая)
Prima no la suelta (кузина не оставляй ее)
Prima con hermana (кузина с сестрой)
Prima con hermana y la familia (кузина с сестрой и семейством)
Principe bueno (хороший принц)
Principe malo (плохой принц)
Sácala (выведи ее) — из закрытой позиции партнеры начинают водить партнерш внутрь круга и обратно, разворачивая их, партнерши при развороте поднимают руку.
Un tarro (бык) - из закрытой позиции, обычно на Arriba, партнер переходит к следующей партнерше обходя свою слева под рукой, положение корпуса не меняется;
Vacílala [Vacila] — на 1,2,3 партнёр пускает в поворот партнёршу левой рукой от себя (через правое плечо партнёрши), партнёрша делает полоборота, на 5,6,7 она доворачивается до положения dile que no. далее собственно dile que no;
[править] Примечания1.↑ В скобках приведён перевод названия, в квадратных скобках — варианты названий.
[править] External links"Энциклопедия Rueda de Casno" (English, Russian)
Media Noche variations collection - a collection of Casino moves videos.
"Historia de la Rueda de Casino y la Salsa en Cuba"
"Rueda Calls & Descriptions"
"Miami-Style Rueda Calls"
"A Rueda Wiki including streaming flash videos, Spanish pronunciation guides, an English translation of the calls and much more!"
"The Norwegian Rueda Standard includes a Reference to more than 100 Rueda Calls, Translations of Spanish Rueda Calls into English (and Norwegian), links to Videos on YouTube and more."

Реггето́н (исп. reggaetón, англ. reggaeton) — музыкальный стиль и танец, возникший в Панаме и Пуэрто-Рико под влиянием регги, дэнсхолла и хип-хопа, и получивший широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также среди латиноамериканцев, проживающих в США.

Содержание [убрать]
1 История
2 Музыкальные составляющие
3 Популярные исполнители реггетона
4 Ссылки


[править] ИсторияРеггетон возник в начале 1990-х годов, вобрав в себя влияние ямайской музыки регги, техно-музыки, рэпа, а также традиционных стилей пуэрториканской музыки — бомбы и плены. Сходен с североамериканским хип-хопом: ритмичная музыка в сочетании с рэп-речитативом; последний обычно читается на испанском языке.

В середине 90-х стиль проникает в среду латиноамериканцев, живущих в США, при этом местная молодёжь воспринимает это направление музыки с большим энтузиазмом — отчасти благодаря современному звучанию, а отчасти благодаря его латиноамериканскому происхождению. Хотя реггетон испытал большое влияние хип-хопа, было бы неправильным считать его просто «испанизированной» версией этого стиля, поскольку реггетон имеет несколько иной ритм.

[править] Музыкальные составляющиеРеггетон с лёгкостью сочетает в себе несколько различных стилей. От регги в нём есть немногое, несмотря на то, что причастные к нему утверждают, что его ритм является новой ступенью в эволюции ритма регги. Второй составляющей реггетона является собственно рэп или речёвка (fraseo) которую в городе Колон (Панама) называют «el ton» (тон).

[править] Популярные исполнители реггетонаВыходцы из Пуэрто-Рико:




J Balvin - напр. Fido songo
Reykon
Xtreme - реггетон сингл Te Extraño.
Yelsid
Иви Куин — «дива» реггетона.
Дэдди Янки — исполнитель реггетона.
Дон Омар — мэтр реггетона.
Эктор Дельгадо Роман
Calle 13
Wisin y Yandel
Plan B
Angel Y Khriz
Alexis Y Fido
Rakim Y Ken-Y

Са́льса (исп. salsa — «соус») — музыкальный жанр, популярный в основном в Латинской Америке и среди выходцев из нее. Сальса включает много стилей и вариаций; в широком смысле термин можно использовать для практически любой музыки кубинского происхождения (к примеру, ча-ча-ча, болеро, мамбо). В более узком смысле термин относится к стилю, разработанному в 1960х и 70х кубинскими и пуэрториканскими иммигрантами в Нью-Йорке и его окрестностях, а также к его ответвлениям, таким, как сальса романтика 1980х. Этот музыкальный стиль сейчас распространен не только в Латинской Америке, но по всему миру. Самыми близкими стилями к сальсе являются кубинское мамбо и сон начала XX века, и латиноамериканский джаз. Вообще, термины латиноамериканский джаз и сальса зачастую используют как синонимы; многих музыкантов относят к обеим областям, особенно это относится к музыкантам до 1970 годов.

Стилистически сальса связана в основном с (афро-)кубинской традицией, хотя она содержит в себе пуэрториканские, колумбийские и другие латиноамериканские влияния, включая поп, джаз, рок, R’n’B.

Современная сальса в основном ориентирована на танец, и прочно связана с танцем исполняемым под неё.

Содержание
1 История
2 Знаменитые музыканты
3 Знаменитые сальса-бэнды
4 Близкие понятия


ИсторияАвторство названия приписывается «королю мамбо» Тито Пуэнте (Tito Puente, 1923—2000). Характерные особенности — размер 4/4, фразировка с периодом в два такта, быстрый темп, сложный ритмический рисунок, являющийся комбинацией ритмов «тумбао» и «сон клаве».

Сальса объединяет множество стилей и их вариаций, этот термин может быть использован для описания большинства жанров, вышедших из Кубы, таких как Ча-ча-ча (chachacha) и Мамбо (mambo). Как бы то ни было, сальса относится к конкретному стилю, развитому в 60—70-х годах кубинскими и пуэрториканскими иммигрантами в Нью-Йорке, и его стилистическим производным, таким, как сальса романтика (salsa romantica).

Родиной сальсы, по большому счёту, является Куба, хотя этот стиль так же является гибридом пуэрториканских и латиноамериканских стилей, смешанных с поп-музыкой, джазом, роком и R&B.

С другой стороны, пуэрториканцы более других латиноамериканских народов развивали и пропагандировали этот музыкальный стиль. Колумбийцы остаются хранителями музыкальной традиции сальсы, в то время как другие современные музыканты продолжают свои эксперименты в рамках стиля.

Сальса — наиболее популярная музыка в латиноамериканских танцевальных клубах и, как сказал Эд Моралес (Ed Morales), является «задающей ритм для всей латиноамериканской музыки». Композитор Питер Мануэль (Peter Manuel) назвал этот стиль «самой популярной танцевальной музыкой в пуэрториканских и кубинских сообществах и в центральной и южной Америке», так же этот композитор называл жанр «одним из наиболее динамичных и значительных панамериканских музыкальных явлений 70-х и 80-х годов». Современная сальса остаётся танцевально ориентированным жанром и тесно связана со стилем танцевальная сальса (dancing salsa).

В наши дни стиль распространился по всей Латинской Америке и за границей. В некоторых странах этот стиль называют «музыкой тропиков» (musica tropical). Ближайшими родственниками сальсы являются кубинское мамбо и латиноамериканский джаз. Иногда термины латиноамериканский джаз и сальса являются взаимозаменяемыми. Некоторые музыканты играли в обоих жанрах, особенно в период до 1970-го года.

Очень много сделали для развития Сальсы Тито Пуэнте, Селия Крус, Вилли Колон.

Знаменитые музыканты

Барретто, Рэй
Блейдс, Рубен
Герра, Хуан Луис
Горбеа, Уэйн
Лаво, Эктор
Палмьери, Чарли
Палмьери, Эдди
[править] Знаменитые сальса-бэндыBuena Vista Social Club
Charanga Habanera
Los Van Van
Grupo Niche
Tengo Calderon & Don Omar

Близкие понятия

Мамбо
Сон
Ча-ча-ча
Болеро
Бачата
Румба
Кумбия
Меренге
Реггетон
Руэда
Гуагуанко

Мамбо (исп. mambo) — музыкальный стиль и танец Кубы, получивший также широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также в тех из латиноамериканских общин США, где преобладают выходцы из этих стран.

Мамбо, как и Румба, Сальса, Ча-ча-ча, родилась на Кубе. Слово «мамбо» произошло от имени бога войны, которому на Кубе в далеком прошлом был посвящен обрядовый танец.

Нынешняя форма Мамбо родилась в 40-е годы в результате слияния афро-кубинских ритмов и джаза, отцами которого стали Одилио Урфе и Арсенио Родригес.

Знаменитому кубинскому композитору Дамасо Переса Прадо (1916-1989) очень понравился новый ритм. Перес Прадо в своем оркестре увеличил количество духовых, и получилось новое звучание, и сразу же после появления на свет принялся завоевывать сердца тысяч людей по всему миру.

Музыка Мамбо очаровательна и разнообразна, она отличается четким ритмом. Первоначально она исполнялась как румба с замедлением в конце темпа, т.е. на 4 удар в ритме 4/4. Некоторые музыканты использовали ритм 2/4, замедляя соответственно 2-й и 4-й удар. Акцент основного шага на 2-й удар соблюдают на бальных танцах.

Пачанга[править]Материал из Википедии — свободной энциклопедииПерейти к: навигация, поиск Пачанга
Направление: латиноамериканская музыка

Истоки: Меренге, конга

Место и время возникновения: Куба
1950-е

Годы расцвета: 1960-е

Родственные:
ча-ча-ча, сальса

Производные:
пачанга-ча

См. также:
меренге, ча-ча-ча, сальса


Пача́нга (исп. pachanga) — латиноамериканский музыкальный стиль и танец, характеризующийся синкопированным ритмом и движениями. Музыка этого стиля исполнялась в основном оркестрами-чарангами. В 1960-е пачанга произвела настоящий фурор в среде нью-йоркских подростков латиноамериканского происхождения.

Вопрос о происхождении пачанги до сих пор не ясен. Традиционно считается, что она возникла в 1955 году как результат смешения ритмов меренге и конги (мереконга) на Кубе. Часто отцом пачанги называют кубинца Эдуардо Дэвидсона (Eduardo Davidson), однако противники этого мнения считают такие заявления ошибочными, поскольку первая композиция Дэвидсона в этом стиле была написана лишь в 1959 году.

Несмотря на то, что наиболее распространена версия о кубинском происхождении пачанги, на Кубе этот стиль никогда не был очень популярен. В то же время, восточное побережье США в начале 60-х годов XX века испытало настоящий бум пачанги.

Пачанга отличается синкопированным ритмом (основу которого составляет ритмический рисунок «кабальо» (исп. caballo — «лошадь»)), действительно напоминающим стук копыт лошади. Первые образцы пачанги были довольно просты по форме; однако после добавления к пачанге элементов ча-ча-ча (пачанга-ча), она стала более разнообразной и интересной.

Недолгая мода на пачангу, сменившая собой «эпоху ча-ча-ча», была, в свою очередь, сметена модой на бугалу. Несмотря на недолгий век пачанги, она продолжает оставаться довольно популярной в некоторых областях Колумбии, например, в городе Кали — центре музыкальной индустрии этой страны. В последнее время, в связи с подъёмом интереса к латиноамериканской музыке 1950—1960 годов, отмечен рост интереса и к пачанге.

Близкие понятия

Мамбо
Ча-ча-ча
Сальса
Меренге

Кумбия(Cumbia) — народный колумбийский танец и современный социальный танец, мелодия.

Родина кумбии — Колумбия. Но танец и музыкальная культура кумбии очень распространены в Латинской Америке. Особенно в Мексике, Панаме. Особенно популярной кумбия стала после мирового успеха фильма «Кумбия нас связала»(Cumbia Callera, Cumbia Connection), фильм снят в 2007 году в Мексике режиссёром Рене У. Виллареалем (René Villarreal). бюджет фильма — 1 млн долларов США, роли сыграли малоизвестные мексиканские актёры Фернанда Гарсиа Кастанеда, Оливер Канту Лозано, Андуль Замбрано, Эмма Миртала Канту, Рубен Гонсалес Гарса.

Обычно говорят о том, что основными инструментами при исполнении Кумбии являются ударные(особенно важна гуиро — в современном варианте это жестяный цилиндр с насечками), а также кнопочный аккордеон, который ведет основную линию мелодии. Очень важным в исполнении кумбии является вокал — кантор(лидер группы, ведущий вокальную партию) поет то, что вполне можно было бы назвать шансоном — рассказ о жизни, о том, что происходит с кем-то из соседей или вообще какую-то историю.

В танцевальном отношении кумбия является ближайшим родственником Сальсы. Очень похожи ритм, стилистика, а структура многих элементов практически идентична. Танцуют как в паре, так и соло. Кумбия — по-настоящему уличный танец. В отличие от сальсы, не существует соревнований по кумбии или канонических принципов танцевания кумбии. Как показывает опыт, продвинутый сальсеро(танцор сальсы) осваивает кумбию в течение нескольких десятков минут — настолько близки ритмически и стилистически эти танцы.


Кумбия - латиноамериканский танец
Кумбия.
«Свое развитие этот вид сальсы получил на севере побережья Колумбии. Часто называемый «Уличный стиль», «Кумбия» - это больше тропическая музыка, чем сальса. Музыка «Кумбия», как и сальса состоит из 8 долей, и это позволяет танцевать сальсу под эту музыку. Различия все же есть в ритме: пауза между первыми тремя шагами и последними тремя шага являются более длинной, чем в сальсе, и поэтому немного не удобно танцевать сальсу при таком шаге. Так же для Кумбии характерен основной шаг назад, что необходимо при исполнении поворота в кругу, для заключительного движения, и перед выполнением каждого поворота.

Считается что школы Кумбии или профессиональных преподавателей Кумбии не существует. Все кто танцуют Кумбию скажут вам, что они научились ее танцевать у своих родителей, друзей, на улице или просто в клубах. И благодаря этому, много танцоров Кумбии называют себя «уличными танцорами» которые никогда не брали никаких уроков танцев.


Кумбия и рабство
Когда удары барабана возвещают начало праздника, это не может не трогать душу любого жителя низовьев реки Магдалены. Это веселье, веселье без границ, веселье, которое испытывает каждый колумбиец, независимо от того, находится ли он дома или за рубежом. И вызывает это чувство замечательная мелодия кумбии, музыкальная тема, сделавшая Колумбию известной во всём мире за долго до распространения там других наших мелодий.

Кумбия - одна из наиболее показательных колумбийских мелодий, в которой сочетаются музыкальные традиции 3 культур - негритянской, индейской и европейской. Негры привнесли в кумбию свой ритм барабанов, индейцы - флейты и свирели (из стебля проса), которые ведут мелодию, влияние европейцев (колонизаторов) ограничилось только несколькими вариациями в музыкальном исполнении, хореографии и одежде танцоров.

Корни кумбии уходят в эпоху рабства и само название происходит от негритянского выкрика "кумбе!" во время танца, которое позже стало названием всего произведения. От этого же корня происходят и слова "каракумбе" - своего рода хореографической игры, которая была очень популярна в Антиокии, где негры работали в шахтах, "паракумбе" - исчезнувший ныне танец и "кумбанча", что на Кубе означает "веселье" или "гулянку". Факт рождения кумбии на стыке негритянской и индейской культуры на сегодня является неоспоримым.

Место рождения кумбии остаётся предметом дискуссий среди учёных-фольклористов. По мнению маэстро Хосе Барроса, кумбия родилась в индейской стране Покабуй в районе Банко (Магдалена), но другие исследователи полагают, что кумбия появилась первоначально в Сьенаге (Магдалена) или Соледаде (Атлантико). Пожалуй, единственное, в чём сходятся все авторитеты в данной области, что кумбия должна была появиться в поселениях негров, которые были проданы в рабство и оказались в нашей стране.

Панамский писатель Нарсисо Гарай в своей работе "Традиционные песни Панамы" описывает сам танец и весь праздник, говорит о древних корнях кумбии и её нынешней популярности так, что стремится уверить читателя в том, что она родилась именно в этой стране. Но, при этом, он, видимо, забывает, что Панама вплоть до начала ХХ в. входила в состав Колумбии.

В Мексике, как, впрочем, и в других латиноамериканских странах, колумбийская кумбия была принята очень хорошо. Сегодня существует множество музыкальных групп, которые исполняют кумбию, однако их исполнение, подчас, весьма далеко от оригинала, к тому же некоторые музыканты начинают вводить новые инструменты, и потому, на словах превознося кумбию, на деле они искажают её.

Традиционные инструменты при для исполнения кумбии делятся на 2 группы - ударную и духовую.

Ударные инструменты включают в себя барабаны: двухсекционный барабан, который ведёт басовую партию, "весёлый" (средний) барабан, который задаёт ритм, "глашатай" (маленький барабан), который отбивает контрритм, маракасы (тыквы, наполненные семенами) и гуаче (металлический цилиндр, наполненный семенами или речной галькой).

Среди духовых инструментов, которые используются для традиционного исполнения кумбии, главное место занимают свирели: "женская" свирель (длинная вертикальная свирель с навершием, сделанным из смеси пчелиного воска, древесного угля и украшенным обрезанным пером индюка). Такая свирель имеет 5 отверстий и ведёт основную мелодию. Свирель "мужская" (внешне напоминает предыдущий тип, но имеет, в отличие от него, только одно отверстие и отличается низкой тональностью). Следует также упомянуть флейту из стебля проса - маленькую, также изготавливаемую из стебля проса или сорго, которая имеет 6 отверстий с язычком, и, в отличие от вышеуказанных духовых инструментов, являющаяся поперечной.

Первоначально кумбия была только инструментальной, голоса и слова появились позже. В течение долгого времени она была самым популярным мотивом на атлантическом побережье, хотя там уже в то время существовали такие традиционные для Колумбии музыкальные темы, как бульеренге, мапале и порро. Кумбия - это минорная тема, которую первоначально исполняли только негры, в позже - уже и метисы.

Существует много форм исполнения кумбии, которые зависят от используемых инструментов. Некоторые оркестры дали образцы величественного исполнения кумии, с пышными нарядами танцоров, с использованием новых инструментов (например, кларнета), что особенно способствовало популяризации кумбии за рубежом.

Некоторые ансамбли, исполняющие вальенато, - ещё одну популярную колумбийскую мелодию - исполняют также и кумбию, используя при этом, нетрадиционные для кумбии инструменты, и, надо признать, что сделано это с большим вкусом и без нанесения ущерба оригиналу. В связи с этим, можно выделить интерпретации кумбии, сделанные пропавшим без вести маэстро Луисом Энрике Мартинесем, исполнителями кумбии сьенагеры и других артистов, особенно из числа исполнителей вальенато сабанеро, т.е. из департаментов Кордоба и Боливар, которые являются признанными мастерами исполнения такой музыки.

Но всё же никакие интерпретации несравнимы с первоначальной, необработанной версией кумбии, исполняемой простыми любителями с помощью самых незамысловатых инструментов, как это можно видеть в департаментах Боливар, Кордоба, Сукре, Атлантико и Магдалена, на северном побережье страны, где родились многие великие композиторы и среди них маэстро Хосе Баррос.

Мы также хотели отметить деятельность такого исполнителя кумбии, как Хайме Бернардо, который аккомпанировал певцам-партизанам Хулиану Конрадо и Кристиану Пересу в рамках осуществляемой РВСК-АН программы записей народной музыки. Это были замечательные версии партизанской кумбии с острым социальным содержанием, где говорится о важности и желании наших бойцов сражаться для достижения мира с социальной справедливостью.


Во-первых Кумбия, это танец, который появился среди черного населения атлантического побережья Колумбии. Он сочетает африканские ритмы и испанскую мелодичность, дополненную латиноамериканскими созвучиями.

Во-вторых, это музыка.
Cumbia отличается от других латиноамериканских стилей изысканным, экспрессивным и строгим ритмом. Это делает музыку похожей на ямайскую. Кумбия намного ближе к ней, чем, например, мелодичная и "прозрачная" salsa.

В кумбии существует несколько направлений - обыкновенная оригинальная кумбия, называемая "колумбийская", различные ее клоны (наверное в каждом районе есть своя кумбия, например, cumbia Bohemia) и cumbia villera (кумбия вижжера) - "кумбия с перцем"

Нет ничего более тонизирующего и заряжающего положительной энергией чем cumbia.

После тяжелого рабочего дня придите домой, поставьте RAFAGA.mp3 и по-настоящему отдохните.

Прилив бодрости и хорошего настроения обеспечен!

Болеро (исп. Bolero) — это танец и одновременно музыкальный жанр, зародившийся в Испании в конце XVIII столетия. Известно много разновидностей болеро, характерных для разных областей Испании. Болеро имеет размер ¾.

[править] Общая характеристикаПо некоторым данным, этот танец был создан испанским танцовщиком Себастьяно Сересо около 1780 года. Хотя он всегда был трёхдольным, доли эти в разное время по-разному дробились: три равные доли в первом такте (три четверти, если выражаться профессиональным музыкальным языком), затем на сильную долю следующего такта остановка (четверть с точкой) и три короткие ноты (восьмые). Один из ритмических вариантов болеро: первый такт дробится на короткие ноты; в таком случае их шесть (восьмые), причём вместо первой ноты пауза. Второй такт такой же, как в первом варианте. Впоследствии дробление становится ещё более мелким. Темп классического болеро умеренный, можно сказать, даже сдержанный. Движение полно внутренней силы и страсти. Танцуется такое болеро под аккомпанемент гитары и барабана, а сами танцующие отбивают на кастаньетах дополнительно сложные ритмические фигуры, сплетающиеся в необычайно прихотливый узор.

Бача́та (исп. bachata) — музыкальный стиль и танец Доминиканской Республики, получивший также широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также в тех из латиноамериканских общин США, где преобладают выходцы из этих стран. Музыкальный размер — 4/4. Музыка, как правило, характеризуется умеренным темпом; тексты песен повествуют о страданиях неразделённой любви и жизненных невзгодах.

Содержание [убрать]
1 История
2 Музыкальные инструменты
3 Танец
4 Близкие музыкальные жанры
5 Библиография
6 Ссылки


[править] ИсторияКак правило, возникновение бачаты связывают с напряжённой социальной обстановкой, сложившейся в Доминиканской Республике к началу 60-х годов XX века после свержения диктатора Рафаэля Леонидаса Трухильо Молины. Однако отдельные исследователи утверждают, что существуют источники, упоминающие бачату и в более ранее время — в 1922 и 1927 годах.

В те времена бачатой или кумбанчатой (исп. bachata, cumbanchata) называли шумные вечеринки бедняков с непременными обильными возлияниями. Эти сборища бедноты устраивались буквально где угодно — во внутренних двориках домов или же просто в тени деревьев на улицах. Музыка таких сборищ-бачат считалась вульгарным порождением низших классов, песнями нищих кварталов, повествующими о проблемах бедняков, неразделённой любви и прочих жизненных невзгодах. Именно поэтому бачату называют «música de amargue» — музыка горечи.

В музыкальном отношении бачата представляет собой смесь болеро и доминиканского сона, при этом характерной особенностью бачаты является отсутствие в ней ритма «клаве», что подтверждает её оригинальное доминиканское происхождение. Тем не менее, на развитие бачаты оказали влияние такие исполнители и композиторы, как трио «Лос Панчос» (Los Panchos), трио «Матаморос» (Matamoros) и Хулио Харамильо (Julio Jaramillo).

Долгое время в Доминиканской Республике существовал негласный запрет бачаты как «низкого жанра»: песни в этом стиле не ставились на дискотеках и не передавались по радио (исключение составляла лишь станция «Радио Гуарачита» (Radio Guarachita), записи не продавались в магазинах грамзаписи.

Переломным временем в истории бачаты стали 80-е годы XX века. До этого бачату в своём творчестве использовали лишь исполнители так называемой «альтернативной музыки», которые напевали эти печальные песни на ночных вечеринках в качестве своего рода эмоциональной разрядки. Со временем музыканты поняли, что бачата прекрасно подходит для передачи таких чувств, как ностальгия, меланхолия и тоска и стали шире использовать эту её экспрессивную сторону.

Пионером современной бачаты можно по праву назвать Луиса Диаса (Luis Díaz). Бачата привлекла его внимание в 1970-е годы, когда он пристально занимался изучением доминиканского фольклора. Вместе с группой «Конвите» (Convite) Диас начал записывать песни этого стиля различных форм и содержания; однако значение бачаты как важной составляющей культуры доминиканского общества оценил лишь в 1984 году. В 1985 году Диас записал альбом, который назвал «Опечаленный Луис Диас» (Luis Díaz amargado), а в 1987 году — спродюсированный Диасом диск певицы Соньи Сильвестре (Sonia Silvestre) «Сердце Вильонеры» (Corazón de Villonera), ставший «первой ласточкой» нового стиля, получившего название «необачаты» (neobachata) или «техно-амарге» (techno-amargue). Вскоре Соньа Сильвестре стала популярной исполнительницей необачаты, а её репертуаре появилась новая песня «Я хочу движения» (Yo quiero andar), автором которой, помимо Луиса Диаса, был другой реформатор бачаты — Мануэль Техада (Manuel Tejada) (именно он ввёл в аранжировку бачат аккордеон и синтезатор, ещё одним примером чего может служить песня Виктора Виктора (Víctor Víctor) «Такова моя любовь» (Así es mi amor) 1993 года).


Хуан Луис Герра на концерте в Бостоне, Массачусетс, СШАНо основной вехой в современной истории бачаты стал альбом Хуана Луиса Герры «Розовая бачата» (Bachata rosa). Выпущенный в 1990 году, он имел огромный успех и сломил бытующее в Доминиканской Республике предубеждение против бачаты; теперь она стала популярна даже в высших слоях доминиканского общества.

К началу 90-х годов в бачате сложились три основных направления, связанные с «продвигавшими» их музыкантами: стиль Луиса Диаса, Хуана Луиса Герры и Виктора Виктора. Именно эти исполнители разрушили стереотипно отрицательное отношение к бачате и способствовали её дальнейшему развитию.

Экономические, социальные и культурные преобразования в Доминиканской Республике привели к тому, что бачата приобрела известность и популярность не только у себя на родине, но и за её границами. Новые исполнители, такие как Антони Сантос (Antony Santos), Раулин Родригес (Raulín Rodríguez) и Луис Варгас (Luis Vargas), внесли свои изменения в традиционную бачату, которые коснулись не только музыки, но и текстов: слова песен стали более вольными, иногда даже дерзкими, а музыка — более быстрой, соответствующей ритму города.

Сейчас бачата стала настолько популярна в Доминиканской Республике, что без неё не обходится ни одна дискотека, вечеринка или праздник. С появлением новых исполнителей бачаты, чья музыка более приближена к западным стандартам, — Франка Рейеса (Frank Reyes), Мончи и Александры (Monchy y Alexandra), Луиса Мигеля дель Амарге (Luis Miguel del Amargue) и других, популярность бачаты стремительно растёт за границами Доминиканской республики; её слушают теперь не только на родине, но и в США, Мексике, Испании и многих других странах.

[править] Музыкальные инструментыГлавная роль в бачате отведена акустической гитаре, или же её ближайшему «родственнику», карибской гитаре рекинто, которая отличается резким металлическим звучанием. Техника игры на рекинто — перебор струн, значительно более энергичный, чем на обычной гитаре. Сходная манера игры на гитаре существует во многих жанрах африканской музыки, что может косвенно свидетельствовать об их общих корнях. В качестве ударного инструмента в бачате используется бонго́. Мараки иногда выступают как второй ударный инструмент, хотя в настоящее время предпочтение отдается гуире.

[править] ТанецВ связи с тем ,что бачата как музыкальный жанр разнообразна, различают танец бачата доминикана( или просто бачата), бачата модерна и бачата урбана. Доминикана стиль идеологически близок к танцу меренге, основным отличием бачаты доминикана является более сложная работа ног, т.н. footwork. Бачата модерна и урбана технически более просты в исполнении, footwork сводится к приставным шагам, основной упор сделан на работу корпуса. В частности распространено мнение, что стили урбана и модерна, являются порождением североамериканской и европейской культур. Однако при внимательном рассмотрении вопроса, можно заметить,что музыка, соответствующая бачате модерна появилась всё же в Доминиканской Республике в начале 1990-х. Например композиция Victor Victor-Mesita De Noche 1990, в это же время выпущена типичная доминикана Asesina в исполнении Juan Batista. Бачата урбана отличается от других стилей,тем что содержит элементы из поп-музыки (в том числе хип-хоп), например композиция We love bachata от Prophex. Следует также упомянуть о стиле бачатанго, ставшим синтезом бачаты модерна и танго. В качестве примера можно привести PABLO ALEJANDRO - Llora Mi Alma (2008)

Хореография бачаты модерна сравнительно проста: четыре приставных шага из стороны в сторону либо вперед-назад с акцентом на последний, в этот момент нога вытягивается немного вперед и ставится на мысок либо на пятку. Партнёры танцуют на очень близком расстоянии друг от друга, совершая также легкие круговые движения сцепленными в замок руками. Главная цель в танце — тесный контакт с партнером, поэтому поворотов крайне мало, но довольно часто используются боковые проходы и «перекидывание» дамы из стороны в сторону.

[править] Близкие музыкальные жанрыБолеро
Кумбия
Меренге
Пачанга
Реггетон
Сальса

Мере́нге (исп. merengue) — музыкальный стиль и танец Доминиканской Республики, получивший также широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также в тех из латиноамериканских общин США, где преобладают выходцы из этих стран.

Содержание [убрать]
1 Музыка меренге
1.1 Фольклорное меренге (merengue típico)
1.2 Классическое и современное меренге
2 Танец меренге
3 История меренге
3.1 Зарождение музыкального жанра
3.2 Происхождение танца
3.3 Развитие меренге до 1930 года
3.4 Меренге в эпоху Трухильо (1930—1961)
3.5 Меренге в наши дни
4 Близкие музыкальные жанры
5 Литература
6 Ссылки


[править] Музыка меренгеМеренге характеризуется быстрым темпом и условно состоит из трех частей: ритмическая часть, мелодическая часть, вокал. Для исполнения меренге необходимо не менее трех музыкальных инструментов, два из которых — традиционные для Антильских островов: гуиро (или гуира) и тамбора. Тамбора — ударный инструмент африканского происхождения, деревянный барабан, обтянутый козлиными шкурами. На тамборе играют, ударяя ладонью по одной стороне и деревянной палочкой — по другой стороне, а также по ободу. Гуиро — инструмент из плода сушеной тыквы, на которую наносили горизонтальные насечки, проводя по которым деревянной палочкой, извлекали звук. В современном меренге также используется гуиро из жести, которая имеет вид трубки с гофрированными стенками. Оба этих инструмента отвечают за ритмическую часть меренге и используются как в фольклорном, так и в популярном вариантах.

[править] Фольклорное меренге (merengue típico)Главным инструментом в «типико»-ансамбле является кнопочный аккордеон. Аккордеон дает яркий, насыщенный звук и оставляет широкий простор для импровизации. Соло на аккордеоне — неотъемлемая часть фольклорных композиций. Аккордеонист в подавляющем большинстве случаев является также и лидером-основателем группы.

В фольклорном меренге также часто применяются мара́ки и язычковая маримба (marimba de lengüetas). Последняя представляет из себя деревянный ящик с отверстием в передней части, частично закрытым металлическими пластинами. Играют на язычковой маримбе, ударяя по пластинам рукой либо оттягивая их.

[править] Классическое и современное меренге
Меренге-группа «Los Hermanos Rosario» (Доминиканская Республика) на концертеВ современном меренге аккордеон практически не участвует. Его заменили клавишные — фортепиано и духовые — труба, тромбон, саксофон. Труба и тромбон, как широко используемые в музыке «тропического» направления, делают мелодию веселой и торжественной. В частности, оглушительные партии труб характерны для меренге с острова Пуэрто-Рико. Доминиканские музыканты чаще вводят в оркестр один или два саксофона; в этом случае мелодический рисунок становится более сглаженным. Фольклорные ансамбли в некоторых случаях также используют саксофон.

[править] Танец меренгеМеренге — энергичный парный танец, движения которого носят легкий эротический характер; в этом танце очень важен элемент флирта и импровизации. Меренге нередко танцуется соло, как шоу-вариант.

Существует ошибочное мнение, что базовый шаг меренге имитирует хромающую походку, и поэтому меренге как танец — малопривлекателен и неинтересен для исполнения. Это мнение возникло в кругах танцоров, копирующих латиноамериканские танцы через современные бально-спортивные школы, а не непосредственно от носителей культуры. Оригинальный танец меренге использует большое количество фигур и украшений, в частности, круговые движения бедер, вращение корпусом, движения плечами в убыстренном темпе. Многие из этих движений произошли из фольклорного варианта меренге.




[править] История меренге[править] Зарождение музыкального жанраПроисхождение меренге до сих пор вызывает споры. Имеется несколько версий зарождения этого жанра:

1.Первое меренге сочинил и исполнил Хуан-Баутиста Альфонсека (Alfonseca, Juan Bautista, 1810—1875), доминиканский композитор, руководитель военных оркестров и автор первого гимна Доминиканской Республики (Flérida de Nolasco).
2.Впервые меренге прозвучало как триумфальная мелодия после битвы при Таланкере (1844), где доминиканские войска одержали победу над гаитянами (Rafael Vidal).
3.Меренге напрямую происходит от распространенной в те времена кубинской мелодии под названием упа (upa habanera). В Доминиканскую Республику упа пришла с берегов Пуэрто-Рико в середине прошлого века (Fradique Lizardo).
Историографы склоняются к мнению, что третья версия происхождения меренге наиболее правдоподобна. Так, в 1838—1849 годах получил широкое распространение танец упа абанера (upa habanera), который вошел в моду сначала в Пуэрто-Рико, а потом и в Санто-Доминго. Одно из движений этого танца называлось «меренге». Похоже, это название нигде не упоминалось до тех пор, пока полковник Альфонсека не начал включать фрагменты этой популярной мелодии в свои произведения.

Сначала меренге исполнялось с помощью народных инструментов, наиболее доступных, таких, как трес, куатро (разновидности карибских гитар), доминиканская бандуррия. В конце прошлого века в Доминиканскую Республику был завезен из Европы диатонический аккордеон, который, благодаря удобству в обращении с ним, заменил бандуррию и гитары. Но в то же время мелодические возможности аккордеона налагали некоторые ограничения на музыку, и поэтому меренге с тех пор практически не претерпело изменений.

[править] Происхождение танцаМеренге стремительно завоевывало симпатии доминиканского общества и постепенно вытесняло некоторые другие танцевальные ритмы, такие, как тумба. Тумба была сложным танцем, требовавшим от танцоров больших физических усилий, в ней было одиннадцать фигур. Относительно простой танец меренге очень быстро занял место тумбы.

В те времена танец меренге представлял собой следующее: мужчина и женщина, обнимая друг друга, совершали движения в разные стороны и делали повороты направо или налево. Это называлось «салонное меренге» (merengue de salón), в котором партнеры никогда не разделялись. Также существовал другой вариант этого танца, «фигурное меренге» (merengue de figura), где танцующие делали множество движений-украшений, но и в этом случае пары не разделялись.

Танец состоял из трех частей: пасео, меренге и халео. Пасео, выход пар под медленную мелодию, вскоре исчез. Меренге, основная часть танца, увеличилась с 8-12 тактов до 32-48. Халео, завершающая часть, также претерпела изменения благодаря включению в нее экзотических ритмов и в конце концов перестала быть составной частью меренге.

[править] Развитие меренге до 1930 года
Хайме Колсон, «Меренге». 1938.Несмотря на то, что меренге быстро завоевало симпатии народа, высшее общество очень долго выступало против нового жанра, так как меренге имело африканские корни. Другие доминиканские ритмы того же происхождения не подвергались нападкам со стороны аристократии, так как это были в основном ритуальные танцы, которые практиковались в сельской местности, вдалеке от состоятельного общества, в то время как меренге уже танцевали в бальных салонах наравне с классическими танцами. Другой причиной того, что меренге долго находилось в немилости у состоятельных классов, были тексты песен. Большинство из них были вульгарны и изобиловали бранными словами, таким песням было не место в приличном танцевальном салоне.

В 1875 году президент Улисес Франсиско Эспайльят (Espaillat, Ulises Francisco) начал кампанию за запрещение меренге. Это было уже не нужной мерой, так как меренге к тому времени уже ушло из больших городов и сделалось популярным в сельских регионах. Особенно широкое распространение оно получило в регионе Сибао (и, возможно, поэтому эта местность считается родиной меренге).

В начале ХХ века началось движение за возрождение меренге. Известные музыканты того времени хотели, чтобы меренге вновь зазвучало в салонах. Для этого тексты, сопровождающие музыку, необходимо было избавить от вульгарных выражений. Долгое время попытки оправдать меренге были безуспешны. Ситуация резко изменилась в 1930 году, когда Рафаэль Леонидас Трухильо, кандидат в президенты, пригласил для своей предвыборной кампании народные оркестры (conjuntos), исполнявшие «perico ripiao», традиционное меренге. Большую роль в популяризации меренге сыграло и распространение радио.

Известные исполнители меренге в 1910—1930 годах: Франсиско «Ньико» Лора (Francisco «Ñico» Lora), Антонио Абреу (Antonio Abreu).

[править] Меренге в эпоху Трухильо (1930—1961)Семья диктатора Трухильо всячески способствовала распространению народной доминиканской музыки. В этот период меренге начинает постепенно распространяться за пределы страны, благодаря росту количества радиостанций в Доминиканской Республике и во всем Карибском регионе. Известно, что уже в 30-е годы меренге-оркестры возникли в Венесуэле, Колумбии, США, на Кубе. В это время стали известными такие исполнители, как Альберто Бельтран (Alberto Beltrán), Анхель Вилория (Ángel Viloria), Луис Калаф (Luis Kalaff), Хосеито Матео (Joseíto Mateo).

[править] Меренге в наши дниС падением диктатуры Трухильо в 1961 году меренге получило новое развитие. Демократизация доминиканского общества дала музыкальным коллективам бо́льшую творческую свободу. Как результат, мелодии меренге стали разнообразнее и насыщеннее. Тексты, ранее излишне политизированные, стали уходить в сторону более повседневных тем. В 60-е годы возникли такие коллективы, как «Комбо Шоу» Джонни Вентуры (El Combo Show de Johnny Ventura), оркестры Куко Валоя (Cuco Valoy), Феликса дель Росарио (Félix del Rosario).

В 70-е, в стремительно растущих городах — Санто-Доминго и Нью-Йорке, центре доминиканской эмиграции, — меренге приобретает статус популярной музыки. Меняется также концепция музыкальных коллективов, теперь они называются группами (в противовес оркестрам), наиболее известными из которых становятся Milly y Los Vecinos, Conjunto Quisqueya, Wilfrido Vargas y Los Beduinos, Los Hijos del Rey.

В эпоху 80-х на доминиканскую музыку оказали влияние многие зарубежные музыкальные стили, в частности, рок и джаз. Это способствовало ещё большему росту мелодического разнообразия в меренге. Аранжировщики меренге вводят в обработки новые инструменты (скрипка, виолончель, синтезатор и другие). Среди исполнителей становятся известными Хуан-Луис Герра и его оркестр «4.40» (Juan Luis Guerra y 440), Диони Фернандес (Dioni Fernández), Алекс Буэно (Alex Bueno), Рамон-Орландо Валой (Ramón Orlando Valoy), Фернандо Вильялона (Fernando Villalona), Серхио Варгас (Sergio Vargas), Рубби Перес (Rubby Pérez), «Братья Росарио» (Los Hermanos Rosario), и среди аранжировщиков — Мануэль Техада (Manuel Tejada).

В конце 80-х—начале 90-х, во многом благодаря усилиям двух музыкантов, доминиканца Джоси Эстебана (Jossie Esteban) и пуэрториканца Альберто «Ринго» Мартинеса (Alberto «Ringo» Martínez), произошел рост популярности меренге в Пуэрто-Рико. Эстебан и Мартинес, основатели собственной группы La Patrulla 15, создали множество новых молодежных групп, таких как Caña Brava, Zona Roja, Las Nenas de Jossie y Ringo; открыли много молодых талантов — в частности, популярных певиц Ольгу Таньон и Селинес (Celinés). Развитие музыкального жанра как в Пуэрто-Рико, так и в Доминиканской Республике идет практически параллельно. В этот период меренге приобретает статус коммерческой музыки — альбомы многих исполнителей попадают на музыкальные рынки Америки, Европы и Азии. Однако, с середины 90-х пуэрториканское меренге претерпело значительные изменения, в основном в сторону упрощения ритма и мелодий. В конце 90-х возникло ещё одно течение — нью-йоркское меренге, которое отличалось ещё большим примитивизмом текстов и мелодий.

Также в конце 90-х в Доминиканской Республике и доминиканских общинах Нью-Йорка возросла популярность фольклорного «меренге типико». В 1997 году нью-йоркская группа Fulanito выпустила сенсационный альбом «Guallando», который явился сплавом меренге типико с современными городскими ритмами (рэп).

Музыкальные критики считают, что начиная с 2000 года меренге переживает кризис. Коммерциализация меренге нанесла серьёзный ущерб самобытности жанра: множество групп-однодневок наполнило рынок альбомами низкого качества. Тем не менее, «ветераны жанра», такие как Хуан-Луис Герра (Juan Luis Guerra), Милли Кесада (Milly Quezada), Джоси Эстебан, Вильфридо Варгас, продолжают работать над выпуском новых альбомов в надежде на будущее возрождение меренге.

Джайв - зажигательный танец с энергичной музыкой - появился в 19 веке на юго-востоке США. По одной версии, джайв ведет свое происхождение от танцев африканских негров, по другой - это военный танец индейцев-семинолов во Флориде (вокруг пойманного бледнолицего или его черепа).

В Европу джайв пришел во время второй мировой войны. Он оказал большое влияние на исполнение танцев в Англии. Для джайва характерны атлетические движения, рискованные подъемы и прыжки. В таком виде он был непригодным и даже опасным для танцевальных залов и, как следствие, был запрещен. Долгое время его исполняли только на соревнованиях.

Танец прошел несколько ступеней развития и стал известен под разными названиями: линди, вест коуст свинг, американский свинг. В настоящее время джайв исполняют в двух стилях - международный и свинг - и очень часто сочетают оба стиля в различных фигурах. Сильное влияние на джайв оказали такие танцы, как рок-н-ролл и джатербаг.

Современная версия джайва имеет основные шаги, состоящие из быстрого синкопированного шассе (шаг, приставка, шаг) влево и вправо (у партнерши наоборот), вместе с более медленным шагом назад и возвращением вперед. Бедра выводятся на счет "и" после каждого шага, вес находится впереди, и все шаги делаются с носка.

Джайв - последний танец латиноамериканской программы. Это очень быстрый, потребляющий много энергии танец. Джайв сильно отличается по характеру и технике исполнения от других танцев, и часто пары, хорошо танцующие первые четыре танца, танцуют джайв слабее. В джайве на соревнованиях исполнители должны показать, что после четырех танцев они не утомлены и готовы исполнить его с большой отдачей.

Если румба используется в медленной части хастла, то многие фигуры из джайва применяются в его быстрой части и изучаются с первого занятия.

Пасодобль самый трудный танец латиноамериканской программы. По сложности технического исполнения его можно сравнить с Венским Вальсом.

Зрителям очень нравится этот броский, эмоциональный танец, который многие танцоры тренируют меньше всего и уделяют ему слишком мало внимания.

В отличие от остальных латиноамериканских танцев, Пасодобль не связан с африканской культурой, его родина Испания. В переводе с испанского "Paso Doble" буквально означает "два шага". Первое название танца - "один испанский шаг" ("Spanish One Step"), поскольку шаги делаются на каждый счет. Названия связаны с маршевым характером танца на счет "раз, два" или "левой, правой".

Танец исполняется под музыку торжественного испанского марша с ярко выраженным постоянным ритмом. Воинственный, сдержанный ритм Пасодобля, несомненно, родственен Фламенко. Эта музыка родилась в начале ХХ века в Испании как сопровождение квадрильи - группы участников корриды во главе с матадором на арену. Хореография танца соответствует мелодии испанского цыганского танца "Espana Cani", который имеет три музыкальных акцента. Эти акценты есть в Пасодобле, они создают драматический, захватывающий характер танца. Первый акцент состоит из двух частей - 4 с половиной и 6 с половиной восьмерок - фанфары о начале корриды и парад участников. Второй акцент - 8 с половиной восьмерок - битва тореадора с быком. Третий - праздник победы тореадора над быком (или наоборот). В музыке Пасодобля присутствуют характерные акценты, которые необходимо "обыграть". Танцор должен обладать отличным чувством ритма и композиции. Поэтому танец исполняют преимущественно опытные танцоры.

Пасодобль пронизан духом национального колорита Испании. Своим происхождением он обязан корридам, знаменитым боям быков, обычно приуроченным к народным празднествам - фиестам. Во время праздников происходило множество представлений, увеселений, исполнялись народные песни и танцы. Самым популярным среди них был Пасодобль, в котором отражены смелость, страстность, гордость и мужество - неотъемлемые черты испанского народа. Благодаря потоку переселенцев, покидавших засушливые земли в поисках лучшей жизни, Пасодобль получил широкую известность в Южной Америке, где достиг наибольшего расцвета. Шумный успех, который сопровождал Пасодобль в странах Латинской Америки, дал толчок к его победному возвращению в Европу, но уже как бального танца. В этом качестве Пасодобль впервые был исполнен во Франции в 1920 году. В 1930-х стал популярным в высшем парижском обществе, благодаря чему многие шаги и фигуры Пасодобля получили французские названия. После Второй Мировой войны Пасодобль включили в Международную конкурсную программу латиноамериканских бальных танцев.

Пасодобль - единственный бальный танец, где есть сюжет. Все фигуры Пасодобля символически изображают корриду, имитируя движения тореро на арене: "атака", "удар мулеты", "сюр пляс" (переступание с ноги на ногу), "экар" (уклонение), "плащ", "вероника" (движение плаща тореадора вокруг его корпуса) и т.д.

В отличие от Самбы, Ча-ча-ча и Румбы, в которых главную роль исполняет партнерша, в Пасодобле ведущая роль принадлежит партнеру, представляющему совершенно невероятный по упрямству образ мужского характера. Партнер - тореадор, партнерша символизирует плащ, которым тореадор привлекает внимание быка. В некоторых композициях дама может исполнять роль другого тореадора или быка, как правило, побежденного в итоге, и даже испанской цыганки (образ Кармен). Изображая бой тореадора с быком, игру с плащом, работу с мулетой, танцоры демонстрируют отвагу, решительность, гордость, долю презрения к опасности, будто находятся на арене перед разъяренным животным.

Основное отличие Пасодобля от других танцев - характерная для тореадора постановка корпуса: грудь высоко поднята, плечи широкие, опущенные, голова жестко фиксирована. Руки демонстрируют всю силу напряжения чувств. У партнера они строгие, возвышенные, с четкой пластикой, "рассекают воздух, как удары меча". У партнерши более гибкие и выразительные. Энергичные движения рук партнеров сопровождаются такими же четкими и энергичными действиями ног. Музыка заставляет танцоров выполнять быстрые и резкие движения, сопровождаемые маленькими шажками назад и вперед, как это делает тореадор. Вес корпуса впереди, но большинство шагов выполняется с каблука. Каблуки, используются для создания правильной ритмической интерпретации музыки. Опираясь на традиции испанского танца, в Пасодобль включают элементы танца "Фламенко".

Существует также общедоступная форма этого танца. Она широко принята в Испании, Франции и Латинской Америке и не требует высокого уровня исполнительского мастерства.

Румба
Танец румба родился на Кубе. Как типичный танец "горячего климата", он стал классикой для всех латиноамериканских танцев. Румба - медленный танец, для которого характерны чувственные движения и жесты, как бы передающие отношения между мужчиной и женщиной.

В своем первоначальном варианте румба - это танец африканских негров, привезенных на Кубу в конце 19 века. У танца два источника: испанский и африканский: испанские мелодии и африканские ритмы. Сложные, накладывающиеся друг на друга ритмы, выстукиваемые горшками, ложками, бутылками и т.д., были более важны для танца, чем мелодия. Хотя основа танца кубинская, многие движения пришли с других Карибских островов и из Латинской Америки вообще.

В Европе румба появилась благодаря энтузиазму и блестящим интерпретациям Пьера Лавелля (Pierre Lavelle) - ведущего английского преподавателя латиноамериканских танцев. Во время посещения Гаваны в 1947 году, он узнал, что на Кубе румба исполняется с акцентом на счет "два", а не на "раз", как в американской румбе. Эту технику он начал преподавать в Англии. Pierre Lavelle представил истинную "кубинскую румбу", которая после долгих споров была официально признана и стандартизирована в 1955 году.

С нововведением - переносом веса на счет "раз", без фактического шага - танец приобрел очень чувственный и романтический характер. Счет "раз" - самый сильный счет в румбе. Не делая шага на этот счет, мы подчеркиваем музыку активным движением бедер. Вместе с медленным темпом музыки и музыкальным акцентом на работу бедер танец приобретает лирический и эротический характер. Шаги делаются на счет 2, 3 и 4. Колени выпрямляются и сгибаются на каждом шаге, повороты выполняются между счетами. Вес корпуса находится впереди, все шаги делаются с носка.

В румбе дух и душа латиноамериканской музыки и танца. Очаровательные ритмы и движения тела делают румбу одним из наиболее популярных бальных танцев.

Учитывая, что в медленном хастле много поддержек и движений, взятых из румбы, мы переходим к изучению этого танца с первых занятий.

Румба- это танец африканских негров, привезенных на Кубу в конце прошлого века. Танец почеркивает движения корпуса, а не ног. Сложные, накладывающиеся друг на друга ритмы, выстукиваемые горшками, ложками, бутылками... были более важны для танца, чем мелодия. Румба появилась в Гаване в 19-ом веке в комбинации с европейской Contradanza. Название "Rumba", возможно, происходит от названия танцевальных групп в 1807 году - "rumboso orquestra", хотя в Испании слово "rumbo" означает "путь" ( в русском морской аналог - "румбы", то есть направление), а "rumba" - " куча мала", и "rhum" - это сорт ликера, популярный в Карибском бассейне, при этом любое из этих слов могло использоваться для описания этого танца. Оригинальный смысл названия, по моему мнению, это "путь души". У танца два источника - испанский и африканский: испанские мелодии и африканские ритмы. Хотя основы танца - кубинские, многие движения появились на других карибских островах и в Латинской Америке вообще. Первоначально румба - сексуальная пантомима, исполняемая в быстром ритме с преувеличенными движениями бедер в характере сексуальных агрессивных домогательств мужчины и защитных движений со стороны женщины. Сопровождающие музыкальные инструменты - maracas, claves, marimbola, и барабаны. Сельская форма румбы на Кубе - это подобие брачных танцев домашних животных, скорее представление, чем танец. Движение плечей и сокращение боков в танце - это движения рабов под тяжелой ношей груза в руках. Движение "Cucaracha" (кукарача) - это имитация раздавливания тараканов. Спот-поворот (" Spot Turn") на кубинском селе залихватски танцевался вокруг обода колеса телеги! Популярная мелодия румбы "La Paloma " была известна на Кубе с 1866 года. Вариант румбы, похожий на тот, который танцуется сегодня, появился в США в 1930-ых, как соединение этой сельской румбы с Guaracha, Cuban Bolero (никак не связанному с Spanish Bolero), в дальнейшем добавились Son и Danzon. После первой мировой войны появился танец "Son", танец кубинского среднего класса - с ритмом помедленнее и с движениями поприличнее. Еще медленнее - "Danzon",танец богатого, солидного Кубинского общества с очень маленькими шагами, когда партнерши почти не выводят бедра, но тщательно сгибают и разгибают ноги, показывая их стройность, грациозность и длину. Американская румба - измененная версия танца "Son". Первая серьезная попытка популяризовать румбу в США была в 1913 (Lew Quinn and Joan Sawyer). Десятью годами позже руководитель оркестра Эмиль Колеман специально пригласил музыкантов, играющих румбу, и пару танцоров румбы. В 1925 Benito Collada открыл Клуб El Chico Greenwich. Оказалось, что еще никто в Нью-Йорке не умеет танцевать румбу! Реальный интерес к латинской музыке появился приблизительно с 1929 года. В конце 1920-ых Xavier Cugat сформировал оркестр, который играл только латиноамериканскую музыку в Coconut Grove (кокосовой роще) в Лос-Анджелесе и играл в ранних звуковых фильмах, например "В веселом Мадриде" ("In Gay Madrid"). Позже в 1930-ых, Cugat играл в Waldorf Astoria Hotel в Нью-Йорке. К концу десятилетия его оркестр был признан лучшим латиноамериканским оркестром десятилетия. В 1935 Джордж Рафт (George Raft) сыграл роль учтивого танцора в фильме "Rumba", первом фильме, в котором герой получает в награду героиню из-за их общей любви к танцам. Через 52 года - фильм "Грязные танцы", когда опытный преподаватель соблазняет начинающую, затем "Strictly Ballroom" c аналогичным сюжетом, и два фильма с обратными сюжетами, когда партнеры - почти начинающие - "Dance with me" 98 года и "Let''s it be me". В Европе румба появилась благодаря энтузиазму и блестящим интерпретациям Пьера Лавелла (Pierre Lavelle) - ведущего английского преподавателя латиноамериканских танцев. Он посетил Гавану в 1947, оказалось, что румба на Кубе выполняется с акцентом на счет "два", а не на "раз", как в американской румбе. Эту технику с названиями основных фигур, полученных от Pepe Rivera из Гаваны, он стал преподавать в Англии. В 50-ых он со своей партнершей и женой Дорис Лавелл очень много выступал с показательными выступленями и уроками латиноамериканских танцев в Лондоне. С нововведением - только перенос веса на счет "раз", без фактического шага, танец приобрел очень чувственный и романтический характер. Счет "раз" - самый сильный счет в румбе, не делая шаг на этот счет, мы подчеркиваем музыкой активное движение бедер. Вместе с медленным темпом музыки и музыкальным акцентом на работу бедер танец приобретает лирический и эротический характер. Шаги делаются на счет 2, 3 и 4. Колена выпрямляются и сгибаются на каждом шаге, повороты выполняются между счетами. Вес корпуса находится впереди, все шаги делаются с носка. Pierre Lavelle представил истинную "кубинскую румбу", которая после долгих споров была официально признана и стандартизирована в 1955. В современном танце многие из основных фигур несут в себе старую историю попытки женщины доминировать над мужчиной при помощи женского обаяния. Во время танца всегда есть элемент, когда партнерша "дразнит" партнера и затем убегает, мужчина сначала соблазняется, а затем партнерша его бросает и стремится к другому. Другому партнеру, судье, зрителю... На страстные эротические движения партнерши партнер через ответные движения выражает желание обладать ею, пытается доказать свою мужественность через физическое доминирование, но, увы, обычно ничего не добивается. Румба - дух и душа латиноамериканской музыки и танца. Очаровательные ритмы и движения тела делают румбу одним из наиболее популярных бальных танцев, многие партнерши считают этот танец самым любимым.

Ча-ча-ча (исп. cha cha cha) — музыкальный стиль и танец Кубы, получивший также широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также в тех из латиноамериканских общин США, где преобладают выходцы из этих стран.

Ча-ча-ча возник в процессе эволюции и экспериментов кубинского композитора Энрике Хоррина (Enrique Jorrin, 1926—1987) с Дансоном, в 50-х годах XX века.

Исполняется на соревнованиях, начиная с Н класса. Музыкальный размер 4/4, темп — 30 тактов в минуту.

Ча-ча-ча — это также один из пяти танцев латиноамериканской программы бальных танцев.

[править] ИсполнителиСуществуют множество певцов и музыкантов, обращающихся к стилю ча-ча-ча в своих произведениях:

Ален Сушон — Foule sentimentale
Бэрри Уайт — Sha la la means «I love You»
Далида — Itsi bitsi petit bikini
Françoise Hardy — Comment te dire adieu
Joe Dassin — Guantanamera
Les Rita Mitsouko — Marcia Baila
Niagara — L’amour à la plage
Паскаль Паризо — Que je sache (Quizas)
Серж Генсбур — Cha cha cha du loup
Ванесса Паради — Joe le taxi
Карлос Сантана — Oye Como Va
[править] Интересные фактыВ юности Брюс Ли выиграл чемпионат по танцу ча-ча-ча в Гонконге. Тогда же он решил серьёзно заняться ушу-кунгфу. Его первый учитель кунг-фу вспоминал, что Брюс пришёл к нему и сказал: «Учитель, я знаю, что вы прекрасно владеете кунг-фу — а я лучше всех танцую ча-ча-ча. Так давайте обменяемся нашими знаниями: вы научите меня технике кунг-фу, а я научу вас танцевать ча-ча-ча.»

У этого термина существуют и другие значения, см. Самба.

Исполнительницы самбыСа́мба — бразильский танец, один из пяти танцев латиноамериканской программы бальных танцев. Возник в результате слияния африканских танцев, которые пришли в Бразилию с рабами из Конго и Анголы, с испанскими и португальскими танцами, привезенными из Европы завоевателями Южной Америки.

Музыка самбы имеет характерный ритм, создаваемый барабанами и мараками, обычно имеет 50-52 такта в минуту (размер 2/4).

Самба

Самба – национальный бразильский танец. На карнавалах в Рио танцуют огромное количество стилей самбы: от "Baion" до "Marcha". Чтобы показать истинный характер самбы, танцор должен исполнить ее страстно, игриво и кокетливо.

История самбы - это история слияния африканских танцев из Анголы и Конго с испанскими танцами, привезенными в Бразилию европейскими завоевателями. И, конечно же, это история страсти и любви, ведь слово «Zamba» означает «ребенок чернокожего мужчины и белой женщины» (мулат).

Танцы рабов, Catarete, Embolada и Batuque, прародители самбы, считались в средневековой Европе греховными, поскольку в процессе танца партнеры касались друг друга пупками, и строго запрещались инквизицией.

Фигуры самбы исполняются пружинящими движениями, "Samba Bounce", сопровождающимися активной работой бедер. Без этих довольно-таки сложных в исполнении движений, всегда страстных и стремительных, невозможно воплотить дух самбы.

Сегодня самба остается самым популярным бразильским танцем и музыкальным жанром. Пружинка в коленях, продвижение по залу и его популярность во всем мире по праву самба называют латиноамериканским вальсом.

Движение: ритмичное, быстрое, подвижное, стреляющее Настроение:радостное,задорное,весёлое.
Жизненность: карнавал.
Цвет: радуга.
Музыкальный размер: 2/4 или 4/4.
Тактов в минуту: 50-52.
Акцент: на 1 и 2 (1 сильнее) удар.
Подъём и снижение: пружинящее движение самбы.

Самба

Самба – национальный бразильский танец. На карнавалах в Рио танцуют огромное количество стилей самбы: от "Baion" до "Marcha". Чтобы показать истинный характер самбы, танцор должен исполнить ее страстно, игриво и кокетливо.

История самбы - это история слияния африканских танцев из Анголы и Конго с испанскими танцами, привезенными в Бразилию европейскими завоевателями. И, конечно же, это история страсти и любви, ведь слово «Zamba» означает «ребенок чернокожего мужчины и белой женщины» (мулат).

Танцы рабов, Catarete, Embolada и Batuque, прародители самбы, считались в средневековой Европе греховными, поскольку в процессе танца партнеры касались друг друга пупками, и строго запрещались инквизицией.

Фигуры самбы исполняются пружинящими движениями, "Samba Bounce", сопровождающимися активной работой бедер. Без этих довольно-таки сложных в исполнении движений, всегда страстных и стремительных, невозможно воплотить дух самбы.

Сегодня самба остается самым популярным бразильским танцем и музыкальным жанром. Пружинка в коленях, продвижение по залу и его популярность во всем мире по праву самба называют латиноамериканским вальсом.

Движение: ритмичное, быстрое, подвижное, стреляющее Настроение:радостное,задорное,весёлое.
Жизненность: карнавал.
Цвет: радуга.
Музыкальный размер: 2/4 или 4/4.
Тактов в минуту: 50-52.
Акцент: на 1 и 2 (1 сильнее) удар.
Подъём и снижение: пружинящее движение самбы.

Квикстеп (англ. Quickstep) — быстрый фокстрот. Если термин «фокстрот» по одной из версий образный и в буквальном переводе означает «шаг лисицы», то термин «квикстеп» более точный, то есть «быстрый шаг». Действительно, речь идёт о танце, который в соответствии с его живым ритмом требует от исполнителя лёгкости, подвижности. Богатый вариациями, квикстеп принято считать «малой грамматикой» стандартных танцев.

Движение быстрое, лёгкое, воздушное, стремительное, скоростное. Музыкальный размер: 4/4. Тактов в минуту: 50. Акцент: на 1 и 3 удары. Соревнование: 1,5—2 минуты. Подъём и Снижение: начинается подъём в конце 1, продолжается в течение 2 и 3, верх/низ в конце 4.

[править] ИсторияПоявился в течение 1-й Мировой войны в пригороде Нью-Йорка и первоначально исполнялся африканскими танцорами. Дебютировал в Американском мюзик-холле и стал очень популярным в танцевальных залах. Фокстрот и квикстеп имеют общее происхождение. В двадцатых годах многие оркестры играли медленный фокстрот слишком быстро, что вызвало много жалоб среди танцующих. В конечном счете появились два различных танца: медленный фокстрот, темп был замедлен до 29—30 тактов в минуту, и квикстеп, который стал быстрой версией фокстрота, исполняемого в темпе 48—52 тактов в минуту. Одним из танцев, повлиявшим на развитие квикстепа, был популярный чарльстон.

В программу танцевальных вечеров, чтобы предупредить любителей «настоящего» фокстрота, стали включать под названием "quick-time-foxtrot", иногда «quick-time-steps» и, наконец, коротко — «quickstep». Годом рождения квикстепа считается 1923 год, когда оркестр Поля Вайтмана (Paul Whiteman) выступал в Великобритании.

[править] Движения квикстепаСовременные движения квикстепа, основанные когда-то на шагах фокстрота, сильно отличаются от тех, которые танцевали в 20-е годы. Прыжки в продвижении и на месте, цепочки ходов и другие оригинальные движения в паре — все эти движения, явно или не явно, сильно изменившись или просто напрямую попали в квикстеп из трех танцев — чарльстон (Charleston), шимми (Shimmy) и Black Bottom.

В настоящее время квикстеп танцуется в ритме 200 ударов в минуту. Основные движения - это прогрессивные шаги, шассе, повороты, многие другие движения, заимствованные из фокстрота. Базовое движение для начинающих — четвертные повороты. Но основным отличием от других европейских танцев являются «прыжки», как в продвижении, когда пара как бы «cтелется вдоль паркета», c поворотами или без, так и на месте, с оригинальными киками и более сложными движениями. Данные движения разрешены только с B класса. До B класса движения квикстепа состоят из тех, которые были в ранние годы (кроме типси).

[править] Ссылки

Медленный фокстрот [править]Материал из Википедии — свободной энциклопедииТекущая версия (не проверялась)
Перейти к: навигация, поиск Медленный фокстрот (Slow Foxtrot)— танец Европейской программы, исполняется на соревнованиях, начиная с D класса.

Фокстрот — развившийся в 1912 г. в США из не столь темпераментного ванстепа новый парный танец. Существует ошибочное мнение, что название танца произошло от английского слова foxtrot, что переводится как «лисья походка». На самом деле это не так. Фокстрот был изобретен Гарри Фоксом (Harry Fox) для выступления на шоу в Нью-Йорке в 1913 г. После Первой мировой войны всеобщее увлечение фокстротом перекинулось на страны Европы. Необыкновенно гармоничный танец, сочетающий прежде всего неповторимую «гладкую» скользящесть (невесомость) шагов, воздушность, легкость. Пожалуй, только здесь оба партнера полностью сливаются в танце, как единое целое. Действительно неповторимый, несравнимый ни с чем танец, обаятельный Фокстрот, имеющий множество интерпретаций, является самым сложным танцем стандартной программы.[1].

Фокстрот был частью представления «Jardin Danse» на крыше Нью-Йоркского театра. Как часть своего выступления Гарри Фокс делал шаги «рысью» («trotting») под музыку «ragtime», и люди назвали его танец «Fox’s Trot» (потом «s» пропала, а произношение осталось). Гладкость («smooth») — одна из основных характеристик фокстрота. Есть версия (очень сомнительная), что название произошло из-за лисы («fox»), поскольку только она якобы имеет необычную походку среди животных, когда ноги ставятся в одну линию (след в след).

Первоначальный вариант фокстрота исполнялся таким образом, что левая и правая нога ставились одна перед другой по одной линии. Только в 1950-ых была развита «Пересмотренная техника», в которой левая и правая нога двигаются по своей линии, лишь иногда попадая на чужую. К концу Первой Мировой войны медленный фокстрот состоял всего из трех шагов (тройной шаг). К концу 1918 года было придуманa «волна» («wave»), также называемая «jazz-roll». Американец Морган придумал «open spinturn» (открытый спин-поворот) в 1919 году. Элита танцующего мира сразу же постаралась освоить новый необычный стиль движения в танце. В 1920 году очень талантливый американец Андерсон приехал в Лондон и вместе с Жозефиной Бредли выиграл много танцевальных состязаний. Эта пара придумала всего два новых движения, но без них невозможно вообразить современный фокстрот. Это «шаг перо» и «смена направления». Огромное количество фигур было придумано в 1922 году известным танцором, победителем танцевальных конкурсов Франком Фордом, в том числе «heelturns». Знаменитая в то время пара танцоров — Вернон и Ирен Кастл, потратила много времени на популяризацию фокстрота, считая его лучшим из всех европейских и вообще из всех возможных танцев.

Фокстрот дал самый существенный толчок для всего бального танца. Комбинация быстрых и медленных шагов создает огромное количество вариаций и приносит намного больше удовольствия, чем танцевание всех шагов в одном ритме, на каждый счет (а до этого абсолютно все танцы танцевались в одном ритме). Имеется большое количество разнообразных ритмических сочетаний шагов в фокстроте, он является самым трудным танцем для изучения из-за сложного ритмического характера движения.[2]

Музыкальный размер этого танца — 4/4, темп 30-32 такта в минуту, истинно медленный по естественной спокойности. Счет: «1», «2», «3», «4». Движения формируются из счетов «Медленно» и «Быстро» («Slow»/«Quick»). Акценты: очень мягко, почти незаметно, акцентируются как «1», «3», доли такта, так и подъемы / снижения

Танго (исп. tango) — старинный аргентинский народный танец; парный танец свободной композиции, отличающийся энергичным и четким ритмом.[1]

Изначально получил развитие и распространение в Аргентине, затем стал популярен во всем мире.

Ранее танго был известен как танго криольо (tango criollo). Сегодня существует много танцевальных стилей танго, в том числе аргентинское танго, уругвайское танго, бальное танго (американского и международного стиля), финское танго и старинное танго. Аргентинское танго зачастую рассматривается как «аутентичное» танго, поскольку оно ближе к изначально танцевавшемуся в Аргентине и Уругвае.

Музыка и танцевальные элементы танго популярны в деятельности, связанной с танцами, гимнастикой, фигурным катанием на коньках, синхронным плаванием и др.

Содержание [убрать]
1 История
2 Стили танго
2.1 Аргентинское танго
2.1.1 Танго Салон
2.1.2 Танго Лисо
2.1.3 Танго Нуэво
2.1.4 Танго Фантазия
2.2 Финское танго
2.3 Бальное танго
3 Известные исполнители и композиторы
4 См. также
5 Примечания
6 Литература
7 Ссылки


[править] ИсторияТанго получило распространение от африканских сообществ в Буэнос-Айресе на основе древних африканских танцевальных форм[источник не указан 1032 дня]. Слово «танго» также имеет африканское происхождение, его возводят к языку нигерийского народа ибибио, где оно значило танец под звук барабана, и применяют к мелодиям, полученным в результате синтеза различных форм музыки из Европы, Африки и Америки. Хорхе Луис Борхес в «El idioma de los argentinos» пишет: «Танго принадлежит к Ла-Плата и является „сыном“ уругвайской милонги и „внуком“ хабанеры». Слово «танго», похоже, впервые используется в отношении к танцам в 1890-е. Первоначально этот танец был лишь одним из многих, но вскоре он стал популярным во всем обществе.

В первые годы ХХ века танцоры и оркестры из Буэнос-Айреса и Монтевидео отправились в Европу, и первый европейский показ танго состоялся в Париже, а вскоре после этого в Лондоне, Берлине и других столицах. К концу 1913 года танец попал в Нью-Йорк, США и Финляндию. В США в 1911 году название «танго» часто применялось для танцев в ритме 2/4 или 4/4 «на один шаг». Иногда танго исполняли в довольно быстром темпе. В тот период иногда относились к этому как «Североамериканского танго», в сравнении с «Рио де ла Плата танго». К 1914 были более распространены аутентичные стили танго, а также некоторые варианты, как «Менуэт-танго» Альберта Ньюмана.

Несмотря на Великую депрессию, период 1930—1950 годов стал «золотым веком» танго. Было создано множество ансамблей, в состав которых входили выдающиеся композиторы и исполнители танго, ставшие сегодня классиками стиля: Аннибал Тройло, Освальдо Пульезе, Астор Пьяццолла и многие другие.

Возрождение танго началось в 1983 году после открытия в Нью-Йорке шоу «Forever Tango». Эти показы сделали революцию во всем мире, и люди повсюду начали посещать уроки танго.

С 30 сентября 2009 года танго объявлен объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО[2].

11 декабря, день рождения аргентинского певца и киноактера, знаменитого «Короля танго» Карлоса Гарделя, отмечается в столице Аргентины, Буэнос-Айресе как «День танго»[3].

[править] Стили тангоСуществует ряд стилей танго:

Аргентинское танго и уругвайское танго (также известен как танго Rioplatense)
Бальное танго
Финское танго
[править] Аргентинское тангоАргентинское танго объединяет в себе множество разнообразных стилей, которые развивались в различных регионах и эпохах Аргентины и Уругвая.


Танго. Открытка 1920-х годовК различным стилям Аргентинского танго относятся:

Канженге
Лисо
Салон
Орильеро
Милонгеро (танго Apilado)
Нуэво
Фантазия
По виду музыки танго делят на несколько типов:

Танго
Вальс (танго-вальс)
Милонга (соответствующий танец, который обычно отличается более быстрым темпом)
Канженге
Танго Electronico
Альтернативное танго (музыка других стилей преобразованная для использования в танце танго)
[править] Танго СалонТанго Салон отличается более открытой позицией танцоров в паре по сравнению с «близким объятием». Это пространство позволяет танцевать более разнообразные шаги, фигуры, повороты и позы танго. Это более изысканный и изощренный стиль исполнения танго и также, как и танго Милонгеро, основан на принципах импровизации, ведения-следования и т. п.

[править] Танго ЛисоТанго Лисо очень похоже на простые шаги, ходьбу или прогулку (коминада), как их называют в танго. В этом стиле используются только самые основные шаги и фигуры танго, нет множества поворотов, фигур и вращений.

[править] Танго НуэвоТанго Нуэво — это новое направление танго, это изобретения молодого поколения танцоров по части оригинальности шагов. Они стремятся найти в танго свой собственный неповторимый стиль, придумывая оригинальные вращения со сплетением и вымещением ног, изысканные позы и поддержки. Танго Нуэво требует для исполнения много места, его часто танцуют в шоу и никогда на милонгах. Более того, танцевать сложные фигуры рядом с парами, танцующими Милонгеро, считается просто дурным тоном.

[править] Танго ФантазияТанго Фантазия — название постановочного танго, которое исполняется в шоу для зрителей. Это танго имеет чаще всего совсем иные законы, в отличие от клубных (социальных) стилей — законы постановочного и сценического жанра. Это шоу, в котором музыкой и постановщиком продиктованы шаги, характер и чувства. Для танго «фантазия» характерна виртуозная техника исполнения, зрелищность движений и фигур.

[править] Финское тангоСтиль зародился в Финляндии в середине 40-х гг. XX века.

Наибольшую популярность финское танго приобрело в 1950-е — 1960-е, после появления на свет музыкальной композиции Унто Мононена «Satumaa» («Сказочная страна»), которая стала известна в исполнении Рейо Тайпале.

Наиболее известные исполнители финского танго — Олави Вирта, Рейо Тайпале, Эйно Грён, Эско Рахконен, Вейкко Туоми, Тайсто Тамми, Райнер Фриман и другие. Также к этому стилю обращались Тапио Раутаваара, Хенри Тиль, Георг Отс, женские вокальные ансамбли Metro-tytöt и Harmony Sisters.

[править] Бальное тангоСпортивный танец, участвующий в программах международных конкурсов наряду с фокстротом, венским вальсом и др. Отличие от аргентинского — отсутствие импровизации. Все движения соответствуют определённым правилам, начиная с положения головы, корпуса тела и заканчивая шаговыми элементами. Бальное танго от аргентинского отличает также и ритм мелодии — в ритме бального танго присутствуют ударные инструменты, что добавляет ему больше четкости. По характеру звучания мелодия бального стиля танго может немного напоминать имперский марш. Аргентинское танго более плавно и мелодично.

Венский вальс — это идеальный первый танец молодых, плавный и изящный. Свадебный вальс на видео будет смотреться потрясающе романтично.

Первое упоминание о венском вальсе относится к двенадцатому веку. Этот чудесный танец, пришедший к нам из Баварии, в те времена носил название German, но лишь в девятнадцатом столетии плавный венский вальс обрел большую популярность, в чем есть заслуга Иоганна Штрауса и Франца Ланнера которые написали несколько замечательных вальсов, известных и по сей день.

Быстрый ритм этих мелодий пришелся по душе молодым людям еще тогда, в середине 19 века. Ну а сегодня венский вальс — едва ли не самый популярный свадебный танец. Кстати, в средние века танцы неоднократно запрещали представители различных религий. А вот Алоизиус Орелли считал, что танцевать можно только в день свадьбы. Когда же он подойдет к концу, танцы следует немедленно прекратить.

В 1932 году венский вальс все же признали окончательно. В этом году его стали танцевать практически на всех турнирах, а два года спустя в Вене прошел первый в мире масштабный турнир, полностью посвященный этому прекрасному вальсу.

С течением лет венский вальс претерпел немало изменений. В своей теперешней инкарнации он стал значительно более медленным и красивым. И если в 1830 году, когда создали свои танцевальные мелодии Штраус и Ланнер, он считался быстрым молодежным танцем, то сегодня стал одним из самых прекрасных свадебных вальсов. Впрочем, при этом танцуют его по-прежнему значительно быстрее, чем медленный вальс.

В одном из старинных пособий по венскому вальсу были написаны важные положения, которые действительны и сейчас. Учитель танцев Грубер, родом из Одессы, писал в своей книге о том, что венский танец, хоть и быстрый, нужно танцевать плавно. Партнеры не должны прыгать из стороны в сторону или вставать на всю ступню — им следует будто бы скользить по полу, стоя на цыпочках.

Венский вальс — один из самых популярных свадебных танцев; в этом отношении он делит пальму первенства с Медленным Вальсом.

Венский вальс входит в европейскую программу спортивных бальных танцев, также как и медленный вальс (английский вальс, English Waltz, Slow Waltz), танго (Tango), медленный фокстрот (слоуфокс, Slow Foxtrot, SlowFox) и быстрый фокстрот (квикстеп, QuickStep).

Ритм венского вальса известен всем - это классическое «раз-два-три», по стилю исполнения этот танец во всем аналогичен медленному вальсу. Темп венского вальса ровно в два раза больше темпа медленного вальса — это 60 тактов в минуту, то есть ровно один такт на каждую секунду.

История венского вальса начинается в XII – XIII столетиях. В Европе он стал популярен в Баварии под названием «German». Популяризировали вальсы композиторы Иоганн Штраус–старший и Иоганн Штраус–сын, которые написали огромное количество известных вальсовых мелодий. Им помогли Шопен, Чайковский, Равель, Берлиоз, Шуберт и другие композиторы. В столице Австрии, Вене, люди часто собирались на площадях и устраивали балы с танцами под музыку вальсов. Оттуда и пошло название — «венский вальс».

Для танцевания венского вальса необходимо понимать, как пролегает в вашем зале линия танца, где у неё углы и повороты, а где закругления. Надо обращать внимание на столбы, стулья и столы, стоящие в зале.

Партии партнёра и партнёрши в венском вальсе одинаковы, разница только в сдвиге на один такт — когда партнёр начинает лицом вперёд по линии танца, партнёрша начинает спиной по линии танца, и наоборот. Партнёры, таким образом, меняются местами каждый такт.

В качестве свадебного танца обычно используют «фигурный вальс», который представляет собой венский вальс, дополненный различными фигурами, поддержками и позировками.

Основные фигуры венского вальса — это правый и левый повороты, правая и левая перемена вперёд и назад, левый и правый флекерлы, чек и контрачек. Фигурами супер-повышенной сложности считаются пивоты, телемарки и бегущие повороты.

Одной из красивейших фигур венского вальса являются «флекерлы» (иногда их неправильно называют «флекерами») — быстрое вращение пары на месте вправо или влево (по часовой и против часовой стрелки).

На этой страничке вы можете найти наши видео свадебных танцев. Медленные, романтичные, прекрасные медленные вальсы, лёгкие, кружащиеся и возвышенные венские вальсы, латино-американские страстные румбы, сальсы, танцы в американском стиле - танцы с приколом на свадьбу.


Характер: восхитительно романтический танец, имеющий своей задачей выразить чувства ликования, нежной привязанности, уважения, восхищения посредством непрерывных вращений.

Движение: свинговое (с замахом), летящее, плоское, мягкое, плавное, по кругу, маятниковое.

Настроение: прекрасное, радостное.

Жизненность: брызги шампанского, дружба.

Цвет: Цвет: белый, бело-розовый.

Подъем / снижение: без подъема в стопе на внутренней части поворота.

Соревнование: 1 - 1,5 минуты. Исполняется на соревнованиях, начиная с Хобби-класса (Хобби - 6).



Вальс (франц. valse, нем. Walzer, от walzen - "кружиться в танце") - парный танец, основанный на плавном кружении в сочетании с поступательным движением, один из самых распространенных бытовых музыкальных жанров. В 70-х гг. XVIII в. словом "вальс" называли крестьянский танец некоторых областей Южной Германии и Австрии (Лендлер), который с начала XIX в. стал популярен во всех слоях общества этих стран. Особенно интенсивно развивался в Вене сначала в творчестве Штрауса-отца, а позднее его сыновей Йозефа и особенно Иоганна, прозванного "королем вальсов". Были также распространены различные варианты французского Вальса, состоявшего из трех частей различного темпа и в размере не только 3/4, но и 3/8, 6/8.

Элегантный, очаровательный Венский Вальс наводит на мысли о залитых ярким светом бальных залах... Вальс окрашен ностальгией по эпохе, безвозвратно ушедшей в прошлое; он до сих пор остается символом знатности и утонченности.

Первое упоминание о танцах, подобных Вальсу, относится к 12 - 13 столетию, когда в Баварии танцевали "Nachtanz". Основные споры вызывают две версии происхождения танца - германская, в Англии его долго называли "немецкий" Вальс, и французско-итальянская. Очевидно только одно - Венский Вальс точно не из Австрии, а называют его так, поскольку пик популярности он пережил в начале XIX века в Вене под музыку Штрауса, затмив собой все другие танцы. Рассмотрим обе версии, при этом стоит заметить, что большинство исследователей считает его все-таки французским...

Вальс - это танец, который исполняется под музыку с тремя ударами в такте. Каждый такт начинается с ударного счета, а заканчивается менее выделенным, что создает большие трудности для начинающих, а для опытного танцора такой ритм создает восхитительные романтические переливы. Историю танцев на "три четверти" можно проследить достаточно легко, поскольку большинство танцев исполняется на два и четыре счета (все-таки ног у нас две).

Один из первых танцев в ритме "три четверти" - крестьянский французский танец из Прованса (Provence) появился в 1559 году. Этот танец исполнялся под народную музыку, называемую "Volta", хотя с данным названием в то же время существовал народный итальянский танец. На итальянском слово "volta" означает "поворот". Уже в первых вариантах танца основой его являлось непрерывное вращение.

В течение 16-ого столетия Вольта становится популярной в залах королевских судов Западной Европы, где тогда проводились танцы. В Вольте партнеры танцевали в закрытой позиции, но леди смещалась влево относительно джентльмена. Партнер держал партнершу за талию, леди клала правую руку на плечо джентльмена, поддерживая юбку левой рукой. Платье приходилось держать, поскольку во время вращений юбка запутывалась вокруг пары и мешала двигаться дальше.

Самое известное изображение танца Вольта - картина, на которой королева Англии Elizabeth I, взлетает над полом в руках графа Ланкастера (Leicester). Фоном картины является зал Французского королевского суда.

Вальс - общее название бальных и народных танцев музыкального размера 3/4.
Исполняется преимущественно в закрытой позиции. Наиболее распространена фигура в вальсе - полный оборот в два такта с тремя шагами в каждом.
Впервые вальс стал популярен в Вене в 80-х гг. XVIII в.
В последующие годы, распространившись во многие страны, вальс, особенно с закрытыми позициями, стал образцом для создания многих других бальных танцев. Позже были созданы многие разновидности вальса.

Происхождение
Своим рождением вальс обязан многим танцам разных народов Европы. Корни его находятся в популярном для своего времени танце "матеник" и его разновидности "фуриантэ", исполняемых на праздниках в чешской деревне, во французском танце "вольт" ("лавольта") и, наконец, в австрийском "лендлере", самом близком к вальсу из его предшественников.

В XIX и начале XX вв. существовало несколько различных форм вальса, включая некоторые с размером 2/4, 6/8 и 5/4.

Вальс - одно из искусств выразительных движений в определенном ритме.

Разновидности вальса

В современных бальных танцах быструю вариацию вальса называют Венским вальсом.
Международный Стандарт вальса включает в себя только закрытые фигуры; это означает, что пара никогда не покидает закрытой позиции.
Американский стиль вальса в противоположность Международному Стандарту вальса включает практически полные разрывы закрытой позиции в некоторых фигурах. Например, фигура "укороченное боковое кружение" содержит раздельное вращение для обоих партнеров. Открытое вращение - другой хороший пример открытой танцевальной фигуры, при котором ведомый партнер переходит по левую и правую стороны ведущего партнера, направляемый левой или правой рукой ведущего (ведет только одна рука на выбор), задающей направление движения. Вальсы являются одной из главных тем многих американских мюзиклов и кинофильмов, включая "Вальс Эпохи Свинга", спетый Фредом Астером.
Вальс с перекрестным шагом - новый стиль в вальсе, при котором первый шаг пересекает по диагонали основную линию движения. Этот стиль развился в Стэнфордском Университете и допускает большой набор различных танцевальных фигур.
Перуанский вальс (в Перу он также называется "креольский вальс").
Первым композитором, написавшим Вальс-Кюрасо, был Ян Джерард Палм (1831-1906). Как и семья Штраус в Австрии, семья Палм сочинила множество популярных вальсов-кюрасо. Широко известными сочинителями вальсов-кюрасо из семейства Палм являются: Ян Джерард Палм (1831-1906), Джакобо Палм (1887-1982), Рудольф Палм (1880-1950), Джон Палм (1885-1925), Альберт Палм (1903-1957), Эдгар Палм (1905-1998) и Роберт Роджер (1939 год рождения). Помимо семьи Палм Вальс-Кюрасо сочиняли такие композиторы, как Джозеф Сикмэн Корсен, Крис Алдер, Джакобо Конрад и Уим Стейтес Малер, хорошо известные своими произведениями.
Мексиканский вальс (vals mexicano) следует той же основной ритмической модели, что и стандартный вальс, но мелодия отражает сильное испанское влияние. Мексиканский композитор Ювентино Розас написал вальс "Sobre las Olas" ("Над волнами"), хорошо известный в Соединенных Штатах как цирковая песня, которая исполняется во время шоу с трапециями.
Вальс-каджун (луизианский вальс) - медленное кружение по танцевальному залу, характеризующееся нежным покачиванием бёдер и танцевальным шагом, очень близким к прогулочному шагу. Исполняется исключительно в закрытой позиции.
Вальс-танго позволяет танцорам исполнять танец в три шага в каждом из четырех музыкальных тактов или без основных шагов в такте под музыку вальса. Также возможно менять количество шагов в каждой тактовой доле на всем протяжении песни.
Венесуэльский вальс
Западно-европейский вальс отличается от стандартного на 99%. Танцевальное движение происходит против часовой стрелки. Осанка партнеров и расположение их рук и ног достаточно свободны и даже немного сутуловаты. Преувеличенная жестикуляция, характерная для некоторых бальных стилей, здесь отсутствует. Пары зачастую танцуют в позиции "Променад", что зависит от местных предпочтений. В западно-европейском вальсе различают две разновидности: Испанский вальс и более поздний (возникший в конце 1930-х - начале 1950-х гг.) "вальс-преследование". Одно время данный вальсовый стиль считался показателем дурного обхождения, так как в некоторых фигурах мужчина вел свою партнершу задом-наперед.

Бальные танцы — группа различных парных танцев, некоторые из которых имеют народные истоки. Исполнялись на балах, которые проводились в помещениях, застеленных паркетом. Из огромного разнообразия как элитных (историко-бытовых), так и народных танцев в группу бальных попали танцы, характеризующиеся 2 признаками: все бальные танцы являются парными; пару составляют мужчина и женщина.

Под "бальными танцами" в настоящее время подразумевают словосочетания "спортивные танцы" (СБТ, "спортивные бальные танцы") и "танцевальный спорт". Это отображено в названиях различных танцевальных организаций, например: "Московская федерация спортивного танца" или "Московская федерация танцевального спорта".

Во всем танцевальном мире соревнования по спортивным танцам делятся на 3 программы: европейскую (Standart или Modern), латиноамериканскую (Latin) и десять танцев ("десятка").

В европейскую программу входят: медленный вальс, танго, венский вальс, медленный фокстрот и квикстеп (быстрый фокстрот). В латиноамериканскую: самба, ча-ча-ча, румба, пасодобль и джайв.

История и определение
Юная принцесса Мария-Антуанетта на занятииТермин «бальные» относится к парным непрофессиональным светским танцам, возникшим в средневековой Европе. Эти танцы очень сильно видоизменялись: любая эпоха европейской истории — Возрождение, Просвещение, классицизм, романтизм, — порождала своеобразный танцевальный комплекс. На протяжении всего европейского культурного развития на бальный танец влияли самые разнообразные этнические источники, а также профессиональный танец.

Бальные танцы XX века сложились на основе европейского танца, в который на рубеже XIX—XX веков вдохнула новую жизнь африканская и латиноамериканская музыкальная и танцевальная культура. Подавляющее большинство современных бальных танцев имеют африканские «корни», уже хорошо замаскированные технической обработкой европейской танцевальной школы.

В 1920-е годы в Англии при Императорском обществе учителей танцев возник специальный Совет по бальным танцам. Английские специалисты стандартизировали все известные к тому времени танцы — вальс, быстрый и медленный фокстроты, танго. Так возникли конкурсные танцы, и с тех пор бальный танец подразделился на два направления — спортивный и social dance. В 1930—1950-е годы число стандартных бальных танцев увеличилось за счет того, что к ним добавилось пять латиноамериканских танцев (в таком порядке: румба, самба, джайв, пасодобль, ча-ча-ча).

Сейчас по спортивным танцам проводятся соревнования. Сформировалось несколько программ: европейская, латиноамериканская, двоеборье (десять танцев), европейский и латиноамериканский секвей (трехминутное шоу под оригинальную музыку), европейский и латиноамериканский формейшн (соревнования ансамблей из 8-ми пар). Любительские чемпионаты мира проводятся под эгидой WDSF (ранее IDSF), а профессиональные — под покровительством Всемирного танцевального совета. Наиболее престижными в мире продолжают оставаться английские конкурсы, в частности, UK Open и Блэкпульский фестиваль (англ. Blackpool Dance Festival). Еще одним направлением конкурсного танца являются соревнования смешанных пар Профессионал-Любитель (Pro-Am) данное направление особенно развито в США и Канаде.

В Соединенных Штатах Америки сохраняется своеобразный национальный вариант как некоторых бальных танцев, так и проведения соревнований по ним — «American Smooth», «American Rhythm».

Слово «бал» пришло в русский язык из французского и происходит от латинского глагола ballare, который означает «танцевать». Из огромного разнообразия как элитных (историко-бытовых), так и народных танцев в группу бальных попали танцы, характеризующиеся следующими признаками.

Все бальные танцы являются парными. Пару составляют кавалер и дама, танцующие с соблюдением точек контакта. В Европейской программе этот контакт более плотный. Он сохраняется в течение всего танца. В Латиноамериканской программе контакт более свободный, чаще всего осуществляется за счет соединенных рук и иногда может как вообще теряться, так и усиливаться за счет натяжения при исполнении фигур.

Поскольку исполнение бальных танцев требует определенных навыков и тренированности, их популярность в обществе снизилась с течением времени. Появление твиста в 1960-х годах ознаменовало конец парных танцев. Такие танцы, как вальс, танго, фокстрот и т. д. фактически перестали служить для массового развлечения. В истории бального танца открылась новая страница.

[править] Европейская программаВ Европейскую программу (по-другому "Стандарт" или "Ballroom") входят 5 танцев: медленный вальс (темп — 28-30 тактов в минуту), танго (темп — 31-33 тактов в минуту), венский вальс (темп — 58-60 тактов в минуту), медленный фокстрот (темп — 28-30 тактов в минуту) и квикстеп (быстрый фокстрот) (темп — 50-52 тактов в минуту). Все танцы Европейской программы исполняются с продвижением по линии танца (по кругу против часовой стрелки). Дамы должны быть одеты в соответствующие требованиям, бальные платья. Кавалеры должны быть одеты во фраки черного или темно-синего цвета и носить бабочку или галстук. Вместо фрака разрешено танцевание в смокинге или в жилете. Современный танцевальный костюм отличается от повседневного в первую очередь покроем, одна из особенностей которого в том, что плечи костюма партнера должны оставаться ровными, когда руки поднимаются в стороны.

[править] Латиноамериканская программаВ Латиноамериканскую программу (Latin) входят танцы: самба (темп — 50-52 тактов в минуту), ча-ча-ча (темп — 30-32 тактов в минуту), румба (темп — 25-27 тактов в минуту), пасодобль (темп — 60-62 тактов в минуту) и джайв (темп — 42-44 тактов в минуту). Из латиноамериканских танцев только самба и пасодобль танцуются с продвижением по линии танца. В остальных танцах танцоры более или менее остаются на одном месте, хотя и в этих танцах возможно перемещение танцоров по танцевальной площадке с возвратом к исходной точке или без. В настоящее время конкурсные платья дам, как правило, короткие, очень открытые и облегающие. Современный конкурсный костюм кавалеров тоже достаточно облегающий, подчеркивающий мужественные линии тела.

[править] Классификация танцоровЧтобы создать более или менее равноценную конкуренцию на танцевальной площадке, в спортивных бальных танцах введена система классов, отображающая уровень подготовки танцоров и система возрастных категорий, распределяющая танцоров по возрастным группам. Для выхода на первое соревнование им присваивается один из самых низших классов (Н), который они впоследствии могут сменить на более высокий, заняв на соревнованиях определенные места и заработав определенные очки. В низших классах разрешено танцевать не все танцы и не все элементы. Высший класс мастерства у любителей М класс.

[править] Классификация танцоров по уровню подготовки (Правила ФТСР)H класс (буква «Н» означает «начинающий» или «ноль-класс») или ШБТ-школа бального танца. Соревнований по данному классу не проводится, Класс входит в систему массового спорта.

Н-3 — стартовый класс, в котором исполняются медленный вальс, ча-ча-ча и полька. Набор элементов ограничен самыми основными движениями[1]. H-4 — следующий класс, в котором исполняются только 4 танца: медленный вальс, джайв, самба и ча-ча-ча. В H-5 добавляется квикстеп, в H-6 — те же танцы, что и в E классе. Существует термин «Hobby-класс». Он применяется к начинающим взрослым спортсменам, которые желали бы танцевать большее количество танцев и с большим набором движений, чем дети-начинающие. Часто в этом случае организаторы соревнований вообще не вводят ограничений по костюмам и исполняемым элементам. Такой Hobby класс имеет полуофициальный статус.

E класс: спортивный класс, который тоже может быть стартовым.

D класс: для перехода в следующий класс необходимо набрать очки на соревнованиях.

C класс: разрешено исполнение хореографии не из базового списка фигур.

B класс: спортсмены этого класса получают возможность исполнять позы, поддержки.

A класс:

S класс: От Зондер - "особый" - присваивается решением Президиума национальной федерации по результатам национального Чемпионата или Первенства.

M класс: международный класс - высший в танцевальном спорте.

[править] Классификация танцоров по возрастным группамНачинающие 5-7 лет — старшему в текущем году исполняется 6 лет и младше (по году рождения) P.S.: Официальные соревнования по этой группе не проводятся.
Дети 0 - старшему в текущем году исполняется 5-7 лет (по году рождения)
Дети 1 — старшему в текущем году исполняется 8-9 лет (по году рождения)
Дети 2 — старшему в текущем году исполняется 10—11 лет (по году рождения)
Юниоры 1 — старшему в текущем году исполняется 12—13 лет (по году рождения)
Юниоры 2 — старшему в текущем году исполняется 14—15 лет (по году рождения)
Молодёжь — старшему в текущем году исполняется 16—18 лет (по году рождения)
Взрослые — старшему в текущем году исполняется 19-34 года (по году рождения)
Сеньоры 1 — младшему в текущем году исполняется 35 лет и старше (по году рождения)
Сеньоры 2 - младшему в текущем году 45 лет и старше (по году рождения)
Второй партнер в паре может быть моложе низшей возрастной границы своей возрастной категории: в Дети 2, Юниоры 1, Юниоры 2, Молодёжь максимум на два года, в категории взрослые — максимум на пять лет.

Оба партнера в категории сеньоры должны быть не моложе 35 лет. Редко, но все еще встречаются соревнования в категории "Дети Войны" для спортсменов, рожденных в период 1941 - 1945 годов.