Перед нами картина «Прекрасная шоколадница» — наиболее известное произведение швейцарского художника XVIII века Ж. Э. Лиотара, изображающее служанку, несущую на подносе горячий шоколад. Рисунок выполнен в технике пастели на пергаменте.
Легенда о создании этой пастели такова: в 1745 году австрийский аристократ князь Дитрихштейн зашёл в венскую кофейню, чтобы попробовать новый шоколадный напиток, о котором так много шло разговоров в это время. Его официанткой оказалась Анна Бальтауф (Anna Baltauf), дочь обедневшего дворянина Мельхиора Бальтауфа. Князь был покорён её обаянием и, несмотря на возражения своей семьи, взял девушку в жёны. «Шоколадница» стала свадебным подарком для новой княгини, заказанным молодожёном у модного швейцарского художника Лиотара. Портретист изобразил невесту в костюме официантки XVIII века, увековечив любовь с первого взгляда. (Именно эта версия — настоящая история Золушки — была популяризирована в буклетах компании Baker)
Согласно другой версии, будущую княгиню звали Шарлотта Бальтауф, её отец был венским банкиром, и пастель была создана в его доме — так гласит надпись, сохранившаяся на копии рисунка, хранящейся в Лондоне в галерее . Также встречается вариант, согласно которому это был не заказной портрет: художник сам захотел его написать, поражённый красотой девушки, камеристки императрицы Марии-Терезии, звавшейся Бальдуф и ставшей позже женой Иосифа Венцеля фон Лихтенштейна. В конечном счёте личность модели точно не установлена.
С 1765 года пастель находилась в Дрезденской галерее. Во время Второй мировой войны она была перевезена нацистами в крепость Кёнигштайн, где была найдена советскими войсками.
Есть ещё картина на эту же тему у этого художника
Лиотар. Дама с шоколадом
Художник Жан - Этьен Лиотар родился в Женеве в семье протестантов, эмигрировавших в Швейцарию. Он рано увлекся рисованием.
Отец отдал его в мастерскую швейцарского художника Даниэля Гарделя, где мальчик научился копированию и его копии отличались удивительной точностью, усердно занимался рисованием, миниатюрной и эмалевой живописью. с большим искусством
В 1723 г. Лиотар уехал в Париж и продолжил обучение в мастерской гравера и миниатюриста Жана-Батиста Массе. Его дружеские отношения с парижским художником Франсуа Лемуаном побудили его заняться портретной живописью и пастелью.
Лиотар вошел в историю как виртуоз пастели, умевший передавать мягкость бархата, гладкость шелка, узоры кружева и фарфоровый блеск. Также он прославился как выдающийся колорист.
В жизни Ж.-Э. Лиотара начались годы странствий, во время которых он побывал во многих городах и странах. Он путешествовал как спутник знатных особ, как это часто приходилось делать многим художникам XVIII века.
Великий русский художник Виктор Михайлович Васнецов родился 15 мая 1848 года
в Вятской губернии (сегодня — Кировская область) в семье священника. Родители старались дать детям разностороннее образование: читали им научные журналы, учили рисованию.
Семья и бытовое человеческое окружение повлияли на формирование уникального внутреннего мира художника. Виктор Васнецов рос в российской глубинке среди крестьянских детей, всей душой впитывая красоту и поэзию русских народных былин и сказок, что и пробудило у мальчика неуемную тягу к изобразительному искусству. Из-за нее он впоследствии оставил семинарию, уйдя из предпоследнего философского класса и отправившись на учебу в Петербург.
Виктор Михайлович поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств. Вместе с Ильей Репиным он обучался у Крамского.
Затем — в Академии художеств (1868—1875). Получал серебряные медали : две малые и большую.
По окончании Академии ездил за границу. Выставлять свои работы начал с 1869 года, сначала участвуя в экспозициях Академии, потом — в выставках передвижников.
В 1893 году стал действительным членом Академии художеств.
В 1912 году Васнецову было пожаловано «дворянское Российской империи достоинство со всем нисходящим потомством».
В 1915 году участвовал в создании Общества возрождения художественной Руси, наряду со многими другими художниками своего времени.
Умер 23 июля 1926 года в Москве, похоронен на Введенское кладбище
Первыми работами Виктора Васнецова были пейзажи, сюжеты сельской жизни. Природа на его картинах во многом списана с вятских видов: извилистые реки, холмы, густые хвойные леса.
Произведения Виктора Михайловича глубоко лиричны, романтичны по своей сути и весьма самобытны по стилистике. Полностью перейдя к историческим и сказочным сюжетам, художник Васнецов создал новое, «национальное» направление в современной ему российской живописи. Его картины воспевали поэтическую красоту русского народного фольклора, подчеркивали значимость национальной истории.
Вначале хочется обратить внимание на одну его картину, которая связала художника с передвижниками. Полотно является одним из известнейших жанровых полотен художника, проливающее свет на честное изображение язв общества.
Виктор Михайлович Васнецов «С квартиры на квартиру», 1876 год
Художественный критик Владимир Стасов писал о картине: Я думаю, каждый из нас таких встречал. Что за бедные люди, что за печальная природа человеческая! Прекрасная картина!
Сюжет: Бедные старики, муж и жена, вынужденные покинуть прежнюю квартиру, бредут по льду Невы к своему новому месту обитания. Их лица отражают чувства растерянности и недоумения. А скудные одежды и невеликие пожитки, собранные в грязный узел, подчёркивают их жалкое положение. Полное безлюдье, и лишь съёжившаяся от холода собака, забежавшая вперёд, ждёт путников. На заднем плане величественно возвышается шпиль Петропавловской крепости, который погружает зрителя в атмосферу «униженных и оскорблённых», вызывает «ощущение бесприютности, одиночества, безысходной тоски, что подчёркивается предельно выразительным пейзажем с бесконечным снеговым покровом, низко нависшим свинцовым небом и крепостью вдалеке».
Васнецов. Крещение Руси
Далеко не сразу Виктор Михайлович обратился к былинным сюжетам и масляной живописи, на первых порах отдавая предпочтение жанровым сценам и графике. Это наложило сильный отпечаток на все его последующее творчество. Лучшие полотна этого художника несут на себе след уверенной и точной руки. Многие из них явно»графичны», «иллюстративны» по манере исполнения. Цвет на этих картинах является только второстепенным инструментом, лишь помогающим максимально мощно выразить высокую концентрацию образной энергии, передающую зрителю ясно ощутимый внутренний импульс.
Богатыри
Поле брани
Васнецов. Илья Муромец
Алёнушка
Душа настоящего художника похожа на певчую птицу, которая заперта в клетке, накрытой невзрачной тканью. Мы не видим ее, но, услышав ее чудный голос, внезапно поражаемся удивительной внутренней красоте естества, скрытой за накидкой птахи. Но стоит лишь взглянуть на созданные им полотна, как ощущаешь вдруг и сразу всю силу удивительного душевного дара и таланта того, чья рука водила кистью, создавая эти незабываемо прекрасные, без всякого преувеличения, сказочные картины.
У Кащея
Царевна - лягушка
Виктор Михайлович Васнецов оставил глубокий след не только в области графики и живописи. Он создал целый ряд великолепных росписей, множество оформительских и декоративных работ, выполнил несколько уникальных архитектурных проектов, в число которых вошел и проект его собственного сказочного дома-мастерской.
Его картины приобретали коллекционеры Павел Третьяков и Савва Мамонтов. Полотно Васнецова «Богатыри» стало одним из первых обращений к былинному сюжету в истории русской живописи. Кроме написания картин Васнецов делал иллюстрации к книгам, создавал эскизы архитектурных сооружений и расписывал храмы в разных городах России.
Рассвет над Плёсом
Плес издавна привлекал творческих людей – художников, артистов, писателей и музыкантов, давал им покой и вдохновение.
Художник Исаак Левитан
Город Плес прославил Исаак Левитан, даже существует поговорка «Плес прославил Левитана, а Левитан прославил Плес».
А началось все с того, что летом 1888 года еще малоизвестный молодой пейзажист Исаак Левитан плыл по Волге из Нижнего Новгорода в поисках источника вдохновения.
Художник был грустен, даже уныл - Волга, вопреки ожиданию, душу не задевала. И вдруг за Кинешмой взгляд живописца и его спутницы привлек маленький городок, убегавший от воды круто в гору, в зелень берез и елок. На бугре стояла бревенчатая церковка, кругом темнел отражавшийся в Волге лес. Левитан побежал к капитану.
- Что за место?
- Городок Плёс, - равнодушно сказал капитан, - точнее сказать, городишко…
Но художник уже не слушал. Городок приближался. И было в нем что-то заставлявшее поспешить.
- Сходим! - Художник побежал в каюту за мольбертом и саквояжами.
Так случайно Левитан встретился с Плёсом.
В Плёсе художник нашел то, что искала его душа.
Поселившись в домике с окнами на реку, принадлежавшем в то время купцу Солодовникову, великий пейзажист избрал Плес своей летний студией, и провёл там два лета в 1888 и 1889 годах, написал более 200 картин, которые принесли ему мировую известность.
В доме сохранена обстановка тех лет и представлены многие картины и эскизы художника.
Плёс. Дом музей Левитана
Сегодня Дом-музей Левитана в Плёсе пользуется популярностью как среди специалистов, так и среди обычных посетителей.
Левитан часто любил сидеть на своей любимой скамейке, на окраине города и рисовал чудесные пейзажи русского леса, берега реки Волги, церквушки. На этом самом месте до сих пор существует эта скамейка и там можно посидеть и полюбоваться красотой Плесского леса.
Плёс Левитана
Здесь он обрел житейский покой и жадную страсть работать. Исчезли мнительность, неуверенность в своих силах. Его зонт над этюдником видели то у воды, то на кручах над речным плесом, то в окрестных деревнях.
Левитан_Вечер._Золотой_плес
«Вечер. Золотой Плес» — картина Исаака Ильича Левитана, на которой он в 1889 году запечатлел вид на Волгу, освещенную золотистым закатным светом. Спокойная гладь воды, дальний берег, окутанный сумерками, маленький, утопающий в зелени городок — все это создает атмосферу безмятежности и умиротворения, символизирует гармонию человека с окружающим миром.
Плёс ."Вечерний звон ". И.Левитан
На картине изображён монастырь, стоящий у излучины реки и освещённый вечерними солнечными лучами. Некоторые исследователи рассматривают «Вечерний звон» как вариант более раннего полотна «Тихая обитель» (1890), на котором был изображён аналогичный монастырь.
«Тихая обитель» — лучшая картина Левитана «по красоте и поэзии тонов вечернего солнца». Относя «Тихую обитель» к серии «пейзажей настроения» Левитана,
И.Левитан. "Тихая обитель"
Тихая жизнь городка, мир простых радостей, близость к природе пробудили все лучшее, чем была богата его натура. Жилось и работалось радостно. Расширился жизненный горизонт. Молодой еще человек, видевший в Москве главным образом приказчиков, коридорных, половых, извозчиков, увидел тут, на Волге, основы жизни, начал понимать историческую силу народа. И хотя полотна Левитана «безлюдны», мироощущение человека, писавшего их, явственно проявляется.
Плёс после дождя. Левитан
Чехов, увидев холсты, привезенные другом из Плёса, сказал: «…на твоих картинах появилась улыбка».
Мотив знаменитой картины «Над вечным покоем» подсказан был обликом деревянной церквушки, стоявшей над Плесом
Плёс петропавловская церковь
Петропавловская церковь XVI века на картине Левитана. Написана в первые дни прибывания Левитана в Плесе.
А это она же на картине "Над вечным покоем".
Картина И. Левитана " Над вечным покоем"
Картину «Над вечным покоем» иногда объединяют в так называемую «мрачную» или «драматическую» трилогию Левитана.
«Над вечным покоем» является «истинным пейзажем-картиной», это произведение Левитана — «симфония, странная с первого раза, но неуловимо охватывающая душу, стоит только довериться её впечатлению». Искусствовед Алексей Фёдоров-Давыдов писал, что в картине «Над вечным покоем» рассматривается вопрос об «отношении человеческого бытия к вечной жизни природы», и «из этого сопоставления природы и следов человеческого бытия в ней и образуется исполненный возвышенной скорби и трагической героики пейзаж». По мнению искусствоведа Виталия Манина, полотно «Над вечным покоем» представляет собой «одно из самых экспрессивных произведений художника, динамичных и „ассоциативных“».
Художник на горе Левитана
Рядом с церковью – скульптура художника. Вот он изображает на холсте и церковь, и вид на Волгу.
Левитан. "У омута"
Плёс. Вечер над болотом
Левитан. "Вечер"
"Плёс". И. Левитан
Левитан."Плёс"
Плёс. Ветхий дворик
Плёс Левитана
Плёс Левитана
Портрет художника И.И. Левитана. Автор Александр Шурыгин
Плёс. памятник Левитану
"В самом простом деревенском мотиве он, как никто другой, умел найти то родное и бесконечно близкое, что так неотразимо действует на душу русского человека..." это уже приятно бередит душу .
К. Д. Флавицкий (1866) на портрете Ф. А. Бронникова
Константин Дмитриевич Флавицкий – талантливый российский живописец, мастер исторического жанра, родился 25 сентября 1830 года
в Москве, в семье московского чиновника, но очень скоро осиротел и был определён в воспитательный дом для бедных детей, где прошло все его детство и юность.
Рисованием увлекался с раннего детства. Его талант был замечен воспитателями сиротского дома и юноша был определён пенсионером в «Обществе поощрения художников».
Впоследствии Константин Флавицкий поступил в Императорскую Академию художеств в класс профессора Ф.А. Бруни, был награждён несколькими серебряными медалями за этюды и рисунки, в 1854 году получил Малую золотую медаль за конкурсную картину «Суд Соломона».
"Суд_Соломона"_
В 1855 году Константин Флавицкий окончил академию с чином 14 класса и Большой золотой медалью за картину «Дети Иакова продают своего брата Иосифа», и в том же году отправился в Италию, как пенсионер академии.
"Дети Иакова продают своего брата Иосифа"
Из Италии в Россию художник вернулся в 1862 году и представил публике написанное в Риме грандиозное полотно «Христианские мученики в Колизее». За эту работу Флавицкому было присвоено звание почётного вольного общника Императорской Академии художеств. При этом публика приняла картину очень и очень прохладно. Сам Крамской назвал «мучеников» картиной «трескучей и театральной, лишенной всякого самостоятельного отношения к действительности».
"Христианские мученики в Колизее"
А вот представленная на академическую выставку в 1864 году картина «Смерть княжны Таракановой», ныне более известная как «Княжна Тараканова», имела просто оглушительный успех и стала настоящей сенсацией выставки. В.В. Стасов, знаменитый искусствовед и критик того времени, писал о картине Флавицкого, как о «чудесной картине, славе нашей школы, блистательнейшем творении русской живописи». Это полотно было приобретено Павлом Третьяковым для своей коллекции живописи.
«Смерть княжны Таракановой», ныне более известная как «Княжна Тараканова»
За эту работу Константину Дмитриевичу Флавицкому было присвоено звание профессора Императорской Академии художеств. И в этот момент художник начал сильно болеть – в Италии он заразился чахоткой, и в сыром климате российской столицы болезнь начала прогрессировать.
Флавицкий собирался уехать на юг Европы, но болезнь развивалась очень быстро и в сентябре 1866 года Константин Флавицкий скончался. Был похоронен на Смоленском православном кладбище в Санкт-Петербурге. В 1936 году захоронение было перенесено в некрополь мастеров искусств Александро-Невской лавры.
Хантингтон родился в Нью-Йорке в ноябре 1816 года.
Он учился в Йельском университете, зетем перешел в Гамильтон Колледж в Клинтоне, Нью-Йорк, где познакомился с Чарльзом Лорингом Эллиоттом, который вдохновил его стать художником.
Впервые Хантингтон выставил свои работы в Национальной академии дизайна в 1836 году. Впоследствии он написал несколько пейзажей в традициях школы реки Гудзон.
Хантингтон совершил несколько поездок в Европу, был в Англии, Риме, Флоренции и Париже .
Вернувшись в Америку в 1840 году, он написал свою аллегорическую картину «Сон Милосердия», которая принесла ему известность и подтвердила его интерес к вдохновляющим предметам.
Он также писал портреты и начал иллюстрацию "Путешествие странника". В 1844 году он вернулся в Рим, а через два года, возвратился в Нью-Йорк и , начиная с этого времени одной из основных тем творчества Д. Хантингтона становится идеалистическая живопись религиозного содержания. Кроме этого он является автором многочисленных пейзажей и портретов,в том числе, ряда выдающихся деятелей американской истории.
Он был дважды президентом Национальной академии дизайна, а также вице-президентом Музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке.
Хантингтон умер в Нью-Йорке 19 апреля 1906 года и был похоронен на кладбище Грин-Вуд в Бруклине.
Ричард Уилсонродился в Уэльсе в семье священника, в 1729 году перебрался в Лондон, где работал как портретист. В 1750—1757 годы путешествовал по Италии, где по совету Франческо Дзуккарелли обратился к пейзажной живописи — став, таким образом, первым крупным британским художником, посвятившим себя преимущественно пейзажу. Вернувшись в Англию, Уилсон вошёл в 1768 году в число 40 членов-учредителей Королевской Академии художеств.
Пейзажи Уилсона носят несколько отвлечённый характер, их влияние признавали такие выдающиеся британские мастера, как Джон Констебл и Тёрнер.
Сын протестанского пастора, Уилсон получил классическое образование. Около 1740 в Лондоне он писал портреты («Адмирал Смит», Гринвич, Морской музей; «Капитан Эверитт», Мельбурн, Нац. гал.; «Принцы Джордж и Эдвард», 1748-1749, Лондон, Нац. портретная гал.). Более важными для его художественной карьеры стали картины «Приют для подкидышей» и «Приют св. Георга», переданные в дар приюту для подкидышей, где они находятся и по сей день. В 1747 Уилсон выполняет несколько «Видов Дувра» (Кардифф, Нац. музей Уэльса). В 1750 по рекомендации сэра Томаса Манна Уилсон отправляется в Италию к кардиналу Альбани. Он усердно занимается пейзажем; его первые работы, написанные в Италии, отражают стиль Цуккарелли и Марко Риччи. На его творчество также оказали влияние произведения Клода Лоррена, Сальватора Розы, Пуссена и Гаспара Дюге. В 1752-1756 Уилсон живет в Риме, где встречает Берне и пишет пейзажи («Пейзаж с разбойниками», 1752, Кардифф, Нац. музей Уэльса; «Рим, вид от Поите Молле», 1754, там же). Его глубоко волновала красота римской кампаньи и пейзажей в Тиволи, Альбано, замок Гандольфо и озеро Неми, виды которых он писал и по возвращении из Италии («Вилла Адриана в Тиволи», ок. 1765, Лондон, гал. Тейт; «Вид реки По близ Феррары», 1776, Оксфорд, музей Ашмола).
В 1758 Уилсон возвращается Лондон и до конца своей жизни посвящает себя работе над тремя темами: видами Италии с классическими персонажами или с разбойниками, классические английские пейзажи, в особенности, валлийские, и, наконец, виды загородных домов. По заказу графа Пемброка Уилсон пишет «Пять видов Уилтона» (Уилтон хаус, собрание графа Пемброка), для которых характерны драматические контрасты света и тени и которые являются чем-то гораздо большим, нежели просто изображением определенной местности; здесь отражены не только воспоминания художника об Италии, но и наполненные светом пейзажи Кёйпа. В 1760 Уилсон исполнил свой самый знаменитый исторический пейзаж в духе С. Розы «Смерть детей Ниобы» (не сохранился). Являясь членом Общества искусств, он в 1760-1768 выставляет 36 своих произведений. Тогда же он становится членом Кор. Академии художеств, где в 1769-1789 экспонирует 30 работ. Однако художник не смог получить покровительства короля Георга III, который предпочитал пейзажи Цуккарелли, более соответствующие стилю рококо. Так, после 1765, не имея заказов, Уилсон оказался в стесненных материальных обстоятельствах и в 1776 согласился на должность библиотекаря с оплатой 50 фунтов стерлингов; с этого времени, он, практически, больше не занимался живописью.
Рёскин писал, что «с Ричардом Уилсоном в Англии появляется искусство пленительного по своей простоте пейзажа, основанное на размышлениях и любви к природе». Одним из самых изящных произведений художника является картина «Вид на Сноудон» (Ливерпуль, Художественная гал. Уолкера; варианты - Ноттингем, музей), в которой неприступное величие горы изображено с чисто классической ясностью. Пейзажи Уилсона проникнуты покоем и тишиной, они поражают своей ясностью и прозрачностью атмосферы («Река Ди близ Итон-холла», Бирмингем, Барберовский институт искусств, а также другие «Виды реки Ди», Глазго, Художественная гал., Лондон, Нац. гал. и гал. Тейт). В своих видах загородных домов, безмятежных и величественных, художник порывает с безликим искусством топографического стиля. Рейналдс сожалел, что пейзажи Уилсона «слишком близки обычной природе». Вместе с тем, художник был лучшим английским пейзажистом XVIII в., а его работы предвещают пейзажи Тёрнера и Констебля. Произведения Уилсона представлены в Нац. гал., гал. Тейт и собрании Бринсли Форда в Лондоне, музее Ашмола в Оксфорде, Художественной гал. в Лестере, Гор. художественной гал. в Лидсе, Художественной гал. в Глазго, Нац. музее Уэльса в Кардиффе, Нац. гал. в Дублине, музее Метрополитен в НьюЙорке и Художественном институте в Чикаго. В 1982-1983 в Лондоне, Кардиффе и Нью-Хэвене прошла ретроспективная выставка его работ.
Художник Гикал (Зорин) Алексей Григорьевич родился 28 августа 1961г. на Алтае (Барнаул).
После службы в армии, работал художником-оформителем и учился в Московском заочном народном университете искусств на отделении станковой живописи. Брал уроки у замечательного, известного Алтайского художника Виктора Александровича Зотеева. С 1992 года свободный художник. "Работает в жанре пейзажа, а также с благословения митрополита Барнаульского и Алтайского Владыки Сергия пишет иконы и картины на православную тему для храмов. Участник краевых и региональных выставок, а так же провёл более двадцати персональных выставок в городах и районах Алтайского края и Сибири. Награждён почётными грамотами Министерства культуры Алтайского края, благословенной грамотой Алтайской епархии, медалью Русской Православной Церкви "Святителя Макария" II и III степени."
Цветущая Россия. Алтай
Люблю тебя! Мой край алтайский,
Тобой горжусь, тобой живу!
И весь от края и до края,
Ты дорог сердцу моему.
Своими хлебными полями,
Ты славен испокон веков.
И ратным подвигом героев,
России преданных сынов.
Родной уголок
По весенней тропе
Весна
Золотое озеро
Утро в горной долине
Высокогорье
Лето
Камни и корни
Туман над рекой
Дождливый вечер
Дедушкина мельница
Ночная сказка
Цветущая долина
Над облаками
Вечерний Алтай
Цветущие склоны гор
Алтайское лето
Бирюзовая Катунь
Тишина
Цветущий май
Люблю лугов твоих раздолье
И безграничный твой простор.
Твои леса, поля и реки,
И грусть задумчивых озёр.
Цветущий Алтай
Сирень после дождя
Соловьиная ночь
Вечер над Тигиреком
Сенокос
Река Катунь весенним утром
Алтайский край! Леса, озера, реки,
Месторожденья, степи, целина.
Алтайский край! Века идут и вехи,
Под солнцем юга – Вьюжная страна.
Алтайский край! Просторам нет предела,
Полям пшеничным, пастбищам, садам.
Алтайский край! Счастливей нет удела:
С тобою слиться и остаться там.
Вечереет
На зорьке
Над родным простором
Даль великая
Два кедра
Сибирская сакура
Горное озеро
Изумрудная ночь
Красавица и сказка
В сентябре
Осень в горах
Божественны лазурь, сапфир и золото небес.
Над горизонтом - пламенное солнце.
Река сияет зазеркальем, как страна чудес,
В заворожённой тишине средь рощи.
Осень в горах
Осенний звон
Седой Алтай
Манящая даль
Каменный ручей
Осень на перевале
Зеркало осени
Новая банька
Медовый натюрморт
С верой, любовью и верностью
Мой Дом
Я дома там, где нужен, где всё вокруг люблю,
Где Свет ласкает Душу счастливую мою.
Где ветер ель качает, где яблоня цветёт.
Мой дом границ не знает, он там, где кто-то ждёт.
Заснеженные горы, зелёные луга,
Здесь всё моё, родное -и лес, и Тишина.
Мой дом среди просторов, мой дом среди Любви,
Из Радости построен, он светится внутри.
Мой дом - не просто место для отдыха и сна,
А это - моё Сердце, мой Разум и Душа.
И он гораздо больше всех рукотворных стен,
Мой Дом - Сиянье Божье и Свет от Добрых дел.
Великий русский живописец Карл Павлович Брюллов - вошел в историю как многогранный художник, представляющий классицизм и романтизм. Он с большим энтузиазмом создавал как монументальные исторические полотна, так и романтические портреты, тонко подмечая в людях черты их характера.
Его известные картины украшают сегодня российские и зарубежные музеи.
Будущий великий живописец родился 12 декабря 1799 г. в Петербурге, в семье художника, рисовавшего замечательные миниатюры, Павла Брюлло .
Творческая судьба Карла была предопределена с рождения – его отец был живописцем в 3-м поколении; его 5 сыновей (Карл – средний) получили образование в Академии художеств, где он преподавал, и стали живописцами.
Карл рос болезненным ребёнком, до семи лет почти все время проводил в постели. Его отец был строгим воспитателем, считал, что каждая минута непременно должна быть потрачена с пользой. Он требовал, чтобы сыновья ежедневно рисовали, причем задания были немалыми.
В 1809 г. Карла и его старшего брата приняли без экзаменов в Академию художеств. Наставники считали его лучшим учеником в рисовании, – он получал награды, как говорили его учителя, «целыми пригоршнями», поражая всех своим талантом и уникальными способностями. Юный художник с самых первых дней обучения показал свою одаренность и учителя ожидали от него необыкновенных и талантливых работ.
Ещё будучи учеником Академии, Брюллов создает ряд сложных композиций, которые привлекают внимание публики и специалистов.
С триумфом окончив Академию в 1821 г. и получив отличный аттестат, Карл становится пенсионером Общества поощрения художников (ОПХ) и на эти средства они с братом отправляются в Италию. Именно к отъезду в Италию Карл Брюлло стал Карлом Брюлловым по настоянию Александра I.
Брюллов – Деревня св. Рокка близ города Корфу.
Брюллов – Скалы и луна ночью.
В Риме он писал заказные портреты и жанровые картины — сценки из повседневной жизни. Брюллов запечатлевал людей за привычными занятиями: его герои веселились, молились, укладывали спать детей, танцевали, работали в саду.
Одна из таких картин — «Итальянское утро», где изображена юная девушка у фонтана за умыванием. Художник отправил холст в Россию, а Общество поощрения художников подарило картину супруге императора Николая I Александре Федоровне.
Карл Павлович Брюллов – Итальянское утро. 1823 г.
Государь наградил живописца за полотно ценным подарком — бриллиантовым перстнем — и повелел создать парную картину. Так появился «Итальянский полдень». Художник изобразил женщину характерной южной красоты с крупной кистью ягод. Брюллов писал свою картину в саду под настоящим виноградником, в солнечном полуденном освещении.
Брюллов – Итальянский полдень
Однако на выставке в Петербурге картина получила много нелестных отзывов и стала причиной разрыва художника с Обществом поощрения художеств. Критики посчитали, что модель не изящна и не соответствует «классическим идеалам» красоты.
Брюллов – Гулянье в Альбано
Брюллов – Итальянка, ожидающая ребенка
Десять месяцев братья медленно с остановками двигались через европейские страны, посетив многие города, Двенадцать прекрасных лет Брюллов прожил в Италии, на этой благословенной для всех художников земле, он состоялся как талантливый живописец. В Европе эти годы отмечены непримиримой борьбой между классицизмом и романтизмом. Принимает в ней активное участие и Брюллов.
Нарцисс у источника
Брюллов – Итальянка, зажигающая лампаду перед образом мадонны.
Брюллов – Сон молодой девушки перед рассветом
Брюллов – Прерванное свидание
Брюллов – Вечерня
Брюллов был очарован великолепной живописью эпохи Возрождения, но искал и свой путь. Его произведения «Итальянское утро», «Итальянский полдень», «Всадница» и другие поставили художника в ряд с лучшими живописцами Европы.
В Риме Карл Брюллов познакомился с графиней Юлией Самойловой. В ее окружение входили люди искусства, она покровительствовала художникам. Самойлова познакомила художника с состоятельными итальянцами и местной знатью, что обеспечило ему доход от работы над парадными портретами. Часто писал он и саму графиню. По ее же заказу художник создал полотно «Всадница», на котором изобразил воспитанниц Самойловой — Джованнину и Амацилию.
БРЮЛЛОВ Карл - Всадница.
Брюллов – Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя.
Брюллов Варсавия
Брюллов – Прогулка.
Брюллов – Нашествие Гензериха на Рим
Жизнь в Италии протекала бурно и весело. К 1829 году Брюллов официально разорвал контракт с обществом поощрения художников, которое снабжала художника средствами на жизнь.
В это время Карла привлек сюжет из жизни Древнего Рима, а затем богатый промышленник А. Демидов предложил художнику написать картину по этому сюжету. Брюллов писал это произведение почти шесть лет. Произведение было своеобразным ответом живописца на вопросы, волновавшие тогда молодых художников. Он стремился примирить в своей работе классицизм и романтизм. Результат был ошеломляющий – "Последний день Помпеи» ждал оглушительный триумф во всех странах Европы. Полотно экспонировалось в Париже и было награждено Большой золотой медалью. Затем, подарок Демидова императору, был выставлен в Академии художеств. Полотно Брюллова привлекло так много народа, что посмотреть на него выстраивались длинные очереди.
Карл Павлович Брюллов – Последний день Помпеи, на деньги за эту картину. автор
купил свободу для крепостного Тараса Шевченко.
Полотно впервые показали в римской мастерской живописца. Картина стала сенсацией, посмотреть ее приезжали даже из других стран. В газетах Брюллова сравнивали с мастерами Возрождения — Рафаэлем и Тицианом. Холст отправили на выставку в Париж, а затем в Петербург. Николай I после осмотра картины пригласил художника вернуться в Россию для личной встречи. «Последний день Помпеи» выставляли в Эрмитаже и в Академии художеств, ее могли увидеть как знатные люди, так и купцы или мастеровые.
В 1834 году Карл Брюллов начал работу над еще одной картиной на историческую тему — «Смерть Инессы де Кастро».
«Смерть Инессы де Кастро»
Героиней полотна стала фаворитка, а затем супруга португальского принца Педру, жившая в XIV веке. Инессу де Кастро убили придворные с согласия короля, чтобы ее дети не претендовали на престол. Масштабное полотно размером почти два на три метра Брюллов написал за рекордно короткий срок — меньше чем за три недели.
БРЮЛЛОВ Карл - Бахчисарайский фонтан
В этом же году Брюллов был вызван в Россию императором Николаем I. Его картина «Последний день Помпеи» была выставлена в Академии художеств. Уезжаю из Италии он оставил там свою любовь – графиню Самойлову, которая также очень сильно любила художника и которая многие годы была его музой .
Карл Павлович Брюллов – Портрет графини Юлии Павловны Самойловой, удаляющейся с бала с приёмной дочерью Амацилией Паччини.
К. Брюллов. «Портрет Ю.П. Самойловой с Джованиной Пачини и арапчонком». 1832–1834.
Россия встретила «Великого Карла», как стали называть его после этого триумфа, с ликованием. Приемы в его честь устраивались в самых знатных домах столицы и Москвы. Брюллов познакомился со многими лучшими представителями культуры и искусства. Теплая искренняя дружба связала его с М. Глинкой и Н. Кукольником. Но не все было так гладко... Пушкин писал: «Брюллов возвращается нехотя, боясь сырого климата и неволи».
Нежелание возвращаться имело под собой серьёзные основания – Николай I, был взволнован настроениями, царившими в Европе, «закручивал гайки». Отношения императора и живописца были напряженными – Брюллов по натуре был слишком свободолюбив. Действительно, вызывает большое удивление – он не написал ни одного портрета русского монарха, под разными, часто надуманными, предлогами, отказывался от подобных заказов, – на этот счет есть несколько сохранившихся воспоминаний его современников.
Осада Пскова польским королём Стефаном Баторием в 1581 году
Художник приступил к созданию полотна «Осада Пскова С. Баторием», которое, как он говорил, очень скоро превратилось в «Досаду от Пскова». Он писал его восемь лет, а затем забросил. На запись в класс проф. Брюллова К. П. появилась огромная очередь. Его благодарными учениками были: Чистяков, Шевченко, Федотов, Ге.
Личная жизнь великого живописца не сложилась. Он полюбил Эмили Тимм, дочь градоначальника Риги. Она согласилась стать его женой, но перед свадьбой Эми призналась, что, уступила домогательствам отца и продолжает с ним интимные отношения. Однако молодые обвенчались. Но отец Эми принимал её замужество как прикрытие, чтобы продолжать эти отношения. Через пару месяцев брак был расторгнут. «Великий Карл» был ославлен. Сплетни не прекращались, его перестали принимать во многих столичных домах.
Брюллов – Всадники. Парный портрет Е. Мюссара и Э. Мюссар.
Художник часто болел, мучили проблемы с сердцем. В 1849 г. он покинул Россию, путешествуя по Европе, остановился на о. Мадейра. Через год Брюллов, посетил Испанию и оттуда переехал в любимый Рим. Он подружился с семьей Анджело Титтони, соратника Гарибальди по революционной борьбе.
11 июня 1852 г. К. П. Брюллов покинул этот мир в Манциане, расположенном недалеко от Рима, там были прописанные ему врачом минеральные воды... Утром ещё ничего не предвещало трагедии, но после обеда он неожиданно почувствовал удушье, и через три часа будучи до последнего вздоха в сознании, скончался.
Похоронен Карл Брюллов в Риме на кладбище Монте Тестаччо. Величайшему живописцу девятнадцатого столетия было всего пятьдесят два года.
Автор текста Наталья Абдуллаева.
Бронзовый бюст Карлa Брюллова в центральном парке города Фуншала на острове Мадейра (Португалия).
Творчество Брюллова стало вершиной позднего русского романтизма, когда чувство гармонической цельности и красоты мира сменилось ощущением трагизма и конфликтности жизни, интересом к сильным страстям. Брюллов оказал огромное влияние на русских художников, его последователями стали Илья Репин, Григорий Гагарин, Константин Флавицкий, Василий Штернберг и многие другие.
"Брюллов – Ольга Ферзен на ослике.
Портрет автора и баронессы Е. Н. Меллер-Закомельской с девочкой, в лодке
Турчанка
Итальянка_у_бассейна.
Портрет генерал-адьютанта графа Василия Алексеевича Перовского.
К. П. Брюллов на Памятнике «1000-летие России» в Великом Новгороде
Две памятные монеты Банка России, посвящённые 200-летию со дня рождения К. П. Брюллова. 2 рубля, серебро, 1999 год
Брюллов — единственный русский художник, удостоенный при жизни лаврового венка и бриллиантового перстня из рук императора. За «Последний день Помпеи» его назвали «первой кистью государства». Брюллов создал более 200 парадных и камерных портретов и расписал купол Исаакиевского собора площадью 800 квадратных метров.
Карл, будучи студентом Академии, в юношеских упражнениях выказывал нечто большее, чем простое знание академического рисунка: он умел придавать формам человеческого тела не условную правильность, а жизнь и грацию, дотоле незнакомые ученикам Академии.
В 1819 году, Брюллов написал свою первую живописную картину — «Нарцисс, смотрящийся в воду». Эта работа принесла ему Малую золотую медаль.
А в качестве выпускной работы Брюллов в 1821 году создал картину«Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского». За нее он получил Большую золотую медаль, а меценаты Общества поощрения художников назначили ему пенсионерскую поездку в Италию.
Там он сразу взялся за парадные и камерные портреты. Брюллов писал акварелью, маслом, работал в технике простого рисунка и сепии. Кроме портретов Брюллов пробовал писать жанровые картины.
В Италии Брюллов познакомился с русской аристократкой Юлией Самойловой. Она была наследницей рода Скавронских, Пален, Литто и Висконти — богатейших домов Российской империи и Италии, покровительствовала русским и итальянским деятелям искусств. Оказывала поддержку и Брюллову, долгое время их связывали личные отношения. Самойлова познакомила художника с многими представителями высшего общества в Риме, от них Брюллов получал заказы на дорогостоящие парадные портреты. По заказу Юлии Самойловой он написал картину «Всадница», которую тепло встретили итальянские критики. Позировали Брюллову падчерицы Самойловой — Джованина и Амацилия Пачини.
Брюллов. "Всадница"
В 1834 году Брюллов был вызван в Россию императором Николаем I. Его картина «Последний день Помпеи» была выставлена в Академии художеств. Уезжаю из Италии он оставил там свою любовь – графиню Самойлову.
Однако она была женщиной своенравной, страстной и любвеобильной, так что ни о какой женитьбе речь никогда не шла. Брюллов, казалось бы, вполне разделял эти взгляды.
В Петербургской опере он увидел юную дочь рижского бургомистра Эмилию Тимм, он бы совершенно очарован. Грациозная милая брюнетка с ланьими глазами и поистине волшебным голосом показалась ему ангелом. художнику исполнилось 40 лет и пора бы задуматься о наследнике.
17-летняя девушка замечательно подходила на роль жены великого художника. Она была скромна, красива, образованна, обладала недюжинным музыкальным талантом: прекрасно играла на фортепиано и очень неплохо пела.
Брюллов. Жена художника Эмилия Тимм
Эмилия Тимм, жена художника
Роман завершился предложением руки и сердца и согласием отца девушки на брак.
И внезапно все пошло прахом.
Бракосочетение прошло тихо и скромно, друзья Брюллова даже не знали о нем. пре Брюллов на жену не смотрел, отвечал с запозданием, торопил пастора с окончанием обряда. Но через 1 месяц и 11 дней после заключения брака молодая жена покинула художника и уехала в Ригу к родителям. Разразился ужасный скандал...
По словам самого художника, это время он жил в аду. Знакомые отвернулись от него, картины исчезла из салонов. Он боялся сойти с ума. А молодая жена затребовала пенсию. Брюллов платить отказался. Через 2 года брак был расторгнут.
Графиня Юлия Павловна Самойлова.
Разрыв с женой и позор развода художнику помогла пережить его муза – Юлия Самойлова. Очарование этой женщины было столь велико, что к Карлу вернулось не только дарование, но и клиенты.
Брюллов написал более 200 портретов, среди которых портреты много прелесных женских. Вот некоторые из них.
брюлов. Александра Федоровна жена Николая 1.
Брюллов – Портрет великой княгини Елены Павловны
Портрет великой княгини Елены Павловны с дочерью Марией.
Портрет светлейшей княгини Елизаветы Павловны Салтыковой
Вильгельм фон Каульбах — гениальный немецкий художник XIX столетия, выдающийся мастер исторического жанра в европейском искусстве. Вильгельм фон Каульбах также был талантливым создателем ксилографий, офортов, книжных иллюстраций и востребованным портретистом. Его картины и настенные росписи в наши дни украшают залы лучших музеев Германии, а биография мастера изобилует интересными фактами.
Вильгельм родился 15 октября 1805 года в Арользене. В 1821 году поступил в дюссельдорфскую Академию художеств, в 1826 переехал в Мюнхен и в течение некоторого времени обучался в мюнхенской Академии художеств.
В 1835 году Каульбах предпринял поездку в Италию, где создал большое количество рисунков и эскизов по мотивам природы Италии. По возвращению он создал ряд самостоятельных работ в Мюнхене, в т.ч. плафон «Аполлон и музы» в Одеоне, несколько фресок в аркадах мюнхенского Хофгартена, несколько настенных картин в королевском дворце.
Творчество живописца высоко ценили не только на родине, но и за границей, он был действительным членом целого ряда Академий искусств, в том числе, Французской, Бельгийской и Американской.
Вильгельм фон Каульбах по праву считался мудрым наставником для молодых коллег, а среди его учеников есть немало известных художников. Кроме того, значительных успехов в живописи добились его сын Герман (Hermann von Kaulbach) и племянник Фридрих (Friedrich Kaulbach).
Жизнь великого художника оборвала эпидемия холеры. 7 апреля 1874 года он умер в своем доме в возрасте 68 лет. Похоронили мастера на старом кладбище Мюнхена, а на его могиле установили бронзовый барельеф.
Вильгельм фон Каульбах был одним из величайших мастеров европейской исторической живописи XIX века, который внес огромный вклад в развитие немецкого изобразительного искусства. Его имя навсегда останется в памяти благодарных потомков, а картины будут привлекать истинных ценителей в музеи.
Гениальный живописец за свою карьеру создал немало искусных шедевров, но, к большому сожалению, далеко не все из них сохранились до наших дней.
«Битва при Саламине» (1868) — одно из последних произведений художника на историческую тематику. Грандиозное морское сражение между греками и персами, искусно описанное мастером, оказывает непередаваемое мощное впечатление на зрителей.
Битва при Саламине
Родился художник в 1937 году в Ленинграде.
Живопись Владимира Волосова – вторая жизнь ученого, доктора физико-математических наук, профессора, лауреата Государственной премии СССР, автора более 100 научных трудов в передовой области современной науки – нелинейной оптике. В 1990 г. «земную жизнь пройдя до половины», ученый оставляет науку и полностью посвящает себя живописи. Изменив профессию, он решил в буквальном смысле прожить еще одну жизнь – жизнь свободного художника.
Сегодня он - состоявшийся художник, автор почти тысячи полотен. Профессиональным союзом художников России ему присвоен сертификат категории 3-В (известный профессиональный художник, востребованный художественным рынком)
Владимир Волосов работает в стиле, который он определяет как «лирический реализм»
Тонкий лиризм, удивительное чувство цвета и гармонии, сочетаются в его полотнах с интересными световыми находками и оригинальной авторской техникой, отличающейся фактурностью и экспрессивностью.
Работы Волосова экспонировались в более 30 российских и международных выставках, находятся в галереях и частных собраниях России, Европы и США, в том числе у бывшего мэра Петербурга Анатолия Собчака, который лично открывал его выставку в Смольном (1994 г.), президента Белоруссии Александра Лукашенко, в Центре искусств имени Дягилева (Петербург).
Волосов Владимир Давидович – художник, пишущий радость. Такое чувство рождается при первом же знакомстве с его пейзажами. Милая простота, и даже подчас непосредственная упрощенность, доброе восприятие окружающей действительности, и трепетное переживание каждого мазка. Живопись, пропущенная сквозь сердце! Такая увлекательно-живая, такая неравнодушная!
От полотен Владимира Давидовича нельзя оторвать глаз – настолько прекрасен и притягателен изображенный там мир – порой очень реалистичный, а порой фантастический! Фонтан экспрессивных мазков, нервных пятен – и перед нами необыкновенно эмоциональный сгусток человеческих чувств, осмысления всего зримого! Таковы полотна "Красное и черное", "Летящая палитра", "Сиреневый мираж", "Старый лес"… Это мир в движении, в волнении души, в мгновенном фиксировании его глазом, выхватывающем из окружающего самое быстрое и яркое.
И совсем иначе, с подробным любованием и ощущением каждой детали, трактованы такие работы, как, например, "Карелия", "Балтийский берег", "На Атлантике"… В том же духе и такая прекрасная, необычайно светлая и лиричная картина "Осенняя палитра" в золотистой гамме. Пронизанный лучами свод листвы над головой, падающие тени. Мир точно замкнут в этой аллее, композиция суживает пространство, собирает все в единое целое, что придает картине ощущение уюта, покоя, умиротворения, и при этом нежности к природе, влюбленности в каждый блик, каждый штрих!
Художник чутко передает настроение природы, ее тонкое одухотворенное состояние. Ведь в пейзажах есть и другой тон. Вместе в любованием красотой существует проникновение в невидимое на первый взгляд, в сокровенное, изначальное, а иначе – в духовную суть… В холсте "Звуки леса" вместе с пронзающим лесную глухомань светом сквозит расслабленность глубокой тишины. И уже в ней неожиданно, слабо проступают все лесные шорохи и щебетания… какие-то невидимые потрескивания и вздохи воздуха.
Монье Жан-Лоран (Mosnier Jean-Laurent) – французский художник, живописец-портретист и миниатюрист при дворе российского императора Александра I. Родился в 1743 году в Париже, изучал искусство миниатюрной живописи в парижской Академии Святого Луки, проявил недюжинные способности и в 1776 году был назначен придворным портретистом королевы Марии-Антуанетты. В 1788 году, за портреты скульптора Шарля-Антуана Бридана и художника Луи Лагрене Старшего, Монье был избран в действительные члены французской Королевской Академии.
В 1790 году Монье эмигрировал в Лондон, в Англии художник регулярно представлял свои картины на выставках британской Королевской Академии.
В Россию Монье прибыл после 1795 года, в эпоху потрясений Великой французской революции, писал портреты лиц петербургского высшего общества, быстро занял достаточно влиятельное положение в Санкт-Петербурге.
Монье по праву можно считать одним из ведущих придворных мастеров раннего александровского времени. Художник проработал в Петербурге шесть лет: недолго, но плодотворно, получив уважение в придворных и академических кругах российской столицы. В 1802 году Монье был избран академиком Императорской Академии художеств, в 1806 году удостоен звания профессора. В 1806–1808 годах преподавал в Академии художеств, руководил портретным классом.
Монье – автор портретов короля Людовика XVI, императрицы Елизаветы Алексеевны, принца Людвига Прусского, графа Павла Александровича Строганова, княгини Елизаветы Борисовны Шаховской, графини Софьи Владимировны Строгановой, романиста Августа Генриха Лафонтена, астронома и политического деятеля Жана-Сильвена Байи, князя Александра Львовича Нарышкина, адмирала барона Джорджа Родни и других влиятельных лиц. Портреты Жан-Лорана Монье можно встретить в музеях и частных собраниях Франции, Великобритании, России, Германии, Испании, США и других стран. Умер живописец Монье в Санкт-Петербурге в 1808 году.
Василий Андреевич родился 30 марта 1776 года в селе Карпово под Новгородом. Его родители были крепостными крестьянами:отец маленького Васи владел грамотой и отлично справлялся с хозяйственными делами, отчего барин относился к нему весьма благосклонно. Поначалу Андрея Ивановича назначили старостой, а со временем и управляющим. За верную службу хозяин даровал Тропинину-старшему вольную грамоту, но остальные члены семьи так и остались крепостными.
С раннего детства Василий рисовал людей, искусно отображая их характерные черты.
Начальное образование будущий художник получил в народном училище в Новгороде. После учебы Тропинин вернулся в село Карпово. К тому времени оно принадлежало графу Ираклию Моркову.
В начале 1790-х годов Морков отправил Василия Тропинина в Петербург учиться кондитерскому делу. В свободное от занятий время будущий художник посещал Императорскую Академию художеств, где изучал анатомию и копировал гравюры. Двоюродный брат Ираклия Моркова Алексей узнал об увлечении Тропинина и за свой счет определил его в Академию Художеств. С 1799 года живописец стал вольнослушателем Академии, студентом мастерской портретиста Степана Щукина, посещал занятия Григория Угрюмова, Иоганна Лампи-младшего и Габриэля Дуайена. Работы Тропинина часто побеждали на академических конкурсах. В 1804 году картину «Мальчик, тоскующий об умершей своей птичке» показали на выставке. Кроме Тропинина, там представили свои работы и уже знаменитые к тому времени живописцы: Орест Кипренский, Иван Акимов и Владимир Боровиковский. Выставку посетила императрица Мария Федоровна. Картину высоко оценили критики, за сходство с гравюрами французского художника Жана-Батиста Грёза они назвали Тропинина «русским Грёзом».
Уже в сентябре того же года Тропинину пришлось покинуть Академию художеств. Граф Ираклий Морков отозвал живописца с учебы и велел переехать в свое имение в селе Кукавка. В юности он писал портреты своих хозяев, членов семьи графа Моркова, колоритных украинских стариков и большеглазых крестьянок, создал проект церкви в селе Кукавка и покрыл ее стены фресками, а между делом занимался домашней работой, красил колодцы и расписывал калитки.
белошвейка
Девушка, собирает сливы
Он получил свободу только в 47 лет, когда уже стал знаменитым художником. Портреты у Тропинина заказывали московские дворяне и купцы, его картины покупали коллекционеры и антиквары.
Василий Андреевич Тропинин – автор одного из немногих прижизненных портретов Александра Сергеевича Пушкина. – общительный и остроумный, язвительный и мягкий, мыслитель и писатель.
Портрет А.С.Пушкина
Великий поэт хотел подарить этот портрет своему другу С.А.Соболевскому. На нем Пушкин изображен в халате с расстегнутым воротом белой рубашки и небрежно повязанным шарфом. Непринужденность позы, одежды ярко раскрывают черты характера: открытость, независимость, чувственность. Под кистью мастера портрет Пушкина наполнился поэтически-возвышенной атмосферой, задумчивый взгляд героя придает образу романтичность и монументальность. ». Пушкин на полотне Тропинина – не классик и романтик, а, скорее, автор «Бориса Годунова» и деревенских глав «Евгения Онегина»
Художник Люси Билодо (Lucie Bilodeau) родилась в мае 1967 году в Монреале, Канаде. С семи лет начала заниматься живописью, а в возрасте 14 лет стала студенткой Монреальской школы «Mission: Renaissance», где изучала классическую живопись, творчество Рембрандта, Моне, Фонтен-Латура и других мастеров живописи.
К 1990 году Lucie Bilodeau получила 8 национальных наград за живопись, и 2 международных награды на конкурсе в США.
Художник Люси Билодо много ездит по миру, изучает повадки диких животных, а потом возвращается домой, в США, и пишет животных: домашних и диких. А особенно замечательно у художника получаются кошки.
Пушистые и гладкие, белые и пёстрые. Самые разные.
Чтобы так рисовать кошек, их нужно любить. Никто не знает, сколько времени хозяин кошки, если этого «котовладельца» не остановить, может говорить о своей кошке. День, неделю, месяц…
Всё дело в том, что кошка создает особую атмосферу в доме. То мурлычет у тебя под ухом, или трется об ногу, то, будто бы случайно, оказывается у двери, когда хозяин приходит домой с работы. Пушистый живой генератор уюта.
"Я действительно надеюсь, что, в некотором роде, моя работа способствует миру. Я за мир без войн. Мир, где честные люди могут процветать и процветать. Где мы заботимся, любим и уважаем друг друга, а также другие формы жизни на этой планете. Я хочу, чтобы мы жили в гармонии с природой.
Красота природы является неисчерпаемым источником вдохновения для создания моих работ."
Люси Билодо является профессиональным и всемирно известным художником, рисуя с 1982 г. Она живет со своим мужем в США, в штате Массачусетс, где она рисует полный рабочий день.
Художник Михаил Андреевич Беркос родился в 1861 году в городе Одессе, в семье греческого подданного Андрея Игнатьевича Беркоса и потомственной русской дворянки Марфы Ивановны Беркос. Семья проживала в собственном доме на улице Пушкинской.
Основы живописи Михаил Андреевич изучал в Одесской рисовальной школе. После окончания школы Михаил Беркос поступил в петербургскую Императорскую Академию художеств, где учился с 1878 по 1889 годы под руководством Михаила Клодта и Владимира Орловского.
За время учёбы Беркос получил несколько серебряных и золотых медалей, а закончил академию с Большой золотой медалью и правом на пенсион по Европе за государственный счёт.
Три года, с 1890 по 1893 годы, Беркос жил и работал в Европе, изучал живопись в музеях Италии, Франции, Испании, Германии и Швейцарии. Много писал, совершенствовал технику письма и даже увлёкся импрессионизмом. смотрим дальше
rosavetrov
