Цитата сообщения Kimimonogatari
19. Японские декоративно-прикладные искусства: керамика, лак, развитие костюма. Нэцке.
(нету про развитие костюма) К произведениям японского декоративно-прикладного искусства традиционно относят лаковые, фарфоровые и керамические изделия, резьбу по дереву, кости и металлу, художественно украшенные ткани и одежду, произведения оружейного искусства и т. д. Специфика произведений декоративно-прикладного искусства состоит в следующем: они имеют, как правило, сугубо практическое, утилитарное применение, но при этом играют еще и чисто эстетическую роль, служа украшением повседневной жизни человека. Эстетика окружающих предметов для японцев была важна не менее, чем их практическое назначение: любование красотой. Более того, для традиционного сознания японцев свойственно особое отношение к красоте как одной из загадок мироздания. Красота для японцев — это явление, выходящее за пределы нашего обыденного мира, который можно описать словами и понять рассудком. Современная западная культура чем дальше, тем больше пытается свести человеческую жизнь к рамкам рассудочного, бытового мировосприятия, где господствуют законы так называемого «здравого смысла». Для японцев же, несмотря на их крайнюю практичность и прагматичность в делах житейских, обыденный, материальный мир, безусловно, воспринимался как иллюзорный и преходящий. И что за его гранью находится другой, непроявленный мир, который принципиально не поддается меркам «здравого смысла» и который нельзя описать словами. Там обитают высшие существа, с ним связана загадка жизни и смерти, а также многие тайны бытия, в том числе и принципы красоты. Тот мир отражается в нашем, как луна в водной глади, отзываясь в душах людей острым и щемящим ощущением прекрасного и загадочного. Тех, кто не способен увидеть и по достоинству оценить эту тонкую и многогранную игру смыслов и оттенков красоты, японцы считают безнадежными, грубыми варварами.
Для того чтобы утвердиться в своей сопричастности трансцендентному миру, японцы (прежде всего — элита, аристократия) придавали огромное значение ритуальным действиям, и особенно их эстетической стороне. Отсюда происходят церемонии любования цветом сакуры, алыми кленами, первым снегом, восходами и закатами, а также поэтические состязания, аранжировка цветов (икебана), театральные постановки и т. д. Даже таким простым житейским ситуациям, как питие чая или сакэ, встреча гостей или вступление в интимную близость, японцы придавали значение мистического действа. Предметы быта при этом попутно играли роль ритуальных атрибутов. Мастера, создававшие такие предметы, стремились придать им безупречный эстетический облик. Например, многие чаши для чайной церемонии, на первый взгляд, грубые и неровные, ценились необычайно высоко прежде всего за то, что несли на себе печать «потусторонней» красоты, они словно вмещали в себя целую Вселенную.
Это же в полной мере относится и ко многим другим произведениям декоративно-прикладного искусства: фигуркам, — нэцкэ, коробочкам — инро, лаковым изделиям, изящным косодэ (кимоно с коротким рукавом) с изысканным и прихотливым декором, ширмам, веерам, фонарям и, особенно, традиционному японскому оружию. Практическое воплощение традиционных эстетических принципов в японском декоративно-прикладном искусстве мы рассмотрим на примере японских художественных мечей.
С глубокой древности известны в Японии лаковые изделия, их остатки находят в археологических памятниках эпохи Дзёмон. В условиях жаркого и влажного климата лаковые покрытия защищали деревянные, кожаные и даже металлические изделия от разрушения. Лаковые изделия в Японии нашли самое широкое применение: посуда, домашняя утварь, оружие, доспехи и т. д. Лаковые изделия служили также украшением интерьеров, особенно в домах знати. Традиционные японские лаки — красный и черный, а также золотистый; к концу периода Эдо началось производство желтого, зеленого, коричневого лака. К началу XX в. был получен лак белого, голубого и фиолетового цвета. Лак наносится на деревянную основу очень толстым слоем — до 30—40 слоев, затем полируется до зеркального блеска. Существует много декоративных техник, связанных с использованием лака: маки-э — использование золотой и серебряной пудры; уруси-э — лаковая живопись; хёмон — сочетание; лаковой живописи с золотой, серебряной и перламутровой инкрустацией. Японские художественные лаковые изделия высоко ценятся не только в Японии, но и на Западе, их производство процветает и по сей день.
Особое пристрастие испытывают японцы к керамическим изделиям. Наиболее ранние из них известны по археологическим раскопкам и относятся к периоду Дзёмон. На развитие японской керамики и, позже, фарфора значительное влияние оказали китайские и корейские технологии, в частности, обжига и цветного •глазурного покрытия. Отличительная черта японской керамики — мастер внимание уделял не только форме, декоративному орнаменту и цвету изделия, но и тем тактильным ощущениям, которые оно вызывало при соприкосновении с ладонью человека. В отличие от западного японский подход к керамике предполагал неровность формы, шероховатость поверхности, разбегающиеся трещинки, потеки глазури, отпечатки пальцев мастера и демонстрацию природной фактуры материала. К художественным керамическим изделиям относятся, прежде всего, чаши для чайных церемоний, чайники, вазы, горшки, декоративные блюда, сосуды для сакэ и т. д. Фарфоровые изделия представляют собой, в основном, тонкостенные вазы с изысканным декором, чайные и винные сервизы и разнообразные статуэтки. Значительная часть японского фарфора специально изготовлялась на экспорт в страны Запада.
В отдельности про каждое:
КЕРАМИКА
Древнейшая керамика Японии
Японцы издавна пытали сильную любовь к якимоно.* Из обжиговых печей выходило множество керамических изделий, различающихся по цвету, форме и текстуре поверхности. Своеобразная культура повседневности, созданная японцами, начинается с керамической столовой посуды — мисок для риса, кружек без ручек и подставок под палочки для еды. Эти страницы дают нам представление об увлечении японцев керамикой и фарфором.
* По-японски керамика (“токи”) и фарфор (“дзики”) известны под собирательным термином “якимоно”.
История развития японской керамики
Первые гончарные изделия были изготовлены на японском архипелаге около 13 000 лет тому назад. Насколько известно, это произошло раньше, чем где-либо в мире. Наиболее известны большие, глубокие горшки для кипячения жидкости. Изделия украшались орнаментом из накатки или оттиска плетёной верёвки. За эти верёвочные декоры гончарные изделия тех времён получили название “дзёмон доки” (“дзё” = верёвка; “мон” = орнамент, “доки” = гончарные изделия). Около 5000 лет назад, в эпоху Дзёмон, появились динамичные по форме модели с орнаментом в виде вздымающейся волны на горлышке кувшинов и причудливыми узорами, покрывающими всю внешнюю поверхность изделий.
В течение последующей эпохи Яёй с началом культивации риса появились и новые типы керамических изделий, ввозимые с Корейского полуострова. Посуда Яёй была частью повседневной жизни и использовалась для хранения и приготовления пищи, а также для подачи блюд к столу. Она была менее декорирована, чем посуда Дзёмон, а в её оформлении использовались в основном светлые тона.
Примерно в начале 5 в. произошли основные изменения, связанные с приходом в Японию, вновь с Корейского полуострова, новых технологий. Прежде глиняные изделия обжигались на кострах, новый же тип керамики, Cуэки, стали подвергать высокотемпературной обработке в особых туннельных печах, устроенных в склонах холмов. Изделия Суэки представляли собой уже настоящую керамику.
Примерно с середины 7 в. японские гончары начали изучать корейские и китайские технологии. От своих соседей они научились пользоваться глазурью и обжигать глину при относительно низких температурах. Изделия тех времён покрывались глазурью тёмно-зелёного тона или, подобно керамике нара сансай, полихромной глазурью, в которой преобладали красный, жёлтый и зелёный цвета. Однако и тот и другой вид керамики пользовался популярностью только у членов императорского двора, придворной знати и служителей храмов, и начиная с 11 в. эти изделия больше не производились.
Новые достижения, сопутствующие созданию изделий Суэки, дали толчок к началу строительства обжиговых печей по всей стране. Гончары заметили, что древесный пепел в раскалённой обжиговой печи взаимодействует с глиной, образуя естественную глазурь. Это подсказало им технологию посыпания гончарных изделий пеплом в процессе их обжига. Метод получения естественной пепельной глазури был впервые применен в печах Санагэ в провинции Овари (теперь это северо-западная часть префектуры Аити).
Производство керамики Суэки в средние века стимулировало развитие новых технологиий. Шесть исторических центров гончарного производства Японии—Сэто, Токонамэ, Этидзэн, Сигараки, Тамба и Бидзэн—были основаны именно в то время. Их обжиговые печи работают и по сей день. Почти на всех из них производится фаянсовая посуда, внешне похожая на керамическую—преимущественно большие кувшины, вазы и горшки.
Глазурованные предметы роскоши производились только в Сэто, расположенном возле старинных обжиговых печей Санагэ. Гончары Сэто старались удовлетворить запросы аристократов и самураев, которые проявляли большой интерес к керамическим и фарфоровым изделиям в китайском стиле Сун. В их отделку были включены новые цвета. Характерной ообеностью этой посуды стало использлвание жёлтого цвета с оттенками красного, коричневого или зелёного. Гончары черпали вдохновение в образцах, привезенных с континента. При этом идеалы стиля Сун они приводили в соответствие со вкусами японцев, с их представлениями о новых формах и украшении домашней утвари. Примерно до конца 16 в. Сэто был единственным центром в Японии, который производил глазурованную керамику.
В эпоху междоусобных войн (1467-1568 гг.), охвативших всю страну, гончары Сэто ушли на север, за горы, в Мино (сегодня это южная часть префектуры Гифу). Здесь было положено начало новым стилям, характерным именно для Японии. Лучше всего они представлены изделиями Кисэто, Сэто-гуро, Сино и Орибэ.
Именно в это время зародилась чайная церемония. Обычай чаепития пришёл из Китая в конце 12 в., но лишь в 16-м столетии при приёме гостей стало модным уделять особое внимание церемонии подачи чая.
Оттенки жёлтого, белого, чёрного, зелёного и других цветов керамики Мино указывают на влияние китайской и корейской керамики, однако несимметричная форма и абстрактные узоры свидетельствуют о её самобытном японском характере. Для становящейся все более и более популярной чайной церемонии требовались изысканные чашки, тарелки, блюда, коробки для фимиама, цветочные вазы и подсвечники. Мастерские Мино живо откликались на эти требования.
С наступлением эпохи Момояма (конец 16 в.) пришёл конец междоусобным войнам, завершившимся объединением Японии, и чайная церемония получила дальнейшее развитие. В это время претерпевает изменения японское гончарное производство. Тоётоми Хидэёси начал военную кампанию на корейском полуострове, что открыло возможности самураям, поклонникам чайной церемонии, привозить корейских гончаров в Японию и привлекать их к строительству обжиговых печей. Много новых производственных центров было создано в разных частях Кюсю, включая Карацу, Агано, Такатори, Сацума, Хаги. Производство изделий Карацу было самым разнообразным и масштабным — чаши для чая, цветочные вазы и многие предметы домашнего обихода поставлялись оттуда во все уголки страны.
Фарфор появился в Японии только в начале 17 в., когда корейские гончары начали здесь его изготовление. Это стало важной вехой в развитии японского гончарного производства. Вскоре после этого были открыты залежи фарфоровой глины, теперь известной как каолин, в Идзумияме, Арита, на Кюсю. Она оказалась идеальной для производства тонкостенных, лёгких и прочных изделий. Благодаря яркой синей росписи, наносимой на белый фон, они стали предметом ажиотажного спроса по всей Японии. А поскольку изделия поставлялись из близлежащего порта Имари, они стали известны как фарфор Имари. На начальном этапе существования производства Имари очевидным было влияние на него корейского фарфора, однако вскоре из Китая было ввезено большое количество фарфоровых изделий, которые также стали объектом изучения для японских ремесленников. Постепенно качество домашней керамической утвари значительно улучшилось. Мастеровой по имени Сакайда Какиэмон изобрёл способ нанесения на поверхность изделия мягких оранжево-красных оттенков, что позволило создавать изумительные цветные рисунки на молочно-белом фоне.
Европейские королевские дворы и знать, очарованные красотой восточного искусства, наперебой расхватывали фарфоровые изделия Имари. Вскоре ремесленники в Мейсене (Германия), Дельфте (Нидерланды) и других европейских центрах начали копировать изделия Имари, включая стиль Какиэмон. Это был золотой век японской керамики.
Нономура Нинсэй, живший в 17 в. в Киото, императорском городе, создал свой собственный стиль—королевский, открывающий целый мир красочной фантазии. Огата Кэндзан, Окуда Эйсэн и Аоки Мокубэй обогатили этот утончённый мир керамики Кё, создав основу для развития современного стиля Кёмидзу.
В 19 в. керамическое производство развивалось стремительными темпами по всей стране. Стили госю-акаэ (красная глазурь) и сёндзуй, разработанные на основе поздних образцов китайского стиля Мин, приобрели в это время огромную популярность, о чём свидетельствует и современная японская столовая посуда.
Керамика, изготовленная в Японии, представлялась на международных выставках в Париже в конце 19-го столетия, в результате чего изделия Имари, Сацума и Кутани оказывали влияние на манеру европейских ремесленников. Интерес к японским изделиям отразился на эволюции современного искусства.
История японской керамики немыслима без корейского и китайского влияния. Однако очевидно и то, что, откликаясь на художественные вкусы и образ жизни японцев, это ремесло пошло своим собственым путем и привело к созданию уникального искусства и целой отрасли промышленности.
Необыкновенное разнообразие керамических изделий в Японии
Во всем мире японская керамика считается непревзойденной по количеству и разнообразию существующих технологий и стилей. Современная столовая посуда— керамическая или фарфоровая— выпускается в Японии в широком ассортименте форм и декоративных решений.
Японские гончарные изделия можно разделить на три группы: (1) глиняная посуда с уникальной текстурой, напоминающей на ощупь грунт, лучше всего она представлена изделиями Бидзэн, Сигараки, Этидзэн и Токонамэ; (2) керамика с массивной глазурью и тёплым, землистым оттенком, которая получила известность благодаря изделиям Орибэ и Мино для чайной церемонии, простым изделиям Масико, а также изделиям Карацу и Хаги, перекликающимся с керамическим искусством Корейского полуострова; и (3) фарфор, представленный посудой Имари, известной благодаря использованию в ее оформлении эффектного белого фона, а также изделиями Кутани с ослепительной раскраской по всей поверхности. Каковы бы ни были технология и конструкция обжиговой печи, гончарные изделия, созданные японскими мастерами, всегда свидетельствовали о поиске красоты, продолжающемся столетия.
Почему так велико разнообразие внутри каждой группы гончарных изделий? Для получения ответа на этот вопрос мы должны рассмотреть тесную взаимосвязь между керамикой и чайной церемонией.
Идеалы чайной церемонии, заключающиеся в простоте и покое, нашли своё самое яркое воплощение в эпоху Момояма (конец 16 в.). Выражением этих новых для того времени идеалов стало слово ваби, означающее простоту и умиротворённость. Мастера чайной церемонии, желавшие, чтобы их посуда передавала дух ваби, демонстрировали свою оригинальность и расширяли своё влияние тем, что заказывали ремесленникам чаши для чая и другие предметы, которые внешне как бы “дышали” этими идеалами.
Необыкновенная творческая энергия эпохи Момояма вдохнула новую жизнь в искусство японской керамики. Это можно видеть в изделиях Сэто-гуро с абсолютно чёрными тонами, полученными в результате выемки изделий из печи в процессе обжига; в утвари мастерской Кисэто с ее динамичным оформлением; в изделиях Орибэ с их смелыми формами и замысловатыми узорами, выполненными глазурью зелёного и железистого цвета; в строгих простых изделиях Сино.
Исполнители чайной церемонии иногда дают имена отдельным принадлежностям, которые им больше всего нравятся, скажем, чаше для чая, вазе, сосуду для воды или коробке для фимиама. Где еще в мире можно встретить подобное отношение к гончарному изделию? Не это ли свидетельство глубины увлечения японцев керамикой!
Другой причиной столь широкого разнообразия керамических изделий является тот факт, что для японской кухни требуется широкий ассортимент столовых приборов, значительно более широкий, чем для любой другой кухни в мире.
В давние времена японская знать предпочитала есть и пить, используя в основном лакированную посуду, но всё изменилось благодаря мастерам чайной церемонии. Они начали использовать керамические сервизы для подачи закусок кайсэки перед чаем и постепенно пришли к пониманию, что керамическая посуда придаёт еде более осязаемое визуальное восприятие и свежесть. Утварь для чайной церемонии подбиралась в соответствии со временем года и, подавая столовую посуду, например, тарелки муко-дзукэ для сервирования кусочков сасими, посуду для сакэ и жареной еды, хозяин удовлетворял высокие эстетические запросы гостей. Именно мастера чайной церемонии обогатили ритуал принятия пищи, внеся в него момент визуального, эстетического наслаждения.
Начиная с середины 19 в., фарфор занял важное место на обеденном столе благодаря удобству в его использовании. Сегодня столовая посуда из керамики стала нормой повседневной жизни. И только суп мисо традиционно принято пить из гладких лакированных чашек. Эти чашки не предназначены для повседневной трапезы.
Рис, составляющий основу рациона японцев, принято есть из небольшой чаши, которую держат в руке, причем во многих семьях каждый имеет свои собственные чаши для риса. Подобные застольные традиции только укрепили любовь японцев к керамической посуде.
ЛАК
короче он из смолы деревьев.
Есть, свидетельства, что лак использовался в Японии каменного века 5000 - 6000 лет назад, как клей, которым крепили наконечники стрел. Но уже приблизительно 4000 лет назад, ярко-красный и черный лаки использовались как покрытие на посуде, оружии, и украшениях. Так же известно, что спустя приблизительно 100 лет после Ямато Такеру но Микото, существовала гильдия ремеслеников, называвшаяся - "Urushi-be", специализировавшаяся в искусстве лака.
Техника декоративного лака пришла в Японию в 5 или 6 столетии, во время введения Буддизма из Китая, где задолго до объединения Японии, мастера создавали шедевры прикладного искусства из многослойного черного и красного лака.
В конце 8-го столетия, в ранний период Хейан, Япония прекратила посылать торговые миссии в Китай. Культура Японии оказалась отрезанной от континентального влияния. Именно в период Хейан, с конца 8-го до 12-го столетия, искусство лака в Японии развилось в совершенно уникальный, японский стиль. Посуда и мебель того времени были сделаны главным образом дерева. Поэтому неудивительно широкое использование лака, чтобы добавить красоту и крепость недолговечным деревянным изделиям. К этому же периоду относится техника "Маки" - золочение поверхности с последующим лакированием (так же смешивание лака с золотой или серебряной пылью). Изделия, выполненные в этой технике стали очень популярным среди высших сословий.
Культурный обмен с континентом был возобновлен в 13 веке и японские лаковые изделия получили широкое распрастронение за границей через Китай и Корею. С другой стороны, в Японию пришли новые техники декорирования, прекрасно дополнившие традиции местных мастеров.
В 17-ом столетии, искусство лака Японии стало более утонченным. С одной стороны развивались новые стили, в то время как различные традиционные техники, характерные для разных областей стали соединяться, создавая интереснейшие сочетания.
Именно такое сплавление техник произошло в Каназава, в префектуре Ишикава. Клан Кага, поощрявший развитие ремесел на своей территории, пригласил выдающихся мастеров со всей Японии, в том числе и мастеров лака. Через несколько поколений, в Каназава были созданы совершенно уникальные стили традиционных ремесел, которые до сегодняшнего дня славятся своей красотой и изяществом.
РАЗВИТИЕ КОСТЮМА
НЭЦКЕ
Нэцкэ – миниатюрная скульптура, произведение японского декоративно-прикладного искусства. Нэцкэ использовалось в качестве брелока, противовеса, на традиционной японской одежде, которая была лишена карманов и все необходимые предметы (кисет, кошелек, инро, сагемоно, различные мелочи) подвешивались на поясе при помощи веревок и закреплялись при помощи нэцки, закрепленной на противоположном конце шнура. Нецки не следует путать с окимоно – также миниатюрной японской скульптурой, похожей на нэцки и по оформлению, и по сюжетам, и нередко по размерам, но никогда не носимой на поясе. Однако отсутствие отверстий для подвеса «химотоси» в нэцкэ не является отличительной чертой, так как встречались нецки без химотоси или с искусно замаскированными внутри композиции фигуры химотоси. Традиционными материалами для изготовления нецкэ считаются слоновая кость и дерево. Также использовались металлы, золото, серебро, бронза, сякудо, перламутр, фарфор, керамика, рог оленя, рога животных, черепаховый панцирь, клыки моржа и нарвала, внутренние кости животных, различные орехи, кораллы, лаки, и пр. Существуют различные школы нецки, различающиеся по основным сюжетам, используемым материалам, техникам. Наличие подписи на нецкэ не является основным фактором, влияющим на цену и ценность предмета. Сюжеты, используемые в нецкэ очень разнообразны. Бытовые, натурные и натуралистические, исторические, легендарные, мифологические, сказочные. Практически все нецки имеют своеобразную символику и отражают какую-то идею или пожелание.
Катабори – самый известный тип нэцкэ – компактная резная скульптура, которая может изображать людей, животных, многофигурные группы. Саси – одна из наиболее старых форм нэцке. Она представляет собой удлиненный крюк с отверстием для шнура. Способ употребления саси отличается от всех других форм. Чаще всего его подвешивали за край пояса. Мандзю – нецкэ в виде толстого диска, повторяющей форму рисовой лепешки. Иногда делается из двух половинок. Рюса – вариант формы мандзю, выделенный специалистами в отдельный вид. Основное отличие этой формы в том, что она пустая внутри, и выполнена в технике сквозной резьбы. Кагамибута – также сходна с мандзю, но выполнена в форме традиционного священного зеркала, нижняя часть нецке, выполненная из слоновой или другой кости, рога, дерева или других материалов, сверху покрыта металлической крышкой или пластинкой, на которой и сосредоточена основная часть декоративного оформления.
Со времени своего возникновения, нецки превратились в предмет коллекционирования сначала в Японии, где можно было обменять, подарить, продать, заказать, купить нэцкэ, а с девятнадцатого века, это увлечение распространилось и на Европу и Америку, где коллекционирование нэцкэ достигло своего пика. Рынок нецкэ очень живой и постоянно обновляющийся, сейчас у коллекционеров всего мира есть возможность купить нэцкэ как в частных коллекциях, так и найти предметы из коллекций крупных музеев. Покупка и продажа нэцкэ в таком случае происходит через уважаемых дилеров антиквариата и/или аукционные дома. Теперь не только в Японии но и во всём мире стало очень популярным купить нэцкэ для подарка с символическим значением, пожеланием или скрытым смыслом. Стоит отметить, что в русском языке довольно часто встречаются такие написания слова нэцкэ как нецке, а также нэцке, или нецкэ, а иногда даже нецки или нэцки. В отличие от канонического «нэцкэ», прочие написания возможны, но не желательны.
НАПРАВО КИМОНО ЗАПАХИВАЕТСЯ БЛЕАТЬ
Кимоно́ (яп. 着物, кимоно, «одежда»; яп. 和服, вафуку, «национальная одежда») — традиционная одежда в Японии. С середины XIX века считается японским «национальным костюмом». Также кимоно является рабочей одеждой гейш и майко (будущая гейша).
Фурисодэ (яп. 振袖, дословно «развевающиеся рукава») — традиционный японский наряд незамужних девушек и невест, кимоно с длинными рукавами.
Томэсодэ (яп. 留袖?, закреплённый рукав)[1] — тип кимоно для замужних женщин. Отличается от фурисодэ укороченным рукавом, рисунок идёт только по подолу ниже оби, не затрагивая рукава; на томэсодэ обязательно должны присутствовать гербы.
Оби (яп. 帯?, букв. «пояс») — несколько различных типов японских поясов, носимых как мужчинами, так и женщинами поверх кимоно и кэйкоги.
Гэта (яп. 下駄?) — японские деревянные сандалии в форме скамеечки, одинаковые для обеих ног (сверху имеют вид прямоугольников со скруглёнными вершинами и, возможно, немного выпуклыми сторонами). Придерживаются на ногах ремешками, проходящими между большим и вторым пальцами. В настоящее время их носят во время отдыха или в ненастную погоду[1]. По меркам европейцев это очень неудобная обувь, но японцы пользовались ею не один век, и она не причиняла им неудобств.
Варэсинобу (яп. 割れしのぶ?, разрезанная тайно) — женская японская причёска, популярная сегодня среди учениц гейш.
Сакко (яп. 先笄 сакко или сакико:гай?, последняя шпилька) — женская причёска, популярная среди замужних женщин купеческого сословия в районе Камигата (окрестности Киото) во вторую половину периода Эдо. Появилась в окрестностях города Окадзаки (префектура Айти). В Канто была более популярна причёска марумагэ, а сакко получила признание только после революции Мэйдзи.
Сегодня сакко — последняя причёска майко перед эрикаэ, церемонией перехода в гейши.
Симада (яп. 島田?) — японская женская причёска, разновидность пучка. Сегодня симаду носят почти исключительно гейши и таю (разновидность ойран), но в период Эдо её носили девочки 15—20 лет, до замужества. Как и другие причёски, украшается кандзаси.
Кандзаси (яп. 簪?, встречается также написание 髪挿し) — японские традиционные женские украшения для волос. Кандзаси носят с кимоно.