-Подписка по e-mail

 

 -Поиск по дневнику

Поиск сообщений в ART_FOTO

 -Сообщества

Читатель сообществ (Всего в списке: 1) Le_Cinema

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 30.06.2005
Записей: 211
Комментариев: 1431
Написано: 2521





vernet

Четверг, 30 Июня 2005 г. 23:22 + в цитатник
Французский художник, исторический живописец, баталист и портретист, сын и ученик Карла Верне. Сделал блестящую карьеру художника и дипломата, входя в политическую элиту страны как при Бонапарте, так и во время Реставрации. Был директором Французской академии в Риме (1829–1835). Побывал вместе с французской армией в Алжире (1833), в 1836 и 1842–1843 приезжал с дипломатическими поручениями в Россию, где написал несколько картин по заказам двора. Получил широкую известность как автор патетических батальных полотен (в том числе огромных композиций – «Взятие Танжера» и др., – созданных в 1830-е и 1850-е по заказу Луи Филиппа и Наполеона III и хранящихся в Версале). Любил писать яростные схватки и бурные пейзажи, нередко сочетая их в едином образе («Битва на море», 1825, Санкт-Петербург, Эрмитаж). Испытывал влечение к остродраматической экзотике («Мазепа, преследуемый волками», 1826–1827, Авиньон, Музей Кальве). Его североафриканские мотивы оказали большое влияние на развитие ориентализма. Выступал также как мастер монументально-декоративной живописи (плафон в зале египетских древностей в Лувре, 1827) и портретист («Б.Торвальдсен», 1835, Копенгаген, Музей Торвальдсена).
Рубрики:  ХУДОЖНИКИ

2 зв!

Четверг, 30 Июня 2005 г. 22:08 + в цитатник
ДВЕ ЗВЕЗДЫ ДАЛИ...УЖЕ!)

Joan Miro

Четверг, 30 Июня 2005 г. 22:00 + в цитатник
Хуан Миро (Жоан Миро)
Хуан Миро (Miro, Joan) (1893-1983 гг.), испанский живописец, скульптор, график, дизайнер. С 1919 г. подолгу жил в Париже, не порывая, однако, тесных связей с Испанией. Творчество Хуана Миро сюрреалистично (сюрреализм). С утонченным декоративизмом Хуан Миро имитировал наивность детского рисунка, обращаясь к алогичным ситуациям и формам ("Женщина и птица в лунном свете", 1949).

На протяжении всей жизни Хуан Миро оставался верен главному принципу этого направления - освобождению творческого подсознательного начала из-под контроля логики и разума. Миро тем не менее отличался от остальных сюрреалистов разнообразием и жизнерадостностью полотен. В 1940 г. художник Миро вернулся в Испанию и жил главным образом на острове Майорка, продолжая активно работать до глубокой старости.

Хуан Миро родился 20 апреля 1893 года в Барселоне. Миро с детства был равнодушен к занятиям и наукам, но с удовольствием рисовал. Родители не поддерживали желание юноши стать художником, но с 1907 по 1910 гг. Хуан Миро прошел обучение в художественной школе, после окончания которой отец Жоана настоял на том, чтобы его сын стал помощником бухгалтера в аптеке. Практически сразу же Хуан Миро заболел тифом, и у него случилось нервное расстройство. Почти год уходит на восстановление сил, и в это время Миро усиленно занимается рисованием.

В 1912 году Хуан Миро поступает в частную школу в Барселоне и хочет посвятить себя живописи целиком. К 1920 году Хуан Миро становится достаточно известеным художником. В этом году Жосеп Далмау (владелец салона - галереи, в прошлом - довольно посредственный художник) решает создать в Барселоне рынок для современного искусства и сооружает важную выставку французского авангарда, которая включила в себя также работы двух каталонцев - Хоакина Суниера и Жоана Миро. Далмау начал продвигать Хуана Миро еще четыре года назад. В это время Хуан Миро усердно занимался живописью и познакомился со своими будущими друзьями - Мануэлем Грау и Энриком Рикаром. В этом же 1920 году Хуан Миро приезжает в Париж, где впервые знакомится с Пабло Пикассо.

В 1924 году появился на свет первый номер "Сюрреалистической революции", возглавляемый Андре Бретоном, отмечающий формирование сюрреалистов как доминирующей группы в парижском авангарде - группы , которая была ориентирована на ниспровержение авторитетов и настроена на подсознательное восприятие окружающего мира. Чуть раньше был опубликован манифест сюрреалистов, а также было создано Бюро сюрреалистов. Все эти события сильно повлияли на Миро, сформировали его взгляды и явились источником вдохновения для многих его последующих работ. В 1926 году Миро приезжает в Испанию, в Кадакес вместе со своим торговым агентом Пьером Лёбом и знакомится там с Сальвадором Дали, которого позже приглашает в Париж.

В тридцатые годы проходит много персональных выставок Миро в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. Миро хочет внести в живопись и сюрреализм что-то новое и необычное. Так он начинает экспериментировать с песком, камнем, наждачной бумагой, бечёвками и другими подручными материалами. Позже Миро увлекла керамика. В 1948 году состоялась, пожалуй, самая большая и самая важная выставка в жизни художника: в галерее Маг.

Далее можно составить такую хронологическую таблицу наиболее значительных моментов творчества Жоана Миро:
1949 - выставка в Барселоне
1950 - выставки в Стокгольме и Берне
1955 - заказ ООН на роспись двух стен в Париже
1956 - ретроспективные выставки в Брюсселе и Амстердаме
1959 - премия Гуггенхейма
1961 - работа над большим панно из керамики для Гарвардского Университета
1966 - выставка в Лондоне
1966 - выставки в Японии и США
1967 - премия за вклад в живопись
1971 - выставки в США
1973 - выставки в Лондоне, Барселоне, Париже
1976 - открытие в Барселоне Фонда Миро

25 декабря 1983 Хуан умирает в Пальма де Мальорка.

Про себя Хуан всегда говорил так: "Я начинаю рисовать, и, пока я рисую, картина сама утверждается под моей кистью. Когда я работаю, то некая субстанция становится для меня знаком женщины или птицы".
Рубрики:  ХУДОЖНИКИ

В Третьяковке открывается выставка Врубеля и Борисова-Мусатова

Четверг, 30 Июня 2005 г. 21:21 + в цитатник
В Третьяковке открывается выставка Врубеля и Борисова-Мусатова
МОСКВА, 28 июн - РИА "Новости". В Государственной Третьяковской галерее (ГТГ) открывается выставка графических работ Михаила Врубеля и Виктора Борисова-Мусатова "Пророк и мечтатель".

Как сообщили РИА "Новости" в пресс-службе ГТГ, на экспозиции демонстрируется около 100 графических работ Врубеля и 50 - Борисова-Мусатова из фондов ГТГ, Русского музея, Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина и частных коллекций Москвы.

Экспонируются как широко известные произведения, так и не демонстрировавшиеся ранее, отметил собеседник агентства.
Графика Врубеля представлена от ранних акварелей до больничных рисунков. Это иллюстрации, портреты, эскизы. Впервые выставлены вместе листы с изображением раковин, среди которых и цветные пастели, и рисунки углем, где художник добивается эффекта перламутрового сияния лишь с помощью белого и черного.

Среди графики Борисова-Мусатова - ранние натурные работы и произведения, в которых действительность смешивается с фантазией, рождая особый мир, идеальную "прекрасную эпоху", отметили в пресс-службе.

В Третьяковке открывается выставка Врубеля и Борисова-Мусатова

Для обоих графика была важной областью художественного творчества, практически равноправной с живописью. Именно в графике, где процесс создания произведения, развития замысла, рождения формы наиболее открыт, можно обнаружить множество параллелей и точек соприкосновения в работе мастеров.

Михаил Врубель (1856-1910) и Виктор Борисов-Мусатов (1870-1905) - две ключевые фигуры живописи русского символизма.

Их биографии были овеяны мифами еще при жизни, воплотив представления Серебряного века о художнике-провидце, его трагическом одиночестве.

В реальной жизни мастера не встречались, но уже в сознании современников их имена оказались неразрывно связаны.

Расцвет их творчества приходится примерно на один период, и преждевременный уход тоже совпал по времени: в 1905 умирает Борисов-Мусатов, и тогда же практически завершается творческая жизнь Врубеля.

В том же году Сергей Дягилев начинает готовить выставку русского искусства в Париже, где впервые эти художники представали как ведущие фигуры современного художественного процесса.
Рубрики:  ВЫСТАВКИ

ВЫСТАВКА МАРК ШАГАЛ

Четверг, 30 Июня 2005 г. 21:18 + в цитатник
Санкт-Петербург. В Русском музее открывается выставка "Марк Шагал".
Сегодня в Петербурге, в Государственном Русском музее открывается выставка "Марк Шагал". Как сообщили Regions.Ru в пресс-службе ГРМ, это самая полная экспозиция (из состоявшихся в России), охватывающая творчество великого мастера за семь десятилетий и включающая самые ранние и самые последние его работы.

На выставке представлены 75 живописных и 83 графических работы из собраний Государственного Русского музея, парижского Центра современного искусства Ж.Помпиду, мемориального музея Шагала в Ницце, Третьяковской галереи, музея изобразительных искусств им А.С.Пушкина, музея-квартиры И.И.Бродского, художественных музеев Гренобля, Краснодара, Пскова, а также из частных собраний Москвы и Петербурга и собрания семьи художника. Многие из представленных произведений петербургская публика увидит впервые.
Рубрики:  ВЫСТАВКИ

ПРОБЛЕМА №1

Четверг, 30 Июня 2005 г. 21:02 + в цитатник
ВОТ ВИДИМ ПЕРВУЮ ПРОБЛЕМУ: НАЗВАНИЕ РАБОТ!?
ВОЗМОЖНЫ НЕПРАВИЛЬНЫЕ ПОДПИСИ ИЛИ ПОЛНОЕ
ИХ ОТСУТСТВИЕ!!! ЧТО ДЕЛАТЬ-НЕИЗВЕСТНО???
Рубрики:  ОБЪЯВЛЕНИЯ

Sharl Le Corbusier

Четверг, 30 Июня 2005 г. 20:44 + в цитатник
Шарль Ле Корбюзье
Sharl Le Corbusier
( 06.10.1887 года - 27.08.1965 года )
Франция (france)

ЛЕ КОРБЮЗЬЕ (Le Corbusier) (наст. фам. Жаннере, Jeanneret) Шарль Эдуар (1887-1965), французский архитектор и теоретик архитектуры. В современной технике и серийности индустриального строительства видел основу обновления архитектуры, стремился эстетически выявить функционально оправданную структуру сооружения. Один из создателей современных течений архитектуры (рационализма, функционализма ), применял плоские покрытия, ленточные окна, открытые опоры в нижних этажах зданий, свободную планировку (дом Центросоюза в Москве, 1928-35; жилой дом в Марселе, 1947-52). В 50-60-х гг. создавал большие городские ансамбли (Чандигарх в Индии, 1951-56), стремился к свободе и гибкости пространственно-пластической структуры здания (капелла в Роншане, 1950-53).
ЛЕ КОРБЮЗЬЕ (Le Corbusier) Шарль Эдуар (наст. фам. Жаннере, Jeanneret) (6 октября 1887, Ла-Шо-де-Фон, Швейцария — 27 августа 1965, Рокбрюн-Кап-Мартен, Прованс, Франция), французский архитектор и теоретик искусства, один из самых авторитетных мастеров современного зодчества.


Ранние годы

Родился в семье владельца эмальерной мастерской. Подростком учился в местной школе декоративно-прикладного искусства; зарабатывал на жизнь, гравируя орнаменты на крышках часов. Получил уроки мастерства у крупнейших зодчих того времени — Й. Хофмана в Вене (1907), О. Перре в Париже (1908-10), П. Беренса в Берлине (1910-11). В 1911 путешествовал по Италии, Греции, Турции, испытав большое влияние античной и мусульманской архитектуры.

Уже в проекте “Дома Ино” (1914) в полемически-заостренной форме выразил новые перспективы индустриально-типового строительства (вся структура дома состоит из опор и трех железобетонных плит).


Авангардные дома

С 1917 Корбюзье обосновался в Париже, основав в 1922 архитектурную мастерскую совместно с двоюродным братом Пьером Жаннере (своим постоянным соавтором до 1940 года). Разработав теорию пуризма, рационалистически-функциональной чистоты форм, изложил свою концепцию современного зодчества в журнале “Эспри нуво” (1920-25), в книгах “К архитектуре” (1923), “Градостроительство” (1925) и других.

Наглядными манифестами этих концепций явились (в области индивидуального жилого строительства) виллы и особняки, аскетически-геометричные по своим формам, возведенные согласно принципу функционализма (комплекс особняков Р. Ла Роша и А. Жаннере в Париже, 1923-34; вилла Савой в Пуасси близ Парижа, 1929-31, и другие; к этим постройкам примыкал павильон “Эспри нуво” на Всемирной выставке декоративного искусства в Париже, 1925). В них четко воплотились сформулированные Корбюзье “пять отправных точек новой архитектуры” (здание на столбах-опорах, плоская крыша-сад, свободная внутренняя планировка, ленточное окно, фасадная стена, освобожденная от несущих функций).

Став сенсациями авангардной моды, “дома-манифесты” остро, подчас на грани иронии выразили динамику новых ритмов жизни, их резкий контраст с привычной традицией, заложив в то же время основы важнейших строительно-технологических новшеств (в области остекления, каркаса, облицовки, инженерных коммуникаций — все это тщательно разрабатывалось самим Корбюзье).


Градостроительные утопии

Резко поставив альтернативу “архитектура или революция”, считая процесс обновления зодчества самым надежным средством против неотвратимых социальных потрясений, Корбюзье выдвигает радикальные идеи в области градостроения в целом. В плане “современного города на 3 миллиона жителей” (1922; из него возник так называемый “план Вуазен” для Парижа), в проектах для Буэнос-Айреса, Алжира, Антверпена и других своих концепциях он развивает принципы “вертикального города-сада” или “лучезарного города” (название его книги 1935 года), с высокой плотностью населения, башнеобразными зданиями и большими парковыми пространствами между ними, с четким разделением транспортных, жилых и промышленно-деловых зон.

Создаваемые по планам Корбюзье монументальные общественные здания (общежитие швейцарских студентов в университетском городке в Париже, 1930-32, или Министерство просвещения и здравоохранения в Рио-де-Жанейро, с соавторами, 1937-43) мыслятся как средоточия нового урбанизма, властно организующие вокруг себя окружающее пространство.

В Москве по его проекту — при участии Н. Д. Колли — был выстроен строгий по формам и в то же время пластически экспрессивный (в особенности со стороны двора) Дом Центросоюза (ныне Центральное статистической управление, 1928-35). С энтузиазмом откликнувшись на социально-урбанистические преобразования в России, Корбюзье оказал значительное влияние на советскую архитектуру 1920-х — начала 1930-х гг. Однако затем он порывает сотрудничество с советскими властями: его эстетические взгляды оказались несовместимыми с практикой и идеологией тоталитаризма.


Поздние работы

После Второй мировой войны международный авторитет Корбюзье кажется незыблемым. Идеи его “Лучезарного города”, а также книги “Три человеческих измерения” (1945) ложатся в основу “Афинской хартии”, принятой IV Международным конгрессом современной архитектуры (1945). В Марселе он создает “жилую единицу” (1947-52), многоэтажный дом, ставший прообразом для массового жилого строительства по всей планете, а в Чандигархе (Индия, 1950-57) ему, наконец, удается полномасштабно реализовать свои градостроительные замыслы.

Откликаясь с известной долей самокритики на “сверхутопические” тенденции голого строительного прагматизма, примитивно понимаемой “пользы вместо красоты” (тенденции, доводящие до абсурда его собственные идеи и подвергнутые вскоре резкой критике в архитектурном постмодернизме), Корбюзье в своих поздних постройках усиливает образное начало, сочетая функциональную продуманность общей структуры с мощной драматической экспрессией форм (капелла Нотр-Дам-дю-О в Роншане,1950-53; здание Верховного суда в Чандигархе; павильон фирмы “Филипс” на Всемирной выставке в Брюсселе, 1958; доминиканский монастырь Ла-Турет близ Лиона, 1959).


Живопись, скульптура, дизайн

Важной сферой художественного эксперимента для Корбюзье с 1920-х годов была живопись — картины и монументально-декоративные композиции с полуабстрактными фантазиями на тему конструирования человеком своей жизненной среды. Возникшие из этих фантазий образы претворялись затем в росписи, гобелены, декоративную скульптуру (например, “Модулор”, символическая фигура человека как главной меры архитектурных пропорций стала мотивом бетонных барельефов, украсивших “Марсельскую жилую единицу”). Мастер внес большой вклад и в дизайн мебели, способствуя рационально-конструктивному облегчению ее основных узлов.

Автор: М. Н. Соколов
Рубрики:  АРХИТЕКТОРЫ

???

Четверг, 30 Июня 2005 г. 19:49 + в цитатник
МОЖЕТ СТОИТ ВВЕСТИ ЕЩЁ КАКИЕ-НИБУДЬ РУБРИКИ???
ПРЕДЛАГАЙТЕ!

УВАЖАЕМЫЕ ЧИТАТЕЛИ!

Четверг, 30 Июня 2005 г. 19:47 + в цитатник
ПРЕДЛАГАЙТЕ, ИСПРАВЛЯЙТЕ ОШИБКИ,
ДОПОЛНЕНЯЙТЕ, ПОПРАВЛЯЙТЕ НЕТОЧНОСТИ-
-ПРИВЕТСТВУЕТСЯ ВСЁ, ЛЮБАЯ ПОМОЩЬ И
УЧАСТИЕ В ПРОЦЕССЕ!)))

Salvador Dali

Четверг, 30 Июня 2005 г. 19:35 + в цитатник
Сальвадор Дали
Salvador_Dali

11 мая 1904 года в семье дона Сальвадора Дали-и-Куси и доньи Фелипы Доменеч родился мальчик, которому было суждено стать в будущем одним из величайших гениев эпохи сюрреализма. Звали его Сальвадор Фелипе Хасинто Дали. Детство Дали прошло в Каталонии, на северо-востоке Испании, красивейшем уголке земного шара.

Уже в раннем детстве по поведению и пристрастиям маленького Сальвадора можно было отметить его неудержимую энергию и эксцентричность характера. Частые капризы и истерики приводили отца Дали в гнев, но мать, напротив всячески старалась угодить любимому сыну. Она прощала ему даже самые отвратительные выходки. В итоге отец стал неким воплощением зла, а мать напротив – символом добра.

Талант к живописи проявился у Дали достаточно в юном возрасте. В четыре года он с удивительным для столь маленького ребенка старанием пытался рисовать. В шестилетнем возрасте Дали привлек образ Наполеона и как бы отождествляя себя с ним, он почувствовал потребность в некой власти. Одев на себя маскарадный костюм короля он получал огромное удовольствие от своего вида .

Первую свою картину Сальвадор Дали нарисовал, когда ему было 10 лет. Это был небольшой импрессионистский пейзаж, написанный на деревянной доске масляными красками. Талант гения рвался наружу. Дали целыми днями просиживал в маленькой, специально выделенной ему комнате рисуя картины. В Фигерасе Дали брал уроки рисунка у профессора Жоана Нуньеса .Можно сказать,что под опытным руководством профессора талант юного Сальвадора Дали принял свои реальные формы. Уже в 14 лет нельзя было усомниться в способности Дали к рисованию.

Когда Дали было почти 15 лет его выгнали из монашеской школы за непотребное поведение. Но он смог успешно сдать все экзамены и поступить в институт (так в Испании называли школу, дающую законченное среднее образование). Институт в 1921 году ему удалось закончить с блестящими оценками. Далее он поступил в Мадридскую Художественную академию

В шестнадцать лет Дали стал излагать свои мысли на бумаге. С этого времени живопись и литература оказались в равной мере частями его творческой жизни. В 1919 году в самодельном издании “Студиум” он публикует очерки о Веласкесе, Гойе, Эль Греко, Микеланджело и Леонардо. Участвует в студенческих волнениях, за что на сутки попадает в тюрьму.

В начале 20-х годов Дали был восхищен работами футуристов, но все же он был полон решимости создать собственный стиль в живописи. В это время у него появились новые друзья и знакомства. Среди них были такие выдающиеся и талантливые люди, как поэт Федерико Гарсиа Лорка и Луис Бонюэль. В Мадриде Дали впервые оказался предоставлен самому себе. Экстравагантный вид художника изумлял и шокировал обывателей. Это приводило самого Дали в неописуемый восторг. В 1921 году умирает мать Дали.

В 1923 году за нарушение дисциплины он был на год отстранён от занятий в академии. В этот период интерес Дали был прикован к творениям великого гения кубизма Пабло Пикассо. В картинах Дали того времени можно заметить влияние кубизма (“Молодые девушки” (1923)).

В 1925 году с 14 по 27 ноября проходит первая персональная выставка его работ в галерее Далмау. На этой выставке были 27 картин и 5 рисунков начинающего великого гения. Школа живописи, в которой он учился постепенно разочаровывала его и в 1926 году Дали был изгнан из академии за свое вольнодумие. В том же 1926 году Сальвадор Дали уехал в Париж, пытаясь найти там для себя что-то по душе. Вступив в группу, обьединившуюся вокруг Андре Бретона он начал создавать свои первые сюрреалистические работы (“Мёд слаще крови”1928; “Светлые радости”1929)

В начале 1929 года состоялась премьера фильма “Андалузский пес” по сценарию Сальвадора Дали и Луиса Бунюэля. Сам сценарий был написан за шесть дней! После скандальной премьеры этого фильма был задуман еще один фильм под названием “Золотой век”.

К 1929 году сюрреализм стал спорным, для многих неприемлемым течением в живописи.


Личная жизнь Сальвадора Дали до 1929 года не имела ярких моментов (если только не считать его многочисленные увлечения нереальными девочками, девушками и женщинами). Но именно в том 1929 году Дали влюбился в реальную женщину – Елену Дьяконову или Галу. В то время Гала была женой писателя Поля Элюара, но отношения её с мужем к тому времени уже были прохладными. Именно эта женщина станет на всю оставшуюся жизнь музой, вдохновением гения Дали.

В 1930 году картины Сальвадора Дали стали приносить ему известность (“Расплывшееся время”;“Постоянство памяти”). Неизменными темами его творений были разрушение, тление, смерть, а так же мир сексуальных переживаний человека (влияние книг Зигмунда Фрейда).

В начале 30 –х годов Сальвадор Дали вступил в некий конфликт на политической почве с сюрриалистами. Его восхищение Адольфом Гитлером и монархические наклонности шли в разрез с идеями Бретона. Дали порвал с сюриалистами после того, как те обвинили его в контрреволюционной деятельности.

В январе 1931 года в Лондоне состоялась премьера второго фильма – “Золотой век”.

К 1934 году Гала уже развелась со своим мужем, и Дали мог жениться на ней. Удивительная особенность этой семейной пары была в том, что они чувствовали и понимали друг друга. Гала ,в прямом смысле,жила жизнью Дали,а он в свою очередь обожествлял ее,восхищался ей.

Между 1936 и 1937 годом Сальвадор Дали пишет одну из самых известных картин “Метаморфоза Нарцисса”. Одновременно выходит его литературная работа под названием “Метаморфозы Нарцисса. Параноидная тема. “Кстати ранее (1935 г.) в работе “Покорение иррационального” Дали сформулировал теорию параноидально-критического метода.

В 1937 году Дали посещает Италию с целью ознакомления живописью Возрождения.

После оккупации во Франции в 1940 году Дали уезжает в США (Калифорнию), где открывает новую мастерскую. Именно там великий гений пишет, наверно одну из самых лучших своих книг “Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим. “Когда эта книга в 1942 году была издана, она немедленно навлекла на себя серьезную критику со стороны прессы и сторонников пуританского общества. Но ностальгия по родине берёт своё и в 1948 году он возвращается в Испанию. Находясь в Порт-Льигате Дали обращается в своих творениях к религиозно-фантастической тематике.

В 1953 году проходит большая ретроспективная выставка Сальвадора Дали в Риме. На ней представлены 24 картины,27 рисунков,102 акварели !

Ранее в 1951 году, накануне холодной войны, Дали разрабатывает теорию “атомарного искусства” опубликованную в этом же году в “Мистическом манифесте”. Дали ставит перед собой цель, донести до зрителя идею о постоянстве духовного бытия даже после исчезновения материи (Взрывающаяся голова Рафаэля.1951).

В 1959 году Дали и Гала обустроили по настоящему свой дом в Порт-Льигате. К тому времени уже никто не мог усомниться в гениальности великого художника. Его картины покупались за огромные деньги поклонниками и любителями роскоши. Громадные холсты написанные Дали в 60-е годы оценивались огромными суммами. У многих миллионеров считалось шиком иметь в коллекции картины Сальвадора Дали.

В конце 60-х отношения между Дали и Галой стали сходить на нет. И по просьбе Галы, Дали был вынужден купить ей свой замок, где она много времени проводила в обществе молодых людей. Остаток их совместной жизни представлял собой тлеющие головешки бывшие когда-то ярким костром страсти.

В 1973 году в Фигуэрасе был открыт “Музей Дали”. Это бесподобное сюрриалистичекое творение и по сей день приводит в восторг посетителей. Музей представляет собой ретроспективу жизни великого художника

Ближе к 80-м годам у Дали начались проблемы со здоровьем. Смерть Франко потрясла и испугала Дали. Являясь патриотом он не мог спокойно переживать перемены в судьбе Испании. Врачи подозревали у Дали болезнь Паркинсона. Эта болезнь когда- то стала смертельной для его отца.

1982 года 10 июня умерла Гала. Хоть их отношения нельзя было назвать близкими, Дали воспринял ее смерть как страшный удар.

К концу 1983 года его настроение, как казалось, несколько поднялось. Он стал иногда гулять по саду, начал писать картины. Но это продолжалось, увы, не долго. Старость брала верх над гениальным разумом.30 августа 1984 года в доме Дали произошел пожар. Ожоги на теле художника охватывали 18 % кожи.

К февралю 1985 года самочувствие Дали несколько наладилось и он смог дать интервью крупнейшей испанской газете “Паис”.

Но в ноябре 1988 года Дали положили в клинику с диагнозом “сердечная недостаточность”.

Сердце Сальвадора Дали остановилось 23 января 1989 года. Его тело забользамировали, как он просил, и на протяжении недели он лежал в своем музее в Фигерасе. Тысячи людей приезжали, что бы простится с великим гением.


Сальвадора Дали похоронили в центре его музея под не чем не обозначенной плитой. Жизнь этого человека была по настоящему яркой и гениальной. Сальвадора Дали можно смело назвать неповторимым величайшим гением сюриализма 20-го века!
Рубрики:  ТОЛЬКО ДАЛИ...)))

ПЧ!

Четверг, 30 Июня 2005 г. 19:24 + в цитатник
Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь bonapart_ps добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТСТВУЕМ!)))

СИМП!

Четверг, 30 Июня 2005 г. 17:29 + в цитатник
Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что Вам выражена симпатия от одного из пользователей LiveInternet.Ru.
Увидеть подробности и выразить ответное чувство можно на страничке Отношений.
БУДЕМ СТАРАТЬСЯ)))

Andy Warhol

Четверг, 30 Июня 2005 г. 17:19 + в цитатник
ЭНДИ УОРХОЛ - одна из самых известных и противоречивых фигур в искусстве второй половины ХХ столетия. Его работы стали олицетворением триумфа и коммерческого успеха американского поп-арта. Художник, скульптор, дизайнер, режиссер, продюсер, писатель, коллекционер, он стал воплощением ренессансной идеи "homo universale" в эпоху массовой культуры. Даже свою жизнь художник превратил в произведение искусства, ежеминутно создавая новые и новые мифы о "легендарном Энди Уорхоле".
Энди Уорхол родился в 1928 году в Питсбурге в семье словацких эмигрантов. После окончания художественного факультета Технологического института Карнеги, он переезжает в Нью-Йорк. Как и многие художники поп-арта, Уорхол начал свою карьеру как художник рекламы. Он оформляет витрины, делает открытки и плакаты. Работа в журналах "Vogue" и "Harper's Bazaar" и реклама обувной компании И. Миллера принесла ему небывалый успех. Уже к середине 1950-х годов художник зарабатывал около ста тысяч долларов в год; однако, он мечтал о "высоком искусстве".
В начале 1960-х годов Уорхол сделал первые карандашные рисунки с изображением долларовых банкнот. Идея этих произведений была подсказана художнику одним из арт-дилеров. Примерно в это же время появляются и работы с изображением банок супа Campbell's. Выставка этих работ в нью-йоркской галерее Стабл, состоявшаяся в 1962 году, стала настоящей сенсацией.
С 1962 года для создания своих произведений Уорхол стал применять технику шелкографии, дававшую возможность бесконечно повторять одни и те же образы. Монотонное повторение становится характерной чертой его творчества - бесконечные ряды бутылок кока-колы сменяются портретами Мерилин Монро, Лиз Тейлор, Элвиса Пресли.
На протяжении многих лет изменяются только сюжеты и цветовые фильтры, сам принцип сохраняется. "Я хочу быть машиной, - говорил художник. - Я хочу, чтобы все мыслили одинаково". Воплощая эту идею, Уорхол воспроизводит на своих картинах обезличенные фотографии из газет и журналов. Сцены катастроф, массовых отравлений, уличных беспорядков, увиденные множество раз, утрачивают силу своего воздействия, не вызывая у зрителя никаких чувств, кроме скуки и безразличия. Эту позу циничного наблюдателя, художник неоднократно демонстрировал и в жизни.
Использование тиражной техники шелкографии позволило Уорхолу и его помощникам организовать настоящее "производство" современного искусства. Всего за два года, с 1962 по 1964, на Фабрике, так художник называл свою мастерскую, было создано более двух тысяч работ. Хотя в 1965 году Энди Уорхол объявил себя "художником в отставке", отдав предпочтение работе в экспериментальном кино, занятий живописью он не прекратил до конца своей жизни.
Уорхол - один из немногих кинорежиссеров американского андерграунда, чье имя известно широкой публике. В его первых фильмах, таких как "Сон" (1963) и "Эмпайр" (1964), принцип повторения приобретает почти гипнотический эффект. Единственный образ - ночной вид Эмпайр-Стейт-Билдинг или спящего человека - проецируется на экран в течение многих часов практически без изменений при полном отсутствии звука. Хотя в более поздних фильмах, созданных в середине 1960-х годов, появляется сюжет (чаще всего эротического содержания), позиция автора как беспристрастного наблюдателя сохранится на протяжении всего творчества. В 1969 году Уорхол создал первый игровой фильм "Плоть", за которым последовал "Мусор" (1970). И в самих фильмах, и в процессе их создания присутствовал значительный элемент пародии на коммерческое кино. В период с 1966 по 1968 год Уорхол снял несколько фильмов с участием группы "Velvet Underground". Художник выступил продюсером нескольких альбомов этой группы и выполнил дизайн обложки первого диска. В 1980 году Уорхол решает организовать собственное телевидение. Он разработал проект нового кабельного канала (Andy Warhol's TV) и стал его директором.
Не менее разнообразна и литературная деятельность художника. Несколько лет с 1969 года под его руководством издавался знаменитый журнал "Интервью". Первый роман Уорхола "а", состоящий из записи телефонных разговоров на Фабрике, был опубликован в 1968 году. В 1975 году увидела свет книга "Философия Энди Уорхола. От A до B и наоборот". Последней вышедшей при жизни художника стала его работа "Попизм: Уорхол в 60-е" (1980). Знаменитые "Дневники" Энди Уорхола были изданы в 1989 году, уже после смерти художника. В 1968 году в своей мастерской Уорхол был тяжело ранен выстрелом феминистки Валери Соланас, единственного члена Общества уничтожения мужчин. Это трагическое событие укрепило "легендарный" статус художника. Сама личность Уорхола, созданный им имидж супер-звезды стали интересовать публику гораздо больше, чем его творчество. Уорхол охотно превращает свое имя в популярную торговую марку. В 1986 году портреты от Уорхола предлагались среди других товаров в рождественском каталоге магазинов Нейман-Маркус ("Стань звездой с Энди Уорхолом"). Энди Уорхол умер в 1987 году и был похоронен в родном Питсбурге. На поминальной службе в соборе Св. Патрика в Нью-Йорке присутствовало около двух тысяч человек. Свое состояние, оценивающееся в сто миллионов долларов, художник завещал своему фонду для помощи художественным организациям.
Рубрики:  ХУДОЖНИКИ

Helmut Newton

Четверг, 30 Июня 2005 г. 17:15 + в цитатник
Хельмут Ньютон
Helmut Newton

ШИК-БЛЕСК-КРАСОТА
Начиная говорить о Ньютоне, меньше всего хочется выстраивать его биографию в хронологическом порядке. Мэтр гламурной фотографии разбился на своем Кадиллаке в возрасте 83 лет. Идеально для светской хроники. Если б в светскую хронику помещали некрологи. Но в светской хронике нет места смерти… Ушел один из последних певцов воли и силы, шика и блеска. Того, что даже у нас стали называть раскатистым и грассирующим словом «гламур». Навсегда укатил от нас на своем блестящем дорогом автомобиле. Дорогие и красивые машины были его слабостью. И еще его слабостью была любовь к силе. Любовь, выраженная в статичных, холодно выверенных и, безусловно блистательных портретах. Я не знаю, впрочем, подходит ли тут слово «портрет»… Может ли называться портретом
изображение тела, лишенного каких либо личностных характеристик, черт, особенностей? Лицо – лишь продолжение тела. Если тело женщины – то в броне из мускулов, если мужчины – то в ореоле славы и богатства. Мир, где нет место немощи и бедности. Жестко сконструированный рай, показанный смертным во всем своем хладном блеске. Только обладая красотой или славой можно было попасть под его объектив. Желательно было обладать и тем и другим. Ньютоновские обнаженные не выглядят таковыми. Так как всякая обнаженность подразумевает стыдливость или хотя бы сдернутые покровы. Эта нагота в принципе не подразумевает одежд. Целлулоидные тела, с кожей, лишенной пор и окаменевшей мускулатурой. Будто не манекены и не сверх-люди отображены даже, а идеи сверх-людей. Про Хельмута Ньютона принято говорить «знаковая фигура». При этом не поясняется знаком чего, в сущности, он является? Знаком завороженности слабых и бедных миром сильных и богатых? Очарованности некрасивыми совершенной красотой? Знаком созерцательного любования недоступным? Многие мужчины утверждали, что ньютоновские ню пугают. Своей неживой, восковой красотой. Некоторые обвиняют его в приверженности большому немецкому стилю, начатому и во многом придуманному Лени Рифеншталь. Тем более что с певицей арийской воли Ньютон дружил. Называл ее «настоящей нацисткой». Она ему что-то отвечала в духе дружеской перебранки. Он сказал, что готов на ней жениться. Беззаботный диалог поколений. Разговор бежавшего из фашистской Германии еврея и любимой актрисы Гитлера. В конце концов, Лени была красива, а красота переживет и идеологии и само время. Остается нетленной. Как и черно-белое искусство фотографии.
Может быть, эта нетленность и вечность, в упор глядящая с ньютоновских снимков и гипнотизирующая нас является тем самым культом, которому он служил всю жизнь? Служил истово и верно, каждый день, приходя в свою студию в 9.30, даже будучи глубоким стариком. Вновь и вновь перед ним раздевались красивейшие модели, надевая маску полнейшего отчуждения на свои лица… Может быть Ньютон, как и Дали считал, что «молодость заразительна»? Своей жесткой художественной манерой он придавал вполне заурядной свежести статус «вечной молодости». Его моделей нельзя представить себе пьющими и поглощающими пищу, даже если в руке у них бокал с вином и тарелка с едой. Вот еще один парадокс биографии великого фотографа: всю жизнь он портретировал вечность для глянцевых журналов, а что может быть эфемернее? Может быть, поэтому в жанре модной фотографии он отдал предпочтение «ню»? Если платья и даже ювелирные украшения выходят из моды, то безупречные тела – никогда. Цитата, которая кочует из статьи в статью, когда речь идет о Хельмуте Ньютоне: «Меня интересует власть – будь то сексуальная или политическая. В своем творчестве я насмехаюсь над массовой культурой, создавшей конвейер, призванный регулировать и направлять желание». Надо сказать, что насмешка эта столь завуалирована, что вряд ли видна многим. Да и кто выложит три тысячи долларов за книгу пародий?! (Именно столько стоит книга Ньютона, названная за свой гигантский формат «Сумо»). Безусловно, преданные поклонники Ньютона любят его за что угодно, но только не за насмешку. Думаю, что за стиль, за жесткость светотени, за возможность взгляда «глаза-в-глаза». Кто еще давал возможность взглянуть прямо в зрачки Лиз Тэйлор, Сигурни Уивер, Фэй Дануэй? Одной из самых известных его фотосессий явилась серия «Они идут», снятая в 1981. На одном снимке изображены четыре модели, одетые по тогдашней моде и идущие вперед. Фон – белоснежная бумага, часто используемая для студийных съемок. На другом снимке изображены те же модели, в тех же позах и на том же фоне… Разница лишь в том, что во втором случае они совершенно обнажены. Эта их нагота словно проступает сквозь одежду так органично, что как раз вариант в одежде выглядит странным и неестественным. Не говоря о том, что мода тех лет кажется нам просто смехотворной. Некоторые западные критики обвиняли его в том, что он дегуманизирует женщин, делая из них лишь сексуальный объект. На подобные нападки фотограф отвечал, что, наоборот, он – феминист. И действительно, если приглядеться - героини Ньютона – королевы, женщины-повелительницы, ни в коем случае не жертвы. И вот он умчался на своем Кадиллаке по маршруту Chateau Marmont Нotel, Калифорния – Вечность. Биография: Хельмут Ньютон родился в Берлине, в 1920 году, в довольно богатой семье производителя пуговиц. В 16 лет он идет учиться к известному фотографу Иве (Эльзе Симон, депортированной позже нацистами и погибшей в Аушвице). У нее он учится 2 года, потом уезжает в Сингапур, а в1940 перебирается в Австралию, где, после пятилетней службы в армии открывает фотоателье в Мельбурне. В 1948 он женится на актрисе Джун Брюннель, с которой он и прожил всю жизнь. В 1961 он начинает свое регулярное сотрудничество с французским «Вогом», законодателем моды и стиля. Этот журнал десятилетиями диктовал миру, что есть красота в ее модном понимании. И именно в 1961 году выходят на экран такие шедевры кинематографа как «Виридиана» Луиса Бунюэля и «Прошлым летом в Мариенбаде» Алена Рене. Эти два режиссера настолько эстетически близки Ньютону, что многие его снимки кажутся кадрами из этих фильмов… С 60-х стилистика Ньютона остается неизменной: те же резкие тени, та же выверенная композиция. Он узнаваем, как и его современник Уорхол. Его работы с тех пор не состарились. Его снимки трудно датировать. Разве что по пуговице на краешке лацкана?
8 февраля 2004 г.

№_06 журнал "Новое Время"
Ирина Драгунская
Рубрики:  ФОТОГРАФЫ

ПЧ!

Четверг, 30 Июня 2005 г. 15:55 + в цитатник
Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь _Curly_Miracle_ добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТ!) ШУСТРО)))

velazquez-las-meninas

Четверг, 30 Июня 2005 г. 15:52 + в цитатник
velazquez-las-meninas
Рубрики:  КАРТИНЫ

Velazquez

Четверг, 30 Июня 2005 г. 15:49 + в цитатник
ВЕЛАСКЕС, РОДРИГЕС ДЕ СИЛЬВА ВЕЛАСКЕС, ДИЕГО (Velázquez, Rodríguez de Silva Velázquez, Diego) (1599–1660), великий испанский живописец 17 в.; родился в Севилье 6 июня 1599. В 1611–1616 учился в Севилье у мастера религиозной и бытовой живописи Франсиско де Эрреры Старшего и портретиста Франсиско Пачеко. Вероятно, в Севилье он имел возможность познакомиться с произведениями основоположника натуралистической школы живописи Микеланджело да Караваджо или его итальянских учеников. От раннего периода творчества Веласкеса (1617–1623) сохранилось ок. 25 работ: произведения на религиозные сюжеты, портреты, жанровые сцены и т.н. бодегоны (испанское название натюрмортов).
В 1622 Веласкес посетил Мадрид, где окончательно обосновался в 1623. Его заказчиком стал всесильный министр короля Филиппа IV Гаспар де Оливарес. Девятнадцатилетний король проникся симпатией к художнику, который был всего пятью годами старше его; в октябре 1623 он назначил Веласкеса придворным художником и в течение всей жизни оставался его покровителем. В 1628 Мадрид посетил фламандский художник Питер Пауль Рубенс. Веласкес подружился с ним, и они работали в одной мастерской в течение восьми месяцев. К первому мадридскому периоду творчества Веласкеса относятся портреты короля, Оливареса и других придворных, в том числе шутов. В это же время он написал картину Пьяницы (1628–1629), известную также под названием Триумф Вакха, на которой изображены крестьяне, прославляющие Вакха (эта работа находится в Прадо, как и все упоминаемые здесь картины, если не указано другое местонахождение). Со временем Веласкес приобрел и другие придворные должности. В 1643 он был назначен помощником придворного архитектора, а последние восемь лет жизни исполнял обязанности главного церемониймейстера королевского дворца. Он должен был следить за принадлежавшими королевской семье зданиями, их украшением и меблировкой, за устройством празднеств и спектаклей, организовывать выезды короля. Эти обременительные обязанности мешали занятиям живописью, и в последние девять лет Веласкес написал только 15 картин – портретов и произведений на мифологические сюжеты.


Первая поездка в Италию. Веласкес дважды побывал в Италии: в 1629–1631 и в 1648–1651. Во время первого путешествия он посетил Геную, Венецию, Болонью, Феррару, Рим и Неаполь. Веласкес познакомился с болонским мастером Гверчино и с Хусепе Риберой, испанским живописцем, работавшим в Неаполе; он изучал произведения Тинторетто, Якопо Бассано, Микеланджело, Рафаэля и второго поколения караваджистов. В Италии Веласкес написал картины Окровавленные одежды Иосифа (Эскориал) и Кузница Вулкана.

В Мадриде. В 1630-е годы, по возвращении Веласкеса в Мадрид, в его живописи выходят на первый план черты, характерные для стиля барокко. В этот период он создал картину Охота на дикого вепря (Лондон, Национальная галерея), несколько конных портретов короля и его портретов на охоте и знаменитую картину Сдача Бреды (1634–1635). В последней работе благородство и величие персонажей, изящество и естественность их движений подчеркивается гармонией красок и виртуозностью мазка. Из произведений на религиозные сюжеты, созданных в этот период, следует отметить такие картины, как Встреча св. Антония-аббата со св. Павлом-отшельником и Коронование Марии, а также Распятие, написанное, вероятно, ок. 1631. В начале 1640-х годов в европейской живописи произошел поворот от зрелого барокко к более спокойному и торжественному стилю. Эта перемена нашла отражение в портретах Веласкеса 1638–1641 и в трех картинах – Эзоп, Менипп и Марс (1639–1640).
Вторая поездка в Италию. В 1636–1648 Веласкес был очень занят своими придворными обязанностями; за это время он создал всего около 20 картин. В ноябре 1648 Веласкес получил разрешение на поездку в Италию. Его путь лежал через Геную, Милан и Падую в Венецию, где он приобрел для короля картины Веронезе, Тициана и Тинторетто. Веласкес посетил также Болонью, Модену, Парму, Флоренцию и Неаполь, но вскоре возвратился в Рим. Римское общество, папская курия и художники относились к нему с большим уважением. Мастерство Веласкеса, благородные манеры и сама его личность произвели на всех приятное впечатление. Веласкес познакомился со скульпторами Дж.Л.Бернини и А.Альгарди, живописцами К.Лорреном, П.да Кортоной, Маттиа Прети и Сальватором Розой. Будучи свободным от придворной службы, Веласкес много писал, в том числе исполнил 11 портретов. Из них наиболее известен портрет папы Иннокентия X; эта работа хранится в палаццо Дориа в Риме. Несмотря на почтенный возраст (75 лет), папа был человеком железной воли, моложавым, энергичным, вспыльчивым и подозрительным. Его черты трудно назвать приятными: мясистый нос, тонкие губы, пронзительный взгляд, красноватый цвет лица. Веласкес акцентировал живость румяного лица, использовав сочетание различных оттенков красного цвета.
В Риме Веласкес написал два камерных пейзажа, предвосхищающих французскую живопись 19 в. Один из этих видов, Сад виллы Медичи, кажется безмятежно спокойным и торжественно монументальным, другой наполнен игрой солнечных бликов. В пейзажах Веласкес демонстрирует новое понимание пространства и света. В Риме он написал также картину Венера с зеркалом (Лондон, Национальная галерея), сюжет которой восходит к гравюре с картины голландского художника А. ван Блокландта. Венера, лежащая спиной к зрителю, смотрится в зеркало, которое держит перед ней Амур. Отражение в зеркале нечетко, и лицо богини выглядит постаревшим и не столь прекрасным, как можно было бы ожидать при виде совершенства ее юного тела. Смысл произведения типичен для эпохи барокко: размышление об увядающей красоте, суетности и бренности человеческой жизни. Зеркало символизирует всевидящее око Всевышнего, обнажающее человеческие пороки.

Последние годы. Во время пребывания Веласкеса в Италии сорокапятилетний король женился на австрийской принцессе, своей четырнадцатилетней племяннице. Вернувшись в Мадрид в июне 1651, Веласкес писал в основном портреты короля, королевы Марианны и детей, родившихся от этого брака. (Все эти работы находятся в Прадо и в венском Художественно-историческом музее, кроме последнего портрета Филиппа IV, который хранится в Лондоне, в Национальной галерее.)

Вершина творчества Веласкеса – картина Менины, или Фрейлины (1656–1657). На ней изображены маленькая принцесса Маргарита, придворные и сам художник, работающий над огромным холстом. Все персонажи картины связаны единством действия. В зеркале видны король и королева, портрет которых пишет Веласкес. Они находятся на месте зрителя. Впервые в истории живописи сюжетом картины стал процесс ее создания.

В 1659, несмотря на недовольство придворных, король пожаловал Веласкесу личное дворянство. Художник умер менее чем через год, 6 августа 1660, после того как завершил все приготовления к свадьбе дочери Филиппа IV Марии Терезы и Людовика XIV.

Сохранилось ок. 120 картин Веласкеса; почти пятьдесят из них хранятся в Прадо.
Рубрики:  ХУДОЖНИКИ

ПЧ!

Четверг, 30 Июня 2005 г. 15:13 + в цитатник
Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь Без_Света_Будешь добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТ!)))

1

Четверг, 30 Июня 2005 г. 15:12 + в цитатник
ПРИСТУПИМ!?

Дневник ART_FOTO

Четверг, 30 Июня 2005 г. 14:48 + в цитатник
ВКУС И ЦВЕТ!


Поиск сообщений в ART_FOTO
Страницы: 10 ..
.. 3 2 [1] Календарь