-Музыка

 -Подписка по e-mail

 

 -Поиск по дневнику

Поиск сообщений в Наш_Израиль

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 11.05.2007
Записей: 336
Комментариев: 1056
Написано: 1445

Комментарии (7)

Уникальный ребенок

Дневник

Пятница, 16 Декабря 2011 г. 14:20 + в цитатник
МурДашка (Наш_Израиль) все записи автора

Йоав Леванон, 6 лет, израильтянин, живет в мошаве около Кфар Сабы,

играет с трех лет... Две недели назад выступал в Карнеги Холле.

Стал победителем международного конкурса.

Теперь его приглашают с родителями учиться в Нью-Йорке......
Посмотрите на это.
 В это трудно поверить, глаза и уши отказываются синхронизировать впечатление.
 Он играет практически стоя, так как ноги не дотягиваются до педали.
 Я все думаю, в каком же возрасте надо начать учиться и сколько нужно заниматься ежедневно,

чтобы к 6 годам достичь такогоуровня... Ведь здесь не только техника,
 но и живое чувство “взрослой” музыки. Как оно может быть доступно в  таком возрасте?
 В его возрасте дети только поступают в музыкальную школу, но далеко не все закончившие

ее добираются хотя бы до половины этого уровня...


Рубрики:  Евреи в искусстве

Комментарии (0)

МИША МАРМАР.

Четверг, 10 Сентября 2009 г. 16:41 + в цитатник
АннаЕлена (Наш_Израиль) все записи автора Это цитата сообщения АннаЕлена [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

МИША МАРМАР.




Рубрики:  Евреи в искусстве

Метки:  
Комментарии (0)

Поет Ал. Розенбаум .

Дневник

Четверг, 18 Октября 2007 г. 00:56 + в цитатник
Незнакомка77 (Наш_Израиль) все записи автора
~~~~~``````МОЙ ЕРУСАЛИМ~~~~~``````

~~~~~``````МОЙ ЕРУСАЛИМ~~~~~``````

Автор плэйкаста: astra93 »
Создан: 00:29:00, 19.10.2007

Посмотреть >>

Рубрики:  Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Четверг, 26 Июля 2007 г. 14:34 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1890 - родился Осип Алексеевич (Иосель Аронович) Цадкин (1890–25.11.19671967), французский скульптор, иллюстратор, поэт, один из выдающихся ваятелей 20 в., самобытно соединивший традиции модерна и авангарда.

 (276x380, 12Kb)

Родился в Витебске. Отец художника крестился, был преподавателем классических языков в семинарии в Смоленске, куда семья переехала, когда Цадкин был ребенком. В 1905 г. Цадкин отправился в Англию к родственникам матери. В 1906 г. работал резчиком по дереву у мебельного мастера в Лондоне. В 1908 г., возвратясь в Смоленск, делал свои первые скульптуры в дереве и камне. В 1909 г. приехал в Париж и учился в течение нескольких месяцев в Эколь-де-Боз-Ар. С 1911 г. выставлялся, в дальнейшем сблизился с художниками Парижской школы, особенно с А. Модильяни.

В 1915–17 гг. участвовал в 1-й мировой войне, во время боевых действий был отравлен газами. После демобилизации вернулся в Париж, где создал свои первые значительные произведения. В 1920 г. состоялась первая персональная выставка Цадкина; затем последовали неоднократные путешествия по Италии, Голландии, Греции. Участвовал в оформлении одного из павильонов на Всемирной выставке 1937 г. в Париже.

В 1941 г. Цадкин, спасаясь от нацистов, переехал в США и поселился в Нью-Йорке, сразу после войны возвратился в Париж. В период после возвращения создал наиболее совершенные работы. В 1946–53 гг. преподавал в академии Гранд-Шомьер в Париже.

В 1950 г. Цадкину была присуждена «Гран при» Венецианской Бьеннале. В 1960 г. скульптор посетил Израиль по приглашению Фонда Ван Лира в Иерусалиме и впоследствии создал скульптуру «Лес людей» для нового здания фонда (поставлена в 1963 г.). В 1972 г. в Музее искусства в Тель-Авиве состоялась выставка произведений Цадкина.

Вместе с Н. Габо, А. Певзнером (см. Певзнер Антуан и Наум) и Ж. Липшицем Цадкин относится к плеяде выдающихся скульпторов-евреев, стоявших у истоков беспредметной скульптуры 20 в. Со стороны матери он принадлежал к семье корабелов, с детства был знаком с деревом и всю жизнь любил этот материал, но его привлекал также камень разных пород, не только мрамор. Он не пользовался услугами помощников и создавал свои произведения без модели в натуральную величину. Многие из художников Парижской школы в то время увлекались скульптурой примитива. Это увлечение отразилось и в творчестве Цадкина. В европейском искусстве его привлекала не столько античность, сколько романская скульптура соборов в Муассаке и Отене. В ранних произведениях Цадкин обращался к библейской тематике («Иов и его друзья», 1914, дерево, Антверпен, Королевский музей; «Ревекка», 1927, полихромное дерево, Оттерло, Музей Крёллер-Мюллер).

В начале 1920-х гг. Цадкин нашел свою индивидуальную манеру, близкую к кубизму («Женщина с веером», 1923, камень, бронза, Музей Цадкина, Париж; «Музыкантши», 1924, бронза, ГМИИ имени А. С. Пушкина, Москва; «Красивая служанка», 1926–27, камень, Музей Цадкина, Париж). Первые зрелые произведения Цадкина демонстрируют, с одной стороны, тягу к монолитным, нерасчлененным, иногда грубым формам, с другой — к изысканной игре контрастных объемов (в этом смысле многое роднит произведения Цадкина с творчеством А. Архипенко). В отличие от многих скульпторов 20 в., принципиальных сторонников чисто формальных исканий, Цадкин выступал за одухотворенную форму, считал, что художник обязан «нести весть» людям, это стремление придает его творчеству особую экспрессивность и силу воздействия.

С середины 1930-х гг. стиль произведений Цадкина изменился. Исчезли монолитность, игра выпуклостей и впадин, появились расчлененность форм и многообразие силуэта, рваные объемы, иногда даже потерявшие пластический характер, — все это создает впечатление нарастающей взволнованности, тревоги художника. Новые тенденции проявились в большой деревянной статуе «Вестника» (1937), созданной для одного из павильонов Всемирной выставки в Париже. Тяжелые годы оккупации Франции во время 2-й мировой войны нашли отражение в статуе «Пленница» («Франция в плену», 1943, бронза, Музей Вальраф-Рихарц, Кёльн), созданной скульптором в США.

Вершиной творчества Цадкина стала статуя «Разрушенный город» (1951–53, бронза, Роттердам), сооруженная в память об уничтожении Роттердама немцами в 1941 г. Идея гибели, разрушения воплотилась в фигуре человека, из груди которого вырвано сердце. Рваный силуэт, изломы поднятых к небесам рук, пробоина в груди на фоне неба придают образу пронзительную силу; статуя в Роттердаме — один из лучших памятников жертвам войны.

В такой же экспрессивной манере Цадкин создал и другие значительные произведения («Орфей», 1954, бронза, Израильский музей, Иерусалим), «Рождение форм» (1958, гипс, Музей Цадкина, Париж), «Дерево граций» (1962–63, бронза, Музей Цадкина, Лез Арк, провинция Лот, Франция).

В последние годы творчества у художника наметился переход к более реалистической манере. В серии работ, связанных с образом В. Ван Гога Цадкин стремился передать портретное сходство и характер гениального живописца («Шагающий Ван Гог», 1956–61, бронза, памятник в Овере-на-Уазе).

http://www.peoples.ru/art/sculpture/osip_tsadkin/
http://www.artcyclopedia.com/artists/zadkine_ossip.html
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Ossip_Zadkine
http://www.zadkine.com/
http://www.sem40.ru/famous2/e1193.shtml
http://www.museum.ru/GMII/exp_2_5.htm

 (351x599, 30Kb)
 (394x599, 26Kb)
 (400x600, 34Kb)
 (421x599, 16Kb)
 (435x700, 13Kb)
 (235x598, 41Kb) (206x597, 36Kb)
 (450x600, 28Kb)
 (480x380, 44Kb)
 (480x380, 34Kb)
 (480x371, 37Kb)
 (521x700, 13Kb)
 (700x651, 31Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Воскресенье, 15 Июля 2007 г. 13:43 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1902 – родился Меер (Марк) Моисеевич Аксельрод (1902 - 10.01.1970), советский художник

 (270x400, 19Kb)
 (283x184, 11Kb)

Меер Моисеевич (а среди друзей — Марк) Аксельрод родился в начале прошлого века в Белоруссии, в еврейском местечке Молодечно, выросшем потом в город. Учиться рисовать он начал в Тамбове (из родных мест, ставших в годы Мировой войны прифронтовой полосой, евреев выселили). В революционные годы в Минске, зарабатывая на жизнь плакатами для кино, продолжал учиться и показывал на художественной выставке свои зарисовки еврейских кварталов и кладбищ. Настоящую школу, сделавшую его профессиональным художником, проходил в московском ВХУТЕМАСе у Фаворского.

Еще не окончив институт, Аксельрод участвует в выставках общества "Четыре искусства" вместе со своими вхутемасовскими учителями. Его быстро выделили критики — А.А. Федоров-Давыдов, Я.А. Тугендхольд, А.А. Сидоров и особенно А.М. Эфрос, возлагавший на молодого художника чрезвычайно большие надежды. С 1928 года, окончив ВХУТЕМАС-ВХУТЕИН, Аксельрод преподает в нем и в Текстильном институте рисунок. В то же время он продолжает выставлять свои работы и в Минске. В поисках характерного типажа, "шолом-алейхемовского колорита" путешествует по еврейским местечкам Белоруссии. Эти многочисленные рисунки с натуры, быстрые, темпераментные и острые — едва ли не главное из того, что создал художник в конце двадцатых годов. Рисовал он сперва больше карандашом, а затем — все чаще кистью: широким, обобщающим форму мазком, нередко в скупом, тоже обобщенном и порой достаточно условном колорите. Аксельрод зорко видел натуру и умел подчеркнуть в ней естественную характерность позы и черт лица. "Сквозь эти как будто только "реалистические", как будто только "изобразительные" наброски проступают залежи "измов" левого искусства, понятых, переработанных, дифференцированных, разборчиво введенных" (А.М. Эфрос).

В 1930 г. Аксельрод отправился в командировку в степной Крым, где во второй половине двадцатых годов началось осуществление одного из утопических советских проектов: "землеустройство трудящихся евреев". Еврейскую бедноту из местечек бывшей "черты оседлости" переселяли в крымские степи, где им дали землю для организации сельскохозяйственных коммун. История этих поселений оказалась недолгой и печальной. Но поначалу не знакомые с сельским трудом переселенцы горячо взялись за новое для них дело. Их энтузиазм разделяли и приехавшие к ним рисовать выпускники ВХУТЕИНа (вместе с Аксельродом в бригаду входили Мендель Горшман, Лев Зевин и Лидия Жолткевич). Год спустя Аксельрод приехал сюда еще раз. Итогом этих двух поездок была серия "В степи", которую составляют свободные и быстрые наброски мягким и светлым цветом на бумаге (главным образом, это гуашь, реже акварель). К портретам прибавились подвижные сценки совместного труда и коллективного быта, обедов в поле, купания детей, праздников.

Еще в студенческие годы Аксельрод пробовал свои силы в ксилографии. Гравюры его тогда очень хвалили, и заслуженно (в частности, А.А. Сидоров). Но многоступенчатая кропотливая работа над доской не увлекала художника: "Гравюра мешает мне непосредственно выражать то, что я чувствую при виде модели". Так проявилось обособление от тесно сплоченной школы Фаворского, к которой Аксельрод, вроде бы, принадлежал. От Фаворского он принял и усвоил лишь самые общие принципы построения изобразительного пространства, организации плоскости листа и пластики цветового пятна, которые составляли суть его теории. О верности им, пожалуй, наиболее ясно свидетельствуют выполненные Аксельродом иллюстрации. Как правило, это были иллюстрации к изданиям современной еврейской литературы.

Еврейские темы преобладали и в театральных работах мастера тридцатых-сороковых годов. Аксельрод оформлял спектакли еврейских театров в Москве, в Белоруссии, на Украине. В них был тот же, что в иллюстрациях, до мелочей ему знакомый местечковый быт, похожие персонажи. Но меньше всего интересовало художника бытовое правдоподобие, подробности обстановки. Он искал эмоциональную атмосферу спектакля, создавал выразительную и целостную структуру зрелища. Многочисленные эскизы мастера, варьирующие решение сцены, всегда энергичны, остры, контрастны. В них найдено главное, а прочее дано лишь намеком.

Благожелательное отношение, с которым критика встретила первые выставленные работы Аксельрода, вскоре меняется. Уже в 1933 году в итоговой статье, посвященной развитию графики за 15 лет советской власти, А.Д. Чегодаев попрекал его "аморфным, эмоционально неопределенным экспрессионизмом" и другими подобными грехами. Однако дело было вовсе не в индивидуальных особенностях произведений художника, а в нарастающем изменении ведущих тенденций и, главным образом, официальных установок в искусстве. Круг Фаворского, к которому принадлежал Аксельрод, целиком оказался под ударом. Весьма далекие от каких-либо крайностей авангардизма, эти художники все же подозревались в "формалистических" тенденциях. И дальше, вплоть до начала пятидесятых годов, их неустанно перевоспитывали, подгоняя под общий ранжир официального "реализма".

Аксельрод оказался неподатливым. Он, правда, не отказывался писать маслом "тематические" картины. Сперва, еще в конце двадцатых годов, на драматические темы гражданской войны — "Белопольская оккупация". Затем — на материале своих крымских колхозных этюдов — "Красный обоз" (1932). К середине тридцатых потребовались промышленные сюжеты — "Консервный завод" (1934), "Стекольный завод". Но и при такой заданной сюжетности работы Аксельрода не вполне укладывались в благополучный ряд советских "тематических картин", выделялись своей композиционной свободой и живописной экспрессией.

В последние десятилетия жизни мастера, в пятидесятые-шестидесятые годы, "цветная графика" его старых работ определенно вытесняется живописью. Многочисленные прибалтийские и крымские пейзажи этого времени и обширная серия портретов написаны темперой на больших листах бумаги и картона. Работы эти лишены прежней беглости, стремления ухватить что-то налету, поймать и закрепить только главное. Более законченные, они при этом лаконичны, не засушены, очень цельны. Активный, усиленный внутренними контрастами колорит становится едва ли не главным выразительным средством художника.

Почти всю полувековую творческую жизнь Аксельроду не давали возможность развернуть свои работы на персональной выставке. Лишь в 1966 году он смог показать относительно широкую их панораму (по каталогу — около трехсот листов) на выставке групповой. Еще раз, уже в самом конце жизни, была у него выставка в Ростове-на-Дону. Весьма скудными были долгие годы и условия жизни мастера и его семьи. Художественная культура и творческая свобода обходились в то время художнику очень дорого.

Серию "Гетто", посвященную трагической судьбе евреев в годы гитлеровской оккупации, он написал в свои последние годы. Драматизм темы не потребовал от него возвращения к экспрессивному языку его ранних работ. Он очень сдержан. Ни прямого изображения ужасов, ни экстатических жестов отчаяния нет в этих скорбных композициях. Аксельрод ищет решения, далекого от истерики или сентиментальности, в тесноте сдавленных композиций, в их безнадежно холодном колорите.

Последняя серия пейзажей Аксельрода — "Воспоминания о старом Минске". Он мысленно видит город своей молодости, не измененный разрушениями и перестройками.

http://spek.keytown.com/tvorch/ENCYCLOP/a/text/akselrod.htm
http://web-gallery.org/Akselrod/Bio-ru.htm
http://www.feor.ru/events/2006/02/01/id1924/?136
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=627&rubric_id=205
http://www.lechaim.ru/ARHIV/134/aspiz.htm
http://www.mjcc.ru/Galereia_MEOC/Akselrod_Meer/index.html
http://www.museum.ru/gmii/exh.asp?last=1-26feb2006
http://www.ng.ru/culture/2002-10-04/7_grafic.html

 (282x400, 15Kb) (296x400, 13Kb)
 (299x400, 20Kb)
 (400x296, 15Kb)
 (492x400, 11Kb)
 (512x400, 26Kb)
 (554x400, 16Kb)
 (567x400, 19Kb)
 (574x400, 15Kb)
 (624x400, 16Kb)
 (700x442, 68Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Четверг, 12 Июля 2007 г. 14:32 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1884 – родился Амедео Модильяни / Amedeo Modigliani / (1884 - 24.1.1920), выдающийся итальянский живописец и скульптор.

 (180x240, 26Kb)
Один из величайших и оригинальных художников 20-го столетия, Модильяни получил известность за свои 25 скульптур из камня, 350 живописных работ и огромное количество набросков, которые он создал за свою короткую жизнь. Большинство его работ – изображение женщин, в основном обнаженных.

Амедео воспитывался в еврейской семье коммерсанта Фламинио Модильяни и Евгении Гарсен. Род Модильяни происходит из одноименной сельской местности к югу от Рима. Отец Амедео когда-то торговал углем и дровами, а теперь владел скромной маклеровской конторой и помимо того был как-то связан с эксплуатацией серебряных копей на Сардинии. Амедео появился на свет как раз тогда, когда в дом его родителей явились чиновники забирать уже описанное за долги имущество.

Для Евгении Гарсен это было чудовищной неожиданностью, так как по итальянским законам имущество роженицы неприкосновенно. Перед самым приходом судейских домочадцы поспешно навалили на ее кровать все, что было самым ценным в доме. В общем, произошла сцена в стиле итальянских кинокомедий 50-60-х годов. Хотя на самом деле в событиях, которые потрясли дом Модильяни перед самым рождением Амедео, ничего смешного не было, и мать увидела в них дурное предзнаменование для новорожденного.

В дневнике матери двухлетний Дэдо получил свою первую характеристику: «Немножко избалован, немножко капризен, но хорош собою, как ангелок». В 1895 году он перенес серьезную болезнь. Тогда в дневнике матери появилась следующая запись: «У Дэдо был очень сильный плеврит, и я еще не оправилась от ужасного страха за него. Характер этого ребенка еще не достаточно сформировался, чтобы я смогла высказать о нем определенное мнение. Посмотрим еще, что разовьется из этого кокона. Может быть, художник?» - еще одна знаменательная фраза из уст наблюдательной и горячо любящей своего сына Евгении Гарсен.

В начале 1906 года среди молодых художников, литераторов, актеров, живших на Монмартре своеобразной колонией, появилась и сразу привлекла к себе внимание новая фигура. Это был Амедео Модильяни, только что приехавший из Италии и поселившийся на улице Коланкур, в маленьком сарае-мастерской посреди заросшего кустарником пустыря. Ему 22 года, он ослепительно красив, негромкий голос его казался горячим, походка - летящей, а весь облик - сильным и гармоничным.
В общении с любым человеком он был аристократически вежлив, прост и благожелателен, сразу располагал к себе душевной отзывчивостью. Одни говорили тогда, что Модильяни - начинающий скульптор, другие - что он живописец. И то и другое было правдой.

Богемная жизнь быстро затянула Модильяни. Модильяни в компании своих друзей-художников (среди них – Пикассо) пристрастился к выпивке, его частенько видели расхаживающим по улицам пьяным, а иногда и голым. Его называли «бездомным бродягой». Его неприкаянность бросалась в глаза. Одним она казалась атрибутом непутевого образа жизни, характерной чертой «богемы», другие видели тут чуть ли не веление рока, и, кажется, все сходилось на том, что эта вечная бездомность была для Модильяни благом, потому что развязывала ему крылья для творческих взлетов.

Его драки с мужчинами из-за дам вошли в фольклор Монмартра. Он употреблял огромное количество кокаина и курил марихуану.

В 1917 году выставка художника, содержащая в основном изображения обнаженной натуры, была закрыта полицией. Так случилось, что эта выставка была первой и последней при жизни художника.

Модильяни продолжал писать, пока туберкулезный менингит не свел его в могилу. Пока он был жив, о нем знали только в парижской общине художников, но к 1922 году Модильяни получил всемирную известность.

Модильяни любил женщин, а те любили его. Сотни, возможно, тысячи женщин побывали в постели этого элегантного красавца. Еще в школе Амедео заметил, что девочки обращают на него особое внимание. Модильяни рассказывал, что в 15 лет его соблазнила горничная, работающая в их доме.

Хотя он, как многие его коллеги, был не прочь пройтись по борделям, все же основная масса его любовниц были его же натурщицами. А в течение своей карьеры он поменял сотни натурщиц. Многие позировали ему обнаженными, в течение сеанса несколько раз прерываясь на занятия любовью.

Больше всего Модильяни нравились женщины простые, например, прачки, крестьянки, официантки. Этим девушкам ужасно льстило внимание красивого художника, и они покорно отдавали ему себя.

Несмотря на множество сексуальных партнерш, любил Модильяни в своей жизни только двух женщин.

Первой была Беатрис Хастингс, английская аристократка, поэтесса, пятью годами старше художника. Они познакомились в 1914 году и сразу же стали неразлучными любовниками. Они вместе пили, развлекались и частенько дрались. Модильяни в ярости мог таскать ее за волосы по тротуару, если подозревал во внимании к другим мужчинам.

Но, несмотря на все эти грязные сцены, именно Беатрис была его главным источником вдохновения. В период расцвета их любви Модильяни создал свои лучшие произведения. Все же этот бурный роман не мог существовать долго. В 1916 году Беатрис сбежала от Модильяни. С тех пор они больше не виделись. Художник горевал по своей неверной подруге, но недолго.

В июле 1917 года Модильяни познакомился с 19-летней Жанной Эбютерн. Молодая студентка происходила из французской семьи католиков. Субтильная бледная девушка и художник поселились вместе, несмотря на сопротивление родителей Жанны, не желавшим зятя-еврея. Жанна не только была моделью для произведений художника, она пережила с ним годы тяжелой болезни, периоды грубости и откровенного дебоширства.

В ноябре 1918 года Жанна родила Модильяни дочь, а в июле 1919 года он предложил ей пожениться, «как только придут все бумаги». Почему они так и не поженились, остается загадкой, так как эти двое были, что называется, созданы друг для друга и оставались вместе до самой его смерти 6 месяцев спустя. Когда Модильяни лежал при смерти в Париже, он предложил Жанне присоединиться к нему в смерти, «чтобы я мог быть с моей любимой моделью в раю и вместе с ней наслаждаться вечным блаженством».

В день похорон художника Жанна находилась на грани отчаяния, но не плакала, а только все время молчала. Беременная их вторым ребенком, она бросилась с пятого этажа и разбилась насмерть. Через год, по настоянию семьи Модильяни, их соединили под одной могильной плитой. Вторая надпись на ней гласила: «Жанна Эбютерн. Родилась в Париже в апреле 1898 года. Умерла в Париже 25 января 1920. Верная спутница Амедео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним».

http://grandt.narod.ru/Modigliani.htm
http://www.museum-online.ru/Cubism/Amedeo_Modigliani
http://www.artdetail.ru/modigliani.php
http://smallbay.ru/modigliani.html
http://www.staratel.com/pictures/modigliani/main.htm
http://www.videposters.ru/vide/artysci/A-M-179-9-1-RU-RU/Amedeo-Modigliani.html
http://www.modigliani-amedeo.com/
http://www.artinvest2000.com/modigliani_amedeo.htm
http://www.modigliani-amedeo.com/HomeITA.htm
http://staratel.com/pictures/modigliani/main.htm
http://de.wikipedia.org/wiki/Amedeo_Modigliani
http://smallbay.ru/modigliani.html

 (385x599, 39Kb)
 (386x599, 17Kb)
392px-Modigliani2 (392x599, 21Kb)
 (408x600, 17Kb)
 (420x698, 41Kb)
 (483x699, 41Kb)
 (566x698, 75Kb)
 (699x451, 31Kb)
 (699x479, 30Kb)
 (699x454, 36Kb)
 (699x437, 26Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Воскресенье, 08 Июля 2007 г. 14:56 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1890 - родился Евгений Александрович Кацман (1890-1976), советский художник-портретист.

 (200x335, 19Kb) (250x296, 18Kb)

Окончил Училище живописи, ваяния и зодчества в Москве (1916). В своих произведениях запечатлел выдающихся деятелей Коммунистической партии, советских рабочих, писателей, ученых, художников. Он изобразил также новый, советский быт.

Кацман — автор портретов: Ф. Э. Дзержинского (1923), М. И. Калинина (1924), Е. М. Ярославского (1924), М. В. Фрунзе (1925), М. С. Ольминского (1927), С. М. Буденного (1928), К. Е. Ворошилова (1933), а также И. И. Бродского (1934), А. М. Панкратовой (1947) и др., портретов-картин — «Ходоки у Калинина» (1927), «Калязинские кружевницы» (1928), «Чтение Сталинской конституции» (1939).

Большое место в творчестве Кацмана занимают образы советских детей («Ленин и дети», 1940, «За чтением книги Б. Полевого "Повесть о настоящем человеке"», 1949, и др.).

Творческая манера исполнения Кацмана с течением времени изменялась. Несколько условная и подчеркнутая линейность, свойственная работам 1920-х гг., сменилась более живописной и жизненно-правдивой манерой, в чем нашло выражение углубление реалистического метода. От рисунка сангиной художник перешел к технике пастели.
Присущая ряду произведений Кацмана некоторая статичность изображенных фигур успешно преодолена художником в его лучших произведениях, отличающихся правдивостью образа, ясностью, четкостью и завершенностью художественной формы. Кацман был одним из основателей и секретарем АХРР.

Он сыграл (начиная с 1920-х гг.) значительную роль в борьбе с формализмом за правдивое отражение в советском искусстве революционной действительности.
Персональные выставки работ художника состоялись в Москве в 1935, 1947, 1950.

Став одним из главных "придворных" портретистов своего времени, он оставил и такой еще не востребованный летописью памятник эпохи, как дневниковые записи (фрагмент их смотрите http://www.whoiswho.ru/russian/Password/papers/10r/kacman/stf1.htm). В них не менее рельефно, чем в живописи и графике, воссозданы портреты известных государственных деятелей

http://cray.onego.ru/~solvio/gostinaya/albom/katsman/katsman_bio.html
http://www.whoiswho.ru/russian/Password/papers/10r/kacman/st1.htm
http://maslovka.info/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=77

 (270x270, 22Kb)
 (325x445, 21Kb)
 (350x417, 30Kb)
 (356x540, 31Kb)
 (369x525, 20Kb)
 (400x519, 27Kb)
 (190x450, 9Kb) (220x400, 14Kb)
 (432x615, 40Kb)
 (699x460, 53Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Суббота, 07 Июля 2007 г. 08:44 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1887 – родился Марк Шагал /Marc Chagall/ (1887 – 28.03.1985), живописец и график.

 (231x300, 12Kb)

Марк Захарович Шагал (урождённый Мойше Хацкелевич Шагалов) родился в еврейской семье в местечке Лиозново (Лиозно) близ Витебска, в черте оседлости Российской империи. «Отец мой с детских лет был приказчиком в складе сельдей», — писал сам художник в официальных документах. Красоту деревянно-резного Витебска тех времён великий живописец Репин сравнивал с Киевом и Нижним Новгородом. С 1900 по 1905 г. Шагал учился в Витебском четырехклассном училище. В Витебске художник знакомится со своей будущей женой, своей единственной музой — Беллой Розенфельд. Белла происходила из семьи богатых витебских ювелиров, посещала в Москве «Высшие женские курсы» профессора Герье (тема её диплома — Достоевский, Фёдор Михайлович).

В 1906 г. учился изобразительному искусству в художественной школе витебского живописца Ю. М. Пэна, затем переехал в Петербург (его отец Хацкель Мордух «швырнул под стол 27 рублей») и в течение двух сезонов занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, которую возглавлял Н. К. Рерих. В 1909—1911 г. Шагал продолжает занятия у Л. С. Бакста в частной художественной школе Е. Н. Званцевой. Учение у Бакста «не пошло»: Лев Самойлович выразился, что «…талантлив, но небрежен и идёт не той дорогой». Жил очень бедно, работал ретушёром. Но рисовал очень много, дни и ночи напролёт. В Петербурге написал свои знаменитые «Похороны» (с покойником, лежащим на тёмной улочке города) и «Рождение». Там же, в Петербурге, он нашёл своего первого настоящего почитателя, известного адвоката, депутата Думы Максима Моисеевича Винавера. Он приобрёл у Шагала две картины и дал ему небольшую стипендию для обучения в Париже. Шагал потом всю жизнь называл Винавера своим вторым отцом.

В 1911 г. на полученную стипендию едет в Париж, где продолжает учиться и знакомится с жившими во французской столице художниками и поэтами-авангардистами. Париж Шагал полюбил сразу и безотвратно, называя его «второй Витебск». Поселился в «общежитии» нищей богемы Монпарнаса — знаменитом двенадцатиугольном «Улье». Познакомился со всеми — Максом Жакобом, Гийомом Аполлинером, критиком Канудо, Блезом Сандраром. В работах этого периода уже чувствуется влияние Пикассо, Матисса и др., хотя уже тогда творчество Шагала носит печать яркой и неповторимой индивидуальности. Его работы начинают выставляться в Париже. В 1914 г. Шагалу устраивают песональную выставку в Берлине, но перед ней он решает съездить домой, в Витебск, на свадьбу сестры.

В 1914 г. Шагал возвращается в Витебск. Рассчитывал на три месяца, но остался на 10 лет: война, революция… 25 июля 1915 г. состоялась свадьба художника с Беллой. Она, дочь богатого ювелира, четыре года ждала «…какого-то художника». В своем дневнике Шагал запишет: «Ни одной работы не заканчиваю, пока не услышу её „да“ или „нет“.» Это было в нетопленной, промозглой Малаховке, в восьмую годовщину их свадьбы. У них выросла дочь Ида, впоследствии биограф и исследователь творчества Шагала.

В сентябре 1915 г. Шагал уезжает в Петербург (к тому времени переименованный в Петроград), поступает на службу в Военно-промышленный комитет. В 1916 г. Шагал вступает в Еврейское общество поощрения художеств, в 1917 г. с семьей возвращается в Витебск. После революции художника назначают уполномоченным комиссаром по делам искусств Витебской губернии.

В 1920 г. Шагал уезжает в Москву и по рекомендации А. М. Эфроса устраивается работать в Еврейский камерный театр.В 1921 г. художник работает преподавателем в подмосковной еврейской трудовой школе-колонии «III Интернационал» для беспризорников в Малаховке. И всё время рисует, день и ночь, и день и ночь напролёт.

В 1922 г. вместе с семьей уезжает сначала в Литву (в Каунасе проходит его выставка), а затем в Германию. Осенью 1923 г. по приглашению Амрауза Воллара семья Шагала уезжает в Париж.

В 1937 г. Шагал получает французское гражданство. В 1941 г. руководство Музея современного искусства в Нью-Йорке приглашает художника переселиться из контролируемой фашистами Франции в США, и летом 1941 г. семья Шагала приезжает в Нью-Йорк. В 1944 г. умирает жена художника, Белла.

Роман с Вирджинией Макнилл-Хаггард, дочерью бывшего британского консула в США, начался, когда Шагалу было 58 лет, Вирджинии — 30 с небольшим. У них родился сын Дэвид Макнилл.

В 1947 г. Шагал возвращается во Францию. В 1952 г. женится на «Ваве» — Валентине Бродской. Второй брак был счастливым, но музой оставалась только Белла, он до самой смерти отказывался говорить о ней, как об умершей. Шагал так и не нарисовал ни одного портрета Валентины, которая умерла в 1997 г.

В 1973 г. художник приезжает в СССР по приглашению советского министерства культуры. Посещает Москву и Ленинград, проводит выставку в Третьяковской галерее, дарит Третьяковке и Музею изобразительных искусств им. А. С. Пушкина свои работы, но в Витебск не едет, боится прошлого…

Шагал скончался 28 марта 1985 г. в прованском городе Сен-Поль-де-Вансе. Похоронен на местном кладбище. До конца жизни в его творчестве прослеживались «витебские» мотивы.Существует «Комитет Шагала», в состав которого входят четыре наследника Шагала. Полного каталога работ художника нет.

http://cgfa.dotsrc.org/chagall/index.html
http://shagal.org.ru/index.html
http://shop.mastak.by/simple_shop/shop.php?id_goods=464
http://starat.narod.ru/pictures/shagal/main.htm
http://w3.vitebsk.by/eng/vitebsk/chagall/chagall.html
http://w3.vitebsk.by/vitebsk/chagall/art_shagal.html
http://www.ais-aica.msk.ru/arhiv/knigi/k12.html
http://www.antiq.info/?id=1835
http://www.artcyclopedia.com/artists/chagall_marc.html
http://www.artdetail.ru/chagall.php
http://www.arteria.ru/16_01_2003_1.htm
http://www.artrussian.ru/criticism/shagal-mark/level11.html
http://www.benzion.ru/main.php?topic=art&page=chagall
http://www.chagall.fr/
http://www.chagall.vitebsk.by/
http://www.chagall.vitebsk.by/enacenter.html
http://www.chagall.vitebsk.by/index.html
http://www.chagall.vitebsk.by/publish/phenomenon.html
http://www.famousartistsgallery.com/gallery/chagall-fc.html
http://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=3759
http://www.historic.h15.ru/data/1005706A.htm
http://www.istok.ru/jews-n-world/Chagall/Windows.shtml
http://www.lesliesacks.com/gallery/artistPages/chagall/chagall.htm
http://www.mavica.ru/lite/rus/18127.html
http://www.mavicanet.com/directory/rus/18127.html
http://www.mavicanet.com/lite/fra/18127.html
http://www.migdal.ru/article.php?artid=1780
http://www.musee-chagall.fr/
http://www.peoples.ru/art/painter/chagall/
http://www.rg.ru/Anons/arc_2001/0301/5.shtm
http://www.svistok.ru/users/druida/favorits/23/txt/344031/comments/1/txt/9156713.html
http://www.videposters.ru/vide/artysci/archiwum_ch...html__jezyk_id--RU,kraj_id--RU

 (314x573, 22Kb)
 (328x699, 33Kb)
 (482x698, 43Kb)
 (494x699, 60Kb)
 (525x557, 47Kb)
 (542x700, 25Kb)
 (542x700, 20Kb)
 (558x699, 62Kb)
 (559x423, 20Kb)
 (565x650, 25Kb)
 (583x700, 42Kb)
 (699x331, 39Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Пятница, 06 Июля 2007 г. 11:24 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1907 - родилась Фрида КАЛО /Frida KAHLO/ (1907 - 13.7.1954), мексиканская художница, мастер сюрреализма.

 (366x480, 30Kb)

Фрида Кало родилась в семье немецкого еврея и испанки американского происхождения. В 6 лет перенесла полиомиелит, после болезни на всю жизнь осталась хромота, а её правая нога стала тоньше левой (что Кало всю жизнь скрывала под длинными юбками). Столь ранний опыт борьбы за право полноценной жизни закалил характер Фриды.

В 15 лет она поступила в «Препараторию» (Национальную подготовительную школу) с целью изучать медицину. Из 2000 учащихся в этой школе было всего 35 девушек. Фрида сразу же заработала авторитет, создав с восемью другими учащимися закрытую группу «Качучас». Ее поведение часто называли эпатажным.
В Препаратории произошла ее первая встреча с будущим мужем, известным мексиканским художником Диего Риверой, с 1921 по 1923 работавшим в Подготовительной школе над росписью «Созидание».

В 18 лет Фрида попала в тяжелую аварию, повреждения от которой включали перелом позвоночника, перелом ключицы, сломанные рёбра, сломанный таз, одинадцать переломов в её правой ноге, раздробленную и вывихнутую правую стопу, вывихнутое плечо. Кроме того, её живот и матка были проколоты металлическим перилом, что серьёзно повредило её репродуктивную функцию. Она год была прикована к кровати, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Впоследствии Фриде пришлось перенести несколько десятков операций, месяцами не выходя из больниц. Она, несмотря на горячее желание, так и не смогла стать матерью.

Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Для Фриды сделали специальный подрамник, позволявший писать лежа. Под балдахином кровати прикрепили большое зеркало, чтобы она могла видеть себя. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

В 1929 Фрида Кало стала женой Диего Риверы. Сближало двух художников не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. В 1930-х гг. Фрида какое-то время жила в США, где работал муж. Это вынужденное долгое прибывание за границей, в развитой индустриальной стране, заставило художницу острее чувствовать национальные различия.

С тех пор Фрида с особенной любовью относилась к народной мексиканской культуре, коллекционировала старинные произведения прикладного искусства, даже в повседневной жизни носила национальные костюмы.

Поездка в Париж в 1939, где Фрида стала сенсацией тематической выставки мексиканского искусства (одна из ее картин была даже приобретена Лувром), еще сильнее развила патриотическое чувство.

В 1937 году в доме Диего и Фриды ненадолго нашел убежище советский революционный деятель Лев Троцкий. Считается, что уехать от них его вынудило слишком явное увлечение темпераментной мексиканкой.

В 1940-е гг. картины Фриды появляются на нескольких заметных выставках. Специалисты полагают, что 1940-е — это эпоха расцвета художницы, время её самых интересных и зрелых работ.

В то же время обостряются ее проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют ее душевное состояние, что ярко отражается в Дневнике, ставшем культовым среди ее поклонников.

В 1952-м ей ампутировали до колена правую ногу. В 1953 году проходит первая персональная выставка Фриды Кало. Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми чувственными губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой.

Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. Фрида Кало блестяще знала историю своей родины. Множество подлинных памятников древней культуры, которые Диего и Фрида собирали всю жизнь, находится в саду "Голубого дома" (дома-музея).

Фрида Кало умерла от воспаления легких, через неделю после того, как отметила свое 47-летие, 13 июля 1954 года. Прощание с Фридой Кало проходило в "Бельяс Артес" — Дворце изящных искусств. В последний путь Фриду вместе с Диего Риверой провожали президент Мексики Ласаро Карденас, известные художники, писатели — Сикейрос, Эмма Уртадо, Виктор Мануэль Вильясеньор.

С 1955 «Голубой дом» Фриды Кало стал музеем ее памяти.

В работах Фриды Кало очень сильно влияние народного мексиканского искусства, культуры доколумбовых цивилизаций Америки. Ее творчество насыщено символами и фетишами. Однако в нем заметно и влияние европейской живописи — в ранних работах отчетливо проявилась увлеченность Фриды, например, Боттичелли.

Несмотря на полную боли и страданий жизнь, Фрида Кало имела живую и раскрепощённую экстравесивную натуру, чья ежедневная речь была усеянна сквернословиями. Будучи томбоем (девушкой-сорванцом) в юности, она не лишилась своего пыла в поздние годы. Кало изрядно курила, в избытке употребляла спиртные напитки (особенно текилу), открыто была бисексуалкой, пела непристойные песни и рассказывала гостям своих диких вечеринок столь же неприличные шутки.

В 2003 году выставка работ Фриды Кало и ее фотографий прошла в Москве.
Картина «Корни» выставлялась в 2005 году в лондонской галерее «Tate», а персональная выставка Кало в этом музее стала одной из самых удачных в истории галереи — её посетили около 370 тысяч человек.

В начале 2006 года автопортрет Фриды «Корни» («Raices») оценён экспертами Sotheby’s в 7 миллионов долларов. Картина была написана художницей маслом по листу металла в 1943 году (после повторного брака с Диего Риверой). Рекордом стоимости картин Кало остается ещё один автопортрет 1929 года, проданный в 2000 году за 4,9 млн. долларов.

http://en.wikipedia.org/wiki/Frida_Kahlo
http://www.fridakahlo.it/
http://www.fbuch.com/fridaby.htm
http://www.artcyclopedia.com/artists/kahlo_frida.html
http://dancelessons.narod.ru/frida-bio.html
http://magazine.antiq.info/images/offices/antiq/12_56.pdf
http://magazines.russ.ru/inostran/2000/9/leklez.html
http://smallbay.ru/kahlo.html
http://www.egoart.ru/art.bok?life=News&file=article&sid=83
http://www.hitvideo.ru/dpsp/video/!go?guid=&id_=8120&review_id=1758
http://www.mixei.ru/showthread.php?p=946101
http://www.peoples.ru/love/kahlo-rivera/
http://www.postershop.ru/catalog/art/1869/
http://www.screen.ru/school/english/KAHLO/index.htm
http://www.staratel.com/pictures/frida/pic4.htm
http://www.svistok.ru/users/druida/favorits/23/txt/9156713.html

 (335x500, 22Kb)
 (362x555, 29Kb)
 (367x567, 26Kb)
 (400x260, 23Kb)
 (400x318, 31Kb)
 (411x492, 22Kb)
 (425x570, 24Kb)
 (432x542, 20Kb)
 (435x559, 30Kb)
 (450x600, 31Kb)
 (461x581, 25Kb)
 (527x699, 41Kb)
 (610x600, 31Kb)
 (650x540, 35Kb)
 (698x323, 41Kb)
 (699x421, 51Kb)
 (699x601, 61Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Четверг, 28 Июня 2007 г. 13:28 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1924 - родился Вадим СИДУР (28.06.1924 - 26.6.1986), российский художник и скульптор, поэт и философ.

 (295x447, 24Kb)

Вадим Сидур родился в Днепропетровске. Девятиклассником он рвется на фронт, до этого успев поработать в Кубанском колхозе и токарем на одном из заводов в Душанбе. Наконец, в 1942 году, становится курсантом Первого пулеметного туркестанского училища. Получив звание младшего лейтенанта, Сидур воевал на 3-м Украинском фронте. «Когда, - писал он позднее, - я дошел до своего родного города и своей улицы, то уже от угла увидел, что от дома, где я родился и вырос, не осталось ничего. Только печная труба торчала, как новаторский памятник моему детству... Потом я был убит на войне. Но произошло чудо воскрешения, и я остался жить».

Под Кривым Рогом Сидур был ранен. Пуля немецкого снайпера попала чуть ниже левого глаза и виска, раздробила и выбила все изо рта, почти отсекла корень языка и разорвалась в углу нижней челюсти, образовав большую дыру... Лейтенант остался умирать на поле боя под селом Лативка. И умер бы, если бы 18-летняя сельская девушка Саша Крюкова и ее мама не перетащили его и других раненых в свою хату и не выходили их там. Захлебываясь кровью, Сидур даже стонать не мог - только мычал... Когда Саша вымыла и перевязала его, он жестами попросил бумагу и карандаш и написал свое имя и фамилию.

Промывая раненому загноившийся рот и горло, Саша кормила его молоком и давала отвар лечебных трав... из пипетки. А через две недели, завернув Вадима в свой кожух, отправила его на подводе с санитарами в госпиталь. Кстати, в годы оккупации Саша Крюкова и ее мать спасли и нескольких обреченных евреев, за что получили звание Праведников мира.

Довольно долго Сидур пребывал между жизнью и смертью в многочисленных госпиталях для «челюстных». Последнюю операцию ему сделали в ЦИТО, где изготавливали искусственные лица тем, кто в прямом смысле потерял свое лицо на войне. В 19 лет Вадим стал инвалидом I I группы, кавалером орденов Отечественной войны 1-й и 2-й степени, а также нескольких боевых медалей.

Рисовал и лепил Сидур с детства, но мечтал стать врачом. Год проучившись в Душанбинском мединституте, он понял, что к страданиям людей не сможет привыкнуть никогда: в его памяти жили те, с кем свела его судьба в госпиталях, чьи муки, казалось, были непереносимы. Так на свет появилась скульптура «Раненый»; в голове из комка бинтов обнажена только щель рта...

В 21 год Сидур уезжает в Москву, переносит там очередную тяжелую операцию и поступает в Строгановское художественное училище. Спал он на стопах в аудиториях: общежитие было переполнено. Наконец, «счастье» улыбнулось юноше: в комнате общежития, где жили восемь человек и семья с ребенком, где до потолка можно было достать рукой, не поднимаясь с кровати, - освободилась койка! В ней будущий великий ваятель прожил целых 12 лет!

Когда в 1957 году Сидура приняли в Союз художников, он получил мастерскую. Здесь, в подвале жилого дома на Комсомольском проспекте столицы, он проработал 30 лет. Здесь восхищались его работами В. Шукшин и Ю. Трифонов, Г. Белль,А. Твардовский, Б. Окуджава, Т. Гуэрра, Ф. Искандер, М. Рощин, академики И. Тамм, Е. Велихов, В. Гинзбург, Д. Бардин (дважды лауреат Нобелевской премии), режиссеры Э. Климов, М. Форман и многие другие выдающиеся люди мира.

Наверное, иначе и не могло быть, ибо Вадим Сидур, стараясь выразить свои чувства наиболее сильно, обнажал душу. «Лично для меня, - писал художник, - формальное новаторство никогда не было главной целью. Но я всегда старался говорить на языке своего времени».

Был Сидур сказочно богат духовно, бескорыстен и щедр. Десять антивоенных монументов - «Памятник погибшим от насилия», «Памятник погибшим от бомб», «Треблинку» и др. - подарил он жителям Европы и Америки. Бесплатно он готов был отдать свои гениальные творения любому отечественному музею. Но - не брали! За 30 лет у него не было ни одной выставки, издательства отказывали ему даже в оформительских работах. А когда Сидур сделал иллюстрации к сборнику стихов Юнны Мориц, поэтессе заявили: «Сидур у нас не пройдет! Ищите другого художника, или ваша книга выйдет без иллюстраций». И книга вышла без иллюстраций...

«Чуждый взгляд», «чуждый язык», «чуждый мир», «чуждый Сидур» - заявляла официальная критика. Но Мастер, уже перенесший два инфаркта, продолжал самоотверженно, самозабвенно творить в своем сыром подвале. Однажды, когда вода из трубы заливала скульптуры, пришел сантехник. Ликвидировав течь, этот простой человек снял шапку перед скульптором и его творениями. Чувства всех, кто так или иначе соприкасался с творчеством Вадима Абрамовича, точнее других выразил, наверное, Беккет: «Потрясающая скульптура, мощное и волнующее произведение, немота гнева и сострадания...»

Мог ли быть счастлив человек, оказавшийся на перекрестке яростных столкновений восторга и признания, с одной стороны, и полного непонимания - с другой? Сидур не только мог, - он был счастлив! После воскрешения в Лативке судьба послала ему еще одно чудо, - всепоглощающую, единственную любовь. Жена Юля была его главным подмастерьем, пильщиком и шлифовщиком, главным другом и самой надежной опорой. Когда у Вадима Абрамовича нестерпимо болело сердце и он не мог рисовать или лепить, - сочинялась книга стихов «Самая счастливая осень»:

Мы оба ходим по воду
К голубенькому колодцу.
Юля крутит ворот, - я стою рядом.
Юля тащит ведро, - я иду рядом.
Морально ей помогаю...

Это Юля отыскала спасительницу мужа Сашу Крюкову, переписывалась с ней и помогала в нелегкой колхозной жизни.

А когда 26 июня 1986 года Вадим Сидур скончался от третьего инфаркта, именно Юля завершила все его неоконченные работы.

19 мая 1987 года в Комитете защиты мира в Москве открылась выставка скульптурных произведений Мастера. Среди 24 работ была знаменитая «Голова Эйнштейна», «Инвалид», «Формула скорби», «Пулеметчик», «Семья» и неповторимый шедевр ваяния - «Взывающий»: из обезглавленной стройной плоти рвется крик немого отчаяния, мольба о спасении, воззвание духа! Скульптуре предпосылались стихи ее творца, очень похожие на эпитафию самому себе:

Я раздавлен
Непомерной тяжестью
Ответственности,
Никем на меня не возложенной...

http://www.sidur.ru/
http://www.geocities.com/svr_2000svr_us/glbrg/glb-5.html
http://www.zn.ua/3000/3150/11084/
http://www.lechaim.ru/ARHIV/147/haritonov.htm
http://www.tvkultura.ru/news.html?id=5514&cid=2084
http://www.moscow-city.ru/museums/museum.phtml?object_num=13217
http://www.ijc.ru/vern34.html
http://obschina.narod.ru/stat/Sidur.htm
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/ar...21&rubric_id=205&pub_id=148530

 (340x584, 29Kb)
 (340x540, 38Kb)
 (350x603, 47Kb)
 (350x522, 45Kb) (380x460, 18Kb)
 (381x460, 12Kb)
 (189x250, 6Kb) (189x296, 17Kb)
 (400x590, 35Kb)
 (430x491, 43Kb)
 (500x482, 28Kb)
 (500x425, 29Kb)
 (500x429, 30Kb)
 (640x440, 27Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

Интервью Натали Портман на иврите

Дневник

Четверг, 21 Июня 2007 г. 22:30 + в цитатник
Рубрики:  Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Среда, 20 Июня 2007 г. 13:48 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1847- родился Макс ЛИБЕРМАН /Max Liebermann/ (1847–08.02.1935), немецкий живописец и график.

 (481x599, 23Kb)

Сын еврейского бизнесмена из Берлина. Изучал философию и право в Берлине в 1866–1868 гг.

В 1868 году, вопреки воле родителей, покинул родной дом и отправился в Веймар в Художественную школу изучать живопись, затем на пять лет во Францию, пожив в Париже и посетив деревню Барбизон. Здесь он познакомился с творчеством представителей знаменитой барбизонской школы (Т. Руссо, Ж. Дюпре, К.Тройон и др.). Помимо всего прочего, сюда его привела любовь к творчеству французских живописцев-реалистов Гюстава Курбе и Жан Франсуа Милле. Потом было шестилетнее пребывание в Мюнхене. Но более всего, по собственному признанию художника, его влекло в соседнюю Голландию, которую Либерман считал "родиной живописи" и которую посещал затем ежегодно в течение последующих сорока с лишним лет.

Под влиянием живописи Курбе, Милле и Франса Халса Либерман стал основателем и самым заметным представителем немецкого импрессионизма. Начав выставляться в 70-е годы XIX века, Либерман в своем творчестве решительно отказался от академической косности тех лет, обратившись к негромким, без ложной патетики темам и сюжетам, то есть к сценам из жизни обыкновенного человека.

За образец для себя он взял изображение пейзажей и будничных народных сцен во французском искусстве. Однако в противоположность французской живописи, отображавшей в основном сцены, происходившие непосредственно на пленэре, палитра Либермана в течение тех лет оставалась еще темной, его картины рождались исключительно в ателье, а не под открытым небом. Его привлекали жанровые сцены, которые он писал вначале в приглушенных тонах (это еще не было непосредственное влияние французского искусства, которое вызвало у Либермана желание проститься с тяжелыми цветами его палитры), а затем в свежих насыщенных тонах, уделяя внимание свету и движению (окончательно подвиг его к этому не Париж, а Амстердам).

По мнению Густава Паули, одного из самых серьезных исследователей современного искусства, "картины, изображающие сцены на морском берегу, например, такие, как "Мальчики после купания" (1904), стали апогеем творчества этого художника, так как в них отчетливее всего было видно влияние французских импрессионистов. Такие картины, как "На пляже Нордвийк" (1908), "Игрок в поло" (1907) или знаменитый "Продавец попугаев" (1902), также показывают интерес Либермана к французской манере наносить мазки краски плотно один к другому, чтобы тем самым выразить свет и атмосферу изображаемого".

Будучи противником официального искусства, Либерман в 1899 основал Берлинский Сецессион и был избран его президентом. После прихода к власти нацистов в 1933 году Макс Либерман, не дожидаясь грозившего ему неминуемого увольнения, объявил на заседании почетного президиума Прусской академии искусств о своем уходе с поста президента. Совсем еще недавно знаменитый и широко востребованный обществом деятель искусства был мгновенно запрещен нацистской властью, а его произведения изъяты из музеев. Последние годы художник провел в уединении. Умер Либерман 8 февраля 1935.

В сегодняшней Германии этого художника, умершего почти семь десятков лет назад, по-прежнему почитают. По крайней мере, ни одна крупная выставка немецкой живописи и графики не обходится без нескольких его работ. Сегодня Макс Либерман считается в Германии одним из основателей немецкого импрессионизма. Многие критики главную его заслугу видят в том, что он сначала открыл для Германии новаторские поиски французских реалистов (Г.Курбе и Ж.-Ф.Милле), но, прежде всего - импрессионистов (в частности, Клода Моне) и одновременно связал их в своем творчестве с позднеромантическими начинаниями Карла Блехена или Адольфа Менцеля. Либерман, по мнению искусствоведов, ввел в искусство живописи понятие "непатетическая деловитость".

http://artboom.ru/modules/shop/producer_193.html
http://berkovich-zametki.com/Nomer41/Kroshin1.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/Max_Liebermann
http://www.artcyclopedia.com/artists/liebermann_max.html
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=514&rubric_id=209
http://www.ludorff.com/ap/liebermann/liebermann.html

 (334x500, 21Kb)
 (366x450, 14Kb)
 (477x600, 42Kb)
 (484x599, 20Kb)
 (497x599, 21Kb)
 (500x365, 22Kb)
 (500x370, 28Kb)
 (500x362, 29Kb)
 (576x450, 39Kb)
 (600x446, 20Kb)
 (647x450, 43Kb)
lieb_0016m (666x450, 21Kb)
 (699x438, 26Kb)
 (699x572, 48Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Пятница, 15 Июня 2007 г. 07:18 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)

1914 – родился Cол Стейнберг (Саул Якобсон) /Saul Steinberg/ (1914–12.05.1999), американский художник, мастер карикатуры, придавший ей статус авангардистского искусства.

 (300x300, 9Kb)
 (500x387, 17Kb)

Родился в городе Рымнику-Сэрат (Румыния). Изучал социологию и психологию в Бухарестском университете (с 1932) и архитектуру в миланском Политехническом институте (1933–1940); в Италии же опубликовал первые свои карикатуры (в миланском журнале «Бертольдо», 1936). Подписывал их псевдонимом «Стейнберг». В 1942 г., после введения антисемитских законов в фашистской Италии, переехал в США, обосновавшись в Нью-Йорке.

Участник Второй мировой войны, в 1946 г. присутствовал на Нюрнбергском трибунале, посылая корреспонденции о нем в журнал «Нью-Йоркер» («New-Yorker»; впоследствии чаще всего помещал свою графику именно в этом издании). В 1945 г. опубликовал первый свой альбом «Все в линию» («All in line»).
Много путешествовал, в 1956 г.посетил СССР, создав цикл добродушно-иронических рисунков о разных республиках.

Уже в 1940-е годы – начале 1950-х годов вышел за рамки обычной масс-медиальной публицистики, экспонируя свои вещи в престижных авангардных музеях и галереях (нью-йоркские Музей современного искусства, галерея С.Джэнис, парижская галерея Мэг и др.). Подчеркивая, что его произведения (первоначально это были исключительно рисунки пером и карандашом) лишь «замаскированы под карикатуры», Стейнберг достиг особой, прихотливо-капризной свободы линии, – она у него как бы сама собою начинает творить росчерки и виньетки, из которых складываются фигуры и пейзажи, составившие со временем пародийно-юмористическую панораму американского «общества потребления». Монументальным вариантом этой панорамы стало настенное панно Стейнберга, украсившее павильон США на Всемирной выставке в Брюсселе (1958).

Позднее, наряду с журнально-альбомной графикой, все активнее занимался и станково-выставочным творчеством, воспроизводя свои излюбленные мотивы (стандартные «герои» и «героини» масс-культа, маски, лабиринты города, пейзажи реальных и воображаемых странствий, модные интерьеры с ожившими безделушками) в виде акварелей, рисунков фломастером и картин маслом. Оказав воздействие на зарождение поп-арта, сам в свою очередь прибегал с 1970-х годов к поп-артистским приемам, используя техники коллажа, а также трехмерных ассамбляжа и инсталляции (серия "Столы", 1970-е годы).

Среди его наиболее значительных альбомов (помимо «All in Line») – «Искусство жить» («The Art of Living», 1949), «Лабиринт» («The Labyrinth», 1959), «Каталог» («The Catalogue», 1962), «Новый Свет» («The New World», 1965), «Маска» («Le Masque», 1966).

http://en.wikipedia.org/wiki/Saul_Steinberg
http://www.saulsteinbergfoundation.org/index.html
http://www.artcyclopedia.com/artists/steinberg_saul.html
http://www.krugosvet.ru/articles/97/1009795/1009795a1.htm
http://www.peoples.ru/art/painter/steinberg/index.html

 (308x500, 12Kb)
 (441x500, 21Kb)
 (480x605, 19Kb)
 (488x699, 55Kb)
 (160x216, 8Kb) (160x226, 8Kb) (160x216, 10Kb)
 (500x254, 15Kb)
 (500x388, 33Kb)
 (500x298, 19Kb)
 (555x699, 52Kb)
 (699x525, 68Kb)
 (699x478, 50Kb)
 (699x437, 41Kb)
 (699x540, 82Kb)
 (699x482, 60Kb)
 (699x493, 73Kb)
 (699x596, 38Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Суббота, 09 Июня 2007 г. 09:50 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (200x200, 15Kb)
1914 - родился Степан Иудович (Ильич) Дудник (1913-1996), художник

 (295x295, 21Kb)

Родился в 1914 году в Феодосии, родителей своих не помнит, беспризорничал, в 1920 году, после освобождения Крыма от Врангеля, воспитывался в детском доме, оттуда сбежал.

В шестнадцать лет Степан попал на строительство Беломорско-Балтийского канала, работал в глухой карельской тайге. Там он начал рисовать для стенгазеты. В 1934 году Дудник поступил в Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова. В 1943 году окончил институт с отличием и был оставлен в аспирантуре. Его дипломная работа - историческое полотно "Штаб революции в Смольном" сделала бы честь и опытному, зрелому мастеру.

В послевоенные годы вместе с художниками В.Ефановым, Ю.Кугачем, К.Максимовым, В.Цыплаковым Дудником были написаны картины "Передовые люди Москвы в Кремле", "Вручение ордена Ленина Москве в честь 800-летия", "Заседание президиума Академии наук СССР". В 50-60-е годы, как и многие художники в это время. Дудник много путешествует по различным областям страны - Алтай, Средняя Азия, Новокузнецк, Кемерово. Из этих путешествий он привозил много работ - сельские и урбанистические пейзажи, портреты рабочих и колхозников.

В эти годы практиковалась работа портретными сериями - портреты ученых, тружеников села, рабочих. В 1954-1955 годах Степан Ильич создает большой цикл портретов алтайских колхозников.). В 60-е годы в творчестве художника все сильнее начинает проявляться декоративное начало.Особенно ярко оно проявилось в его натюрмортах, которые художник много пишет в 60-е и в 70-80-е годы.

Общий романтически-эмоциональный настрой свойствен и всем жанровым работам художника. Дудник - художник-романтик, это видно и по ранним его работам, и по работам 70-80-х годов. Картина "Комсомольцы 20-х годов" (1972) посвящена суровому времени разрухи, голода, борьбы на фронтах гражданской войны.

Песней, поэтическим символом, посвященным Великой Отечественной войне, звучит триптих "Вечный огонь" (1975). На протяжении 80-х годов художником был создан ряд полотен, в которых ощущается тенденция к монументализации образа. Таковы триптихи "Люди Магнитогорска", "Октябрь" (оба 1980), "Парламентеры мира", "Парад Победы" (оба 1986). В 70-е годы, в целом весьма плодотворные для художника, им было создано много жанровых полотен ("Ткачихи", "Яблони", "Ковровщицы"), в которых декоративность и поэтическое начало - творческий принцип живописца.

Еще одна область живописи, где Дудник создал много интересных работ - этот пейзаж. Глядя на его изображение Генуэзской крепости в Судаке, вспоминаешь все прекрасные легенды Крыма, посвященные этому месту. А пейзаж "Древняя земля" (1973) - это рассказ о красоте владимирского края. На нем изображен один из самых удивительных памятников древнерусского зодчества церковь Покрова на Нерли. Степан Ильич Дудник всегда принимает участие в художественной жизни страны, экспонирует свои работы на всех крупных выставках. Его своеобразное творчество раскрывается все новыми гранями таланта, художник не останавливается на месте, продолжает поиски новых выразительных средств. Во всех живописных жанрах - в портрете, натюрморте, пейзаже, в картинах на историческую тему, в жанровых полотнах - он создал интересные, запоминающиеся работы.

http://maslovka.info/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=130
http://www.hrono.ru/biograf/dudnik.html
http://www.canvas.com.ua/?page=oldp&painter=813&letter=4
http://www.sgu.ru/rus_hist/authors/?aid=642

 (375x259, 29Kb)
 (375x299, 28Kb)
 (375x435, 19Kb)
 (375x481, 28Kb)
 (375x495, 28Kb)
 (375x522, 33Kb)
 (375x532, 40Kb)
 (375x556, 19Kb)
 (375x438, 27Kb)
 (375x484, 25Kb)
 (375x502, 21Kb)
 (385x480, 19Kb)
 (699x481, 47Kb)
 (451x590, 25Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Вторник, 05 Июня 2007 г. 12:37 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора 23047616_l3 2 (150x150, 7Kb)

1894 г. - в г. Кременчуге родился Мане (Иммануил) Лазаревич (Лейзерович) Мане-Кац /Immanuil Mane-Katz (Katz)/ (1894-1962), живописец.

 (452x541, 15Kb)

Мане-Кац был сыном многодетного служки одной из кременчугских синагог. Талантливый юноша уже в 17-летнем возрасте поступил на учебу в Киевское художественное училище, которое тогда располагалось в специально построенном здании на Бульварно-Кудрявской улице и находилось в ведении Санкт-Петербургской Академии художеств. В этом училище на отделении живописи и архитектуры преподавали Ф.Кричевский, Г.Дядченко, Ф.Красицкий, Ф.Балавенский, а также А.Мурашко, который в свое время учился в Санкт-Петербурге в Академии художеств у Ильи Репина и в Мюнхене у А.Ажбе. Кстати, его брат, Николай Мурашко, украинский живописец и педагог оставил потомкам интереснейшую мемуарную книгу "Воспоминания Старого учителя", переизданную в 1964 году в Киеве. Он автор таких известных картин, как "Над Днепром", "Осень", портрет художника Н.Ге, "Мотив окраин Киева".

Воспитанниками Киевского художественного училища, кроме кременчужанина Иммануила Каца, были знаменитые впоследствии мастера искусств А.Архипенко (умер в США) и Иван Кавалеридзе (похоронен на Байковом кладбище).
В 1913 году Иммануил Кац уехал в Париж, где около года учился в Школе изящных искусств у Ф.Кормона, а также копировал картины из коллекций парижского Лувра и других французских музеев. Художественное образование нарушила Первая мировая война. Мане-Кац, друживший тогда в Париже с Марком Шагалом и Х.Сутиным, в силу патриотизма попытался вступить во французский Иностранный легион. Но не был принят туда из-за своего маленького роста (150 см). Не был он принят и в российскую армию. Некоторое время жил и работал в Петрограде, затем переехал в Харьков, где стал заметной фигурой местного авангарда.

В 1919 году его персональные выставки прошли в Харькове, Тифлисе, Ростове-на-Дону. С 1921 года художник работает в Париже, где на Всемирной выставке в 1937 году получает Золотую медаль за картину "У Западной стены". Во время Второй мировой войны бывший кременчужанин все-таки вступает во французскую армию, но попадает в плен, откуда бежал и добрался до Америки. В 1945 году он опять вернулся в мировую столицу искусства - Париж, откуда часто выезжал с персональными выставками в Нью-Йорк, Монреаль, Тель-Авив, Брюссель, Йоганнесбург (ЮАР), Буэнос-Айрес, Страсбург, Лондон, Мехико, Женеву.

В Израиле, в городе Хайфе, Мане-Кацем был основан музей его имени, куда он незадолго до своей смерти передал много своих работ, а также собственные художественные коллекции.

Хайфа - это красивейший портовый город, основанный в XI веке, в римскую эпоху, крестоносцами. Он широко раскинулся по склонам знаменитой библейской горы Кармель, что в переводе обозначает "Виноградник Божий". В Хайфе есть единственный в Израиле метрополитен с 6 станциями, построенный в 1959 году. В этом городе находится музей истории древнего мира (в нем экспонируются находки археологических изысканий в пещерах Кармеля), есть музей японского народного искусства, музей музыки, городской музей Хайфы, национальный Морской музей, знаменитая пещера Ильи Пророка, где он жил на горе Кармель и откуда, по преданию, вознесся на небо.

На улице Яффе-Ноф в доме №89 размещается музей имени уроженца Кременчуга Иммануила Каца (Мане-Каца). В картинах "Мечтатель" (1923), "Урок Талмуда" (1925), "Благоговение" (1927), "Экстаз" (1936), "Раввины" (1942) Иммануил Кац стремился передать быт и фольклор кременчугского еврейства, в них старался выразить скрытое за суетой местечковой жизни страстное стремление к вечному источнику истины и добра.

Многие его произведения передают специфически хасидское мироощущение - "Бадхан" (1932), "Свадьба", "Симхат-Тора", многочисленные "Му-зыканты-клейзмеры" (1929-59 гг.). Теме одиночества и интимного общения с Богом посвящены "Человек в городе" (автопортрет), "Талмуд-хахам", "Уединение", "Самоуглубление". Впечатления от Палестины выражены в картинах "Ориентальное", "Пейзаж в Палестине", "Субботняя прогулка в Иерусалиме", "У Западной стены", а библейские сюжеты - в картинах "Сон Иакова", "Давид и Голиаф", "Авраам и ангелы". Воспоминаниями о Кременчуге, Украине и России навеяны "Желтая луна", "Осень", "Зима", "Лошади", "Белое и черное".

В Украине и, само собой, в Кременчуге о творчестве Мане-Каца мало кто знает. Работ его в украинских музеях нет. Великолепная его картина "Раввин со свитком Торы", написанная маслом на холсте в 1960 году, хранится в коллекции О.Геза в Женеве.- На. картине изображены пожилой раввин (Мане-Кац в 66 лет на момент написания картины) и маленький лучезарный мальчик (Мане-Кац периода своего кременчугского детства).

Вспомним, что одна из персональных выставок Иммануила Каца когда-то проходила в Южно-Африканской Республике в городе Йоганнесбурге. Житель этого города, коллекционер Николас Геддес, как рассказывает один из сайтов Интернета, в ноябре 2001 года на одном из местных аукционов приобрел за 60 долларов картину со странным названием "Много кошек". В то время эту картину выставили на продажу как полотно неизвестного художника. Южноафриканский коллекционер из Йоганнесбурга после приобретения картины занялся поиском ее автора, что в 2004 году принесло удивительное открытие: "Много кошек" принадлежит кисти прославленного живописца Мане-Каца (Иммануила Каца из Кременчуга). В названии картины, между прочим, отмечен юмор художника: в английском произношении название картины и фамилия художника едва ли не созвучны (Мане Кац, Many Cats ("Много кошек"). Николас Геддес в 2004 году отправляет картину из своей коллекции для официальной оценки признанному канадскому эксперту Эллиотту. Тот называет ее стоимость - более 60 тысяч долларов США, В январе 2006 года в свет вышел очередной индекс-каталог парижского Лувра. Следуя изложенным в нем принципам оценки художественных произведений, канадский эксперт картину повторно оценивает уже в 175 тысяч американских долларов.

По словам коллекционера из ЮАР, он с радостью продаст картину, если кто-то предложит достойную цену: "До этих пор я буду хранить ее в надежном сейфе, но ей место в музее, поскольку это подлинный шедевр". Кто из кременчугских меценатов-коллекционеров сможет приобрести для родного города картину Иммануила Каца (Мане-Каца) - уроженца Кременчуга? Наверное, никто!

http://www.mede-gallery.com/katz.html
http://www.jewishartnetwork.com/JewishArt/o_mane-katz.asp
http://www.theo-zimmerman.freeserve.co.uk/katz.htm
http://www.artnet.com/Galleries/Artists_detail.asp?gid=68&aid=9284
http://en.wikipedia.org/wiki/Mane-Katz
http://nabat.al.ru/2006/gkg144.htm#N21
http://www.askart.com/askart/k/mane_katz/mane_katz.aspx

 (315x400, 19Kb)
 (323x400, 21Kb)
 (346x283, 26Kb)
 (382x480, 37Kb)
 (389x480, 20Kb)
 (400x288, 20Kb)
 (400x329, 28Kb)
 (400x334, 27Kb)
 (400x347, 33Kb)
 (224x480, 12Kb) (258x499, 11Kb)
 (258x423, 9Kb) (258x471, 11Kb)
 (600x480, 26Kb)
 (628x480, 33Kb)
 (640x457, 33Kb)
 (650x491, 29Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Воскресенье, 03 Июня 2007 г. 14:28 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (150x150, 7Kb)

1894 – родился Артур Шик /Arthur Szyk/ (1894 – 13.09.1951), всемирно известный американский художник-иллюстратор и карикатурист еврейского происхождения

 (400x400, 28Kb)

Родился в польском городе Лодзь, который в то время относился к Российской империи. Учился в Париже и Кракове.

В 1914 году посетил Палестину с молодыми польскими художниками и писателями.

Во время Первой мировой войны принадлежал к кружку еврейских экспрессионистов и националистов. После войны переехал в Париж, где изучал живопись и иллюстрировал книги, затем приехал в Лондон, где жил и творил до начала Второй мировой войны. В эти годы Шик переселился в Нью-Йорк.

Артур Шик выступал против коммунистического режима в Польше, боролся за освобождение своей родины; художественными средствами боролся с фашизмом; поддерживал движение сионистов; в своем творчестве обличал антисемитизм, который набирал силу в Европе.

Адольф Гитлер установил цену за голову Артура Шика. Американская пресса назвала Шика "один человек - армия против фашизма". Лондонская "Таймс" назвала его художественные работы одними из самых красивых, когда либо созданных рукой человека"..

http://www.szyk.org/artist.html
http://www.ushmm.org/museum/exhibit/online/szyk/
http://www.szyk.com/
http://www.loc.gov/rr/print/swann/szyk/

93840 (286x411, 211Kb) (293x400, 10Kb)
 (380x296, 29Kb)
 (400x400, 25Kb)
 (450x675, 21Kb)
 (450x675, 40Kb)
 (450x675, 38Kb)

 (380x344, 18Kb)
 (400x400, 21Kb)
 (400x400, 30Kb)
 (523x215, 20Kb)
 (570x494, 34Kb)
 (598x394, 31Kb)
 (600x517, 36Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Четверг, 31 Мая 2007 г. 14:17 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (150x150, 7Kb)
1892 - родился Михаил (Мишель) Кикоин /Michael (Michal, Michel) Kikoïne / (1892-1968), французский художник (1892–04.11.1968)

Одаренный сын банкира и внук двух раввинов из маленького юго-восточного городке Речица возле Гомеля в Беларуси, Мишель Кикоин еще подростком начал обучаться в школе рисования Крюгера в Минске. Там он встретился с Хаимом Сутиным, с которым буднт дружить на протяжении всей жизни. В возрасте шестнадцати он и Сутин обучались в Школе изяшных искусств в Вильнюсе, а в 1911 году он переехал в Париж и присоединился к растущему художественному сообществу в квартале Монпарнас. Это художественное сообщество включало его друга Сутина и их коллегу белорусского художника Пинхаса Кремень /Pinchus Kremegne/ который также учился в Школе изящных искусств в Вильнюсе. Их учителями были Писсарро и Сезанн

В то время молодой художник жил в Ла Руше и учился в Национальной Школе Изящных Искусств. В 1914 году он женился на молодой женщине из Вильнюса, Розе Бунимович, которая родит ему дочь и сына. Их сын, Янкель Жак /Jankel Jacques /, который родился во Франции в 1920 году, тоже стал художником и до сих пор живет и работает в Париже. В год своей женитьбы Кикоин вступил добровольцем во во французской армию, где прослужил до конца Первой мировой войны

Начиная с 1926 года, Кикоины поселились на ферме во французской Бургундии. Сутин, Бальтус, Кремень и американский художник Рассел присоединился к нему. Именно здесь они все написали многие свои знаменитые пейзажи

Первая выставка Мишеля Кикоина состоялась в Париже в 1919 году, после чего он регулярно участвовал в выставках Салона. Его персональные выставки состоялись в галереях Cheron (1920) и Netter (1924) Также он выставлялся в галереях Zborovsky, Bernheim, Billiet-Worms и Ersid в Париже и в галерее Brummer в Нью-Йорке. Экспонировался на выставке современного французского икусства в Москве в 1928 году и на выставке Ecole de Paris в галерее S. Lesnick в Париже. Его работа была достаточно успешной, чтобы обеспечить приемлемый образ жизни для него и его семьи, позволяющий им летом писать пейзажи на юге Франции, наиболее заметным из которых является его ''Paysage Cezannien'', в духе великого Поля Сезанна.

С началом Второй мировой войны и последующей оккупацией Франции немцами, Мишель Кикоин и его еврейская семья подлежали высылке в нацистские лагеря смерти. До конца войны они находился недалеко от Тулузы. После освобождения Франции союзными войсками, он вернулся в Париж, где он писал в основном обнаженную натуру, портреты и автопортреты.

В 50-х годах он жил в Испании и Италии, три раза посетил Израиль.

В 1958 году он переехал в Канны на побережье Средиземного моря, где он вернулся к пейзажной живописи, которой занимался до своей кончины 4 ноября 1968 года.

В 2001 году в университете в Тель-Авиве, Израиль, открыто новое крыло в Genia Schreiber University Art Gallery, посвященное памяти Мишеля Кикоина.

http://pl.wikipedia.org/wiki/Michel_Kiko%C3%AFne
http://www.anoca.org/he/france/michel_kikoine.html
http://www.artexpertswebsite.com/pages/artists/kikoine.html
http://www.artfira.com/site/en/artist/0d75de24b92ce06bed82ff1852ee4be8
http://www.artinfo.pl/polswissart/aukcja_2000_12_10/oferta_kat_01.htm
http://www.artnet.com/artist/9460/michel-kikoine.html
http://www.belarus-misc.org/diaspora/yurevich/belarus/artists/main.html
http://www.insecula.com/contact/A011085.html
http://www.insecula.com/salle/MS03250.html
http://www.lechaim.ru/ARHIV/166/kurieva.htm
http://www.phillywire.com/Michel_Kikoine.html

 (342x480, 38Kb)
 (345x590, 11Kb)
 (383x480, 12Kb) (472x582, 27Kb)
 (494x409, 13Kb)
 (494x618, 25Kb)
 (631x402, 26Kb)
 (640x321, 22Kb)
 (650x539, 27Kb)
 (700x466, 19Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

Мелания Мутермилх (Мела Мутер) /Melania Mutermilch (Mela Muter)/

Дневник

Среда, 23 Мая 2007 г. 11:51 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора  (300x366, 18Kb)

Фактическое имя: Мария Мелания Мутермилх урожденная Клингслаг. Родилась в 1876 году в Варшаве, скончалась в 1967 году в Париже

Мутер родилась в богатой еврейской семье, ассимилированной в Польше. На протяжении всей своей истории семья оставались лояльной к традиции польской независимости, однако, Мутер провела большую часть своей жизни за границей, главным образом во Франции. Она посещала годичный курс школы рисования и живописи Милоша Котарбинского для женщин в Варшаве, но в Париже поддерживала редкие контакты с польскими художниками которые были частью международной школа Парижа /École de Paris/, хотя выставлялась с ними (например, в "Galerie du Musée Crillon").

В Париж она. отправилась в 1901 году. Позже он стал ее постоянным местом жительства, и в 1927 году Мутер приняла французское гражданство. Она посещала классы академии Académie Colarossi и Académie de la Grande Chaumiére, хотя и не регулярно, так как была в то время молодой матерью. Так что, в академическом смысле, она самоучка.

В 1902 году она стала представлять свои работы на ежегодной парижском Салоне; она также направляла работы, которые на ряд групповых выставок (в Кракове, Львове, и Варшаве). Серия сольных выставок началась с презентации в Барселоне в Galeria José Dalmau в 1912 году и в том же году она стала членом парижского Национального Общества Изящных искусств. Она много рисует и часто представляет свои работы в Париже, менее регулярно в Мюнхене,Питтсбурге и в Польше.

Ее личность формируется в широких и прямых контактах с членами парижской художественной и интеллектуальной элиты. Знакомства художницы включают живущих в Париже польских художников и авторов, как Леопольд Готлиб /Leopold Gottlieb/, Владислав Реймонт /Wladyslaw Reymont/, Леопольд Стафф /Leopold Staff/, Стефан Зеромский /Stefan Zeromski/ и Анри Барбюс /Henri Barbusse/, Артур Хоннегер /Artur Honneger/, Август Перет /Auguste Peret/ (который оформил дом художницы), Диего Ривьера /Diego Rivera/, Ромен Роллан /Romain Rolland/ и, наконец, Райнер Мария Рильке /Rainer Maria Rilke/, который стал другом Мутер до конца своей жизни.

Художница нарисовала портреты многих из этих лиц. Двое мужчин, с которыми её связывали тесные эмоциональные узы, сыграли важную роль в ее жизни. Это были Мишель Мутермилх, /Michal Mutermilch/, эстет и парижский корреспондент польской прессы, с которым она состояла в браке между 1899 и 1922 г. (хотя они фактически развелись в 1914 году), и Раймон Лефебвр /Raymond Lefebvre/, социалистической активист, трагически погибший в СССР в 1920 году.

На Мутер, как художника, повлияли самым решительным образом ее многочисленные поездки, особенно многие ее пленэры в Бретани и Испании. В результате приобретенного таким образом опыта она быстро отказалась от эстетики символизма, которая проявлялась в ее ранних работах – пейзажах и портретах ее друзей.

Она заинтересовалась работой художников школы Pont-Aven, которые нашли отражение в ряде ее работ в последующий период, - решительно, уверенно построенных картинах, которые в то же время остались интимными Некоторые из этих композиций легко ассоциируются с картинами Гогена, другие напоминаюте искусство Владислава Слевинского /Wladyslaw Slewinski/.

В свой зрелый период Мутер также создавала произведения под влиянием мощного увлечение искусством Поля Сезанна (пейзажи и натюрморты), Винсента ван Гога (пейзажи), Эдуарда Вилларда /Edouard Vuillard/ (интимные портреты пожилых мужчин и женщин, обездоленных людей, детей). Похоже, что уроки последнего оказывали наибольшее воздействие. Мутер и Виллард объединяет заинтересованность в повседневных человеческих ситуациях, интимной ауре, сдержанной цветовой схеме и тенденция к созданию цветовых пятен из более мелких частей. Только в ее натюрмортах она раскрывает свою чувствительность к красоте мира, выраженную в различных гаммах и в страстных цветовых фантазиях.

Ее натюрморты подтверждают ее художественный класс и отличаются экономией компонентов, яркостью, продуманной структурой и чистотой роскошных оттенков. Эти работы являются, пожалуй, наиболее полным воплощением кредо художника: "нужно быть сдержанным в искусстве, воздерживаться от представления всех деталей, и сосредоточить внимание только на важных вещах ".

В последующие годы она создала серию из выразительных композиций, которые впечатляют своей сильной, яркой, почти монументальной структурой, работы, откровенно воспевающие власть природы. Мутер также нарисовал фовисткие виды юга Франции и Сены (маслом и особой акварелью), по образцу работ Дуфи /Dufy/ и Марке /Marquet/.

Ее порты, баржи, пришвартованных на берегах рек, и буксиры, которые рассматриваются сверху изображены с использованием областей совершенно чистого цвета и сильными ударами кисти. Мутер жила в годы второй мировой войны в Авиньоне и продолжает работать по возвращении в Париж. Она вернулась к своим любимым мотивам и стилям, но рисовала менее интенсивно – препятствовали проблемы, связанные с ее зрением.

http://info-poland.buffalo.edu/web/arts_culture/painting/painters/Muter/link.shtml
http://www.polswissart.pl/cgi/search.cgi?szukaj=Muter%20Mela&l=1&pl=search
http://www.culture.pl/en/culture/artykuly/os_muter_mela
http://www.agraart.pl/cgi-bin/autor.cgi?act=1&qt=1142556260&nr=189
http://pl.wikipedia.org/wiki/Mela_Muter

 (487x600, 30Kb)
 (510x600, 164Kb)
 (574x698, 175Kb)
 (600x494, 105Kb)
 (600x490, 53Kb)
 (600x494, 53Kb)
 (600x482, 36Kb)
148005d (700x579, 117Kb)
 (700x582, 142Kb)
Рубрики:  Искусство
Евреи в искусстве

В этот день

Дневник

Пятница, 18 Мая 2007 г. 08:57 + в цитатник
Jostr (Наш_Израиль) все записи автора 23047616_l3 2 (150x150, 7Kb)

1909 - родился Виктор Борисович Корецкий (1909 – 04.07.1998) график-плакатист.

Виктор Борисович Корецкий учился в Московской средней изопрофшколе (1922—29).

Творческий метод Корецкого основан на сочетании натурных фотографий с рисунком карандашом и гуашью. Лучшие плакаты Корецкого (выполнены преимущественно в годы Великой Отечественной войны 1941—45) отличаются остротой построений, эмоциональной напряжённостью передачи драматических переживаний советских людей.
……………………………………………………………………………………………………………..

НЕСБЫВШАЯСЯ МЕЧТА

Виктор Корецкий, заслуженный художник России, лауреат двух Государственных премий СССР, никогда не был ни дерзким разведчиком, ни отважным партизаном, ни армейским командиром, Однако Гитлер считал его злейшим врагом третьего рейха и назначил большую награду за голову ненавистного еврея, метко сражавшегося с нацизмом с помощью плаката.

Поколение, пережившее Великую Отечественную, помнит работы Корецкого, одного из старейших мастеров фотомонтажного плаката. Наиболее известен его плакат “Воин Красной Армии, спаси!”: женщина, прижав к себе ребенка, готова грудью, жизнью своей защитить дочь от окровавленного штыка фашистской винтовки. Изданный 14-миллионным тиражом, он висел во время войны в штабах, в блиндажах и землянках, на стенах домов, а в виде листовки – в танках, кабинах самолетов. Фронтовики видели в этой гневной, непокорившейся женщине свою мать, жену, сестру, в испуганной беззащитной девчушке – дочку, сестру, залитую кровью Родину, ее будущее. Обобщающая сила художественного образа возмущала сердце, звала на смертельный бой с ненавистным врагом.

Потом появились плакаты “Боец, спаси меня от рабства!”, “Смерть детоубийцам!”, “ Кто такой Гитлер?” и многие другие. А позже, когда Красная Армия уже била врага на его земле, – “Я больше не могу!” – агония фашистского убийцы, дни которого сочтены.

... Виктор Борисович Корецкий родился в Киеве в семье оперного певца. В 20-х годах переехал с семьей в Москву, поступил в художественный техникум. Общался с известными авангардистами 30-х годов – Малевичем, Кандинским и Лебланом, учеником которого себя считал, Но к авангардному искусству душа его не лежала, реализм был ему ближе. Определяющим жанром творчества на долгие годы стал плакат. Он и принес художнику славу, мировую известность, награды. Его плакат “Партизанская колыбельная”, младенец в люльке из пулеметной ленты, висящей на безлистом суке сожженного пламенем дерева, приобрела Дрезденская галерея. Корецкий создал около семисот работ, но самая дорогая и памятная “Воин Красной Армии, спаси!” Внутренняя сила и динамика плаката вели солдат в сражение с фашистами, порой увереннее командирского приказа. Однажды в мастерскую художника пришел убеленный сединами полковник с рядами планок боевых наград на груди. Увидев на стене оригинал этого плаката, он опустился на колени, и скупая мужская слеза медленно потекла по его лицу.

Последнее десятилетие своей жизни Корецкий не работал над плакатом, в России этот жанр почти забыт. Но художник не расставался с кистью и мольбертом. Он возвратился к художественным замыслам своей молодости, создал целую галерею изумительных по красоте и мастерству исполнения полотен. В 1997 году французские кинематографисты сняли фильм о Корецком, его живопись близка по духу их традиционной школе. В 1998 году в Москве состоялась его персональная выставка.

Незадолго до кончины (4 июля 1998 года) Виктор Борисович познакомил автора этого небольшого очерка с последней своей работой: пророк Моисей на берегу Красного моря. Мудрый старец, провозвестник всех гуманных организационных начал человеческого общества, смотрит на мир, на нас, потомков, испытующе-требовательным взглядом.

– Я шел к этой работе всю жизнь, – негромко, словно опасаясь вторгнуться в тайный ход мыслей пророка, сказал художник. – Всю свою долгую жизнь... – И неожиданно спросил: – Знаете, о чем я мечтаю? Я стар и болен, мне не суждено увидеть землю моих предков. Мечтаю, чтобы эта картина продолжила жизнь в Израиле. Чтобы написанный на ней моими руками, моим сердцем пророк принес ему мир и благоденствие.

Мечта художника не сбылась и по сей день. Иностранные коллекционеры пытались приобрести это замечательное полотно, предлагали за него большие деньги. Художник не согласился, но ни одна еврейская организация не проявила к картине достаточного интереса, и Виктор Корецкий, уже тяжело больной, передал ее в числе 41 своих картин в дар Москве. Теперь она хранится в запасниках Государственного выставочного зала “Малый Манеж”, а могла бы занимать достойное место в Израильском Центре искусств в Тель-Авиве, стать художественным достоянием евреев всего мира.

Майя Немировская

http://www.lechaim.ru/ARHIV/99/nemirovskaya.htm

 (300x632, 20Kb)
 (340x482, 20Kb)
 (340x476, 15Kb)
 (340x478, 16Kb)
 (340x494, 14Kb)
 (340x449, 20Kb)
 (189x262, 11Kb) (189x287, 13Kb)
 (189x267, 11Kb) (189x301, 13Kb)
 (524x368, 19Kb)
 (524x404, 26Kb)
 (699x422, 23Kb)
Рубрики:  История
Искусство
Евреи в искусстве


 Страницы: [1]